Música Contemporánea en Latinoamérica

Música clásica del siglo XX. Arte musical contemporáneo. Nuevas corrientes musicales. Estilos compositivos. Electroacústica. Raúl Minsburg

  • Enviado por: Antobal
  • Idioma: castellano
  • País: Chile Chile
  • 15 páginas
publicidad
cursos destacados
Cómo montar un Ordenador
Cómo montar un Ordenador
En este curso te guiamos de una forma muy práctica y gráfica, para que puedas realizar el montaje de tu...
Ver más información

Iníciate con Ableton Live
Iníciate con Ableton Live
El curso da un repaso general por las órdenes y menús más básicos, para poder generar...
Ver más información

publicidad

La Música Contemporánea

En LatinoAmérica

Índice.

Introducción Pág. 4

Desarrollo:

1.- Aspectos Generales Pág. 5

2.- Del nacionalismo y la música Pág. 8

Contemporánea latinoamericana.

3.- De la música electroacústica Pág. 10

y la nueva composición.

4.- Entrevista a Raúl Minsburg Pág. 12

Conclusión Pág. 15

Bibliografía Pág. 16

Introducción.

En la actualidad nos vemos dispersos en mil caminos que apuntan hacia distintos lados, o quizás lo hagan hacia un mismo punto. Estos diferentes caminos han logrado que la música se haya transformado de algo que de cierto modo satisfacía a las masas, a algo que ahora provoca un cierto rechazo al oído, por no tener dentro de sus características lo “tonal” (y consideramos lo tonal como 1 de las miles de ramas de desembarco a nuestras necesidades como oyente).

Para este trabajo centramos nuestros estudios en lo que es latinoamérica y lo que ha significado la ampliación de los caminos; de algunos compositores que estén nivel mundial y que quizás si estuvieran desarrollando música romántica sería unos más del montón.

Desarrollo.

1.- Aspectos generales.

Latino América es una parte del mundo que en su historia siempre recibe un par de años después los eventos vanguardistas en el mundo, y nos hace estar un pequeño paso atrás de los eventos culturales/artísticos.

Los procesos por los cuales la música se va transformando son consecuencias de factores socio-culturales y los cambios mismos que la música experimenta en Europa.

En los distintos campos de la música que encontramos en nuestro siglo y en la parte latina de América, hay formas que se ven mucho más desarrolladas que otras; por ejemplo la música que posee intervención electrónica (o que derechamente es electrónica pura) está arraigada en la neo-cultura musical docta, superando quizás o otros estilos.

El motivo de esto se haya en parte en el factor “juventud” de los compositores. Esta generación que nos rodea ha crecido con las influencias de una música de la cual se posee un control casi absoluto de lo que se ejecuta, o mejor dicho, de lo que se escucha. Decimos “casi Absoluto” debido al factor improvisación que cada obra posee en si, y que de cierta manera está ligado a la experimentación y la fluidez mental que se logra en la composición de obras. La búsqueda musical cambia de lo formal y funcional a lo fonemático, o sea, se desplaza de lo abstracto a lo concreto. Este fenómeno (que es la base de la música contemporánea) provoca que el centro de gravedad lo “posea” el sonido y no la tonalidad, como se hacia antaño. Es casi una explicación filosófica: “el sonido es suficiente para definirse a si mismo y depende de otro para dar cuenta de sí”.

En Venezuela, en la universidad Bolivariana, uno de los puntos en tela de discusión y que hace de este país un aventajado en el tema de música docta contemporánea es la educación auditiva frente a esta música. “Se debe escuchar inconscientemente, sin pasado ni futuro, viviendo plenamente cada experiencia sin más tiempo que el presente. La experiencia musical exige del oyente un permanente estado de pureza”. De esto se desprende un sinfín de conceptos que ayudan al estudiante de música en la fina apreciación del resultado sonoro. Estos conceptos apuntan a que la música contemporánea esta (de cierto modo) desprovista de sentido y corresponde al oyente dárselo.

