Neoclasicismo y tendencias posteriores

Historia del arte del siglo XVIII. Neoclásico. Arquitectura neoclásica. Vanguardias artísticas. Siglo XX. Surrealismo

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ARTE Y ARQUITECTURA

NEOCLASICISMO. ( S. XVIII m - S. XIX m )

Se genera a mitad del s. XVIII, ( convive con el rococó, aunque son opuestos ). Implica una vuelta al pasado ( sería un Neorrenacimiento ) pero no solo se basa en Roma, como en el Rto., si no que se inspira primero más en Grecia, supone que todo lo griego es bueno.

Simultáneo al Neoclasicismo, aparece el Romanticismo, que es la expresión de lo subjetivo y cuida los contenidos.

El Neoclasicismo se preocupa en cómo contar las cosas y no da importancia al que, en el Romanticismo es, totalmente, opuesto.

Romanticismo: 1830 - 1850.

El Neoclasicismo defiende orden, equilibrio, mesura, que es opuesto a la Revolución ( en este caso. Francesa ), pero será este movimiento artístico el que elegirán los revolucionarios, lo que se entiende como una contradicción.

El origen se basa en la Tª de Winckelman, que publicó en 1755, “ Reflexiones sobre la imitación del arte griego “ y otro libro, “ Hª del arte de la antigüedad “.

Francisco Fenelón, fue admitido en la Academia Francesa y en su primer discurso proponía una vuelta al mundo clásico en la escritura.

En política, Montesquieu ( s. XVIII ) reflexiona a cerca de los sistemas políticos y se fija en Roma, quiere cambiar el Rococó por ser el lenguaje de la monarquía absoluta.

Lord Burlington ( Inglaterra), publicó en 1720 un album con dibujos de arquitectura paladiana, ( Paladio, Rto. )

Las tendencias hasta el s. XX fluían y se establecían poco a poco, porque las comunicaciones eran muy lentas.

Las exacavaciones arqueológicas en Pompeya (1737 ) y Herculano ( 1748 ), tapadas por las cenizas del volcán Vesubio en la época el Imperio Romano , permitieron conocer la arquitectura, el mobiliario metálico, las pinturas decorativas y enseres personales de Roma clásica. Todo esto generó un gusto, y una vuelta, por lo clásico, propiciado por Carlos VII, Rey de Nápoles, también Rey de España: Carlos III, que introducirá el Neoclasicismo en este pais.

Winckelman coincide con Göete y los mejores pensadores del mundo. También el arquitecto Souflot ( arquitecto de Luis XV ) comulga con el gusto por lo antigüo: Neoclasicismo.

Souflot hizo la Iglesia de Sta. Genoveva, edificio que más tarde fue secularizado por los revolucionarios y se transformó en el “ Panteón de los hombres ilustres “.

Madame Pompadour envió a su hermano ( Marqués de Marigny ) a Pompeya y Herculano para que vea como es la nueva moda europea. Su acompañante, el Conde de Caylux, publicó un libro “ Recuerdo de las antigüedades egipcias, etruscas, griegas y romanas “, que también contribuyó a la expansión de la moda clásica.

Le Roy , en 1758, publicó “ Ruinas de los más bellos monumentos de Grecia “.

Piranessi también contribuyó a la expansión del Neoclasicismo, era grabador y , técnicamente, estaba considerado como el mejor. Como no existía la fotografía, los grabados eran la forma de divulgación del arte más importante.

El pintor francés, David, estuvo 5 años en Roma ( 1775-1780 ), era pintor de la Corte Francesa, en Roma coincidieron con Antonio Rafael Mengs, que fue nombrado director de la “ Academia de Bellas Artes de San Fernando “ en Madrid, e impuso su criterio, filosofía y estética, cambiando toda la mecánica de aprendizaje, impone el Neoclasicismo. ( Gracias a él, los hermanos Bayeu fueron a Madrid a pintar frescos en palacio y cartones para tapices).

También Goya va a la Corte, primero pinta cartones para tapices y , luego, Carlos III lo nombra pintor del Rey. Su estilo estará a caballo entre el s. XVIII y el XIX, y se fusiona muy bien a ellos. En sus últimos años fue bastante Neoclásico.

Desde el punto de vista teórico se expande la idea de que el artista debe subordinar su creación al bien de la comunidad. “ Hay que hallar la armonía entre la belleza y la verdad” era uno de los principales teoremas del Neoclasicismo.

  • ARQUITECTURA:

El Neoclasicismo tendrá varias fases:

  • Luis XVI: 1774-1789

  • Revolución: 1789-1795

  • Directorio: 1795-1799

  • Consulado: 1799-1804

  • Imperio: 1804-1814

El momento de expansión de Paris será con Napoleón, cambiará los modos de ordenar las salas de guerra, era un gran estratega.

Cuando va a Egipto, empieza a querer ser como los faraones y lo imita, gran parte de su mobiliario tendrá tendencia egipcia.

Realmente, el estilo Imperio ( Napoleón ), no se nota en arquitectura, sino en interiorismo y mobiliario, donde tendrá tanta personalidad que excederá del Neoclasicismo. Así, el mueble del Imperio es desmedido.

  • LUIS XVI , ( 1774-1789 ):

  • INTERIORISMO LUIS XVI:

Propone como modelo lo griego, tal y como hizo Winckelman.

Se inspira en la línea recta y proscripción de la línea curva. Restablecimiento de la simetría. La cual era utilizada como norma y símbolo del buen gusto.Se rechaza lo excéntrico.

Defiende la armonía, es capaz de rechazar elementos funcionales porque son disarmónicos. ( P. Ej. El armario, casi desaparece porque resulta excesivamente grande y aparatoso).

Comienza a haber una clara diferenciación de espacios y de función de los mismos, se consolidan los habitáculos independientes y de menor tamaño.

  • Muros.

No disimulan los entrepaños, sino que los resaltan , al igual que las molduras. Junto a éstas aparecen elementos decorativos utilizados en la arquitectura griega: meandros, grecas, ovas ( generalmente separadas por dardos ), etc, y siempre en relieve.

Dichos motivos aparecen sobre fondos claros y pintados, además utilizan telas impresas y sedas que se importaban de Italia y papeles pintados.

También emplean elementos decorativos rústico ( tomados del campo , pero no toscos ni rudos), aparecen las hoces, rastrillos, cestos de mimbre, etc.; Elementos simbólicos del sentimiento ( como pájaros dándose el pico ). También, las antorchas de fuego.

Utilizan en los muros, estucados con temas antigüos ( Pompeya y Herculano ). También hay pilastras estriadas.

En las partes altas de los muros, hay guirnaldas colgantes de hojas, flores y frutos con bucráneos entre las ondas colgantes.

También se utilizaban imágenes de animales como el delfín, la paloma, los bucráneos ( cabezas de cordeo) y las águilas ( símbolo del Imperio Romano ).

* Delafosse y Cauvet habían recopilado y diseñado estos elementos y aparecieron en un album.

En general, abunda el dorado, lo que se interpreta como un símbolo de poder y perfección.

Las ventanas son verticales y no tienen balcón, solo aparece la barandilla.

Las paredes y cortinas siguen la norma del gusto de los colores claros y los pasteles, como el color crudo. Eran muy sosegados y armónicos.

Los espejos están enmarcados con molduras simples y , generalmente, rectas, aunque también podían aparecer los arcos de medio punto. El espejo no era de una pieza entera, sino que se componía de distintas fracciones.

Los candelabros y lámparas eran de cristal de roca, sobre todo éstas últimas. Los candelabros solían estar sobre la repisa, enmarcando al espejo.

El cerco de la boca de las chimeneas era de ángulos y líneas rectas y podía aparecer un objeto en su interior.

Los suelos, solían ser de madera para garantizar el aislamiento térmico.

En las partes altas de los muros había repisas que acortaban las distancias óptimamente y hacían uso de clarooscuros ( igual que en el Mundo Clásico ), con lo que conseguían distintos volúmenes.

Como elementos decorativos, también aparecen porcelanas de Sevres o Wegdwood , bizcochos ( porcelanas porosas , que cuecen a menos de 1400 ºC , de color blanco ) y relojes ( muy típicos ).

En las bibliotecas era habitual que hubiese un globo terráqueo, generalmente de porcelana y un globo celeste ( metálico ). Los libros siempre estaban a mano pero resguardados del polvo y hurtos, y se ilustraban con grabados.

  • MOBILIARIO LUIS XVI:

  • Patas:

Lo que más define a un mueble Luis XVI son las patas, troncopiramidales con o sin estrías, decoradas con espirales ascendentes, y troncocónicas, que pueden rematar en un cubo.

  • Respaldos:

Son rectos u ovalados, con forma de medallón, si son calados , el elemento decorativo que aparece son las liras.

