Música

Libertad de expresión. Clasicismo. Opera. Vocalista. Barroca

  • Enviado por: Yanina
  • Idioma: castellano
  • País: Chile Chile
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Sinfonía: Una sinfonía es una obra para orquesta, usualmente separada en cuatro movimientos, cada uno con un tempo y estructura diferente. La forma de la sinfonía ha variado con el tiempo.

La Música de Cámara :Se llama Música de Cámara a aquélla que se interpreta con "pocos" instrumentos, otra vez nos encontramos con una definición un tanto subjetiva, pues uno se pregunta ¿Cuántos son pocos? La respuesta es que desde uno hasta menos de los necesarios para interpretar una sinfonía. Aunque como vimos hay sinfonías que requieren de relativamente pocos instrumentos, es decir, las primeras sinfonías de Haydn o de Mozart, e inclusive de Schubert.

El concerto grosso: (plural concerti grossi) (italiano para gran concierto) era una popular forma de música barroca usada por un conjunto musical que generalmente tenía de cuatro a seis movimientos en los cuales el material musical era pasado entre un pequeño grupo de solistas (un concertino) y una orquesta completa (un ripieno).

Sergei Prokofiev: Prokofiev hizo su debut como pianista en 1908, rápidamente creó una sensación como de niño terrible y ultra moderno -una imagen que él estaba feliz de cultivar. Su inclemencia en sus primeras piezas de piano, y mas tarde en muchos de sus trabajos como en los extravagantes Conciertos Románticos para Piano no.1 y no.2, llamaron la atención. Después en 1914 dejó el conservatorio y viajó a Londres, donde escuchó los trabajos de Stravinsky y ganó la comisión del encargo de Dyagilev: el resultado obtenido fue, sin embargo, que sea rechazada su obra (la música fue usada para hacer La Pieza de Scythian); en una segunda oportunidad, su obra Chout, no fue puesta en escena hasta 1921. Hacia el final de este gran periodo, en 1918, se fue de Los Estados Unidos; después de esto, en 1920, Francia fue su hogar.

Su productividad se retrasó mientras trabajaba en su opera "The Fiery Angel", una intensa fábula simbolizada por el bien y el mal (que no tuvo ninguna representación completa hasta después de su muerte, y Prokofiev utilizó mucha de esta música en la Sinfonía No.3). Después de esto él introdujo ásperos y pesados elementos mecánicos en su música, especialmente en el clímax en la sinfonía no.2 y en el ballet "Le pas d´acier", mientras que su ballet clásico siguiente, L'enfant, está en un estilo mucho más apacible: los barbáricos y los líricos eran alternativas inmóviles en su música que no la fusionó hasta los años 30, cuando comenzó un proceso de reconciliación con la Unión Soviética.

Maurice Ravel: Todos conocen el Bolero de Ravel, pero su talento se extendió muchísimo más rápido que esta popular pieza. Algo de su producción es muy impresionista, evocando imágenes de humor y lugares, mientras que otras expresan su amor a los cuentos de hadas y a las fantasías. Otras son inspiradas por su placer a los relojes y juguetes mecánicos.

Sin tener en cuenta estos temas, Ravel siempre escribió excelentemente para la orquesta y el piano, empleando armonías que eran cautivadoras y sutiles. El pensamiento de Maurice Ravel llegó a estar muy asociado con París, si bien, en realidad éste no nació allí. Ravel nació el 7 de Marzo de 1875 en Ciboure, Francia (el corazón del país vasco al sudoeste de Francia). Su padre era un ingeniero franco-suizo y su madre, vasca.

Maurice mismo describía a una pieza de arte como “una madura concepción donde ningún detalle se deja a la suerte”. Y por ello fue que desarrolló su propio método de composición, el cual era central en su estilo. El perfeccionó pequeños e independientes “bloques” de música, luego los ensamblaba dentro de largas y más complejas estructuras -al igual que las partes movibles de un reloj. Así fue que ganó la aprobación de Stravinsky.

Mijaíl Glinka : Glinka fue el primer compositor ruso en ser reconocido fuera de su país y, generalmente, se le considera el 'padre' de la música rusa. Su trabajo ejerció una gran influencia en las generaciones siguientes de compositores de su país.

Sus obras más conocidas son las óperas Una vida por el Zar, (1836) que es la primera ópera nacionalista rusa, y Ruslán y Liudmila (1842), cuyo libreto fue escrito por Alexandr Pushkin y su obertura se suele interpretar en las salas de concierto. En Una vida por el Zar alternan arias de tipo italiano con melodías populares rusas. No obstante, la alta sociedad occidentalizada no admitió fácilmente esa intrusión de "lo vulgar" en un género tradicional como la ópera.

