Museología y Museografía

Arte. Coleccionismo. Conservación. Louvre. British Museum. Metropolitam Museum de New York. Exposiciones. Museo del Prado

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  • País: España España
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MUSEOLOGÍA Y MUSEOGRAFÍA

El origen de la palabra “Museo” procede del latín museum, y está a su vez del griego museion. Mouseion significa templo consagrado a las musas y también dedicado a las actividades intelectuales.

En Diccionario de la Real Academia de la Lengua define la palabra museo como:

  • Edificio y lugar destinado al estudio de las artes liberales, de las ciencias y las letras.

  • Lugar donde se guardan colecciones de objetos artísticos, científicos, de valor cultural convenientemente colocados para que sean contemplados.

  • Institución sin animo de lucro, abierta al público cuya finalidad consiste en: adquisición de obras, conservación, estudiar e investigar y exponer. En esta definición también se incluye que esos mismos objetos adquiridos por los museos son los que mejor ilustran la actividad del hombre y los conocimientos humanos.

  • Lugar donde se exponen objetos o curiosidades que puedan atraer el interés público con fines turísticos.

  • La ciencia de los museos da origen a la museología.

    Guillaume Boudé escribió Lexicon-Grecolatino en el siglo XVI, en esta obra definió museo como: lugar destinado a las musas y al estudio donde se ocupan de cada una de las nobles disciplinas.

    En la época antigua Estrabón define museo, cuando habla del museo de Ptolomeo de Alejandría, como lugar del saber con biblioteca, lugar astronómico, con jardín botánico, colección zoológica, salas de estudio de reunión e incluso un anfiteatro.

    Tras la segunda Guerra Mundial en el 1947, el director del museo de ciencias de Búfalo (Ch. Hamlin) funda una institución que se llama el Consejo Internacional de Museos. Es el organismo internacional que rige todo el funcionamiento de los museos públicos. En el que se fijó los estatutos del funcionamiento de los museos en el 1961. Establecerá una definición de museo, y unos puntos que debe cumplir un museo.

    El museólogo francés H. Riviére establece una definición que difiere con la del ICOM.

    En el siglo XIX, GB. Goode da una definición de museo y afirma que un eficiente museo educador debe ser descrito como una colección de rótulos instructivos, cada uno de ellos ilustrado por un muy bien seleccionado ejemplar.

    Otro autor, Brown también en el siglo XIX, define museo como: institución para la preservación de los objetos que mejor expliquen los fenómenos de la naturaleza y la obra del hombre y como objetivos debe tener el aumento del saber, la cultura y la ilustración del pueblo.

    En el siglo XX (1929) en una revista, The Museum News, que se publica en Washington define museo como: institución que busca la conservación de los objetos e ilustren los fenómenos de la naturaleza y la obra del hombre, y la utilización de los objetos para el desarrollo de los conocimientos humanos, la cultura y la ilustración del pueblo.

    En 1954, los museos sin instituciones que reúnen que conservan y exhiben documentos históricos, reliquias de la cultura espiritual y material, obras de arte y colecciones y ejemplares de objetos naturales.

    La asociación americana de los museos en 1973 ofreció otra definición de museo más moderna: es una institución organizada y permanente no lucrativa esencialmente educadora o estética en su propósito, con un equipo profesional que utiliza sus tangibles objetos y los muestra al publico con un plan regulado.

    En el año 1968, el ICOM, en sus estatutos amplia el concepto en su articulo tres: un museo es una institución permanente que conserva y expone las colecciones para fines de educación, estudio y deleite. En esta definición se establece que se considera museo a:

    • Las salas de exposiciones permanentes que tienen las bibliotecas publicas y archivos.

    • Los monumentos históricos y también algunas de sus partes y dependencias, y sobre todo los tesoros de las catedrales.

    • Los lugares históricos (Covadonga por ejemplo).

    • Los lugares arqueológicos, siempre que estén abiertos al público.

    • Los ciertos jardines botánicos, zoológicos, acuarios y viveros.

    En el año 1974, la enciclopedia británica define museo introduciendo elementos nuevos. A priori es parecida a la del ICOM, pero incluye también las galerías de arte siempre y cuando no sean de venta o lucrativas. Incluye también los tesoros eclesiásticos, los monumentos históricos, las exposiciones, jardines...etc.

    En este mismo año el ICOM dice respecto a los museos que son lugares en los que se adquiere obras, se investigan, se comunica o difunde ese patrimonio con un fin de educación y placer. En el capitulo 4 se añade también, reconociendo como museo, a los institutos dedicados a la conservación (en museos, bibliotecas o archivos). Incluye también un tipo de áreas que son las áreas etnográficas (museos rurales).

    En el año 1983 otra asamblea realizada por el ICOM añade otro espacio en la categoría de museos, que son los planetarios.

    En los años 80 en diferentes asambleas se siguió actualizando ese concepto, incidiendo en la etnográfica y la antropología. Además se insiste mucho en que los museos deben de estar al servicio de la sociedad y deben contribuir a cambiar la sociedad a mejor.

    En los años 90 se insiste en otra cuestión, en los museos pequeños regionales o locales.

    • TEMA 1: Museología y Museografía.

    La palabra museología viene de Grecia, es la ciencia de los museos.

    En Diccionario de la Real Academia de la Lengua define la museológica como: la ciencia que trata de los museos, de su historia, de su influjo en la sociedad y de las técnicas de conservación y catalogación.

    Ambas son disciplinas jóvenes, hay problemas para delimitarlas entre ellas.

    El primer tratado especifico de la ciencia del museo data del siglo XVIII, y fue escrito por Friedrich Neickel, publicado en 1727 y se llama “Museographia”. Este tratado responde a un afán de clasificación de ordenar las colecciones de los museos. Al publico que va dirigido es muy restringido, va destinado a los coleccionistas. En él se trata como debe ser un museo ideal, como se debe de clasificar una colección y como conservar los objetos. Dentro de los objetos de colección diferencia:

    • Los naturalia (naturales).

    • Los artificialia (creados por la mano del hombre).

    Pese a esto, este museo que propone el autor no es más que un gabinete de curiosidades. De acceso restringido, únicamente accede los amigos de el propietario de la colección en cuestión.

    A partir de esto comienza a plantearse lo que debe ser un museo. Pero no va a ser hasta el siglo XIX cuando se sienten las bases del llamado museo moderno y es en Alemania donde ocurre. Goethe, pensador y escritor, propone un nuevo museo más abierto y especializado. Se crea la Gliptoteca en Munich bajo estos puntos.

    En estos museos se propone una doble clasificación de las colecciones. Una parte de la colección debía de estar abierta al público y otra destinada a los iniciados o expertos. Esta concepción de organización se expande por EEUU, pero será en Alemania durante el siglo XIX el país pionero en la investigación museológica.

    En el siglo XX es cuando se consolidan los principios de la museológica como ciencia.

    Se pueden establecer tres etapas:

    1ª Etapa: que se extiende hasta la primera guerra mundial, donde prácticamente no se avanza nada.

    2ª Etapa: desde el fin de la primera guerra mundial hasta el principio de la segunda guerra mundial. En 1926 Focillon propone un informe a la sociedad de naciones para que se cree un organismo internacional de museos que se llamó la Oficina Internacional de Museos (OIM). Este es el precedente del ICOM. Permite poner en común todos los problemas que cada país tiene en materia de museos. La OIM publica la revista “Mouseion” y también la publicación “Museographie”.

    3ª Etapa: desde el fin de la segunda guerra mundial. En ella tiene lugar la c reación del ICOM en el año 1947, creado por el director del museo de ciencias de Búfalo. El ICOM fija su sede en París y difunde sus ideas en la revista “Museum” y en el “ICOM News”.

    El termino Museografía viene del francés. Es después de la segunda guerra mundial y cuando se crea el ICOM, cuando comienza a utilizarse este termino más que museología. Se produce este cambio acorde a toda la evolución que tienen los países occidentales.

    En las ultimas décadas del siglo XX hasta ahora los museos pasan por una serie de crisis. En los años 60 se desarrolla un concepto, nueva museología. La expansión del término se produjo entre los años 60 a los 80. El encargado de la expansión es Henri Riviére. Va a ser el director del ICOM durante casi 20 años. Crea un nuevo tipo de museo que es el ecomuseo, un nuevo tipo de museo que surge en los años 70 con la revolución de la sociedad que abandona la ciudad para trasladarse al campo. El ecomuseo tiene que estar en un medio rural, suelen instalarse en viviendas y explotaciones que sirven como de taller, granja-escuela.

    En el 1984 tiene lugar en Canadá el primer congreso internacional de Ecomuseos. Y también el primer congreso de la nueva museología.

    En el año 1995, Marc Maure publicó un articulo donde define la nueva museológica en una serie de principios:

    1º Principio! Tiene que tener una democracia cultural o integración de culturas.

    2º Principio! Enfoque multidisciplinar que tienen que tener los museos. No solo debe de hacer museólogos sino conservadores, filósofos, restauradores...etc.

    3º Principio! Concienciación de identificar las comunidades con sus bienes. Se debe valorar lo que este más próximo.

    4º Principio! Museo como sistema interactivo, lugares en los que se participa.

    En el 1970 el ICOM vuelve a realizar otra definición: la museología es la ciencia del museo y estudia la historia y la razón de ser de los museos y su función social. También estudia la metodología de trabajar y el estudio que se da en el museo junto con la clasificación de los mismos.

    En el 1963 un italiano, Salerno, define la museología como: el estudio de la estructura del museo y la museología es la ampliación de la museografía. La museología no se limita a problemas arquitectónicos tampoco a elementos expositivos; sino que tiene intereses más altos (como la vida del museo y su finalidad).

    Riviere en el 1981, define museología como: la ciencia que estudia la historia y la función de la sociedad en los museos, su organización y funcionamiento, pero también incluye la arquitectura del museo.

    La museología y museografía tienen como finalidad el estudio de los museos, pero diferentes métodos de trabajo.

    La museología es más teórica y relacionada a nosotros, la museografía es más practica; son distintas en cuanto a formación.

    En el 1923 la enciclopedia universal ilustrada europeo americana define museografía basándose y traduciendo la palabra.

    En el 1970 el Diccionario de la Real Academia de la Lengua introduce el término museografía. Pero su definición es bastante confusa.

    En 1970 el ICOM establece la definición de museografía como: la ciencia que trata sobre la arquitectura y ordenamiento de las instalaciones científicas de los museos.

    En 1981 Riviere la define como: conjunto de técnicas y practicas referidas al museo.

    Hoy en día siguen debatiéndose los dos términos hasta donde llegan cada uno. Pero básicamente más o menos están fijados.

    • TEMA 2: De la colección al Museo.

    La colección se define desde el punto de la museología como a un conjunto de objetos que se hayan mantenido temporal o permanentemente fuera de la circulación económica, y que se encuentren determinados por una protección especial teniendo la finalidad se ser expuestos a la mirada de los hombres.

    El coleccionismo prácticamente surge cuando aparece el hombre. Es un fenómeno que se da en todas las culturas.

    Se pueden establecer dos tipos de coleccionismo:

    • Institucional o público: los museos estatales.

    • Privado.

    A su vez pueden establecerse tres tipos de coleccionistas:

    • Coleccionista “curioso”! genero que aparece en el siglo XVI, suelen tener interés por objetos caros. Estos van a coleccionar cosas de la naturaleza.

    • Coleccionista “Amateur” o aficionados! en el siglo XIX más o menos. Coleccionan por deleite.

    • Coleccionista moderno! más especializado y más culto, e introducido en lo que colecciona e investiga. Son colecciones muy completas que suelen acabar en fundaciones o museos que si pueden mantener esas obras u objetos.

    Un elemento importante es el grupo social que va a tener y practicar el coleccionismo. Suelen estar en manos de la iglesia, monarquía y la aristocracia. Esto hasta el siglo XIX.

    En el siglo XIX surge un grupo social nuevo, la burguesía comercial e industrial que van a ser coleccionistas también ya que se considera una inversión. Surge también una figura que es el comprador anónimo, para evitar robos.

    La historia del coleccionismo se estudia antes del estudio de los museos y paralelamente.

    El concepto de museo público comienza a surgir a partir de la revolución francesa.