  • Muebles de caja:

Son cúbicos o prismáticos y se decoran con elementos tomados de la arquitectura clásica, sobre todo griega. Roma: guirnaldas, delfines, águilas y carneros. Grecia: dentículos y odas.

Para resaltar los elementos decorativos se siguen utilizando las taraceas metálicas.

El mueble aparece policromado en marfil con filetes dorados. Si aparecen otros colores, también son en filetes y con tonos como el azul.

Los muebles policromados en dorado eran exclusivos de la realeza: poder.

Estaba muy extendido el uso de la caoba.

  • Sillones:

No tenían chambrana, ni faldones, ni copetes, eran más sencillos y avanzados constructivamente.

Podía aparecer como elemento decorativo, el lazo.

Las mesas de escritorio tenían una lámina de cuero ribeteado en la parte superior.

Las cómodas solían tener la tapa de mármol.

Las mesitas auxiliares tenían crestería de latón en la parte superior como ornamentación y para evitar deslizamientos de los objetos que hubiese sobre ellas.

Los muebles que eran muy pesados ( cómodas, joyero, mesas... ) si que tenían chambrana, pero era muy baja.

Como elementos decorativos, los más utilizados eran los motivos clásicos ( cariátides, etc. ) y los elementos decorativos simétricos.

  • Diseñadores más importantes:

· Riessener

· Martin Carlin.

· Francisco Leleuvaseur.

· Weisweiler.

· Bernardo Moliton.

· David Röetgen.

· George Jacob.

  • ESTILO IMPERIO: ( Napoleón, 1804-1814 )

  • INTERIORISMO ESTILO IMPERIO:

En arquitectura no se considera estilo, sólo en interiorismo. Subestima al Neoclasicismo, tiene mucha personalidad.

Tiene una clara influencia egipcia, todo lo relacionado con los Faraones del Antigüo Egipto.

Como general y estratega, el interiorismo y mobiliario de Napoleón, también tiene inspiración militar.

Los principales arquitectos e interioristas de esta época son Percier y Fontanier.

También hay una clara diferenciación de habitáculos.

Los candelabros aparecen pegados en el marco del espejo, forman un conjunto con él.

El típico suelo napoleónico sigue un esquema ajedrezado, con baldosas blancas y negras.

En los muro, espejos y chimeneas hacen remarcos con molduras. En los espejos, hay molduras con bustos que los remarcan.

Las lámparas tienen más líneas rectas que en Luis XVI y ya no se utiliza cristal de roca.

En las paredes aparecen pinturas de figuras con indumentaria griega y también las paredes enteladas o con multitud de cortinas.

La chimenea y el espejo siempre van unidos.

Las mesas de despacho, delante de la chimenea: calor.

Los colores utilizados durante el Imperio eran.

Suaves y pasteles, al gusto de Josefina ( al igual que Mª Antonieta ).

Rojos intensos y verdes fuertes, al gusto de Napoleón.

Desde Luis XVI se empieza a valorar la vajilla, especialmente la cerámica que sustituye a la vajilla de metal, por eso Napoleón si saca la vajilla permanentemente es porque ésta es especial. El interior está recubierto de cristal, que recuerda a un tesoro romano hallado en Hildeshein.

  • MOBILIARIO ESTILO IMPERIO:

Algunos muebles incorporan un espejo al fondo. Suelen ser rectos y con aplicaciones de bronce.

Las sillas tienen el asiento cuadrado y reducen de tamaño ( en función de las vestimentas ).

Hay un tipo de asiento de clara inspiración en los “ klismos “ griegos, con el respaldo inclinado, las patas traseras curvas hacia detrás y las delanteras curvas o rectas.

Los taburetes son muy similares a las jamugas medievales estructuralmente, y la loneta de la tapicería superior cae hacia los lados.

Los respaldos son inclinados y terminados en voluta.

En los sillones, generalmente no hay chambrana, salvo que sean demasiado pesados, y no, obligatoriamente están retranqueados en los brazos.

* Liptores: cuando las patas delanteras se unen con el apoyabrazos.

Los elementos decorativos aparentes el mobiliario e interiores unificaban el ambiente: esfinges, etc.

ARQUITECTURA DE INGENIERÍA. ( 1851 - 1890 )

Es un movimiento arquitectónico potenciado por la aparición del ferrocarril.

Los ingenieros y , posteriormente, los arquitectos construyen, tras muchos estudios, puentes, estaciones de ferrocarril, etc. Los primeros que hicieron este tipo de construcciones pertenecían al ejército.

Empiezan construyendo estaciones, puentes, mercados, etc. Y enseguida pasan a la arquitectura efímera: palacios de exposiciones para grandes ferias.

Los avances técnicos permitieron que se generalizase el uso del hierro fundido ( con gran aguante de los empujes verticales, pero mal de los laterales ) , vidrio ( cristales gruesos de gran aguante y resistencia) y hormigón ( como base de las estructuras ).

Utilizaban columnas metálicas, con elementos historicistas ( elementos decorativos de la antigüedad: arcos de medio punto, relieves, etc. ).

Todo esto permitió la construcción de grandes cubiertas y espacios abovedados diáfanos, hasta entonces impensables constructivamente.

ARQUITECTURA HISTORICISTA. ( 1850 - ... )

1815- Congreso de Viena. Tras la reclusión de Napoleón en la isla de Elba se constituyó Europa más o menos como la conocemos actualmente. Entonces, hubo un despertar de los nacionalismos que dieron lugar a un movimiento arquitectónico y artístico: Historicismo, que posteriormente dio lugar al Eclecticismo, donde interesa más la forma y la utilidad que el concepto.

Los estilos ubicados dentro del Historicismo, se seguirán denominando con los nombres de los reyes en cuyo reinado se construyeron los edificios.

Es un movimiento inspirado en estilos anteriores, generalmente de la época medieval. Gótico ( pináculos, agujas, etc. ), Renacimiento, Barroco,...

Utiliza elementos constructivos de otras épocas, aunque arquitectónicamente no sean necesarios.

  • ARQUITECTURA HISTORICISTA ECLECTICISTA:

Movimiento arquitectónico derivado del historicismo donde los estilos anteriores que se imitan no se mantienen puros y se mezclan.

LA ESCUELA DE CHICAGO. ( 1871 - 1893 )

Es un fenómeno arquitectónico estadounidense que se dio a finales del s. XIX; se fraguó en torno a los años 80, a partir de la reconstrucción de la ciudad de Chicago, destruida en un incendio en 1871.

Chicago, entonces, estaba construida con estructuras de vigas de madera y tenía 300.000 habitantes.

La reconstrucción, fue un proyecto ligado a la estructura funcionalista que ya había sido predicada por Violet Le Duc en la teoría, y llevada a la práctica por los arquitectos de la escuela de Chicago. El más importante fue Louis Sullivan, cuyo axioma es : “ La forma tiene que estar supeditada a la función “.

En 1871, Chicago es un eje mercantil, sobre todo uno de los nudos ferroviarios más importantes del mundo.

Después de la reconstrucción llegó a 1.700.000 habitantes. Antes y después , Chicago es construida en cuadrícula ( propio de griegos y romanos ).

La reconstrucción duró unos 20 años y se encargó a un grupo de ingenieros que se habían formado en la Guerra de Secesión de EE.UU.

El suelo era muy caro y tuvieron que construir en altura para poder rebajar los precios, lo que dio lugar a los primeros rascacielos. Esto fue posible por la aparición y uso del montacargas. También variaron las formas de valorar las viviendas, el último piso pasó a ser el más valorado y más caro.

El montacargas lo inventó Ottis, en 1864, entonces era un ascensor de vapor. Baldwin inventó en montacargas hidráulico en 1870 , y el eléctrico fue inventado por Siemens en 1877, ( el más similar a los actuales ).

El ingeniero más importante fue William Le Baron Genney, en Chicago, ( ingeniero del ejército que había estudiado en la Escuela Politécnica de París ). También era arquitecto.

Los arquitectos que trabajaron con él fueron: Martin Roche, William Olabird, Daniel Burhnan y Louis Sullivan.

En la ciudad influyeron mucho Henry Richardson ( el más cultural, porque estudió en Europa y fue compañero de Le Bronste ) , Frank Yoyd Wright y William Le Baron.

La Escuela de Chicago dura hasta 1893, cuando se celebró la Exposición Colombina, donde se impusieron las ideas Neoyorquinas , que todavía construían edificios historicistas, ( los pabellones de la exposición se construyeron así ).

El funcionalismo de la Escuela de Chicago derivó en tres vertientes:

  • Corriente Estructuralista: ( William Le Baron ), pone todo el énfasis en el aspecto técnico. No está reñido con la estética pero le da más importancia a la estructura.