Para este caribeño país, en el año 1975, fue creada la S.V.M.C. (Sociedad Venezolana de Música Contemporánea) por un grupo de compositores venezolanos que quería establecer una representación de su actividad en el país y un vínculo internacional a través de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea (S.I.M.C.). El objeto de la Asociación es el estudio, creación, fomento y divulgación de la cultura musical contemporánea, sin limitación alguna. Para la realización de su objeto, la Asociación propiciará: sesiones, conferencias, conciertos, publicaciones y otras actividades similares; e igualmente estimulará la creación de bibliotecas y fonotecas del arte musical contemporáneo. En esta institución se han albergado compositores como Alfredo del Mónaco, Víctor Valera, Adina Izarra, Alfredo Rugeles, entre otros, los que han participado para los festivales “Días mundiales de la música” (World music Days) con obras premiadas y reconocidas a nivel mundial.

La S.V.M.C. cuenta con apoyo gubernamental y de otras instituciones internacionales del mundo musical docto como el Consejo Interamericano de Música (C.I.D.E.M.). Ambas instituciones, junto al apoyo de otras formaciones asociadas logran dar vida a festivales de gran nivel, en los cuales se interpretan las piezas más talentosas de los compositores destacados a nivel sudamericano e internacional, contando para su interpretación de los mas destacados instrumentistas y agrupaciones musicales. A la vez, los compositores participan de charlas, foros y otros métodos para difundir lo que es su arte, fomentando la divulgación de estas corrientes vanguardistas que no son mayormente difundidas.

Otro país que destaca por su empeño en desarrollar la música del siglo XX ha sido México, lugar que cuenta con una riquísima historia cultural que proviene desde la prehistoria y se ha intentado mantener en el tiempo luchando contra los pasos agigantados de una globalización destructiva.

Pero en este país el proceso de evolución musical se muestra más abierto a los cambios globales, afectado por su geografía, por los avances tecnológicos, etc. Esto hacía que los compositores migraran a otros países donde las limitaciones que no pertenecieran a sus mentes no fueran los topes para su creación, buscando en otros países (como EE.UU., Canadá, Europa) los métodos y las vías de desarrollo para sus necesidades.

En México, la misión de difundir el arte musical contemporáneo también es importante y lo vemos reflejado en las carreras del área que tienen en sus ramos análisis y practicas de música en improvisación para el siglo XX. Este último concepto (improvisación) se había visto en nuestro continente desarrollado casi exclusivamente por el campo del folclor, limitando las posibilidades sólo a un desarrollo virtuosístico del intérprete, sin plantear soluciones aparentes un tanto mas complejas en cuanto a la música.

Son varios los creadores musicales que se han involucrado en nuevas corrientes experimentales, tales como la llamada “nueva complejidad” (búsqueda de lo complejo y música conceptual) en la que ha destacado Julio Estrada, así como la música electroacústica y la poderosa influencia de la informática musical a partir de los años ochenta (Álvarez, Russek y Morales). En la última década ciertos compositores nacidos en los años cincuenta y sesenta están experimentando con tendencias híbridas que recrean de nueva forma la música popular urbana y la música étnica de México. Algunas de estas partituras presentan rasgos neotonales y una emotividad directa que han logrado cautivar a públicos amplios, alejados de los experimentos vanguardistas. Entre los más consistentes se cuentan Arturo Márquez, Marcela Rodríguez, Eugenio Toussaint, Eduardo Soto Millán, Gabriela Ortiz (1964), Juan Trigos (1965) y Víctor Rasgado (1956).

2.- Del nacionalismo y la música contemporánea latinoamericana.

En el desarrollo musical actual, hay cierta faceta que no deja de estar presente en diversas composiciones: un neo nacionalismo. Esto es sólo una faceta de todo lo que envuelve a las obras de nuestro siglo apuntadas al escape del sistema tonal, pero se siente un gran desarrollo en muchas obras, recurriendo a recursos étnicos de cada región para saber llegar a un objetivo.