    En la Prehistoria se constata la agrupación de objetos de colecciones cuya finalidad coincide con coleccionistas posteriores (piedras, huesos...).

    • PRÓXIMO ORIENTE

    Con el paso del tiempo aumenta el afán coleccionista. Se busca coleccionar objetos como por ejemplo de Egipto y del próximo oriente, en ocasiones adquiridos en un contexto bélico (expoliación).

    En el siglo XII se produce una expoliación en el país de Babilonia por parte de los habitantes de Elam. La colección obtenida de este saqueo fue expuesta en la capital del país.

    En el siglo IX hay otro expolio importante fruto de una guerra, que se expone en la ciudad de Asur.

    Otro ejemplo de exposición va a ser la gran colección del palacio de Nabucodonosor, una colección que se consiguió también por expolio bélico y que se expuso en una sala llamada gabinete de las maravillas.

    • GRECIA Y ROMA.

    En la Grecia clásica nos llegan muchos términos como pinacoteca, gliptoteca, dáctiloteca...etc. En este mismo país aparece el fenómeno de los Tesoros (Thesauros), cercanas a los templos donde se guardaban los exvotos. En estos tesoros ya existía un inventario, de esta manera se aseguraba el control.

    El museólogo francés, Bazin, describe todo lo que se llevaba acabo en el Tesoro de Delfos.

    En el Mundo Griego clásico va haber un cierto interés por la conservación de los objetos, impartiendo medidas como la utilización de grasa de pez. Con ella se creaba una capa protectora que protegía tanto metales como pinturas. También se utilizaban cubetas llenas de agua o aceites para aumentar la humedad en una sala.

    En Roma se hereda esa afición coleccionista de los griego, y surgirá en el imperio romano en figuras ligadas al poder (Pompeyo, Cesar,...etc).

    La función del coleccionismo en Roma va a ser la de ostentación des estatus social.

    El coleccionismo romano se nutrirá en gran parte de los expolios bélicos. Estos expolios de guerra valen de trofeo que se exponía en las grandes vías de Roma, símbolo de la victoria. Expolios importantes fueron el saqueo de Siracusa (Sicilia 210 a.d.C), saqueo de Corinto (146 a.d.C). Todo esto da lugar a la aparición del comercio del arte. En Roma la obra de arte tiene un fuerte valor económico, pudiendo enriquecer a la persona que la vende.

    A la vez que todo esto aparecen también las copias de las obras de arte. Surgen en Roma una serie de personas que comienzan a vender esas copias como verdaderas enriqueciéndose. Pero también hay que destacar que existen las copias legales.

    Las colecciones solían contenerse en las villas de recreo de la gente adinerada, donde había más espacio. El emperador Adriano tenía sus obras en la villa de Tíboli. Otra figura destacada como coleccionista es Marco Agripa, fue consejero de Augusto (siglo I a.d.C), es importante por su mentalidad bastante abierta y revolucionaria, intenta defender que el estado romano debía de transmitir al pueblo la cultura y el arte.

    • COLECCIONISMO HELENÍSTICO.

    El coleccionismo va a continuar desarrollándose durante el helenismo. Es en este periodo cuando surge un fuerte sentimiento de individualidad; de este modo el coleccionismo estará en manos de príncipes, gobernantes o enriquecidos. Son colecciones privadas, no como las del Mundo Griego Clásico.

    Atalo I gobernante de Pérgamo (siglo II a.d.C), es una de las figuras más importantes del helenismo, va a ser el representante del nuevo coleccionismo integrador. Creará un complejo cultural con una importante colección de obras, además de contener una importante biblioteca. Patrocinaba el intercambio intelectual a base de tertulias y conferencias.

    En el Helenismo surge la figura del marchante, que es el encargado de conseguir las obras para el coleccionista. También en el helenismo surge el critico de arte.

    Ptolomeo reúne una importante colección en Alejandría, que es uno de los centros culturales más importantes del Helenismo (la gran biblioteca).

    • COLECCIONISMO EN LA EDAD MEDIA.

    Se producirán cambios importantes. En la edad media la religión va a ser muy importante, de esta manera van a destacar los tesoros eclesiásticos (tesoros griegos). Se pueden distinguir dos espacios para alojar estas colecciones:

    • Siendo un edificio exento, pequeñas capillas en ocasiones de planta central y muy cercanas a la iglesia o catedral que pertenecen.

    • Siendo parte de un monasterio, catedral o iglesia, que se utiliza para albergar la colección (la cámara santa). Esta solución es más frecuente.

    Un elemento importante en el tesoro eclesiástico es la reutilización de los objetos. En la cruz de la victoria existe un camafeo romano en el centro de la cruz, son donaciones de gente adinerada que a cambio recibían la salvación en el fin de los días. En la arquitectura también va a pasar eso, simplemente porque es algo practico y porque se valora mucho lo antiguo.

    Junto con estos objetos también se guardan las reliquias, que moverán a muchas personas, y solían guardarse en relicarios. Existen dos tipos de reliquias:

    • Corpóreas: de santos, la virgen o Cristo.

    • Indirectas o de contacto: objetos que estuvieran en contacto con el santo, Cristo o la virgen.

    Uno de los coleccionistas del mundo medieval fue Carlo Magno que reunió un importante tesoro en la capilla Aquiscras, existía también una colección de libros importante.

    Por lo tanto en la edad media es la iglesia la que reúne los tesoros y colecciones donadas por aristócratas o gobernantes. Los reyes mandaban hacer las obras y después las donaba a la iglesia a cambio de salvación.

    En esta época se continuaron con los expolios de guerra, principalmente en las cruzadas. Por ejemplo del saqueo de Constantinopla se beneficiaron los tesoros de San Marcos en Venecia y el tesoro de San Denis. Las cruzadas por oriente trajeron objetos exóticos, al igual que la reconquista en España.

    Una tercera vía de adquisición es el comercio. Más que coleccionar, en las edad media se atesoraban los objetos en las iglesias. Esto dará lugar más tarde a los museos delas diócesis.

    En la baja edad media se produce un cambio en la forma y la apreciación de las colecciones. Este cambio va a ser en el punto de vista, antes era litúrgico, pero ahora surge la vocación humanística. La reunión de objetos se hace por el arte y por la historia y documentación, siglo XV. El duque de Berry (Borgoña), por ejemplo, reunirá una colección profana y laica que no tiene símbolo litúrgico.

    • COLECCIONISMO EN BIZANCIO.

    El propio Constantino recopiló obras griegas las repartió por las principales ciudades. Bizancio va a ser un foco importante en las colecciones.

    El emperador Constantino VII Porfirogéneta es aficionado a la arqueología y reúne en su residencia objetos artísticos procedentes de Grecia y Roma. Los enseña al pueblo en alguna ocasión dándole un carácter más abierto (semiprivado). Bizancio mantiene los objetivos dados en la edad media.

    • TEMA 3: El nacimiento del Museo.

      • EL COLECCIONISMO DURANTE EL RENACIMIENTO.

    En el Renacimiento cambia el concepto de coleccionismo, antes ligado a la religión.

    El Renacimiento es una revaloración de lo clásico. Esto tiene que ver con el descubrimiento de ruinas arqueológicas clásicas y helenísticas, durante el siglo XVI. Todo esto potencia la moda de lo clásico, centrada entorno a las cortes italianas.

    La colección renacentista se considera como un elemento de prestigio. Además se comienzan a apreciar las obras de arte como algo estético y de deleite.

    Aparece también el coleccionismo erudito, este consiste en un coleccionismo mucho más especializado y es a su vez un documento histórico. El coleccionista tiene conciencia histórica de la civilización pasada y conciencia critica del presente.

    Hay que señalar que en el renacimiento hay una conciencia antropocéntrica y por lo tanto estas obras tienen valor por que el hombre las a hecho.

    Las grandes colecciones renacentistas van a ser los fondos de los futuros grandes museos actuales.

    Se afianzan una serie de familias enriquecidas que van a conseguir grandes fortunas, y que a su vez se interesan por el arte y la cultura. No solo van coleccionar sino que también promocionaran a artistas. La familia más conocida son los Médicis, que adquirirán obras desde el siglo XV hasta el siglo XVIII, ya que acabaran donando la colección al estado italiano para poder enseñar sus obras al mundo entero.

    Cosme el viejo de Médicis en el siglo XV va a ser el primer coleccionista del renacimiento que denomina a su colección como museo.

    En el siglo XVI el coleccionismo va a ser mas pensado y organizado, en manos de expertos que saben lo que coleccionan.

    Además ese coleccionismo se abre al público, hay familias que abren sus colecciones para que las vean, son conscientes que hacen un bien público.

    Lorenzo el Magnifico de Médicis, en la segunda mitad del siglo XV, le preocupa mucho la conservación de las obras. De esta manera contrata a un personal que se encargue del mantenimiento y conservación de su colección. El primer conservador que se conoce es Bertoldo, que no solo conserva la colección de Lorenzo de Médicis sino que también la organiza.

    Corma I de Médicis, a mediados del siglo XVI, destaca sobre todo por un hito importante. Encarga a Giorgio Vasari la construcción del Uffizi, concebido desde el primer momento para exponer las colecciones, es el primer edificio concebido para museo. La planta baja estaba destinada para la administración (oficinas) y la primera era para la exposición de las obras, esto se hizo para proteger las obras y así aislarlas de la humedad. En 1582 se abre la galería de los Uffizi al público.

    Otras familias importantes que también reunieron colecciones importantes fueron: Montefeltro (en Urbino), los Gonzaga (en Mantua), los Visconti (Milán), los Rucellai (Florencia) y los Strozzi (Florencia).

    También va a haber otro estamento que hace mucho por el coleccionismo y también por la cultura renacentista, el papado. En Roma el papado abre al público una serie de colecciones que ubica en diferentes sitios. Una de ellas será la colección expuesta en el Anticuarium fundado en 1471 por el Papa Sixto IV.

    Julio II crea otro museo, el museo de Belvedere. Es un edificio obra de Bramante y fundamentalmente contenía obras clásicas tanto romanas como griegas.

    Los museos vaticanos serán organizados por León X ayudado por Rafael. Los museos vaticanos se abren ahora al público, antes eran semiprivados.

    El Papa Pablo III reúne una importante colección de obras, pero de forma ilegal sacándolas de las excavaciones de Roma.

    Hay parte de los Papas, como Pio V y Sixto V, que van a tener una cierta censura en estos museos. Van a eliminar un grupo de obras para ocultarlas a la vista por tacharlas de paganas.

    En el Renacimiento se produce una asociación estrecha entre coleccionista y mecenas. Serán la misma persona.

    Además surge también en este periodo una fuerte competitividad entre los diversos coleccionistas, a causa de haber más coleccionistas especializados. Esto genera también un tráfico de obras.

    Hay un humanista llamado Paolo Giovio que reúne una importante colección en la ciudad de Como. Reúne en su palacio una colección, sobre el 1520, especializada en retratos históricos de gente celebre. Vasari va a viajar a Como y la conoce a fondo, será una importante fuente de inspiración en su obra “La Vite...”.

    El Renacimiento italiano va a perfilar el concepto de museo y de colección, además la colección tiene un valor de prestigio y todo ello en un contexto antropocentrista.

    Todo esto no tardo mucho tiempo en salir de Italia.

    El rey Francisco I de Francia va a ser un gran coleccionista de pintura, especialmente de Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel y Ticiano. También reúne una colección de mobiliario renacentista comprado en el norte de Italia. Esta colección es instalada en el castillo de Fontainebleau. Este castillo hubo de ser ampliado en diversas ocasiones. La colección es llamada las Maravillas de Fontaineblau. Francisca Hernández dice que el contenido es muy renacentista pero muy manierista en su exposición. La colección se amplia por los sucesores del monarca, estos son los que generan que la colección tire al manierismo con objetos más diversos. Esto provoca la aparición del gabinete de curiosidades. Toda esta colección prácticamente pasará al Louvre.

    • COLECCIÓN MANIERISTA.

    En la segunda mitad del siglo XVI, aparecen las llamadas cámaras artísticas, espacios de dimensiones más reducidas donde se guardaban las obras. Este nuevo concepto es un concepto manierista, aparecen en ciudades como Munich, Praga...etc. Entre estas colecciones va a destacar la del Archiduque Fernando del Tirol en el castillo de Ambrás. Fundamentalmente tiene tres grupos de obras:

    • Una armería, de las más importantes de Europa.