Sus edificios más importantes fueron:

· 1ª Laiter Building, construido con ladrillos, ventanales apaisados ( ventanas estilo Chicago ) y en el interior columnas de hierro fundido.

· 2º Laiter Building.

· The Fair, ( 1891 ), que fue uno de los más grandes almacenes. Se empezó a utilizar sistemas de cimentación con hormigón armado. Es un edificio tipo jaula, es decir, se construye primero la armadura y luego de cierra

· Reliance, ( 1890 ), edificio de 15 plantas con una pared cortina acristalada. Los aleros casi no sobresalen del edificio. Este edificio, junto con los almacenes Carson, representan el verdadero espíritu de la Escuela de Chicago.

  • Corriente Neorrománica: ( Richardson ), cuya obra más representativa son los almacenes Marshal, construido con piedra maciza ( un muro básico de piedra, típico de la tradición americana ).

Intenta combinar la tradición americana y el Neorrománico europeo. Enlazará con las ideas románticas por la búsqueda de la identidad.

Prima el funcionalismo. 1º construye en función de la utilidad y la función, y después reviste con aire neorrománico, ( influencia europea de Le Bronste ).

Muy representativo es el Auditorio de Chicago ( Louis Sullivan ), en cuyo interior destaca la longitud de la barra del bar, lo que denota la capacidad de hacer grandes espacios con casi ningún elemento ni soporte vertical.

  • Corriente Independiente: ( Sullivan ), en cabeza esta corriente , aunque también es neorrománico. Estaba muy mal vista pero luego se demostró que no lo era.

El edificio más importante son los Almacenes Carson, construidos en tres etapas. La función principal es que entre luz y la fachada principal está concebida para ello. Uso de líneas verticales y horizontales para crear equilibrio; no le importa que la estructura metálica se vea. Esta construido con esqueleto, tiene ventanas estilo Chicago ( apaisadas ).

La esquina principal está redondeada ( costumbre del s. XIX ), fue por imposición de los dueños, porque en la Escuela de Chicago no se solía construir con líneas curvas.

Fue la Escuela de Chicago la que terminó con los historicismos europeos. También ayudó a superar la dicotomía ( barreras ) entre el ingeniero y arquitecto: construcción y arquitectura como una única expresión.

La Escuela de Chicago es un conglomerado de conquistas técnicas: nuevas cimentaciones ( cimientos flotantes ), hormigón armado, esqueletos de acero ( desde 1860 aprox. ), uso de la ventana chicago ( recta y apaisada ), renuncia a los remates de los edificios ( desaparece el alero porque ya no tiene la función de proteger la decoración de la fachada, ya que la estética de las fachadas era muy sencilla). Triunfo de los nuevos materiales: soportan menos peso por lo que hay posibilidad de hacer más aberturas.

La Escuela de Chicago es el triunfo de una nueva tipología arquitectónica: los RASCACIELOS.

MODERNISMO. ( 1890 - 1910 )

Es un estilo de transición entre dos siglos y estilos, se genera a final del s. XIX y es menos homogéneo para Europa.

Tiende a la línea curva sinuosa, línea látigo, suave y con poco contraste.

Es una corriente burguesa, con muchos excesos decorativos que denotaban abundancia de dinero.

La industrialización ( hierro, acero... ) hizo en ella acto de presencia, así como la utilización de las artesanías. Tenía un diseño generalista modernista ( hojas y elementos vegetales largos y trepadores, cabellos,... ) y se integraban el él todas las artes.

Tiene dos corrientes.

  • Bruselas, ( Victor Horta, “ Casa Tassel “ ), con líneas curvas suaves.

  • Austria , Alemania y la Escuela de Glasgow .

  • MOBILIARIO:

Son muy importantes los materiales, es primordial que la obra esté muy bien terminada.

Interesa mucho más el cómo que el qué, esto hace que muchos de los muebles sean exagerados y no demasiado funcionales.

Abundan las tallas de elementos curvos y la marquetería. Algunas de ellas son de inspiración oriental. Uso de barnices brillantes.

Principales personajes: Victor Horta, Hector Guimard y Louis Majorelle.

  • PROTORRACIONALISMO:

Es un movimiento que degenera del Modernismo y apunta ya hacia el Racionalismo. Nació en Viena.

La Secesión estaba formada por un grupo de arquitectos y pintores que apuestan por lo moderno.

Es un modernismo de líneas rectas y ángulos, elementos prismáticos ( como en el cubismo ), con una mezcla de materiales entre los que sobresale el latón dorado. Los elementos secundarios son coincidentes con los otros modernismos ( p.ej. las cornisas y los ojos de buey ).

Se denomina PROTORRACIONALISMO de la escuela Vienesa de la Secesión.

Personajes:

· Otto Wagner.

· Joseph Olbrich.

· Joseph Hoffman.

ARQUITECTURA E INTERIORISMO RACIONALISTA.

Tras la 1ª Guerra Mundial ( 1914-1919), se crean unas necesidades artísticas y , sobre todo, arquitectónicas, similares a las de Chicago tras el incendio de 1971, mayoritariamente funcionalistas.

· RACIONALISMO EUROPEO:

Tiene sus antecedentes en la escuela de Sezesión vienesa, del protorracionalismo.

Está ligada a la estética funcionalista. Los edificios son bellos si están distribuidos armónicamente, bien iluminados, la luz matizada y se integran en el entorno. La iluminación es, fundamentalmente, natural. Se ve que el edificio forma parte del entorno, no se puede hacer un edificio sin tener en cuenta lo que le rodea.

Desliga a la arquitectura y al diseño de las ataduras históricas.

La estética, a partir del racionalismo, se perderá.

El racionalismo recogerá a las mejores figuras del siglo XX:

  • Le Corbusier.

  • Walter Gropius.

  • Nies Van Der Rohe.

  • Guiussepe Terragne ( Italia ).

  • Eduardo Torroja ( España ).

· LA ESCUELA BAUHAUS Y GROPIUS:

Gropius crea una escuela de diseño en Weimar ( Alemania ) , teniendo como base las escuelas de arte de Hernan Motessi, donde se impartían enseñanzas artesanales.

Los primeros objetivos en cuanto a la creación de la Bauhaus fueron:

  • Crear una escuela artesanal.

  • Los centros no deberían especializarse.

  • Los alumnos estudiaban de todo.

La educación contribuiría a la evolución del pais.

Henry Van Velde ( introductor del Modernismo en Alemania ), había creado, y dirigía, una escuela de artes y oficios y de diseño. Cuando se retira, propone a Gropius que entrara en 1919, el cual las unifica con intención de crear la Escuela Bauhaus. ( 1919-1933 ), donde a los profesores se les llamaba maestros y a los alumnos, apredices.

El tiempo máximo de permanencia en la escuela era de 4 años y previamente los alumnos debían hacer, y aprobar, un curso preparatorio que impartía Johannes Item, ( pintor muy racional que creó un método racional para aprender a dibujar ).

Los objetivos de la escuela fueron cambiando con el tiempo y derivaron en:

  • Pretenden sacar a todas las artes de aislacionismo. Educar a los alumnos de formas globales.

  • Elevar a la misma categoría las artesanías y las bellas artes.

  • Establecer un contacto permanente entre el centro docente y la industria.

La Bauhaus se caracterizó también por el diseño de objeto. Se plantean racionalmente el diseño objetual y la arquitectura.

La escuela atravesó por tres etapas diferentes al lo largo de los 14 años que permaneció abierta:

1ª etapa; ( 1919-1923 ): Caracterizada por la autoexpresión y el subjetivismo ( creatividad, imaginación... ). Gropius fichó a profesores de la “Deer Blauer Reiter” ( grupo de pintores expresionistas de vanguardia como Paul Klee, Kandinski, Feininger, pintor subjetivo, de sentimientos ).

En esta época, Item tuvo problemas con Gropius por los encargos arquitectónicos que el director hacía a los alumnos para su propia empresa y con cuyas ideas no comulgaba Item, y abandonó la escuela.

Al marcharse Item, entraron en la Bauhaus:

Joseph Albers; pintor que se ocupaba de la técnica del color. Intentó unificar los colores haciendo una carta de colores con explicación científica y homologable.

Moholy-Nagy, que comulgaba fuertemente con las ideas del constructivismo ruso e introdujo por primera vez como asignatura , el diseño gráfico ( logotipos, carteles... ).

Paul Klee y Kandinski entraron en 1921.

La Bauhaus dependía de las subvenciones estatales de la República de Weimar, lo cual no era aceptado por las ideas nacional-socialistas de Hitler.

2ª etapa; ( 1923-1925 ): Se modificaron los objetivos. No será la autoexpresión ni la creatividad propia, sino que cambian la metodología docente con un método más riguroso, casi científico.