Alexander Glazunov: Glazunov completó la ópera El príncipe Ígor que el compositor ruso Alexandr Borodín había dejado incompleta tras su muerte en 1887. Entre 1900 y 1906 Glazunov dio clases en el Conservatorio de San Petersburgo y fue su director desde 1906 hasta 1917. En 1928 abandonó la Unión Soviética y se afincó en París. De su producción musical destacan 8 sinfonías, los poemas sinfónicos Stenka Razin y El Kremlin (1892), los ballets Raymonda (1898) y Las estaciones (1901), el Concierto para violín opus 82 (1904), música de cámara y obras para piano y para voz. No escribió óperas. La Universidad de Oxford le otorgó el título de doctor en Música.

Evgeny Kissin: A la temprana edad de tres años ya comenzaba a tocar el piano. A los seis años ingresó en la prestigiosa Gnessin School of Music for Gifted Children de Moscú, en la cual destacaba respecto a los demás jóvenes de su edad. Su primer debut con orquesta lo realizó cuando contaba con diez años, interpretando el concierto KV. 466 de Mozart. Demostró su gran talento en 1984 con la interpretación de los conciertos para piano 1 y 2 de Frédéric Chopin con la Orquesta Filarmónica de Moscú, bajo la batuta de Dmitri Kitayenko.

Kissin comenzó a ser conocido en los demás países de Europa a partir de 1987, con su participación en el festival de Berlín. Al año siguiente interpreta el Concierto nº1 para piano de Tchaikovsky, dirigido por el famoso director de orquesta Herbert von Karajan. Tras esto realizó giras tanto por Europa como por Estados Unidos (en este último acompañado por la Orquesta Filarmónica de Nueva York, bajo la dirección de Zubin Mehta). En 1992 fue invitado especial en los premios Grammy.

Céline Marie Claudette Dion: es una vocalista canadiense, que ha vendido más de 200 millones de álbumes en todo el mundo,[1] Posee una de las mejores y más reconocibles voces en el mundo de la música popular actual y, aunque lleva en activo desde los 13 años, alcanzó gran fama y reconocimiento internacional con la canción My Heart Will Go On de la película Titanic. Rápidamente, Celine se convirtió en una pequeña estrella revelación en Quebec. Al año siguiente, compitió y ganó la Medalla de Oro en el Festival Mundial de la Canción celebrado en Tokio, interpretando Tellement j'ai d'amour pour toi. Otros de los temas más relevantes de esta primera etapa son D'amour ou d'amitié, Les chemins de ma maison y Mon ami m'a quittée.

Su carrera continuó progresando y, en 1987, lanza el álbum Incognito, que se convirtió en un gran éxito y marcó una nueva etapa más madura en su prometedora carrera francófona. Poco después, Celine fue elegida para representar a Suiza en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1988. Su victoria en este concurso celebrado en Dublín (Irlanda) el 30 de abril de 1988 con el tema Ne partez pas sans moi, supuso un enorme impulso a su carrera en Europa y se reeditó su álbum Incognito.

Glenn Herbert Gould:más conocido con el nombre de Glenn Gould (25 de septiembre de 1932 - 4 de octubre de 1982), pianista canadiense famoso sobre todo por sus virtuosas grabaciones de las obras para teclado de Johann Sebastian Bach. Ejecutó su primer concierto en 1945 (tocó el órgano) e hizo su primera aparición con orquesta el año siguiente cuando ejecutaba el Concierto para piano nº 4 de Beethoven con la Orquesta Sinfónica de Toronto. Realizó su primera ejecución publica en 1947.

Diez años más tarde, Gould hizo un viaje a la Unión Soviética y fue el primer pianista norteamericano en visitar ese país después de la Segunda guerra mundial.

El 10 de abril de 1964 tocó en público por última vez en Los Ángeles y anunció que se retiraba de los escenarios cuando era una auténtica figura internacional.

Vladímir Samóilovich Hórowitz: (ruso   , Vladímir Samóilovich Górovits - ucraniano:   , Volodímir Samíylovich Górovits) (1 de octubre de 1903 - 5 de noviembre de 1989) fue un pianista clásico estadounidense nacido en el Imperio Ruso. En su momento fue considerado uno de los pianistas más distinguidos de cualquier época. El debut americano de Horowitz se efectuó en el Carnegie Hall el 12 de enero de 1928 interpretando el Concierto para piano Nº 1 de Tchaikovsky con la dirección orquestal de Sir Thomas Beecham, quien también hacía su debut en norteamérica. En la ocasión el pianista demostró la capacidad que mantendría durante toda su vida artística para emocionar a su audiencia.

En 1932 tocó por primera vez con la dirección de Arturo Toscanini, en una interpretación del Concierto para piano Nº5 "El Emperador" de Beethoven. Ambos continuarían haciendo presentaciones juntos.