En Venezuela, año 200, se realizó el "Congreso Venezolano de Musicología 2000", organizado por la Fundación Vicente Emilio Sojo (Funves) y la Escuela de Artes de la Facultad de Humanidades y Educación de la Universidad Central de Venezuela. Este congreso se centró en la utilización de la música como expresión del nacionalismo, y fomentó un trabajo etnológico en el desarrollo del arte musical. Prioritariamente se fomentaba el uso de instrumento éticos en las composiciones para imprimir un “sentir de pertenencia” en sus creaciones. Así, con la utilización de instrumentos regionales típicos y no sinfónicos derivan un sentir especial de la música, imprimen en esta algo más que la utilización del sistema dodecafónico. Con este congreso se logró que 26 de 89 compositores venezolanos incluyeran en sus obras instrumentos propios de la región, lo que representa un 30% de la producción nacional de la música. Esto determina que ya es una tendencia concreta y viva, adherida a la música presente. Aquí podemos tener un ejemplo perteneciente a nuestro país reflejado en el compositor Carlos Zamora, el cual posee obras para Tarka e instrumentos de cámara. Por otro lado, la última tendencia es la de agrupar los instrumentos pertenecientes a toda latinoamérica, fusionando los sonidos, pero no en búsqueda de un significado unificador de “razas”, si no mas bien una experimentación timbrística.

Alicia Terzian, compositora argentina de basta experiencia también desarrolla un lenguaje nacionalista contemporáneo, incluyendo en sus obras al Bandoneón, cuerdas frotadas y otros, buscando la sonoridad del tango del barrio de la Boca. También posee obras que están del lado electroacústico como sería “Si yo tuviera un corazón”, pieza en la cual hay una alto, un par de barítonos y electrónica; composición muy sencilla y es esto mismo lo que la hace ganar más valor musical para el oyente contemporáneo. “Tango Lunar” es otra obra que busca el color de un tango o una milonga un tanto desarmada, por el sistema composicional que utiliza para crear sus obras. Su actividad como compositora, directora, musicóloga y difusora de la música contemporánea le ha recompensado desde muy joven con el reconocimiento no sólo en su país sino también en el extranjero. Prueba de ello son los numerosos galardones recibidos, entre los que destacan, además de los ya mencionados, el Primer Premio de la Municipalidad de Buenos Aires (1964), el Premio "Francisco Solano" (1968), el Premio de Jóvenes músicos argentinos sobresalientes (1970), el Premio Fondo Nacional de las Artes (1970), el Primer Premio Nacional de Música (1982), el Premio Internacional Gomidas (1983), la Condecoración de las Palmas Académicas del Gobierno francés, la Condecoración SAN SAHAK Y SAN MESROP otorgada por el Papa Vazkén I de la Iglesia Armenia (1992), la Medalla "Alberto Castilla" de Colombia (1994) y la medalla Mozart otorgada por el Consejo Internacional de la Música (1995).

3.- De la música electroacústica y la nueva composición.

Este estilo musical también es desarrollado en nuestros tiempos, por su flexibilidad y las posibilidades que se logra con su trabajo. La expansión de este campo a nivel latinoamericano es bastante amplio, se ha conseguido difundir el “espíritu de esta música”, logrando que los nuevos compositores busquen en este campo las soluciones a las problemáticas composicionales.

En Colombia fue creado un disco con la historia de la música electroacústica de ese país: “33 años de música electroacústica en Colombia”. En esta recopilación se concentran las mejores obras del estilo, incluyendo obras del maestro FABIO GONZÁLEZ ZULETA (1920). La obra que compuso para el año 1965 era la única desarrollada hasta esa fecha en su país, lo que provocó un estremecimiento a nivel docto por las nuevas incursiones en el campo musical. ““Ensayo electrónico” surge de un experimento -casi juego- en los estudios de la Radiodifusora Nacional, por ese tiempo aun no existían en Colombia estudios especializados por lo que su elaboración me implicó trabajar fuera de los horarios de emisión para no interferir con la programación de la emisora, cuenta el longevo compositor.