En esta época, la política en Alemania se extrema ( extrema dereche- extrema izquierda ) y en la Bauhaus se da un conflicto. Gropius decide trasladarla a Dessau ( ciudad muy industrializada ).

3ª etapa; ( 1925-1933 ): Se proyectó el edificio de la Bauhaus, muy racionalista, donde se advierte que la misión de la nueva escuela es el desarrollo de una estética de diseño “ moderno” y preparada para enfrentarse al siglo XX, donde se plantean la utilización de la tecnología y materiales industriales en el diseño, llevándolo a la realidad del mundo material. Junto al edificio principal se proyectaron la residencia de los estudiantes, las casas del director y los profesores, etc.

En 1928 , Gropius abandona su cargo de director de la Bauhaus y el espíritu inicial de la escuela se pierde.

Lo sucedió el intelectual marxista Hannes Meyer ( diseñador y gran arquitecto ), que modificó la filosofía de la escuela porque él mide los resultados en función del resultado final social. Adopta dos principios básicos:

Criterios sociales.

Criterios científicos.

Los productos que salgan de la elaboración tienen que ser necesarios, precisos y neutrales, es decir, tienen que servir para todo el mundo. Todos los productos estaban estudiados por la diferencia de precios.

Encauza la escuela con una intención política y social.

En 1930, toma el relevo de la dirección de la Bauhaus, Mies Van der Rohe. Prescindía en la escuela del contexto social, lo cual denotaba lo que iba a ser. Fija una enseñanza técnica, artesanal y artística.

Los talleres desaparecen y convierte la escuela de diseño, en una escuela de arquitectura. No influyen los criterios sociales, trabaja con materiales caros , y al alcance de unos pocos, sin importarle, ( diseño de élite ).

En 1932 los nacional-socialistas ganan las elecciones en Dessau, Van der Rohe traslada la escuela a Berlín donde, al año siguiente, 1933, Hitler gana las elecciones y los Nazis - poco convencidos de los valores del modernismo- deciden cerrarla.

Estos problemas con los nazis se dieron porque construían al estilo de Le Corbusier, tejados aterrazados, ausencia de buhardillas, mucho cristal , líneas geométricas, ausencia de elementos decorativos...Se consideraba una arquitectura internacional que no era entendida por los nacionalistas. ( La arquitectura de Gropius es similar a la de los judíos y mediterráneos ).

· NEOPLASTICISMO: ( DE STIJL ) :

Grupo de artistas de las primeras décadas del siglo XX, formado en 1917 por pintores, artesanos y arquitectos, mayoritariamente holandeses.

Sus obras de arte se basan en la idea de que el mundo, en última instancia está regido por un orden abstracto y geométrico: la retícula rectangular domina el espacio. Cada forma puede reconstruirse a partir de rectángulos y los diferentes matices de color se consiguen combinando los colores primarios: rojo, azul y amarillo, sin ningún tipo de estructuración ni de sombreado, esdecir, planos.

Piet Mondrian fue el pintor más característico de este movimiento, donde desde la abstracción en los objetos representados los sometía a un esquema de configuración cúbica y colores planos y primarios.

Los arquitectos Theo van Doesburg y Gerrit Thomas Rietveld, formularon tridimensionalmente lo que Mondrian había desarrollado con su pintura abstracta, proponiendo la renuncia a la decoración ornamental y el desarrollo y la combinación de espacios cúbicos que, partiendo del ángulo recto proporcionarían plantas libres, ausencia de jerarquía en fachadas, superficies lisas y colores claros, cubiertas planas...

Van Doesburg, se instaló en Weimar con intención de impartir clases en la Bauhaus, pero nunca lo hizo, creó una escuela en la que daba clases preparatorias para los futuros alumnos de la Bauhaus. Tuvo gran influencia en la escuela.

· LE CORBUSIER:

Fue el padre del racionalismo, pero no toda su vida fue racionalista.

Cuando diseñaba mobiliario, lo hacía con la sra. Perry And, que diseñó casi todo el mobiliario de Le Corbusier aunque, según la época, quedaba relegada a un segundo plano.

Las ideas de Le Corbusier se publicaban en una revista que él publicaba “ Le Spirit Nouveau “. Allí defendía que la casa es una máquina para vivir. Fue discípulo de Peret ( modernista ), trabajó con Garnier ( que diseñó el plan urbanístico de Paris ) y , también fue discípulo de Peter Berens ( maestro de Gropius ).

En 1920 diseñó la Maison Citroan, en la que todavía se utilizaban paredes maestras y era prismática.

En 1922, diseñó el modelo urbanístico de una nueva ciudad bajo el título “ Una nueva ciudad contemporánea “.

En 1925 comienza a plantearse una arquitectura que tiene que ver con el mundo de la máquina, lo que implicaba geometría, ( prisma, cubo, cilindro, pirámide, esfera ! volúmenes puros ).

En 1927, propone la Colonia ( urbanización ) WeiBenhof, una estética fundamentalmente nueva resumida en un programa de 5 puntos.

Fue el creador de los C.I.A.M. ( congreso internacional de arquitectura moderna ). Duraron 10 ediciones y posteriormente comenzaron a plantearse si el racionalismo tenía sentido.

Le Corbusier abogó por la estandarización de los objetos, inclusive en arquitectura.

Los 5 puntos básicos para la arquitectura , publicados en el “ Módulo “ son:

  • Pilares ( “ pilotis “ ); uso de ellos para evitar las humedades, porque queda al aire y se ventilan los edificios por la parte inferior. Utiliza hormigón armado.

  • Techo jardín; cubiertas planas, terrazas, sin tejas, sin buhardillas. Concibe la terraza como lugar de esparcimiento comunitario, para toda la gente del edificio.

  • Ventanas horizontales; tipo Escuela de Chicago. Esto fue posible cuando desapareció el muro de carga.

  • Planta libre; al no haber muros de carga los tabiques son móviles y las casas pueden ser diferentes entre si. ( Esta idea ya estaba muy presente en William Le Baron Geney ).

  • Utilización de la fachada libre; termina la jerarquía de las fachadas. No existe muro de carga y puede diseñar la fachada en función de cada piso.

Le Corbusier trabajó siempre con hormigón armado basto. A veces construía con ladrillo y lo recubría de hormigón.

La valentía en el uso del hormigón armado y su arquitectura rica en volúmenes es lo más característico de este arquitecto.

Dado que en Alemania e Inglaterra la legislación no permitía construir con hormigón armado, Le Corbusier desarrolló su obra en Francia y Centro Europa.

· MIES VAN DER ROHE:

Considerado uno de los principales y más importantes arquitectos del s. XX.

Le interesaba, sobre todo, solucionar problemas técnicos, no le interesaban ni los problemas sociales ni técnicos como a Le Corbusier.

Utiliza materiales muy caros a los que no todo el mundo puede acceder. Es un estético, hace un racionalismo estético e incluso organicista desde el punto de vista de la introducción de sus edificios en la naturaleza, mediante grandes fachadas acristaladas que permiten una gran entrada de luz natural y vistas muy próximas de la vegetación.

Fue discípulo de Berens y director de la Bauhaus en sus dos últimos años. Tuvo contacto con el Neoplasticismo y el constructivismo ruso.

Pasó de una arquitectura y diseño cálidos a una arquitectura y diseño muy frios, con perfiles de acero, vidrio, mármol verde, etc., pero siempre funcionalista. Plantas libres, panelería como diferenciación de espacios interiores, etc...

·SURREALISMO:

Es un movimiento artístico que se dio en el periodo entre guerras, además del racionalismo.

Es un movimiento joven , de una generación que deriva de los dadaístas, que indaga en el subconsciente y se caracteriza por el elemento “azar” y el “ sueño”. ( Es el momento de Freíd, el auge de psicoanálisis, ... ).

Los elementos anacrónicos, imposibles en la realidad, etc, se traducen a la realidad en la pintura, el interiorismo, etc. Aparece la técnica del “frotage”.

Uno de los más importantes diseñadores , además de Miró, Bretón,..., fue Dalí que, a pesar de estar mal visto por los franceses, viajó a París con Roberto Mata. En España tuvo tanto admiradores como detractores.

Carlo Molino fue otro importante artista del surrealismo, trabajó, sobre todo, en los años 40, los cuales fueron años de depresión a causa de la 2ª Guerra Mundial. Abarcó años de guerra y de postguerra.

En ese tiempo el diseño europeo no estaba demasiado en boga y el interiorismo surrealista se desarrolló mayoritariamente en EE.UU.

Al terminar la guerra , el primer país que empezó a diseñar fue Italia, seguida muy de cerca por los paises nórdicos.