    • Una biblioteca, de unos 4000 volúmenes. Se ordenó por temas.

    • La cámara artística, son objetos de arte que se exponían en armarios de madera cerrados, también ordenados de dos tipos:

    • Tendiendo a la naturaleza de los objetos (escultura, pintura...etc).

    • Atendiendo a la técnica de ejecución.

    Esta colección ilustra muy bien como es una colección manierista. Dentro de esta colección la cámara artística era la menos importante. También tenia un conjunto de objetos de naturaleza poco habituales y la recopilación de mutaciones de la naturaleza recogidos en bocetos, dibujos o disecaciones.

    Otra colección del manierismo europeo es la que reúna a fines del siglo XVI Rodolfo II de Praga, era archiduque de Austria y rey de Hungría y de Bohemia. Esta especializado en objetos extraños difíciles de conseguir de todo tipo. Dedica buena parte de su vida a conseguir estas piezas. Se rodea de un grupo de personas que le ayudan a encontrar esas piezas viajando por toda Europa.

    Praga va a ser un centro artístico importante. La colección de Rodolfo se guardaba en cuatro cámaras de su palacio y no existe ningún catalogo o inventario general de la colección, pero si conocemos un inventario de los 800 cuadros que contenía. Además en ese catalogo recogía una breve descripción del cuadro. Rodolfo II de Praga la reunió única y exclusivamente para su disfrute personal, no se abría al público.

    Otra colección importante es la de los duques de Munich. Es una colección que irá engrosando sus fondos colas generaciones posteriores. Guillermo IV inicia la colección, su sucesor Alberto V aumentará la colección creando una cámara artística y edificara un edificio o sala contigua al palacio ducal para albergar dicha cámara, creando además una biblioteca. Destaca también la importante colección de joyas. Estas dos personas a parte de ser coleccionistas eran mecenas. El heredero de Alberto V es Guillermo V (siglo XVII), cuando muere este ultimo se conoce un inventario que albergaba 1300 piezas. La ultima persona que la continua es Maximiliano I (siglo XVII), especializándose en colecciones arquitectónicas (maquetas, bocetos, planos) y pictóricas (colecciona mucho a Alberto Durero). Toda ésta colección la ubicará en la Camer-Galería, que es un sala no muy grande destinada a guardar todas estas obras. Los sucesores de éste pierden interés y se interesan por un coleccionismo más especializado en pintura (dejan las joyas, arquitectura).

    Otra colección es la de Dresden, que se origina hacia 1.560 (inicio del Manierismo). Se compone de objetos científico-técnicos (relojes, apartaos de medición, ...) y de objetos naturales. Se conserva un inventario bastante completo que se elabora un siglo después de que se inicie dicha colección. Esto provoca una clasificación en la colección:

  • Cámara 1: Instrumentos mecánicos.

  • Cámara 2: Vasos preciosos.

  • Cámara 3: Cofre de tesoros y cuadros artísticos.

  • Cámara 4: Objetos artísticos matemáticos.

  • Cámara 5: Espejos artísticos (muy barrocos).

  • Cámara 6: Objetos naturales (animales y vegetales)

  • Cámara 7: Figuras de piedra, metal y otros materiales (fósiles).

  • En los siglos XVI y XVII estas colecciones manieristas recogen objetos diversos, es decir, son colecciones eclécticas. Son colecciones en manos de la realeza o de la aristocracia, que elaboraran una sala especial. Además hay un cierto interés por la clasificación, fundamentalmente temático. Junto a esto surge un coleccionismo más especializado, que ya caracteriza a los siglos XVII y XVIII.

    Según Francisca Hernández, durante estos siglos se configuran los grandes patrimonios artísticos europeos. Se trata de colecciones que acabaran en los grandes museos públicos, ligados fundamentalmente a la Corona. En paralelo a esto, surgen un tipo de coleccionistas privados que crearan otras colecciones que siguen las modas y los criterios expositivos marcados por las colecciones reales.

    • TEMA 4: La Edad de Oro de los Museos.

    • COLECCIONES DURANTE EL SIGLO XVII.

    En toda Europa en el siglo XVII se sigue la pauta del coleccionismo impuesta en Italia en el siglo anterior. Francisca Hernández señala que el siglo XVII va a ser un periodo muy peculiar, ya que, en el siglo XVII se habían formado las colecciones que vimos pero ahora esas colecciones se moverán al cambiar de manos. Estos movimientos provocaron cambios en esas colecciones.

    La colección de Gonzuaga de Mantua va a ser comprada entera por Carlos I de Inglaterra, pero el Gobierno puritano inglés confiscó la colección a Carlos I y la subasta públicamente a nivel europeo a mediados del siglo XVII, comenzando aquí a partirse. El Rey de España se quedará con una parte, la Reina de Suecia con otra, el Archiduque Leopoldo Guillermo con otra y el Cardenal Mazarino con otra.

    En Italia en el siglo XVII van a ser coleccionistas los príncipes y los banqueros, en Holanda los burgueses y en Flandes la aristocracia.

    Francisca Hernández señala un cambio en este siglo en los Países Bajos, el acceso de la burguesía a estas colecciones, tratando de imitar a las familias italianas. Además se ayudan de personas intelectuales conocedoras del arte, ya que, ellos no tenían una formación cultural. Con este tipo de colecciones se desarrolla en Amberes un nuevo género de pintura, la Pintura de Gabinetes que se desarrolla durante el siglo XVII y está asociada a los flamencos. Se trata de cuadros en los que se ilustra una exposición, cuadros dentro de cuadros, es decir, se pintan colecciones. Se difunden principalmente en los Países Bajos y en el centro de Europa. L aparición de este tema pictórico está ligada a los gobernadores españoles en los Países Bajos.

    En éste siglo el Archiduque Leopoldo Guillermo nombra a Téniers como conservador de su colección. Con la aparición de éste personaje la colección pasa de ser ecléctica a especializarse en pintura. Un nuevo elemento que destaca en la colección del Archiduque es la difusión de esa cultura. Téniers la difunde y manda pintar la colección del Archiduque (pintura de Gabinetes). Téniers también encarga un catálogo impreso en el año 1.660, llamado “El Theatrum Pictorium”. Los cuadros que recoge el catálogo servirá de documento histórico para los historiadores del arte, lo que permite ver la autoría y la fecha de creación de los cuadros.

    El mercado artístico va a ser muy importante en estos siglos. Los focos del mercado artísticos más importantes son Paris y los Países Bajos principalmente. Saint-Germain de Paris y en Alemania Leipzig serán los focos más importantes de arte. También Amberes fue un foco importante y en esta ciudad la actividad artística va a estar regulada por el gremio de S. Lucas, que era un gremio de artistas. Otro centro importante del siglo XVII es Ámsterdam, donde se produce una gran actividad con subastas. En primer lugar para subastar tiene que haber un catálogo de venta que se difunde días antes. Además existe la figura del perito tasador, que es el que tasa el mínimo del precio, y la figura del voceador que es el que habla en las subastas. En Ámsterdam hay agentes de comercio artístico, que asesoran a los compradores y vendedores. Así, surgirá un mercado ilegal que daba mucho dinero, pero muchos problemas a los compradores. Por esta razón se exige un certificado de autenticidad, aunque pese a esto es difícil.

    Los mismos coleccionistas contrataban a artistas para que copiaran obras conocidas. El italiano Giulio Manzini escribió “Consideración sulla pinttura”, donde se recoge como se puede distinguir una copia de un original. Los propios pintores van a participar en este mercado artístico, ya que, muchos de ellos fueron contratados como asesores de los coleccionistas o como intermediarios a la hora de adquirir una obra.

    Dentro de éste contexto hay que destacar al Rey Luis XIV, que va a ser un coleccionista importante que tiene como asesor al Ministro de Hacienda Colber. Compró el lote de la colección de Mazarino y también la colección de un banquero enriquecido llamado Jabach o Jaback. Estas personas vendían su colección por problemas económicos. En esta colección de Jabach está la actual colección de dibujos del Louvre. Luis XIV reúne o hereda la de Fonteneblo. Todas las colecciones quedaron reunidas en una sola al trasladar todo al Louvre, ya que, quería crear una escuela de arte y formación en Louvre. Así, allí se forman artistas que pintan para el rey. En el propio Palacio del Louvre, una vez al año, la sala de sesiones del mismo actuaba como sala de exposiciones de una parte de la colección. Cuando acaba el reinado de Luis XIV toda la colección se traslada a Versalles. Además de esta colección, Luis XIV creó una importante biblioteca real, que va a ser lo que se convertirá en la Biblioteca Nacional de Paris.

    Por lo tanto, el panorama del siglo XVII va a ser de un siglo de gran movimiento en el coleccionismo, donde el arte va a ser un comercio. Además de esas subastas, va a ver un gran movimiento de arte por medio de regalos, lo que va a hacer que las obras acaben en diferentes lugares de Europa. Al respecto, no había ninguna ley que regulase las salidas de las obras del país. En el siglo XVIII ya comienza a haber un control.

    En el siglo XVIII va a haber dos colecciones importantes que se van a mantener en su lugar: la colección del Vaticano y la colección de la Galería de los Uffici.

    Francisca Hernández señala como una de las características del coleccionismo del siglo XVIII es que los coleccionistas se van a especializar. Además, el artista comienza a crear de una manera libre ya que su obra será para una subasta, no son como los encargos reales.

    • EL ASHMOLEAN MUSEUM DE OXFORD.

    Dentro de los museos importantes destaca un museo de Inglaterra, el Ashmulean Museum (Oxford). Se funda en el año 1.683 y es considerado como el primer museo, antes del Louvre, que se organizaba como una institución pública. El origen de este museo es la colección de la familia Tradescant, que reúne a lo largo de dos generaciones una importante colección. Esta colección ya había sido mostrada al público en un edificio, el Tradescant's Ark, en diferentes momentos. Aquí se promociona la publicación de un catálogo, llamado “Museum Tradescantium”, donde se difunde el fundo de este museo. Cuando muere el último componente de la familia, la colección pasa a manos de la Familia Ashmolean. Esta familia no puede mantener la colección y en bloque la legan a la Universidad de Oxford. La Universidad construye un edificio para ubicar esta colección en el año 1.683. El museo irá ampliando la colección. La Universidad nombra a una persona como conservador y además publica un catálogo actualizado de la colección en latín. En el año 1.713 se va a publicar y a constituir unos estatutos que recogen básicamente como funciona y se administra un museo, refiriéndose a los horarios, a la importancia de los catálogos, el precio de la entrada y de cómo deben funcionar los conservadores, Cuando se crea éste museo, se va creando un estado de opinión de que las colecciones se abran al público y, así, se considera que el Ashmoleam Museum va a ser el antecedente del Louvre.

    • LA ILUSTRACIÓN Y EL NACIMIENTO DEL LOUVRE

    A finales del siglo XVII se produce en toda Europa un cambio de mentalidad, es la crisis de la conciencia europea. Este es un cambio que da como prioridad a la razón. Con la ilustración francesa se amplía y se desarrolla la investigación y el desarrollo crítico.

    En Francia la crítica de arte se va a desarrollar en los salones parisinos. En el siglo XVIII va a tener lugar una serie de acontecimientos que desarrollar un cambio en la moda artística, un vuelco por parte de los artistas a lo clásico, es el Neoclásico. Este es un arte que renueva el Barroco y el Rococó, antes ya agotados. Se va a desarrollar también una actividad arqueológica muy intensa sobre todo en Italia, con el descubrimiento de las dos ciudades de Pompeya y Herculano. Estos yacimientos contribuyen a ese movimiento neoclásico.

    Otro acontecimiento importante del siglo XVIII es el surgimiento de las Reales Academias de toda Europa y, en concreto, las de Bellas Artes de las principales ciudades de Europa, siendo la principal la de Paris. A partir de ésta se fundan las demás, la de Madrid de las primeras, después Venecia, Londres, Berlín y Viena. Paris sigue siendo el centro importante de la crítica de arte en los salones y Londres va a ser otra capital europea donde se va a fomentar ese mercado artístico. En el siglo XVIII en Londres se fundan las casas de subastas Christie's y Sotherby's. En el siglo XVIII se produce además un afán por la especialización del coleccionismo. Además, la colección deja de ser un signo de ostentación o status social para centrarse en el trabajo didáctico de enseñanza o aprendizaje y, en concreto, pasa a ser una fuente histórica. Dentro de las colecciones va a primar el criterio cronológico, apareciendo salas dedicadas a un siglo determinado. Por lo tanto, se produce un enfrentamiento entre las competencias de los museos y las academias que luchaban por el monopolio de la cultura.