Al otro lado de la cordillera, se encuentra el compositor y docente Raúl Minsburg. En 1994 ganó el premio “Residence” en el Concurso Internacional de Bourges, Francia, con su obra “El otro Espejo¨ y en 1996 obtuvo el Premio Juan C. Paz del Fondo Nacional de las Artes de Argentina. Ejerce la docencia en la Universidad de Lanús y en la Universidad Maimónides, entre otras.

A partir de la década de los 80, comienzan a realizarse los más importantes festivales nacionales e internacionales de música electroacústica: en 1981 se realiza el 1er festival “Primavera en Varadero”, después “Primavera en la Habana”, Cuba; en 1983 la primera “Semana de Música Electroacústica” en Argentina, que por cierto ya lleva más de 20 ediciones; el “Festival Ecuatoriano de Música Contemporánea”, donde normalmente se incluyen obras electroacústicas y ocasionalmente participa el maestro José Serebrier; en 1990 nace el “Festival Latinoamericano de Música” en Venezuela, que si bien no se especializa en música electroacústica, generalmente posee obras de este movimiento; en México, para el año 1994 se crea “El Callejón del Ruido”; desde 1996 se viene realizando en Sao Paulo la Bienal De Música Electroacústica.

También es época para una organización de los compositores para la promoción de la música electroacústica: Federación Argentina de Música Electroacústica (F.A.R.M.E.), la Sociedad Brasileña de Música Electroacústica (S.B.M.E.), la Federación Cubana de Música Electroacústica, la Asociación Colombiana de Música Electroacústica (A.C.M.E.), y de los más jóvenes está en nuestro país la Comunidad Electroacústica Chilena (C.E.Ch.).

4.- Entrevista a Raúl Minsburg (realizada por Sandra Fuleros, para la Escuela de Comunicación Multimedial, Argentina)

“¿Cómo surgió en su vida profesional la necesidad de incursionar en la composición, a través de la aplicación de las nuevas tecnologías digitales?

Comencé a componer utilizando la tecnología digital aproximadamente en el año 1990 - 91. En ese momento no me sentía "cómodo" (por llamarlo de alguna manera) escribiendo música instrumental, no encontraba una manera de poder expresar mis ideas musicales. Simultáneamente empecé a experimentar lo que podía hacer al utilizar un sintetizador conectado vía Midi a una computadora, y me sorprendió la gran cantidad de posibilidades que se me abrían y sobre todo el poder escuchar inmediatamente las distintas pruebas que iba haciendo. Creo que lo que más me atrajo y me sigue atrayendo hoy es la posibilidad de tener un contacto tan directo, casi diría íntimo, con el sonido. Por otro lado no quiero dejar de mencionar la gran influencia que Enrique Belloc, verdadero pionero en nuestro país, tuvo en mí para mis primeros acercamientos, e inclusive para mi posterior desarrollo.

¿Cuál considera que es el aporte del sonido de síntesis y de la manipulación digital de sonido en el contexto histórico, teniendo en cuenta los siglos ya transcurridos en el desarrollo de la música tradicional?

Siempre hubo en la historia de la música un contacto muy directo con la tecnología. Los distintos instrumentos musicales son un maravilloso y sofisticado ejemplo de generación de sonido. Y otra constante que encontramos a lo largo de la historia es la búsqueda: la búsqueda de nuevas armonías, de nuevas formas musicales y, sobre todo, de nuevos sonidos. El gran aporte de la generación de sonido por síntesis o por procesamiento de una señal, es la posibilidad de generar tantos sonidos nuevos, propios, como fantasee la imaginación del compositor. Pero, e insisto con este punto, no es más que otro paso, un gran paso, en la ecuación compositor / tecnología / búsqueda sonora.

¿Cuáles cree que serán los alcances de la música electroacústica en el futuro?