Carlo Molino creó en Milán un taller donde se fabricaban muebles con cierto aire surrealista. Era un gran coleccionista de publicaciones eróticas, por lo que se dice que su mobiliario e interiores tienen cierto aire de erotismo, debido a la gran abundancia de curvas.

Fue un gran admirador de Gaudí ( modernista) y del movimiento modernista ( orgánico, curvilíneo, artesanía, ...), e intenta convertirlo en pura industrialización, utilizando la línea curva como lo hacían los modernistas pero la industrializa e incluso alardea de la estética industrial.

· ORGANICISMO:

Es una corriente que intenta poner el acento en establecer el sentido humano de las edificaciones.” Los edificios se hacen para el hombre “.

Calvo Serraye, catedrático y crítico de arte contemporáneo, dice que el organicismo es una fórmula que significa concebir la arquitectura en función de la experiencia y trabajar con la intuición frente al modelo racionalista que trata de organizar la realidad donde el plano ideal es preconcebido y deductivo.

Organicista ! intuitivo

Racionalista ! deductivo.

Organicismo: manifestaciones arquitectónicas que tratan de adecuarse con la naturaleza, vive de la experiencia. Se debe a Frank Lloyd Wright ( 1869-1959).

Arquitectura orgánica busca lo particular ! individuo.

Arquitectura racionalista busca lo universal ! individuo con la sociedad.

· Características de la arquitectura orgánica:

1.- Planta libre, continuidad de ambientes.

2.- Concibe la vivienda como una unidad tanto en el interior como en el exterior.

3.-Utiliza materiales naturales.

4.-La casa se concibe como protección, por tanto cerrada.

Nace y se desarrolla en EE.UU, con mucha independencia de lo que se está haciendo en Europa.

El organicismo triunfa en el mundo después de la 2ª Guerra Mundial, erchaza la norma, la institución, el sistema; por eso es intuitiva.

Arquitectos principales:

  • Alvar Aalto ( Europa).

  • Frank Lloyd Wright ( EE.UU ).

Wright y Mackintosh ( modernista escocés, diseñador de mobiliario y arquitecto ) fueron contemporáneos , pero Mackintosh se queda en el Modernismo, no sale de él.

Wright fue creador del organicismo y discípulo de Sullivan, por tanto conoció el fenómeno de la Escuela de Chicago.

ORGANICISMO RACIONALISMO


  • Forma múltiple.

  • Dinámica.

  • Independiente de las leyes y la geometría.

  • Concibe la estructura como un organismo que crece según las leyes de su propia existencia pero en armonía con cuanto le rodea.

- Al sistema, a las leyes.

  • Estática.

  • Se basa en la geometría.

  • Concibe la arquitectura como un mecanismo, siguiendo un orden establecido.


  • FRANK LLOYD WRIGHT:

Vivió en Japón, donde encontró grandes soluciones para la construcción de rascacielos, ya que allí el suelo era muy fangoso y costaba hacer grandes construcciones.

Construyó sin normas, no le ata ningún esteticismo externo, respeta mucho los materiales en estado natural y también las desigualdades del terreno.

La 1ª arquitectura de Wright no es orgánica, aunque asiente las bases para este estilo.

Conceptualmente siempre comienza por la chimenea, desde dentro hacia fuera, lo cual va en contra de algunos principios arquitectónicos.

Sus edificios no tienen mucha luminosidad ya que piensa que las grandes cristaleras reducen la intimidad , suponen una pérdida de calor y el Sol molesta a los habitantes de las casas con muchos cristales.

Utiliza calefacción radial, por el suelo, desde la chimenea por las “glorias” que discurren por el suelo y calientan toda la casa.

Es partidario del fuego de la chimenea no solo por el calor, sino por la sensación de confort que ofrece el fuego.

Hace una arquitectura fisiológica ( físico) y psicológica ( aspecto psicológico ). Está en el extremo opuesto al funcionalismo europeo.

Todo esto lo plasmó en un libro “ El futuro de la arquitectura “, publicado en Buenos Aires en 1958.

La arquitectura de Wright se divide en tres etapas:

  • 1ª ETAPA: Corresponde a lo que él llama “ Las casas de la Pradera”, tiene influencia japonesa , aunque aún no había estado en Japón, había visto el pabellón de Japón de la Exposición Precolombina de 1893,donde la arquitectura tradicional y contemporánea estaba representada por medio de grabados.

A partir de 1902 traslada la idea de arquitectura japonesa a EE.UU.

Los edificios son más sencillos y realizados a base de planos simples, los materiales usados están al descubierto ( mampostería, hormigón, ladrillo, madera ), la chimenea está en el centro, los tejados sobrevuelan la casa mucho e impiden que entre la luz del Sol directamente. La luz entra por ventanales continuos situados en la parte alta de los muros cerca del tejado.

Ejemplos arquitectónicos de esta etapa son , la “Casa Willitt “, donde utiliza por 1ª vez la ventana esquinera porque tiene mayor ángulo visual; la “ Casa Robie “, la cual es un prototipo de esta etapa.

En 1915 se marcha a Japón, donde estará cinco años estudiando el problema de la construcción sobre suelos fangosos y sobre terreno sísmico.

Hizo un edificio sobre pilares y con todas las conducciones con forma ondulada para que si había un terremoto ( y/o suelo fangoso ), no se rompiesen.

Tras el terremoto de 1923 en Japón, solo se mantuvo en pie el Hotel Imperial, el cual fue construido por Wright.

  • 2ª ETAPA: En 1930 empieza su interés por el Racionalismo. Construyó la “ Casa de la Cascada “ para el Sr. Kauffman, influenciada por las formas y materiales racionalistas.

La casa se edificó sobre una cascada para dar la sensación de plena naturaleza, lo cual denotaba ya algo de organicismo.

  • 3ª ETAPA: A partir de 1939, define su arquitectura como una arquitectura orgánica, acentúa las líneas curvas sobre las rectas.

Sigue utilizando materiales tomados de la naturaleza ( poco Hormigón armado, poco hierro,... ), construye en torno a la naturaleza, no sobre ella.

Las casas son flexibles, abiertas, con chimenea central pero fácilmente modificables.

Los ejemplos arquitectónicos de esta etapa son:

Fábrica de ceras Jonson” ( sección administrativa ), es lo más característico de esta etapa ( 1937-1939 ). Es una arquitectura organicista.

Es un edificio de una sola planta que soluciona los problemas de iluminación con ventanas muy altas cerca del tejado. Se hizo famoso por la sala central con grandes columnas y capiteles en forma de hongos enormes. Hizo los techos muy altos , lo cual eliminaba la sensación de agobio.

También es muy importante la “Torre Jonhson”, en este mismo edificio. (1950).

Museo Salomón Guggengheim” (1943-19589. Realmente el grueso de la construcción fue a partir del final de la 2ª Guerra Mundial, en 1945. Está situado en la 5ª Avenida de Nueva York y es un símbolo de la arquitectura contemporánea.

Es un tronco de cono invertido al que se accede por rampas. Tiene una disposición de hélice ( forma de sacacorchos). Se va hasta la parte más alta por un ascensor y se va descendiendo por las rampas visitando las distintas salas del museo. La luz entra por una cúpula central y la calefacción es radial.

Los museos suelen tener luz natural, con claraboyas y ventanales muy altos para que no deslumbre.

Es un espacio para disfrutar del espacio, del edificio, además de las obras expuestas.

La difusión de las obras de Wright en Europa, se debe al arquitecto holandés Berglander.

  • ALVAR AALTO:

Arquitecto finlandés organicista. En Europa se le conoció a partir de 1930.

En 1930 lo orgánico empieza a aparecer en las artes plásticas, lo irracional se liga a lo funcional del racionalismo, ya que no hubo una ruptura total.

Con el organicismo comienzan a aparecer los elementos que no tenían ninguna función específica.

Aalto aportó a la arquitectura contemporánea el descubrimiento de la madera ! arquitectura finlandesa " arquitectura mediterránea ! clima nórdico " clima mediterráneo.

La madera es la principal fuente de ingresos de Finlandia, por lo que Alvar Aalto la utilizaba mucho.

Elie Saarine ( arquitecto finlandés ), abrió las puertas a Aalto, y se marchó a EE.UU, donde montó una empresa de mobiliario.

Aalto diseñó la casa de sus padres antes de terminar sus estudios de arquitectura.

En 1929 diseñó la “Plataforma para la orquesta de la Exposición de Turquú.”

Antes de cumplir 30 años ganó varios concursos públicos: el “Edificio de la Cooperativa Agrícola” , el “Palacio de Turquú” ( Finlandia), la “Biblioteca de Viipuri” y el “Sanatorio de Paimino”. ( *concurso público: elegido como arquitecto para esas obras ).