    En el siglo XVIII es cuando se reconoce al pueblo la capacidad de valorar una obra de arte. Dentro de la crítica del arte, los críticos van a insistir bastante en que cualquier persona pueda opinar sobre arte. El poeta Lessing era crítico de arte y defendía esta postura.

    Con la Revolución francesa se une el Arte Barroco y el Rococó a la clase aristocrática y a la monarquía, con lo que el surgimiento del Neoclasicismo supuso el derrocar a esas clases odiadas por los revolucionarios. Francisca Hernández establece en toda la historia tres etapas o hitos importantes:

  • Creación del Museo de Alejandría

  • Renacimiento (Proto Museos)

  • Surgimiento del Museo del Louvre

  • La creación del Museo del Louvre tiene su origen en la colección del Castillo de Fontainebleau. Gracias a Luis XIV esta colección se ampliará y se concentrará en el Palacio del Louvre, pero también en otros dos palacios importantes: Palacio de las Tullerías de Paris y el Palacio de Versalles. La colección se adapta a la arquitectura.

    En el siglo XVIII el pueblo comienza a querer que estas colecciones se expongan al público. A mediados del siglo XVIII Diderot y Voltaire entienden que el mejor lugar para exponerlas es el Louvre. La aristocracia no quiere por que ello les suponía perder poder. El Rey acaba solucionando el problema y el Palacio de Luxemburgo servirá para exponer parte de la colección, debido a la presión de la aristocracia. Mientras el Palacio de Luxemburgo estaba abierto al público Diderot sigue reivindicando que la colección se expusiese en el Louvre e incluso propone un proyecto para la adaptación del museo a la colección. Con ello se pretendía que los más jóvenes empezasen a contemplar el arte, en concreto los escolares.

    Cuando sube al trono Luis XVI se nombra director de los edificios reales a Angivillier, que va a coordinar el funcionamiento de estos edificios y aconsejó al Rey que abriese las colecciones al público porque sino las revoluciones iban a ser inmediatas. A pesar de ello estalla la revolución, lo que produce un parón en el proyecto.

    En 1.791 se promulga un decreto en Paris mediante el cual el Palacio del Louvre se destina exclusivamente a funciones artísticas y científicas. Se exige también que todo el patrimonio nacional artístico se reúna en el Louvre. En este mismo año se nombra una comisión de expertos para organizar todos estos bienes formada por un grupo de artistas y un erudito o intelectual.

    A pesar de que el Palacio del Louvre estaba dañado en muchas de sus partes a causa de la revolución, el pueblo reclama que sea abierto cuanto antes, abriéndose finalmente en el agosto de 1.793 con el nombre de Museo Central de las Artes o El Museo de la República. Así mismo, se establece un horario de tres días a la semana y se publica un catálogo. Francisca Hernández señala que el Museo del Louvre va a ser el resultado histórico de una nación que culmina con la Revolución Francesa.

    El Louvre surge por tres aspectos:

  • El coleccionismo monárquico

  • Los avances del pensamiento ilustrado

  • La acción de la revolución

  • Por lo tanto, no surge a causa de la revolución sino que es un proceso que viene de atrás. Francisca Hernández también señala una novedad que hace que éste museo sea moderno, que se el nuevo concepto de patrimonio cultural. Todo el público podría disfrutar de ese patrimonio.

    A partir del año 1.795 se produce el ingreso de una serie de piezas procedentes de las campañas napoleónicas. Las obras expoliadas se reparten en diferentes centros, siendo uno de ellos el Convento Petits Agustins. En el año 1.815 tuvo lugar la Restauración Monárquica y algunas de las piezas expoliadas vuelven a su lugar de origen (muy pocas). En el siglo XIX el Louvre depende del Ministerio de Interior. En este momento (años 40) en Francia ya se había creado una institución, La Comisión Central de Monumentos Históricos de Paris, A partir de este modelo francés los demás países europeos crearán sus propias comisiones, que son las encargadas de dar lugar a la creación de los museos arqueológicos provinciales y de elaborar un catálogo de todas las piezas importantes.

    En el año 1.882 en el Louvre tiene lugar la creación de la Escuela del Louvre, que será considerada como un centro de formación de museólogos. Llegado el siglo XX en los años 30 se produce una remodelación global del Louvre. En cuanto a los criterios expositivos, van a ser:

    • El cronológico

    • El geográfico

    En este año también se van a organizar las colecciones en seis departamentos:

      • De antigüedades orientales

      • De antigüedades griegas y romanas

      • De antigüedades egipcias

      • De pintura

      • De escultura

      • De artes decorativas e industriales

    Mas del 50% de la colección del Louvre es expoliada de otros lugares. El último gran proyecto de remodelación del siglo XX se produjo a raíz de la toma de poder de Francois Mitterand (1.981). En la remodelación se incorpora la famosa pirámide de cristal del Louvre y se desaloja el Ministerio de Finanzas que se encontraba allí establecido, con lo que se recupera mucho espacio. Antes de esto el 80% del Louvre esa ocupado por la colección y tan sólo el 20% era para espacios públicos y privados del museo. En la remodelación se excavan dos plantas más ganando espacio y se construye una parada de metro.

    Francisca Hernández destaca tres grandes objetivos de este programa de remodelación:

  • La creación de espacios públicos (librerías, baños, hall, auditorio, ...).

  • Ampliación de espacios internos al museo (despachos, talleres de restauración y conservación).

  • Ampliación de las salas de exposición.

  • Se pasa de unos 30.000 metros de superficie a exponer a 50.000 para exponer. El Museo del Louvre va a ser uno de los ejemplos a seguir por los museos europeos del siglo XIX e incluso del siglo XX.

    • COLECCIONES IMPORTANTES: AUSTRIA Y ALEMANIA

    En Austria el Emperador Carlos VI traslada las colecciones reales a un antiguo arsenal durante 8 años. Esta colección cuenta con un catálogo muy importante porque recoge una pequeña miniatura de cada uno de los piezas de la colección.

    En el año 1.776 Jose II de Austria instala esta colección en el castillo de Belbedere, publicando un nuevo inventario o catalogo ampliando el anterior, y abre el castillo al público tres veces por semana.

    En Alemania la galería de Prusia se abre con un acceso restringido, solo a estudiantes de arte.

    Federico II (rey de Prusia) en el 1797 ordenó que se recopilasen las mejores obras pictóricas en el castillo de Berlín, abriéndolo al público en 1810.

    Finalmente en 1780 el duque de Baviera instala sus colecciones en un ala de su palacio y las abre al público.

    En Munich las colecciones del archiduque Guillermo IV da lugar al museo de la Alte Pinakotheke (siglo XVIII).

    La galería de Dresden se abre al público.

    • TEMA 5: El nacimiento de los museos modernos en los siglos XVIII y XIX.

    • EL BRITISH MUSEUM.

    Es uno de los museos más importantes de Europa junto con el Louvre. El origen de su colección procede de la colección privada del médico y naturalista Sir Hans Sloane (1670-1753). Él venderá la colección a Jorge II de Inglaterra. La colección fundamentalmente tenía un gran herbario y una buena biblioteca (contenía además de libros, manuscritos). Su objetivo era que todo el mundo pudiese apreciar dicha colección.

    En 1753 se levanta el acta del museo británico, en el que el parlamento inglés instituye una colecta publica para poner en marcha un museo para alojar la colección.

    En 1759 se abre el museo al público. Desde entonces el museo estuvo abierto siempre, excepto en las guerras mundiales.

    Con el paso del tiempo las visitas aumentaron progresivamente, en la actualidad recibe 5000000 de visitantes.

    Es una institución bastante novedosa. Funcionaba con la creación de un patronato que negociaba con el parlamento. Las colecciones de este museo van a ser públicas. La entrada al museo desde el principio fue gratis, ya que debía facilitarse la entrada a toda persona estudiosa o curiosa.

    También desde un primer momento se combina la investigación, el estudio y la exposición.

    La colección fundacional consta también de una colección de antigüedades, grabados y dibujos. Y también tenia una buena colección de etnografía.

    El museo se ubica al principio en una mansión del siglo XVII en Londres, pero con el paso del tiempo se queda pequeña.

    En 1823 el rey Jorge IV cede al estado ingles su importante biblioteca, la King´s Library. Por esta razón, es necesario crear de nueva planta un edificio nuevo para el museo. Sir Robert Smirke es el arquitecto que diseña el edificio acabándolo en 1857. Este proyecto contaba con un gran patio cubierto en el centro, en el que se ubica una gran sala circular de lectura.

    En el siglo XIX el museo se expande atrayendo a muchos visitantes:

    • Se va a continuar ampliando las colecciones y se perfecciona el trabajo científico y de investigación.

    • Se publica un catalogo de la colección.

    • Se contrata también a conservadores, que no solo se encargaran de conservar las obras sino que también harán del museo un lugar atractivo para atraer más gente realizando conferencias, exponiendo colecciones temporales,...etc.

    • Se publica una guía para los visitantes que visiten el museo.

    • Se llevará acabo una serie de excavaciones arqueológicas organizadas por el museo, fuera del país. Por tanto un importante numero de piezas procederán de dichas excavaciones (Siria, Egipto, China...).

    En los años 80 tiene lugar el traslado de una serie de colecciones a un edificio nuevo y especializado. Es el caso de la colección de historia natural, que dará origen al museo de historia natural actual.

    En el siglo XX tiene lugar la expansión de los espacios públicos (tiendas, restaurantes, baños...etc).

    En el 1964 se contrata al primer diseñador de exposiciones. Comenzando a su vez un proyecto de reforma de las galerías del museo.

    En 1973 se funda la editorial del Museo Británico suponiendo una gran difusión del mismo, el Museo del Prado también la tiene.

    A pesar de la construcción de un nuevo ala y la ampliación de la zona administrativa del museo, no hay suficiente espacio. Como el museo no puede expandirse más se toma como solución la de transferir la biblioteca a un edificio destinado a albergarla, nace así la British Library.

    Una de las grandes reformas, realizadas recientemente, es la construcción del gran atrio. Este espacio se realiza gracias a la liberación del espacio que ocupaba la biblioteca. Se restaura también la sala de lectura, ya que se mantendrá. El gran atrio es un gran espacio cubierto realizado en vidrio y hierro, y desde él se accede al centro pedagógico (Clore) que es el espacio donde trabajan esas personas que tienen la función de hacer atractivo el museo. Este centro se encuentra concretamente sitiado debajo del vestíbulo y cuenta con dos auditorios que van a acoger conferencias, ciclos de cine, congresos...etc. Además cuenta con un espacio destinado a las visitas escolares, comedores, y exposiciones adaptadas a los niños.

    En cuanto a la sala de lectura, funcionó desde un principio como un centro de estudios y de tertulias culturales. La sala aloja también una colección de libros, llamada la colección Paul Hamlyn, de 12000 ejemplares todos ellos dedicados a las colecciones que pueden ser consultados por cualquier persona, hace 50 años tenia un acceso restringido.

    Respecto a las colecciones sin inmensas. El museo dispone de 100 galerías aproximadamente. Solo las piezas importantes están expuestas permanentemente, las otras o bien son temporales o se guardan en el depósito (se expone menos de lo que se tiene). Las piezas permanentes tan solo se mueven de su lugar para realizar alguna restauración, para llevarla temporalmente a otro museo, para la investigación...etc.

    Algunas de las colecciones que aloja el British son:

    • De grabados y dibujos: es muy importante. Requiere una conservación especial, tan solo se exponen unos determinados meses del año. Fundamentalmente en papel, ya que los pergaminos suelen estar en la British Library.

    • La etnográfica: aproximadamente unas 350000 piezas. No solo se centra en Europa sino que recoge piezas de todo el mundo, muchas de estas piezas fueron traídas por el capitán James Cook y Vancouver.