A pesar de la glamorosa recepción de la audiencia, Horowitz se sintió frecuentemente inseguro de sus dotes como pianista. Muchas veces renunció a dar conciertos ya programados, y después de 1965 sus recitales como solista fueron muy pocos.

A partir de 1928, después de establecerse en Estados Unidos, Horowitz realizó numerosas grabaciones, la primera de ellas para RCA Victor. A causa del impacto económico de la gran depresión, RCA permitió a sus artistas a continuar grabando con sellos europeos asociados, en este caso HMV de Londres. Así la primera grabación en Europa, en 1930, incluyó el estreno mundial del Concierto para piano Nº 3 de Rachmaninoff, con la orquesta sinfónica de Londres dirigida por Albert Coates. Hasta 1936 Horowitz continuó grabando obras de piano solista a través de HMV, incluyendo su famosa interpretacón de 1932 de la Sonata en Si menor para piano de Liszt.

A partir de 1940 las grabaciones vuelven a realizarse en los Estados Unidos: durante esta época (1941) realiza su primer grabación del Concierto Nº1 para piano de Tchaikovsky con orquesta dirigida por Toscanini. En 1959 la RCA editó su concierto en directo de 1943 con el mismo director, que algunos críticos consideran de calidad superior a la grabación posterior.

Desde 1953, al inicio de un período de retiro público del intérprete, se graban varias obras en su casa de Nueva York, incluyendo piezas de Alexander Scriabin y Muzio Clementi. El primer registro en estéreo data de 1959, con las sonatas para piano de Beethoven.

En 1962 inicia una serie de existosas grabaciones para Columbia Records, entre ellas su retorno al Carnegie Hall en 1965, y la grabación en 1968 de su especial para televisión "Horowitz en televisión".[3] Entre otras grabaciones premiadas, se encuentra su registro de 1969 de la Kreisleriana de Robert Schumann.

Mercedes Sosa: Junto con su primer marido, Manuel Oscar Matus, con el que tuvo un hijo, fueron intérpretes clave del movimiento de la nueva canción a mediados de los años 1960 (que fue llamado nuevo cancionero en Argentina). Luego de publicar su primer disco en 1959, graba el que sería su lanzamiento, Canciones con fundamento, una colección de folclore argentino editada en 1965.

Por esa época lanzó con su voz la obra de los compositores tucumanos Pato Gentilini, el Chivo Valladares y Pepe Núñez inmortalizando canciones como "Tristeza" de los Hermanos Núñez.

En 1967, hizo una exitosa gira por los Estados Unidos y Europa. En los años subsiguientes, continuó actuando y grabando, extendiendo su repertorio hasta incluir material de toda América Latina.

A comienzo de los años 1970, publicó dos álbumes conceptuales en colaboración con el compositor Ariel Ramírez y el letrista Félix Luna: Cantata Sudamericana y Mujeres Argentinas. También hizo un tributo a la poetisa chilena Violeta Parra.

Simpatizante de Perón en su juventud, apoyó las causas de izquierda a lo largo de su vida.

Tras la subida al poder de la junta militar de Jorge Videla, la represión en Argentina era cada vez más fuerte, hasta que en 1979 en un concierto en La Plata, fue cacheada y detenida en el propio escenario y el público asistente arrestado. Prohibida en su propio país, se exilió en Paris y después en Madrid. Su segundo marido había muerto en 1978.

Volvió a Argentina en 1982 Mercedes no sólo se reencuentra con su público, sino que allí la vieron por primera vez miles de jóvenes que desde entonces la convirtieron, en "su ídola".

¿Cuál es la semejanza entre opera y la operetta?

En que la opera es un drama cantado con acompañamiento instrumental que, a diferencia del oratorio, se representa en un espacio teatral ante un público. La opereta es un tipo de teatro musical, animado y satírico, cuya característica fundamental es la de contar con una trama argumental inverosímil y disparatada. Consta de diálogos hablados entre los que se intercalan canciones, llamadas couplets por los franceses, y bailes como el rigodón o el cancán. Se trata, por lo tanto de un espectáculo escénico con sucesión y alternancia de partes musicales, habladas y bailadas.

Señala tres características musicales del periodo romántico.

LA CONTINUIDAD CON EL CLASICISMO

La continuidad del romanticismo al clasicismo fue muy lenta, más o menos duró unos 50 años.

-BUSQUEDA DE LA LIBERTAD EN LA EXPRESIÓN

Libertad de expresión en cuanto a la forma predominio de la fantasía y por ello, de la expresión emocional libre.

-EXPRESIVIDAD Y BÚSQUEDA DE EFECTOS EMOTIVOS Y EVOCADORES

Búsqueda de la unidad de la obra con nuevos sistemas, como el Leitmotiv, la idea fija, o el sistema cíclico, consistente este ultimo en una idea musical se repita cíclicamente.