En el “Sanatorio de Paimino”, fue el primero que pensó en la manera de construir ese tipo de hospitales con grandes habitaciones con terrazas en una zona arbolada, muy bien delimitadas las zonas hospitalarias para prevenir contagios, etc. Este hospital tiene un solarium muy grande para que los enfermos tuviesen una zona de esparcimiento y comunicación. Es un edificio muy alto en cuya terraza se plantaron pinos finlandeses naturales.

· RICHARD NEUTRA: dicen de él que es el último gran organicista internacional. Siguió las pautas de la arquitectura organicista y estructural de Wright.

Su obra más característica es la “ Casa Kauffman “ ( 1946-1947).

· SAARINE Y CHARLES EAMS: Arquitectos y diseñadores que se salen de época , por lo tanto son difíciles de clasificar.

Ganaron el primer premio de arquitectura organicista.

Desde el punto de vista plástico, si mantienen un estilo organicista.

Con la silla modelo “ Concha” ( 1941), ganaron el primer premio de “ Diseño de mobiliario organicista Wombchaile”.

* La postmodernidad ( a partir de los años 60 ) en la arquitectura contemporánea, rompe con el racionalismo ( moderno ), y se basa en la cita de la antigüedad, no la copia, sino que hace alusión a ella.

· AÑOS 70:

Son definitivos para entender el interiorismo de los años 80.

El movimiento moderno ( racionalismo, arquitectura internacional,... ) se cuestiona desde las altas esferas y , a partir de los 60, se divulga entre toda la sociedad. Después de éste se acuña la vulgaridad, el POSTMODERNISMO.

En 1972, Robert Venturi publicó “ Aprendiendo de Las Vegas “ tras estudiar esta ciudad. Defendió y definió la arquitectura como un cobertizo para vivir pero decorado; no como decía Le Corbusier, que era una máquina.

Charles Moore inicia la postmodernidad tomando como referencia “De Stïlj” ( plasticismo), fachada falsa, superposición de elementos con escalas distintas, define la arquitectura como una escenografía de manera superficial y arbitraria.

Lo más característico fue la “ Plaza de Italia” ( Orleáns, 1976 ), con elementos falsos y citas a la historia, construida por Charles Jencks, que publicó en 1977 “ El lenguaje de la arquitectura postmoderna”, y consolidó un eclecticismo superficial, la vuela al pasado pero “ porque sí”, sin orden aparente. El uso de las citas al pasado era común.

En Europa la postmodernidad comenzó con Aldo Rossi que formó parte de un grupo llamado “ Tendenza “, que intenta recuperar el racionalismo italiano de los años 30 ( no la filosofía, sino el aspecto ). Pretendían reivindicar la arquitectura de Terragni pero descontextualizada del fascismo del que él era partidario.

Un seguidor de este grupo y de Rossi fue Mario Botta, arquitecto suizo formado en Venecia que admiraba a Le Corbusier y a Louis Kaan. Sus construcciones son como un hito en el paisaje, sus monumentos singularizan el paisaje, lo que le rodea, aunque sea urbano.

En los 70 comienza a criticarse la reconstrucción que se hizo en Europa después de la 2ª Guerra Mundial, al modo americano de la Gran Manzana, el concepto de bloque.

Los hermanos Krier fueron los primeros en criticar ese modo de construcción moderna en el casco antiguo de una ciudad. Criticaron directamente la “ Carta de Atenas “ y reivindicaron la calle y la plaza, típicas de la estructura urbana europea. Consiguieron que el centro de Bruselas se reconstruyese y no se convirtiese en un Manhattan.

En Berlín, Joseph Paul Kleihuef construyó una manzana de 270 viviendas, perforada por arcos en la planta baja que convirtió en un parque público.

En Nueva Cork, en la década de los 70 un grupo de arquitectos llamados los “Five” hicieron una gran exposición; la prensa los llamó los “ White “ porque usaban mucho el color blanco con el fin de aumentar volúmenes y tamaños. Meyer utilizó madera pintada de blanco.

Son herederos del racionalismo y pretenden hacer proyectos imposibles ( p.ejem. un cubo sobre otro aprovechando la intersección entre ambos). En ocasiones, un cubo es de color blanco y otro es gris .

“Los White” continuarán edificando en N.Y y estaba formado por: Peter Eisenman, Michael Graves ( actualmente muy importante ), Charles Gwathmey, John Hejduk y Richard Meyer.

Gwathmey montó un gabinete de arquitectura en los años 70 y no continuó haciendo grandes obras.

Hejduk casi hizo pocos edificios porque sus proyectos eran casi inviables.

Graves comenzó a hacer grandes edificios postmodernistas.

Meyer sigue estando de actualidad y es un arquitecto muy importante.

En los años 60 aparecieron dos grandes movimientos:

  • La arquitectura japonesa.

  • Archigram: hace propuestas arquitectónicas a través del cómic en la cultura pop. Fue como una utopía.

La utopía del Archigram se hará real en los años 70 a través del HI-TECH ya que éste dota a los edificios de gran flexibilidad. Defienden el uso de materiales sintéticos y la tecnología que habían sido aportados por la técnica naval y aeroespacial.

La generalización de este movimiento se produce a partir de 1971, gracias a las propuestas realizadas por Renzo Pirano y Richard Rogers para el “Centro de Arte Contemporáneo George Pompidour”; esta propuesta está inspirada en las ideas y trabajos de Archigram, es un edificio muy industrializado.

Este edificio fue lo más importante del HI-TECH, la arquitectura de la “ tecnología punta “.

El fenómeno de HI-TECH y la proliferación de espacios de arte contemporáneo ayudó a limpiar las zonas de las ciudades de indigentes y delincuentes, ya que abunda la gente joven y se renueva la población.

Renzo Pirano se separó de Richard Rogers y este último realizó la “Sede Lloyd's” en la City de Londres ( 1978 ), donde la parte permanente está en el centro y lo potencialmente modificable se encuentra en la periferia del edificio.

Con Rogers trabajó un arquitecto que, inicialmente , no era partidario de HI-TECH, Norman Foster, que realizó el “ Metro de Bilbao “ y el “ Banco Honk Kong-Shangai “ ( se dice que es su edificio más importante ), el más grande e innovador edificio de la época y donde se hace alusión a la tecnología y al HI-TECH, basándose en las teorías de Rogers, aunque al principio Foster no era partidario de este movimiento.

· AÑOS 80:

Fue el momento de la gran explosión del POSTMODERNISMO.

El gran técnico de esta arquitectura es Charles Jencks, que reunió los aspectos de la arquitectura postmodernista. Su obra fundamental fue “ El lenguaje y la arquitectura postmoderna”.

El postmodernismo es un movimiento arquitectónico que luego recoge las artes plásticas, pintura,...

El postmodernismo comenzó en los años 60, tras la crisis del movimiento moderno, y sus precursores fueron Aldo Rossi ( con la casa que construyó para su madre, “Hill House “) y Venturi.

En los 80 se dieron cuenta de que la arquitectura clásica había pervivido hasta la época actual.

Jencks clasificó la arquitectura postmoderna:

  • Lo predominante es el motivo irónico.

  • Utilizan elementos clásicos sueltos. Citas a la historia.

  • Pone como ejemplo la Plza de Italia ( Orleáns ) y el ayuntamiento de Pórtland.

Dentro de esta clasificación hay una arquitectura latente porque predominan los principios clásicos de organización del edificio pero no el lenguaje formal.

Hay otra arquitectura, que él llama MENTALISTA, que saca lo esencial de la arquitectura clásica Rafael Moneo Rossi.

Arquitectura CANÓNICA, postura más retrogratoría, más proxima al “ revival”, por tanto al historicismo.

En Reino Unido y EE.UU, comienza a nombrar se a Ricardo Bofill.

Arquitectura MODERNA, plantea lo clásico como un ideal permanente que ese puede compatibilizar con nuevas técnicas ( mezcla lo moderno y lo antiguo ).

El postmodernismo siempre cita lo clásico, por ello se le ha acusado de eclecticismo radical, arquitectura superficial y cosmética. Se ha dicho que lo único importante era el envoltorio formal y encima estaba plagado de citas que han convertido al arquitecto en decorador.

El movimiento moderno nos enseñó que primero tiene que funcionar y luego se puede decorar todo lo que se quiera.

En los 80 la economía creció, era una economía occidental capitalista y se lo podían permitir.

La postmodernidad se toma muy en serio el funcionalismo.

Uno de los arquitectos más importantes es Michael Graves ( del grupo de los “ White “. Utiliza el color gris con el blanco para que se vea intersección volumétrica. En 1975 rompe con los “White” y decide apostar por la arquitectura postmoderna; estuvo 5 años haciendo proyectos sin que se los aprobasen.