    • Antiguo oriente próximo: muchas de las piezas fueron obtenidas por expolios.

    • Asiática: según los británicos poseen la mejor colección del mundo.

    • De cerámica islámica

    • Esculturas indias

    • Piezas de Corea

    • Relojes europeos

    • La cultura británica desde la edad de bronce

    • Piezas romanas desde la edad romana hasta la medieval

    • Piezas judías

    • La Egipcia: es una de las colecciones estrella del museo.

    • Piezas del Egipto copto o cristiano

    • Grecia y Roma, desde la edad de bronce

    • Japonesa: es la mejor colección. Contiene principalmente arte decorativo y grafico, pero se exponen pocos objetos por la difícil conservación.

    • Numismática: poseen unas 750000 piezas, la mayor parte en el depósito. Cubren prácticamente toda la historia de la moneda.

    • Medallas: poseen un gran valor icnográfico.

    • CONJUNTO BERLINÉS.

    Museo de Munich

    Se construye entre 1816 y 1830. Fue creado expresamente para alojar los frontones del templo de Egina, y es una iniciativa de Luis I.

    El arquitecto Leo Von Klenze diseñó un edificio en torno a un patio cuadrado con un recorrido lineal por todas las estancias. Las salas van a tener una iluminación lateral, por los grandes ventanales de las paredes, y una iluminación cenital de arriba abajo, dada por tragaluces.

    Pinacoteca Antigua de Munich

    Se construye entre 1826 y 1836. Para este edificio Leo Von Klenze diseña una planta con salas al estilo del renacimiento, alargadas, y el edificio es rematado a cada lado por otro ala en sentido perpendicular al edificio principal. El estilo escogido para este edificio es el neoclásico, como en la mayor parte de los museos que se realizan por estas fechas.

    Gliptoteca de Munich

    Tiene básicamente colecciones de escultura en piedra. La planta del edificio es también en torno a un patio y se caracteriza por tener en cada extremo de cada ala una rotonda cubierta con cúpula con iluminación cenital.

    Isla de los museos de Berlín

    Se puede decir que es un gran complejo museístico. Todos lo edificios que lo componen se encuentran unidos unos a otros por pasarelas y puentes.

    • Museo Antiguo de Berlín! es el primer edificio proyectado, por el arquitecto Karl Friedrich Schinkel, principal representante de la corriente neoclasicista en Alemania. Se construye en el 1825 y lo promociona el rey Federico Guillermo III. Posee una planta muy simétrica y modular. En torno a dos patios se distribuyen todas las galerías, que se encuentran comunicadas unas con otras. En el centro del edificio se dispone una gran rotonda muy similar a la del Panteón. La entrada principal es un frontis clásico.

    • Nuevo Museo! es el segundo edificio proyectado.

    • La Galería Nacional! posee una planta muy similar a la de una basílica romana.

    • Museo Kaiser-Friedrick! es un edificio neobarroco (muy decorado), cuya planta puede verse que se adapta al terreno.

    • Forum Museum! es el ultimo edificio construido, posee una planta en u.

      • MUSEOS EN AMÉRICA, ASIA Y ÁFRICA.

    Surgirán muchos de ellos para revindicar su propia personalidad frente a los países colonizadores.

    En América hay una institución en Carolina del norte, llamada la Charleston Library Society, que crea en el 1771 un museo botánico.

    En 1786 surge el llamado Museo Peald en Filadelfia.

    En la universidad de Yale a finales del siglo XIX, se funda un pequeño museo al recibir un legado.

    En Hispanoamérica la expansión de los museos se va a dar en el siglo XIX. En Argentina el museo de ciencias naturales de Buenos Aires abre sus puertas en el 1812. Y en museo de Río de Janeiro en el 1812. En Chile se funda en 1830 el Museo de Historia Natural. A fines del siglo XIX se funda el museo geológico de Lima y en Argentina el museo marítimo de el Tigre.

    • TEMA 6: La creación de los grandes Museos Norteamericanos.

    El historiador Juan Carlos Rico dedica en su obra un capitulo a los museos norteamericanos, los define como un concepto de vanguardia dentro de un historicismo muy especial.

    Estos museos tendrán unas características comunes:

    • Son museos que surgen ex-novos, es decir nuevos, que no tienen colecciones de que abastecerse.

    • En Norteamérica se instala la democracia tras la independencia. Estos principios de independencia de poderes e igualdad se convierten en el sustrato de una nación, recogidos en parte de la revolución francesa.

    La nueva estructura democrática impregna todas las actividades, en particular las artísticas. Afecto principalmente a la noción de museo.

    El primer valor que van a promover estos demócratas americanos es la fundación de una institución museal publica y social para el disfrute de los nuevos ciudadanos americanos. Para ello lo que se hace es exaltar la idea de que el museo genera un beneficio público.

    Será un museo con nación de templo del saber, también se decidió facilitar la cultura a toda la sociedad llegando primero a los sectores más desfavorecidos (no elitista), ofreciéndoles recorridos expositivos didácticos. Se pretende facilitar la asimilación de los conocimientos asimilados en el museo. Se organizaron una serie de departamentos didácticos encargados de realizar catálogos y cursos didácticos. Las escuelas de arte también se conectaron con las instituciones museales en esa labor de didactizar la cultura.

    Este planteamiento llevó a Juan Carlos Rico a entrever una primera revolución; se pasó del arte solo para unos pocos, al arte para todos.

    El hecho de empezar de cero (sin tradición eclesial ni real), asumiendo además los conceptos de la revolución francesa, otorgó una serie de ventajas e inconvenientes.

    • Ventajas! la institución museal surgió dentro de un concepto liberal, no de tradición. Además esta libertad permitió asumir la nueva estructura didáctica que implantaron.

    • Inconvenientes! dudosa formación de las colecciones. Son colecciones en las que se mezclan obras muy importantes con objetos secundarios. Todo ese contenido se expuso en unos edificios marcados por una interpretación de eclecticismo histórico extraña y mal examinada y difícil de aceptar para un Europeo del siglo XIX.

    En Europa la arquitectura museal partía de un clasicismo que derivó en diversos estilos históricos, estos diversos estilos se alteran enormemente en América. Por esta razón mezclaron conceptos del templo griego con el castillo medieval...etc. El resultado es de mal gusto estético, lo que hacen es imitar a Europa, pero no lo consiguen.

    • CARACTERÍSTICAS DE LOS MUSEOS AMERICANOS.

    Esta concepción museística americana, se esboza teniendo en cuenta una serie de aspectos:

  • El criterio didáctico que conlleva una organización muy diferente centrada en que esa cultura y formación llegue a todos. En este sentido se separan todas las artes por salas, agrupan diversas especialidades artísticas (donde en Europa no existía, cámaras de las maravillas).

  • Se crean nuevos espacios para cumplir las necesidades formativas (biblioteca, aulas, laboratorios, taller de restauración e incluso auditorios). También el museo se organiza en diversos departamentos independientes, cada uno trabaja sui materia de principio a fin en todo su proceso.

    Se establecen relaciones con instituciones y universidades para facilitar la transmisión de conocimientos, y sobre todo estrechar al máximo las relaciones con las escuelas de arte.

    También las tiendas desempeñaran un fuerte valor didáctico.

  • Aspecto Arquitectónico. Va a ser más sencillo que en Europa. En los edificios americanos se aprecia una gran separación de las áreas comunes (de servicio, de administración...etc) de las áreas expositivas. También una división de las zonas públicas de las áreas profesionales.

  • Hay un cierto mimetismo con Europa, suelen utilizar un patio central cubierto sobre el que giran las diferentes galerías o salas, el patio además es utilizado para la escultura y las exposiciones temporales.

    En estos edificios destacaron una serie de criterios novedosos, la utilización de la luz. Se combina luz artificial y natural, esta ultima se prefiere cenital o lateral.

    • EL METROPOLITAM MUSEUM DE NUEVA YORK.

    Esta situado en Central Park, centro de Manhattan, frente a la 5º Avenida. Ocupa un solar de 200.000m² y tiene una plantilla de 2.000 empleados a tiempo que hay 100 conservadores.

    Su presupuesto anual alcanza los 100 millones de dólares y un déficit anual de 1 millón y medio de dólares, que se genera todos los años. La cifra anual de visitantes ronda anualmente los 5 millones de personas.

    'Museología y Museografía'
    Posee una colección que reúne todas las civilizaciones. El Metropolitam Museum (MET) se funda 50 años más tarde al Museo del Prado, concretamente en 1870. Se aprecia en él ese concepto ex-novo, surge sin ninguna colección dinástica de cualquier tipo.

    El antecedente más directo de este museo fue un experimento que corrió a cargo de Charles Wilson Paele que fundó una cámara de maravillas en la que abundaban especimenes naturales, retratos, ...etc.

    Cuando se construye el MET se recoge la colección existente en ese momento y se aloja en un edificio de estilo neogótico, ya que los americanos opinan que el estilo neoclásico era más propio de bibliotecas.

    El MET surge en el mejor de los conceptos, tras la guerra de la independencia se pide a los ciudadanos un donativo para elevar el gusto del pueblo americano trabajador. Se organizan campañas para que la gente donara colecciones (mecenas americanos).

    El primer director del museo fue un arqueólogo que se había encargado de las excavaciones de Chipre, por tanto existirá una importante colección de este arte en el MET.

    También se hace con un importante fondo académico francés del siglo XIX, una espléndida colección de arte chino, en 1888 entra a formar parte de la colección dos Manet, algunos mecenas americanos donarán retratos de Rembrandt. De los 40 Rembrandt que entraron en la colección en aquel entonces, tan solo 20 los había realizado él. Existen también 11 lienzos del Greco donados por uno de los intelectuales que destacaron la importancia del Greco.

    El propio MET adquirió una serie de fondos a coleccionistas particulares o a salas de subastas. Una de estas obras fue un Renoir y una obra de Delacroix.

    En 1901 un magnate de los ferrocarriles llamado Jacob Rogers desheredó a toda su familia para donar toda su fortuna a el MET, por tanto los fondos económicos del MET se incrementaron de tal manera que todavía se sigue manteniendo actualmente de esa fortuna. Gracias a esto se compraron Cezanne, Van Eyck, Monet,...etc.

    Desde su fundación hasta la actualidad el museo fue creciendo, produciéndose diversas reformas y ampliaciones:

    • En 1970 se pretendió generar una serie de nuevas galerías para las colecciones pero en aquel momento también se deseaba mejorar la accesibilidad del propio museo, por tanto se construyó una gran escalinata para favorecer la entrada a los visitantes.

    • En este mismo año, para albergar la colección donada por un banquero (rica en pintura italiana del quattocento) se construyó un ala nueva con un planteamiento moderno combinando el vidrio y el acero en un diseño de Kevin Roche que contrata con la fachada neogótica del primer edificio neoclásico construido. También se producirá una nueva construcción de otra ala para albergar el templo de Edén, que el gobierno egipcio donó al mismo tiempo que el donado a Madrid.

    El MET posee una de las mejores colecciones del mundo del arte egipcio. Unos 40.000 objetos la componen repartidos por 7.000 m². Procede de la exhumación realizada en las primeras décadas del siglo XX por los arqueólogos del museo. Las mejores campañas fueron las de Dayr al-Bahari.

    Es en aquel momento (años 30) cuando regía la practica denominada “partage” donde se repartían los hallazgos los excavadores y los museos locales.

    Otro aspecto del MET es que cuenta con una serie de salas de época, estas no son mas que reconstrucciones de aposentos con un mobiliario original, llevado así de muchas partes del mundo, porque evocan las mansiones europeas que los americanos no tuvieron. Estas salas de época gustaron mucho a los ciudadanos americanos.

    Lo que propone el MET es organizar unos recorridos expositivos que formen una unidad autónoma en la que se pretende aislar al visitante del ruido de la 5º Avenida. Se tiene en cuenta en estos recorridos cada cultura o región, sin olvidar la representación del arte Americano.

    El departamento de pintura de América es el que mejor esta representado, en esa área se siguen colgando los cuadros a la antigua (desde el techo al suelo). Esto se debe a que cada conservador tiene un cierto margen de libertad a la hora de instalar las colecciones. Cada colección dicta en si misma como debe ser expuesta.