Es difícil de predecir, sobre todo cuando uno está vinculado a algo y da lugar a que se confunda con el deseo propio. Pienso que puede darse un gran desarrollo en la interacción con instrumentos tradicionales, por supuesto no sólo los europeos, y también en el trabajo conjunto con artistas de diferentes áreas: videastas y realizadores audiovisuales de todo tipo. En cuanto al desarrollo de la música electroacústica por si misma, lo que ya se está dando es un gran desarrollo y experimentación de las diferentes posibilidades de espacialización del sonido, especialmente en la sala de conciertos. Es algo sobre lo cual, los diferentes compositores venimos trabajando desde hace muchos años, mucho antes de que se comercializara el Dolby 5.1 por ejemplo, basta recordar ciertos trabajos de Stockhausen de comienzos de la década del 60. Con lo cual, la variable "espacio" dentro de un discurso sonoro, va a ser cada vez más un componente estructural, y no un mero adorno, que puede estar o no.

Como profesional ¿cuál sería el proyecto o desarrollo que le interesaría concretar en un futuro?

Como dije tengo el proyecto de seguir investigando la percepción auditiva, inclusive haciendo un programa extensivo a otras áreas, especialmente la correlación que se pueda dar con la percepción visual, que ha sido investigada en detalle. Además tengo un proyecto muy ambicioso en el cual participan otros colegas del país y de Latinoamérica, que es crear un circuito de difusión de la actividad electroacústica latinoamericana, que es verdaderamente enorme y muchas veces desconocida para los propios latinoamericanos. Para esto hay que desarrollar y apoyar la actividad realizada en los propios países de origen de cada uno de los compositores, y creo que las Instituciones Educativas son un punto de apoyo central en esta tarea. Y por supuesto, seguir componiendo y tratando de que cada vez más las nuevas generaciones se sigan interesando y comprometiendo con la creación sonora. Tenemos mucho por delante para escuchar... “

Conclusión

En América Latina, las nuevas corrientes musicales han crecido enormemente, se ha favorecido el desarrollo de los nuevos conceptos de arte musical, abriéndose hacia las vanguardias, pero a la vez conservando sus raíces de algún modo. Los compositores migran hacia los centros importantes musicales en Europa y vuelven a emplear su conocimiento por su continente. Por ejemplo vemos a Alicia Terzian, Fernando García, José Serebrier, entre otros, compositores que han logrado traspasar las barreras contemporáneas y han desarrollado su arte a su manera, transformándose en ejemplos para jóvenes músicos que se ven inmersos en la nueva forma de hacer música, que quizás, ya no es tan nueva, y eso es una ventaja, porque ha logrado sobrevivir a través del tiempo y con adversidades culturales y económicas.

En la actualidad vemos varias instituciones que rescatan a los nuevos compositores y los guían hacia el mundo de lo no tonal, de una creación bajo su completo mando, que se puede lograr un control total, o pueden ser unas cuantas disonancias que logran identificar y satisfacer las necesidades del creador y de un público especial, inmerso en un mundo extraño, buscando talvez el lado Stockhausen que poseen dentro.

Bibliografía.

1.- “Ensayos de Música Docta Contemporánea”, Varios autores. Editorial Colombia. 1970.

2.- “La Música Docta Contemporánea”, Biblioteca Salvat. Editorial Salvat. 1979

3.- “Música electroacústica y composición Digital”

http://multimedia.maimonides.edu/?es/articulos/entrevista/1493.htm

4.- Página de Graciela Paraskevadis (no oficial)

http://www.latinoamerica-musica.net/historia/para-dodecafonica.html#cap5

5.- “La Música Electroacústica en Latinoamérica”, Federico Shumasher Ratti

http://www.cech.cl/publica/schumacher_me_01.pdf

6.- “Historia de la Actual Música Mexicana Docta”

http://www.mexicodesconocido.com.mx/espanol/cultura_y_sociedad/arte/detalle.cfm?idpag=1944&idsec=14&idsub=53

7.- Página oficial de Alicia Terzian

http://www.aliciaterzian.com.ar/