En 1980 gana un concurso para realizar “ Las oficinas centrales de Pórtland “, se pone de manifiesto la idea de que la arquitectura es un cobertizo decorado.

La habilidad de Graves con la arquitectura postmoderna le convertirá en el arquitecto más importante de la factoría “Disney “.

Las oficinas de Pórtland es un edificio muy funcional, convencional, pone el énfasis en dos fachadas y llaman la atención dos columnas.

Otro de los grandes edificios es el rascacielos “ AT & T “, de Philip Jonson, introductor de la arquitectura de Mies Van der Rohe. En los 80 vuelve a los esquemas de Right y Sullivan. Hace alusión a tres citas de la historia:

1.- Fachadas revestidas de piedra natural.

2.- Fustes estriados. ( Capilla Pazzi de Florencia ).

3.- Remate superior que recuerda a un armario Chipendale ( Barroco inglés ).

En la “Bienal de Venecia”, se dio la consagración de la arquitectura postmoderna (1989 ), todo lo que se mostró allí estaba dirigido y organizado. Se trató como tema la arquitectura del pasado.

Paolo Portoghesi diseñó, lo que él denominó, una “Strada Novísima “ ( calle nueva ), era una sucesión de fachadas, hechas por los arquitectos de mayor renombre del momento, en cartón piedra.

Entre estos arquitectos estaban Frank O Ghery ( “Museo Guggenheim” de Bilbao ), Michael Graves, Stern, Robert Ventura ( que desencadenó este movimiento ), Bofia, Hollein ( diseñador de mobiliario ), Koolaas e Isozaki ( arquitecto japonés ).

James Stirling ( arquit. Inglés ) fue un arquitecto de prestigio en Europa al que se consideró noebrutalista pese a que él no quería. Fue un innovador en la utilización de vidrio, ladrillo macizo, etc. Tuvo una crisis en la que nadie le hacía encargos y se presentó a todos los concursos públicos y oficiales hasta que en el año 1977 ganó uno de éstos para ampliar la “Staatsgallerie de Stuttgart.”

En la “Staasgallerie” utilizó una forma de “U” para las salas de exposición. Un círculo abierto central para el museo de esculturas y un pabellón en forma de “L” para el teatro. En el exterior utilizó mucho colorido para contrastar con la piedra de color verde que tenía el museo. Hizo un paseo ( “ promenade “ ), que permitió ver a los transeúntes el museo sin entrar dentro y ver esl patio de las esculturas. Combina muy bien la luz natural y la artificial. En el exterior utiliza muchas citas históricas clásicas mezcladas, lo que lo convierten en un edificio postmoderno muy ecléctico.

En los años 80 comienzan a ser importantes los museos de arte contemporáneo y cada país o comunidad autónoma se esfuerza en tener uno, lo que implica un avance y aumento del nivel de vida.

La “remodelación del Louvre” también se hizo desde la postmodernidad. Fue remodelado por un arquitecto japonés que colocó una pirámide de cristal en el centro del patio barroco del museo.

En los diseños objetuales en los años 80, son imprevisibles; todo vale, las contradicciones eran muy importantes, rompen moldes.

Se rechazan las estructuras añejas, fue como una revolución juvenil, caprichosa y contradictoria, abundaba el “ efecto sorpresa”.

Los años 80 buscan el éxito inmediato, no miran al futuro, no se marcan objetivos a largo plazo.

El mobiliario refleja el hedonismo vital característico, el placer por placer. Todo vale, no necesita un estilo principal, todo lo que ofrezca placer psicológico vale : “ la buena vida es mejor que la vida correcta “.

“ Viva el cine, muera la Bauhaus” ! AÑOS 80.

El diseño de los 80 oscilará entre la provocación y la decoración. Cambian las modas muy rápidamente. El arte de vanguardia está superado por el espectáculo. Las pautas se marcan por minutos en T.V y nº de copias vendidas.

Fueron años muy superficiales y nada moderados.

Será un diseño aristocrático, elitista y aparece la figura del “ diseñador estrella”; no llega a todo el mundo, son diseños muy caros.

A la cabeza del diseño estará Italia, en 1979 Alexandro Mendi fundó en Milán ( ciudad por excelencia del mobiliario ) el estudio “ Alquimia” y revolucionó el diseño de mobiliario.

En este estudio estuvo Ettore Sottssas durante un año, luego fundó su estudio propio llamado “ Memphis “.

Alquimia” implicaba poca tirada de objetos, por lo que resultaba muy caro.

Memphis”, implicaba gran producción, fábrica de mobiliario poco sujeto a normas y con constante cambio.

Memphis “ sometió el mobiliario a los principios de la moda.

El gran respaldo lo recibió de parte del Gobierno Francés con Miterrand como presidente, que cambió todo el mobiliario del “Palacio de Elíseo”, tradicional y con decoración modernista y Art Decó, que convive con el HI-TECH y el mobiliario postmoderno.

Uno de los más importantes y característicos diseñadores es Philippe Starck.

AUTORES ( Arquitectos y decoradores ):

S. XIX

· NEOCLASICISMO:

- LUIS XVI:

Riessener

Martin Carlin

Francisco Leleuvaseur

Weisweiler

Bernardo Moliton

David Röetgen

George Jacob.

- IMPERIO:

Percier

Fontanier

· ARQUITECTURA DE INGENIERÍA:

Joseph Paxton

Victor Baltar

Eiffel

Duter & Contamino

· ARQUITECTURA HISTORICISTA:

Charles Barry

Sir Henry de Scott

Enry Le Brouste

Carlos Garnier

Paul Abadie y Magne

S. XX

· ESCUELA DE CHICAGO:

Louis Sullivan ( C. Independiente )

Martin Roche

William Olabird

Daniel Burhnan

Henry Richardson ( C. Neorrománica ).

William Le Baron Geney ( C. Estructuralista )

Frank Lloyd Wright

· MODERNISMO:

Victor Horta

Hector Guimard

Louis Majorelle

Gaudí ( España )

· PROTORRACIONALISMO ( SEZZESION ):

Otto Wagner

Joseph Olbrich

Joseph Hoffman

· ARQUIT. E INTERIORISMO RACIONALISTA:

- RACIONALISMO EUROPEO:

Le Corbusier

Walter Gropius

Mies Van der Rohe

Guiussepe Terragni ( Italia )

Eduardo Torroja ( España )

- ESCUELA BAUHAUS:

Gropius

Hannes Meyer

Mies Van der Rohe

Henry Van de Velde

Johannes Item

Joseph Albers

Moholí-Nagy

Paul Klee

Kandinski

- NEOPLASTICISMO:

Pietr Mondrian ( pintor )

Theo Van Doesburg

Gerrit Thomas Rietveld

· SURREALISMO:

Miró

Bretón

Dalí

Carlo Molino

Carlo Graffi

· ORGANICISMO:

Frank Lloyd Wright

Alvar Aalto

Eelie Saarine

Richard Neutra

Stubdins

Düttman

Harry Bertoie

Charles Eames

Saarine ( hijo )

· AÑOS 70:

- POSTMODERNISMO:

Robert Venturi

Charles Moore

Aldo Rossi ( « Tendenza «  )

Mario Botta

Hermanos Krier

Joseph Paul Kleihuef

“ Los FIVE “ ( “Los White “) :

Peter Eiseman

Michael Graves

Charles Gwathmey

John Hejduk

Richard Meyer

- HI-TECH:

Renzo Pirano

Richard Rogers

Norman Foster

· AÑOS 80 - POSTMODERNISMO:

Carlos Jencks

Ricardo Bofill

Michael Graves

Philiph Johnson

James Stirling

Alexandro Mendi ( “ Alquimia “ )

Ettore Sottssas ( “ Memphis “ )

Paolo Portoghesi ( “ Strada Novísima “ ):

Frank O'Ghery

Michel Graves

Stern

Robert Venturi

Bofia

Hollein

Koolaas

Isozaki

Philippe Starck ¡!