    El MET sufrió una serie de reformas de los espacios existentes, permitiendo ampliar la capacidad expositiva.

    En el área de pintura francesa el MET disponía de unos 2000m² de salas, lo que no esta nada mal, que acogen unas 400 obras. Pero como se quiere ampliar el espacio de exposición, comienza a utilizarse las mamparas de separación. El uso de mamparas implica una serie de inconvenientes, como por ejemplo que interfieren el campo visual y a subes impiden la colocación de obras de gran tamaño.

    Años después se decide aligerar todas las salas eliminando todas las mamparas existentes; y se hace una selección de las mejores obras para así exponerlas, las demás serán guardadas en el depósito. Además el lugar que ocupaban las mamparas, decide colocarse esculturas.

    El museo sigue creciendo en la actualidad, esto interfiere en el recorrido expositivo lo que plantea reformas constantes en el museo.

    Una ampliación realizada en el museo fue aumentar la altura de los techos, concretamente en la sala que alojaba las obras de Tiepolo, que son obras de gran tamaño.

    Otra reforma se realizó en la sala que alberga la colección de tejidos (unas 40.000 piezas), que son muy difíciles de conservar. Deben de ser ambientes de poca luz y manipularlos lo mínimo. Por esa razón el MET comenzó la construcción de una sala de 3.000 m² con un laboratorio de conservación de tejidos, decidiendo digitalizarlos para facilitar su consulta a través de ordenadores.

    Otro proyecto fue la construcción de una nueva área de arte griego y romano, pero el problema es que el edificio no se puede levantar ni en anchura ni en altura. Se soluciona aprovechando todo el espacio bajo cubierta, esto permitió una construcción de salas de manera que la ampliación no se nota desde el exterior.

    Respecto a las adquisiciones, la compra pone a los museos en un aprieto por que las obras pueden alcanzar un precio muy elevado. El método de donación es el mejor para los museos. La ultima adquisición del MET fue una obra de Velásquez “Juan de Pareja”.

    Debemos destacar la generosidad de los donantes de obras.

    En cuanto a las exposiciones temporales, se organizan fundamentalmente para atraer al público. Pero hay que señalar que estas exposiciones implican un esfuerzo enorme por parte de los museos, además cuesta mucho dinero trasladar obras de un museo a otro. Hoy en día los museos se cuestionan la idea de las exposiciones temporales. El director del MET, Philip Montebello, dice que es muy probable que los museos en el futuro tengan que retroceder en este aspecto.

    Otro aspecto que se plantea el museo son las nuevas tecnologías, el MET se declara seguidor en vez de líder, porque informatizar las colecciones es caro y el director opina que es muy poco eficaz ya que se devalúa rápidamente. Son unos 3 millones de objetos los que tiene el MET por tanto sería muy caro informatizarlo. En este sentido el MET adopta una postura conservadora, es un museo privado y eso interfiere mucho en la gestión de un museo.

    • NATIONAL-GALLERY WASHINGTON.

    Es diferente al anterior en todos los aspectos.

    Nace en 1940, es uno de los grandes museos más jóvenes. Sin embargo es el que más se asemeja a las galerías europeas, se funda bajo el modelo de la National Gallery de Londres.

    Esta formada por dos edificios que albergan las colecciones y los distintos departamentos, apostando por una arquitectura moderna (estilo Beaux Art). El primer edificio se llama West Building, diseñado por Russel Pope e inaugurado en el 1941; y el segundo East Building, proyectado por Pei en el 1968 e inaugurado en el 1971.

    Posee una colección más pequeña, pero la particularidad es que es de financiación estatal, siendo uno de los pocos museos que recibe fondos estatales. Por esta razón se establece que sus colecciones deben de mostrarse gratuitamente al público.

    El antecedente surge en el 1937 a partir de la donación de un coleccionista privado, Andrew Mellon, de toda su colección. El propio Mellon pogó los gastos de la construcción del West Building, y creó un fondo para sufragar gastos y para que el museo pudiese ampliar su colección. Él organiza también el denominado patronato formado por cinco miembros, que son los que gestionan el museo.

    Los edificios se construyen con dinero privado, las colecciones son donadas en origen, pero el mantenimiento es estatal.

    La plantilla actual esta formada por unas 1200 personas, y al frente están cinco conservadores.

    El museo tiene unos 60 millones de $ de presupuesto. El 85% de ese dinero lo aporta el estado, y el 15% restante procede de fondos privados. Con este ultimo porcentaje el museo organiza programas pedagógicos, exposiciones temporales,...etc.

    Tiene un estanque que se hiela en invierno y sirve como pista de patinaje, de manera que se relaciona el patinaje con el arte, ya que se exponen esculturas a la vez.

    El primer edificio construido se revistió de placas marmóreas rosáceas, lo que es agradable a la vista del espectador.

    La mayor parte de los fondos, son unas 90.000 piezas, proceden de donaciones privadas y en menor medida de la compra.

    En los primeros 50 años se situó dentro de los mas grandes museos del mundo, por lo que la mayor parte de sus fondos pertenece a el arte de Europa occidental.

    Una de las obras estrellas que contiene el museo es el retrato de Ginebra Benci, realizado por Leonardo da Vinci. Es la única obra de Leonardo da Vinci en Estados Unidos. Destaca también la Venus del espejo de Ticiano. Obras de Van Eyck, Rafael, Monet, Picasso (Familia con Saltimbanquis), Pollock...etc.

    La National Gallery comenzó a coleccionar arte del siglo XX recientemente, siempre se interesó más por el arte de los siglos XIX y anteriores.

    El segundo edificio se inaugura en un solar donado por Mellon, porque sabia que el museo iba a expandirse con el futuro. Se dispusieron dos edificios con forma triangular pero de diferente amplitud. El mayor alberga la colección, y el pequeño de dedica a dependencias administrativas y biblioteca (200.000 volúmenes, a disposición del publico).

    La National Gallery dispone de un gran archivo fotográfico, 2 millones de fotos y 5 millones de microfichas. Todo esto al servicio del investigador.

    En todo el conjunto arquitectónico se tuvo en cuenta la funcionalidad y la adaptabilidad.

    La National Galery incorpora desde 1970 un departamento de restauración con laboratorios especializados. La casa Kodac donó un aparato de detención, de rayos infrarrojos, para pinturas.

    En el museo existe un programa de recursos pedagógicos, este pone las colecciones al alcance de todo el mundo a través del envió de diapositivas, videos o imágenes digitales en régimen de préstamo.

    Existe también un servicio de prestamos de obras, prestadas a diversas exposiciones, pero solo únicamente de las obras de los fondos.

    • TEMA 7: Historia del Coleccionismo en España.

    Según Guillermo de Asme coleccionar es reunir objetos artísticos o no, relacionados todos por un denominador común de tal modo que cualquier objetos es susceptible de ser coleccionado.

    El coleccionismo es por definición peculiar, independiente, apasionado, dispuesto a correr riesgos y es capaz de decidir con rapidez la adquisición o no de un objeto.

    Los grandes coleccionistas se presentan como legendarios. Son gente que apuesta por la colección asumiendo riesgos, ya que no todos los autores alcanzan grandes cotas de interés.

    Implica un gran conocimiento artístico por parte del coleccionista. Destacamos del coleccionista su visión como creador de patrimonio, del que se hace responsable desde que lo adquiere, que a veces pasa a engrosar los fondos de los museos por lo que a todos nos permite disfrutar las obras.

    • ANTECEDENTES DE LAS COLECCIONES ESPAÑOLAS Y EL PATRIMONIO DE LOS REYES CATÓLICOS.

    Francisca Fernández señala que pueden encontrarse antecedentes en el medievo, momento en el que se forman los tesoros de las iglesias. Estas primeras colecciones procedían de la realeza y la nobleza, mecenas del momento. Los donantes ofrecían todo tipo de objetos de materiales nobles. Estas colecciones integran piezas de orfebrería, pintura y escultura.

    En la España medieval solo coleccionaban los reyes y nobles.

    Es el reinado de los Reyes Católicos, que marca una nueva era, cuando comienzan a surgir las nuevas colecciones.

    El rey y la reina sienten necesidad de plasmar y transmitir su imagen, lo que impulsa el género del retrato que permite plasmar su efigie para la posteridad. El retrato se va a convertir en un genero fundamental del arte moderno y será el principal encargo.

    La expresión áulica de los reyes pasa por la aceptación del humanismo como comportamiento ético de vida. El objeto artístico comienza a verse como algo para ver y disfrutar.

    Los únicos que podían generar encargos importantes y contratar gran número de artistas eran los reyes. Estos artistas tenían que reflejar el poder de sus mecenas.

    Los Reyes Católicos poseían buen criterio artístico, lo que les permitió iniciar el coleccionismo moderno. Se rodearon de gente culta: Berruguete, Gallego, Bermejo...etc. También se interesaron por artistas hispano-flamencos como J. De Flandes o J. De Borgoña.

    Sus proyectos más ambiciosos se centran en Granada, para convertirla en símbolo de la nueva monarquía: amplían calles, construye una catedral, y su panteón. Allí mandan muchas de sus colecciones, con obras de: Memling, Van der Weyden y Boticelli, además de libros y de objetos religiosos.

    Antes de los reyes, la casa Trastámara había reunido colecciones de objetos. La novedad de los Reyes Católicos es el interés por la pintura, lo que da a sus colecciones un punto de especialización, y supere el coleccionismo de tipo religioso, ya que también se interesaron por la pintura de carácter pagano.

    En España también existió un mecenazgo en este momento de familias nobles, como los Fonseca, los Mendoza, los Borje...etc. Forman colecciones con fines humanistas, y con gran importancia del retrato.

    Carlos V sube al trono en 1517 y abre una nueva etapa en el coleccionismo monárquico. Mantiene Granada como ciudad emblemática. Adquiere medallas, relojes, códices miniados, pinturas, objetos preciosos, anillos, relicarios y objetos litúrgicos. También se nombran cuernos de unicornio.

    Sus colecciones no son muy interesantes, aunque debe destacarse la de armería que fue expuesta en la Armería Real de Felipe II.

    También llegaron obras de América, sobre todo los regalos de Hernán Cortes (1519) a Carlos V.

    Este rey se interesó por los objetos científicos y tecnológicos.

    • EL MECENAZGO DE FELIPE II Y SUS SUCESORES.

    Subió al trono en 1598 y museograficamente no fue un gran coleccionista. Tiene poco interés e ese aspecto, sin embargo fue testigo de una serie de cambios.

    Destaca más la colección que reunió su mujer, la reina Margarita de Austria. Esta colección contenía figuritas, relojes, objetos de plata, piedras preciosas y pinturas de tema religioso sobre todo.

    Felipe II se encargo de completar las colecciones heredadas por su padre con algún objeto que otro, pero poco más.

    A partir del siglo XVII con Felipe IV las cosas cambian. Él tiene un interés enorme en la pintura, diversificara su colección por géneros. Le interesa especialmente el paisaje. Estos distintos géneros dará lugar a la pintura en serie que tendrá una enorme demanda en el siglo XVII. Todos pretendían cubrir sus paredes con pinturas.

    Felipe IV será un gran coleccionista, como su abuelo Felipe III. Aumentará las colecciones, a las que añadió 2.000 objetos más. Fue ayudado por el Conde-Duque de Olivares, ambos impulsaron una serie de edictos para proteger e impulsar el arte. Además se rodeó de los mejores pintores de su época, Rubens y Velazquez.

    Adquiere pinturas del extranjero; como obras de Ticiano, Veronés, Tintoreto y Rafael.

    Emprende una acción de patronazgo: fue mecenas de Velásquez, siendo un gran impulsor de la cultura del siglo de oro.

    Es un periodo absolutista, todo se hace en función de glorificar su figura y reinado. Se asiste a una evolución del retrato real; las normas de este serán expuestas por Velásquez, hay un descenso de poder del rey en este sentido. Para algunos historiadores esta actitud de Velazquez se interpreta que los reyes de la casa de Austria no tenían que mostrar su poder ya que ellos eran los dueños de la tierra (el imperio español está en su punto álgido).

    Felipe IV coleccionó las obras de los grandes artistas de su época: Poussin y Lorrain, dos artistas que fueron muy importantes en la evolución del paisaje. A Rubens le encargó todo el ciclo de la Torre de la Parada, y toda la obra de Velazquez.

    Felipe IV tuvo la brillante idea de enviar a Velazquez a Italia para que adquiriese obras y se pusiese en contacto con las tendencias italianas.

    Solicito encargos también a Zurbaran.

    Las paredes de su palacio se convirtieron prácticamente en un museo, en ellas estaban representadas las mejores escuelas (italiana, española, flamenca..etc). El defecto es que no están a disposición del publico. Las obras están expuestas en salas temáticas (paisajes, de guerras, retratos...etc).

    Las colecciones de Felipe IV se guardaron en cuatro edificios:

    • El Alcázar de Madrid.

    • El Buen Retiro.

    • La Torre de la Parada.

    • El Escorial.

    Además de ampliar las colecciones, amplió y renovó diversos edificios:

  • El Escorial y el Alcázar fue ampliado, promoviendo allí una serie de obras, para mejorar a la hora de exponer esas obras.

  • Construyó el Casón del Buen Retiro, con una arquitectura que contrasta con la decoración interior.

  • Construyó la Torre de la Parada, es un pabellón de caza cercano al palacio del Pardo. Y programó toda la decoración del interior. Este edificio no se conserva actualmente.

  • Organiza también una biblioteca muy importante y se encarga de la seguridad de las colecciones.

    En 1650 nombra a Velásquez, director conservador de los bienes reales. Y en 1656 le encarga la exposición de diversos cuadros.

    Estimulo el patrocinio y el mecenazgo en muchas figuras de la nobleza.

    Carlos III es el ultimo Austria, durante su reinado no hizo apenas nada para incrementar las colecciones. Tan solo se le debe un encargo a Lucas Jordán para pinturas al fresco en el escorial y en el Buen Retiro. Muere sin heredero y llega al trono el primer Borbón.

    Con Felipe V, se produce una de las etapas más pobres en el campo artístico. Tan solo se adquieren obras de Murillo, Pousisin, obras holandesas, y parte de la colección de la reina holandesa.

    En 1734 se produce el incendio del Alcázar, generó una gran perdida en el patrimonio real, se destruyen más de 577 obras.

    Con Fernando VI tampoco se incrementa la colección.

    Carlos III ampliará todo lo que tenga que ver con el campo científico (botánicos, observatorios astronómicos, gabinetes de historia natural, escuelas de ingeniería, laboratorios...etc).

    El movimiento de la ilustración impulso la creación de una serie de academias de carácter literario e histórico:

    • En 1713 la Real Academia de la Lengua.

    • En 1738 la Real Academia de la Historia.

    • En 1752 la Academia de Bellas Artes de San Fernando

    En esta ultima fecha, se crea el Real Gabinete de Historia Natural de Madrid, Carlos III le dará un fuerte empuje. Trasladará este gabinete a la Academia de San Fernando.

    • LA CREACIÓN DEL 1º MUSEO ESPAÑOL: EL MUSEO DEL PRADO.

    Carlos III decide la construcción de un edificio nuevo, ubicado en el paseo del Prado de San Jerónimo de Madrid, encargado al arquitecto Juan de Villanueva. Con el tiempo se convertirá en el edificio que albergará al Museo del Prado.

    Hasta la inauguración del Museo del Prado, ocurrió en Madrid una serie de hechos importantes:

    Por real decreto se suprimieron las ordenes religiosas incautando todos sus bienes, esto genera la llegada a Madrid de importantes obras artísticas. Como consecuencia tuvo que fundarse un primer museo, Museo Josefino, la idea partió de José Bonaparte.

    Cuando acaba la ocupación Napoleónica en España se detectó una importante salida de obras de España, se las llevaron los franceses.

    Con la retirada de los franceses se produce la restauración de Fernando VII, con él se inicia una nueva etapa en el intento de fundar un museo de bellas artes. Para la fundación de este museo se toman una serie de decisiones:

  • Recuperación del edificio de Juan de Villanueva, se incorporarán relieves y esculturas para decorar su fachada.

  • Acomodación del edificio para museo de bellas artes.

  • Traslado de las colecciones de carácter científico a otros edificios.

  • Las reformas se encargaron a Antonio López Aguado, discípulo de Juan de Villanueva. Hubo que adaptar la construcción para fines museísticos, con lo que se perdió la concepción original de centro académico docente. Se nombró director a José Gabriel de Silva y Gazán, y el museo se inaugura en 1819.

    A partir de aquí se produce una apertura seguida durante 8 días, pero pasado este tiempo se restringió la visita aun día por semana. El número de días de apertura irá ampliándose con el paso del tiempo. Los copistas sin embargo eran admitidos todos los días de la semana.

    Se nombra como director artístico a Vicente López, se encargó de seleccionar las obras que iban a ser expuestas. A la hora de cómo exponer esa colección, se optó por el carácter cronológico e historicista.

    El mantenimiento del edificio y los costos del personal corrían a cargo de la casa real.

    Ya a la muerte de Fernando VII (1833), el museo y todas sus colecciones fueron consideradas como propiedad personal del rey. Pasando por ello a ser propiedad de sus hijas, Isabel II y Luisa Fernanda.

    Isabel II comprará la parte de su hermana, haciéndose con todo el patrimonio Real, decretando un nuevo nombre para el museo: El Real Museo de Pintura y Escultura de su Majestad. Este nombre se mantiene hasta la revolución de 1868. En ese momento se decreta que todo el contenido del museo es del estado, se le cambia el nombre por el de Museo del Prado.

    En 1838 se nombra, por afinidad, al pintor José de Madrazo, director artístico. Él emprendió reformas administrativas:

    • Aumenta la plantilla de funcionarios.

    • Intensifica la restauración, creando un taller.

    • Se inicia con él la figura del director-pintor.

    En 1868 se nombró director artístico al pintor Antonio Gisbert, él decidió ampliar la apertura del museo a 5 días a la semana. Además incorporó las colecciones que procedían del Museo Nacional de la Trinidad, este fue un museo que acogió las obras procedentes de la desamortización (se obligó a la iglesia a ceder los bienes artísticos). Es un cambio muy progresista.

    El Museo del Prado sufrió casi desde el principio la falta de espacio. Esto lleva a diversas ampliaciones, una de ellas tuvo lugar cuando el arquitecto Arbos (1814) trazó un proyecto que permitió abrir 23 nuevas salas, en el cuerpo central. Además estas salas quedabas separadas de la parte antigua por dos patios.

    En 1956 se emprende otra ampliación que se encarga a los arquitectos Manuel Lorente y Fernando Chueca.

    Se Producirá otra reforma en 1967, alterándose el proyecto de Villanueva, estableciendo salas en el patio. Esto cegó una serie de ventanas proyectadas por el arquitecto ilustrado, hoy en día esto no se podría hacer.

    Actualmente se a presentado otro proyecto de ampliación recuperando espacios subterráneos ganando así unos 15.000 m² dedicados a espacio públicos, circulación, restaurantes, cafeterías, tiendas...etc.

    Lo que motivó a Fernando VII a construir el museo es una incógnita. Muchos historiadores sostienen que pudo ser un capricho de su mujer, o que incluso el propio rey fundó el museo para quitarse de encima una serie de objetos pasados de moda.

    El rey barajó diversas posibilidades en relación con el edificio. Para evitar costos decide valerse de un edificio neoclásico ya construido, el proyectado por Villanueva. Siete millones de reales fue el coste inicial del museo, puesto del bolsillo del rey.

    Se decide en Alemania que el edificio exnovo debe ser un edificio anguloso, historicista y muy decorado.

    En España nos encontramos con una serie de edificios, ya construidos, que cumplían esos aspectos, por tanto es difícil que se construyan museos de nueva planta siempre se tiende a aprovechar los existentes. Esto es bueno porque se protege a la vez el patrimonio pero tiene inconvenientes ya que el edificio debe ser adaptado.

    Dentro de este concepto el edificio de Juan de Villanueva no presenta más que ventajas ya que cumplía casi todas las normas. La fabrica del edificio se adapta muy bien a los gustos tipológicos adaptados por los arquitectos germánicos. Posee unas proporciones monumentales, traza regular y armónica, un edificio en el que no faltan rotondas, soberbias columnatas dóricas y elegantes decoración exterior.

    Esta ilustración se corresponde con las trazas que el arquitecto Juan de Villanueva diseñó para albergar el Museo de Ciencias, hoy Museo del Prado, de Madrid. La distribución del edificio original era la siguiente: 1) entrada; 2) vestíbulos; 3) salones; 4) galería; 5) gabinete; 6) librería; 7) entrada a las escuelas de botánica y química; 8) zaguán; 9) patios; 10) escuela de botánica; 11) sala de librería e instrumentos; 12) sala de semillas y ensayos; 13) laboratorio de química; 14) escuela preparatoria; 15) entrada principal; 16) salón de conferencias; 17) librería e instrumentos de química; 18) oficinas.

    Se adapta a un museo muy bien, posee una distribución regular en torno a un eje, emana de él una racionalidad clásica en sus distribuciones, traduciendo una clara definición de los accesos. El edificio se adecua perfectamente al solar, frente al paseo. Esta construcción, larga y estrecha, se descompone a lo largo de su eje mayor en cinco cuerpos de formas muy puras enlazados entre sí todos ellos y jerarquizados. Destaca un cuerpo central y dos extremos bastante más macizos. Los dos extremos están conectados por dos alas alargadas (galerías y corredores de circulación). El cuero central se destaca mediante un pórtico a modo de templo greco-romano que enfatiza la noción de templo del saber.

    El museo, en aquel entonces, estaba ubicado en el limite entre la urbe y el campo; es el área en el que domina el convento de los Jerónimos. La urbe fue creciendo progresivamente hasta que el museo quedo incluido en el centro de la propia ciudad.

    Hubo una gran polémica de donde debía ubicarse el museo, si en el centro en las afueras. La National Gallery se encuentra en el propio centro de Nueva York, teniendo grandes problemas de contaminación.

    Debemos destacar la decoración del edificio. En estos tiempos se habla de la arquitectura parlante, se pretende que el edificio expresase por si mismo la función que desempeñaba. Por esta razón se encargó la realización de un grupo escultórico para decorar las fachadas del edificio de Villanueva.

    Exhibición de los fondos

    El director artístico Vicente López se encargó de la selección de las obras. Se calcula que en esos momentos el museo posee una colección de 1.600 lienzos, y este hombre se encargó de establecer el criterio de presentación de la colección. Utilizó un criterio museológico, que venia de la cultura de la curiosidad y el enciclopedismo. Él se fijo en el modo de exposición de las colecciones científicas y botánicas. También tuvo muy en cuenta el factor cronológico, impuso un discurso de carácter museal historicista.

    • LA DESAMORTIZACIÓN Y LAS COMISIONES PROVINCIALES DE MONUMENTOS.

    Todo ello trajo consigo la creación de los museos arqueológicos de bellas artes.

    En 1835 y 1837 con el decreto, se suprimieron los monasterios y conventos. Se crea una junta que se encargó de confiscar los edificios y de recuperar los objetos artísticos para trasladarlos a los museos y a las academias.

    En un principio se observó una gran preocupación por el destino de las pinturas y obras artísticas. Por esto se dio unos principios para garantizar la seguridad. Una de las medidas fue obligar a las personas que se encargaban del traslado de las obras pictóricas, que desprendiesen los lienzos de los bastidores y se enrolasen introduciéndolos en unos cilindros de transporte, tan solo se transportaron los marcos de valor.

    Muchas obras llegaron a Madrid, pero la mayoría se quedaron en las provincias.

    En 1837 se abordó la creación de un museo nacional, el Museo de la Trinidad, para acoger todos los bienes artísticos procedentes de los monasterios y conventos de Madrid, Toledo, Ávila y Segovia. Este museo estuvo vigente unos 20 años aproximadamente porque su colección pasará al Museo del Prado.

    Para sufragar el problema en las provincias se crea la Comisión de Monumentos Artísticos. Se crea en Madrid una comisión central en Madrid que se encargó de redactar una serie de normativas:

  • Elaboración de informes de todos los edificios monumentos y antigüedades de todas las provincias.

  • Necesidad de conservar y proteger los panteones de reyes y personajes ilustres.

  • Se recomendó también clasificar los fondos de bibliotecas y museos.