AUTORES - OBRAS

· Arquitectura de Ingeniería:

  • Joseph Paxton ! “ Kristal Palace “ (1851 )

  • Víctor Baltar ! “ Mercado Central de Paris “. (1860 )

  • Eiffel ! · “ Torre Eiffel “ ( 1889 )

· “ Puente de ferrocarril “ ( 1879 )

- Duter y Contamino ! “ Sala de Máquinas “

· Arquitectura Historicista:

  • Charles Barry ! “ Parlamento de Londres “

  • Sir Henrry de Scout ! “ Royal Albert Hall “ ( 1860 )

  • Enry LaBrouste ! “ Iglesia de Sta. Genoveva “

“ Biblioteca Nacional de Paris “

  • Carlos Garnier ! “ Teatro de la Ópera “ ( 1869 )

  • Paul Abadie y Magne ! “ Sagrado Corazón “ ( París, 1876 )

· Escuela de Chicago:

- William Le Baron ! “ 1º Laiter Building “ (1879 )

“ 2º Laiter Building “ ( 1889 )

“ The Fair “ ( 1891 )

“ Almacenes Sears “

  • Bunham & Root ! “ Reliance Building “ ( 1890 )

  • Burnham ! “ Flat Iron “ ( 1902, edif. Historicista )

  • Richardson ! “ Almacenes Marshal “ ( 1885 )

  • Louis Sullivan ! “ Auditorio de Chicago “ ( 1897 )

“ Almacenes Carson “ ( 1899 )

· Escuela de La Sezzesion :

  • Otto Wagner ! “ Karlsplatz “ ( 1888 )

“ Casa de la Mayólica “

  • Joseph Olbrich ! “ Sala de Expos. y Congresos de La Secesión “ ( 1897 )

  • Joseph Hoffman ! “ Palacio Stoclet “ ( 1905 )

· Modernismo :

  • Hector Gimard ! “ Estación de metro “ ( Paris )

  • Louis Majorelle ! “ Arranque de escalera “

«   Reloj de Péndulo « 

  • ¿ ? ! “ Vitrina de Nancy “

  • ¿? ! “ Aparador francés “

  • ¿? ! “ Vitrina para guardar instrumentos “

  • ¿? ! “ Cómoda “ ( inspiración oriental )

· Racionalismo:

- Gerrit Rietveld ! “ Silón Rojiazul “ ( 1918 )

“ Mesa neoplasticista “

“ Casa Schroder “ ( 1923 )

“ Aparador de cocina “ ( 1919 )

“ Lámpara “ ( sirgas de acero + fluorescentes ) ( 1920 )

- Walter Gropius ! “ Pabellón Vermount “ ( 1914 )

“ Fábrica Fagus “ ( 1911 )

“ Edificio de la Bauhaus “ ( 1925 )

“ Despacho de dirección de la Bauhaus “ ( 1923 )

“ Sillón “ ( formas cúbicas )

“ Despacho “ ( 1930 )

“ Salón apartamento nº 16 “ ( Colonia Weibenhof ) ( 1927 )

“ Bar “ ( Werkbund ) ( 1927 )

  • ¿? ! “ Lámpara “ ( bola )

  • Marcel Breuer ! “ Sillón Wassily “ ( tubos metálicos + loneta ) ( 1925 )

“ Silla “ ( tubos metálicos + rejilla ) ( 1929 )

“ Silla versión Wasilly plegable “ ( 1925 )

“ Sillón “ ( tubos metálicos + rejilla + chambrana trasera ) ( 1929 )

“ Despacho amueblado “ ( 1930 )

  • Ferdinand Krammer ! “ Mesa de cocina “ ( 1925 )

  • Erich Dieckman ! “ Silla “ ( madera cerezo + rejilla )

  • Otto Bartning ! “ Dormitorio “ ( raelite + mat. Sintét. ) ( 1932 )

  • Herbst ! “ Silla “ ( estruct. Tubular + pulpos de goma ) ( 1930 )

  • ¿? ! “ Dormitorio “ ( imagen de hospital ) ( 1930 )

- Le Corbusier ! “ Casa Laroche “ ( 1923 )

“ Pabellón del Espíritu Nuevo “ ( 1925 )

“ Colonia Weibenhof “ ( 1927 )

“ Vivienda nº 17 colonia Weibenhof “

“ Villa Stein “ ( 1927 )

“ Propuesta para el salón de otoño “ ( 1929 )

“ Propuesta de apartamento individual “ ( 1929 )

“ Villa Saboie “ ( 1929-1932 )

“ Ministerio de educación “ ( Rio de Janeiro , 1937 )

“ Unidad de habitaciones de Marsella “ ( 1945-1952 )

“ Solarium de la Unidad de habit. “

“ Palacio de justicia de Chandigar “ ( Penjad, 1951 )

“ Iglesia de Rocham “ ( organicista ) ( 1950-1955 )

“ Tumbona - Chaise Longe “ ( tubular + cuero negro ) ( 1929 )

“ Sillón Confort “ ( estruct. Tubular cúbica + cuero ) ( 1928 )

“ Mesa Avión “ ( 1929 )

  • Mies Van der Rohe ! “ Mesa “ ( tubular + sobre de raelite circular ) ( 1927 )

“ Sillón “ ( " silla Breuer ) ( 1927 )

“ Sillón Brno “ ( flejes metálicos no tubulares ) ( 1930 )

“ Tumbona “

“ Pabellón alemán “ ( Expo. BCN, 1929 )

“ Interior + comedor Villa Tugendhat “ ( 1931 )

“ Casa Fansworth “ ( 1946-1951 )

“ Instituto tecnológico “ ( Chicago, 1956 )

“ Rascacielos de Chicago “ ( 1951 )

“ Rascacielos Seagram “ ( 1954 )

- Philiph Johnson ! “ Casa de Cristal “ ( 1949 )

· Surrealismo:

- Salvador Dalí ! “ Entrada (balconada) “ ( Museo de Dalí, Figueras )

“ Sofá “ ( labios voluptuosos ) ( años 30 )

- Carlo Molino ! “ Casa Minola “ ( 1944 )

“ Mesa de centro “ ( organicista + sobre de cristal )

“ Mesa con cajones “ ( 1950 )

- Carlo Graffi ! “ Mesa de juego “ ( 1950 )

“ Sillón “ ( madera doblada ) ( 1950 )

· Organicismo:

- Frank Lloyd Wright ! “ Casa Avery “ ( 1907 )

“ Sillón “ ( robot ) ( 1909 )

“ Sillón “ ( asiento de botón ) ( 1937 )

“ Casa Robbie “ ( 1909 )

“ Casa de la Cascada “ ( Casa Kauffman ) (1935-1939 )

“ Fábrica de ceras Johnson “ ( 1936 )

“ Interior “ “ “ “

“ Torre “ “ “ “

“ Casa Herver Jacob “ ( 1944 )

“ Museo Salomón Guggenheim “ ( N.Y., 1943-1959 )

“ Casa Willit “

“ Hotel Imperial “ ( Japón )

- Alvar Aalto ! “ Sanatorio antituberculoso de Paimino “ ( 1928-1933 )

“ Casa Cultura de Helsinki “ ( 1955 )

“ Sillón para Sanatorio de Paimino “ ( 1930 )

“ Silla-taburete “ ( “ modelo 60 “ ) ( 1930 )

“ Palacio de Turquú “

“ Biblioteca de Viipuri “

“ Edif.. Coopertativa agrícola de Turquù “

- Richard Neutra ! “ Casa Kauffman “ ( 1946-1947 )

- Saarine & Charles Eames ! “ Sillón Concha “ ( 1941 )

- Saarinen ! “ Silla Tulipán “ ( 1956 )

“ Terminal aropuerto TWA “ ( N.Y., 1961 )

“ Pabellón Hookey hielo de Yale “ ( 1953-1959 )

“ Interior de la G.M “ ( gran escalera colgada ) ( 1949-1956 )

- Stubdins & Dütman ! “ Palacio de congresos de B. Franklin “ ( 1957 )

- Charles Eams ! “ Casa propia “ ( 1945 )

“ Mesa y silla “ ( platillo ) ( años 50 )

“ Sillón-mecedora “ ( años 50 )

“ Silla “ ( rejilla en el respaldo ) ( 1951 )

“ Sillón “ ( diseño aerodinámico )

“ Sillón de descanso “ ( muy importante ) ( 1956 )

- Harry Bertoia ! “ Sillón “ ( brazo + respaldo de rejilla metálica ) ( 1952 )

· Años 70 :

  • Postmodernismo :

  • Charles Moore ! “ Pza. de Italia “ ( Nueva Orleáns, 1974 )

  • Aldo Rossi ! “ Cementerio “ ( 1971 )

“ Escuela Broni “ ( 1979 )

- Mario Botta ! “ Casa Rotonda “ ( 1979-1980 )

  • HI-TECH:

- Renzo Pirano & Richard Rogers ! “ Museo George Pompidour “ ( 1971 )

- Richard Rogers ! “ Edificio central de Lloyd “ ( 1979 )

- Norman Foster ! “ Banco Honk Kong-Shangai “ ( 1979 )

“ Interior del Banco “

· Años 80 :

  • Postmodernismo:

  • Philiph Johnson ! “ Rascacielos AT & T “

  • James Stirling ! “ StaatsGallerie “ ( Stuttgart, 1977-1980 )

  • Ettore Sottsas . ( Estudio Memphis )

  • Alexandro Mendi. ( Estudio Alquimia )

  • Philippe Starck.

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