  • Documentar con catálogos gráficos todas las obras de cada provincia.

  • Cada comisión constaba de tres secciones:

  • Sección de bibliotecas y archivos.

  • Sección de arqueología y arquitectura: se impulsan las excavaciones arqueológicas y la conservación de monumentos.

  • Sección de pintura y escultura: se encarga de enviar las piezas artísticas a los museos que existan, o si no depositarla en edificios que ejercieran alguna seguridad.

  • En aquel momento se ve la necesidad de catalogar todos esos objetos. Se elaboraron una serie de fichas que recogían los datos más importantes de cada obra.

    La consecuencia de estas leyes se dejaron sentir en el campo de los museos. En este momento ya se perfilan las estructuras de los museos arqueológicos y de Bellas Artes.

    La ley de instrucción pública de 1857 insiste de nuevo a favor de crear un museo provincial en cada capital. Pese a esto no se consiguen los resultados esperados.

    En un decreto promulgado en la época, se anuncian los problemas que daban las comisiones de movimiento:

  • La no especificación del lugar de procedencia de las obras que llegaban al museo.

  • Falta de una adecuada catalogación de las obras.

  • No se levantaron recuentos de obras.

  • Debido a esto se intento solucionar los problemas nombrando a un personal que elaborase catálogos, pero el problema era que estos no poseían una formación suficiente.

      • LA CREACIÓN DE LOS MUSEOS ARQUEOLÓGICOS Y LOS MUSEOS DE BELLAS ARTES.

    Casi 50 años después a la inauguración del Prado se crea el Museo Arqueológico Nacional de Madrid y también los museos provinciales, sobre todo en aquellas áreas que tenían yacimientos importantes.

    Se consideraron objetos arqueológicos todos aquellos que procedían de la época antigua, medieval o renacentista.

    El Museo Arqueológico Nacional se ubicó en el área de la biblioteca nacional. Tenia unas 700 piezas (Egipto, Grecia, Roma, Edad Media y Edad Moderna).

    Destacan los objetos extraídos de Pompeya y Herculano, el gabinete de medallas del infante Gabriel, antiguos objetos de cerámica, escultura, glíptica e instrumentaría.

    Museos Provinciales

    Serán impulsados a partir de este momento. Tendrán objetos arqueológicos sacados de las provincias en cuestión o del patrimonio eclesiástico.

    Se ubicaban en las bibliotecas provinciales, si no había en el archivo histórico.

    En el archivo histórico de Madrid se comenzó con la clasificación de los objetos y de un inventario. Este viene a ser un recuento de las obras, siempre precede al catalogo pero este es un trabajo más extenso.

    Se potencia las colecciones y el aumento de las mismas; se pide a instituciones, coleccionistas y mecenas que donasen aquellos objetos arqueológicos de gran valor.

    Se elaboran cuatro libros de registro para documentar las entradas de los objetos, notificaciones de compra, adquisiciones del propio museo, registros de donaciones y cesiones.

    En interés por acrecentar las colecciones impulso la constitución de una serie de comisiones que se dedicaron a recorrer las provincias con el propósito de adquirir (compra, cambios o donaciones) obras. Se organiza incluso un viaje por el Mediterráneo que sumó 319 objetos al Museo Arqueológico Nacional.

    Unos años después el Museo Arqueológico Nacional, adquirió la colección del marques de Salamanca, en la que destacan vasos cerámicos griegos y etruscos. También se adquirió la colección de Manuel de Góngora.

    En 1895 el Museo Arqueológico Nacional pasó al edificio del Paseo de Recoletos.

    Los museos en ese momento pasan a ser dirigidos por el Cuerpo Funcionario Facultativo de Archiveros, Arqueólogos y Bibliotecarios. Su misión fue la elaboración de catálogos, inventarios, estimulación de excavaciones...etc.

    En ese momento se crea también una plantilla de funcionarios para estos museos: director artístico, restauradores, secretarios, bibliotecarios, conserjes, porteros,...etc.

    Museos de Bellas Artes

    Se aprobaron para ellos una serie de leyes, para sistematizar y organizar los museos.

    Se crearon leyes para promover la creación de Museos de Bellas Artes en las provincias que no los tenían. Se denominarían Museos Provinciales de Bellas Artes.

    Además se contemplo la posibilidad de crear museos municipales, si los ayuntamientos tenían colecciones.

    Se decreto que todos esos museos debían de estar formados por objetos artísticos por incautación de conventos religiosos, fondos cedidos por el estado. Además todos debían de incorporar objetos cedidos o donados.

    Todas estas intenciones se esbozan en una serie de reglamentos que trataron de organizar el funcionamiento de los museos de Bellas Artes, provinciales y estatales.

    A pesar de esto hay consecuencias negativas:

  • El asunto del personal: se mandó personal de la propia administración del estado, estas personas eran de prestigio pero no tenían una formación especifica.

  • Excesiva densidad y complejidad de dependencias administrativas, esto no facilita la gestión del museo.

    • PATRIMONIO ECLESIÁSTICO.

    • Con las leyes de desamortización, el patrimonio de la iglesia diminuyo sorprendentemente.

      En 1923 se promulga el Real Decreto prohibiendo a la iglesia vender las obras artísticas, históricas o arqueológicas.

      El estado comenzó a controlar las ventas, incluso decreto que podía intervenir en esos bienes si veía que corrían peligro de desaparecer.

      Se impulsó a la iglesia a fundar museos diocesanos que se gestionaban con el Cuerpo Facultativo de Archivos, Bibliotecas y Museos.

      El primer museo eclesiástico se fundó en Tarragona en 1899 y tras él surgieron más. Esto era una manera de recaudar dinero para costear su patrimonio.

      • MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO.

      A mediados del siglo XIX todos los artistas europeos reclaman una mayor protección del patrimonio. Se consideraba que las obras que debían pasar al museo debían de ser obras consagradas y con algunos años. Esto implica que las obras de artistas contemporáneos no tienen cabida.

      En Europa se asiste a una excepción, a través del Museo de Luxemburgo, fundado en París en 1818. Es un museo que nace con un carácter de prueba, ya que en él se acogían las obras de artistas vivos que el estado francés compraba en sus salones. Se mantenían allí hasta transcurridos diez años de la muerte del artista. Si después de los diez años, la obra merecía pasar al Louvre, pasaba como obra de calidad superior, sino pasaba a decorar residencias oficiales y museos de provincias.

      La experiencia del Museo de Luxemburgo dio paso a la creación de museos de arte contemporáneo en toda Europa.

      En Madrid se promovió la creación de un Museo de Arte Moderno, 1894.

      En Madrid una serie de cambios alteró el estatuto social del artista:

      • La desaparición de la tutela del estado.

      • La formación de una burguesía urbana.

      • Generación de una clientela artística.

      • Afianzamiento de las ideales románticos, influyendo en la reclamación por parte de los artistas de nuevas medidas. Gracias a esto se dieron becas y se realizaron las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, eran una plataforma de difusión en las que se premiaba a un ganador.

      • Creación del Circulo de Bellas Artes de Madrid en 1880, fundado por un grupo de artistas.

      En 1894, fruto de estas medidas, el estado decidió fundar un museo contemporáneo. Sus primeros fondos eran las adquisiciones del estado que habían sido premiadas en las exposiciones nacionales de Bellas Artes, esto significa que el estado dejó fuera la verdadera modernidad oponiéndose a las vanguardias, restringiendo las compras solo al arte nacional.

      El museo se ubicó en el Palacio de Bibliotecas y Museos del Paseo de Recoletos. Y nada más nacer ya se había quedado anticuado.

      Sus colecciones se instalaron en la planta baja del edificio y en su catalogo se disponían casi 700 pinturas y dibujos y 88 esculturas. Entre los temas predominantes las alegorías y la historia.

      La trayectoria durante 30 años del museo se calificó como de conservadora.

      Los fondos de este museo pasarán al Reina Sofía.

      También ocurrirá en Madrid el establecimiento del Museo Nacional de Arte Industrial, que se instaló en el palacio de cristal del Parque del Retiro.

      Nació con una finalidad didáctica y popular. Sus fondos procedían de otros museos que poseían objetos de carácter decorativo e industrial, como las adquisiciones realizadas directamente por el estado.

      El museo desde el principio fue gestionado por un patronato, que asumía todo la organización de la institución.

      Otro museo importante fue el Museo del Pueblo Español de Madrid, 1934. Se creó con el fin de proteger, conservar y estudiar los objetos etnográficos.

      Sus fondos iniciales procedían de un anterior museo del traje regional e histórico. Recibiendo igualmente una serie de depósitos del archivo documental de artes populares y folclore. Estos depósitos tenían obras originales, copias, discos, fotografías, películas y fichas.

      El Museo del Pueblo Español nació, en definitiva, para conocer lo que la segunda republica llamó la España profunda. Se convierte así en el pionero de un nuevo entendimiento del concepto de museo. Son los llamados eco-museos de Rivière.

      Las conquistas de este museo fueron: la interrelación con el entorno natural y el convertir a la colectividad en el eje temático de la institución. Se consideran museables una serie de objetos que antes no eran importantes.

      El museo se convirtió en un gran centro del estudio de investigación de geografía humana. Concibió tres áreas en el museo:

    • Un área de información, que facilitaba al publico detalles sobre los aspectos de la vida que necesitaran.

    • Un área de investigación, que se ocupaba de la organización de seminarios por toda España.

    • Un área de enseñanza, que se encargó de crear cursos y conferencias impartidos por investigadores.

      • OFICINA INTERNACIONAL DE MUSEOS.

      • Esta fue creada por la sociedad de Naciones, aconsejó a todos estos museos la puesta en marcha de una serie de programas que unificaban los criterios museográficos en Europa. De aquí surgió un primer catalogo sobre museografia. Luego se aprobó una serie de mecanismos para proteger los bienes culturales en España. Esto trajo consigo el nombramiento de un intendente que era la persona encargada de llevar a cabo la acción desamortizadora.

        Se crearon también los contadores de arbitro, encargándose de realizar un inventario de los bienes recibidos de distintas áreas. Se hace para saber cuantas piezas hay.

        Todo esto trajo errores. Uno de ellos fue el de fundir las campanas de las iglesias y los conventos desamortizados, para recibir los ingresos económicos de dicha fundición. Otros fueron: el encargo que se hizo a un personal no cualificado de la creación de los primeros inventarios, destrucción de retablos y altares, y hasta se les quitó el pan de oro a algunas obras.

        Como fruto a los errores se promulgan unas leyes para proteger el patrimonio desamortizado:

      • Los museos deben de estar regidos por un Patronato o una Junta de Gobierno. Esto sigue vigente actualmente. Cuya misión es regular la gestión en el museo y hacerse cargo de la institución museal. El director siempre es el responsable de todo los servicios técnicos, incluyendo el personal.

      • Clasificación de los fondos, es una de las primeras tareas del museo. Se produce la elaboración de un registro y la confección de inventarios, después se elabora el catalogo. Si además el museo tiene dinero elabora guías del museo. A partir del siglo XIX se decreta incluso un objetivo, la investigación y el estudio de las colecciones.

      • Exposición al publico de los fondos. Debe de hacerse siempre en orden cronológico pero también teniendo en cuenta referencias geográficas o la naturaleza de los materiales. Para complementar ese recorrido, se incorporaron textos explicativos de las colecciones.

      • Necesidad de una programación complementaria del museo; conferencias, cursos, exposiciones itinerantes...etc.

      • Personal del museo. Requería una serie de profesionales como bibliotecarios, secretarios, subalternos (porteros, vigilantes...)...etc.

      • La forma de exposición de los objetos. Los de pequeño tamaño en vitrinas, los cuadros colgados y las esculturas en plintos.

      • Factores de humedad e iluminación.

        • SITUACIÓN ACTUAL DE LOS MUSEOS ESPAÑOLES.

        • A partir de 1933 las ideas que se promulgan tienen otros matices la defensa conservación y acrecentamiento del patrimonio nacional.

          Se funda una Junta Superior del Tesoro Artístico, potencia la fundación de museos en toda España. Trató de cooperar en la organización y en el desarrollo de los existentes. Ejercía una función de conservación e inspección de los museos.

          Esta Junta podía incautar obras si estas corrían algún peligro, por ello se nombró a un Inspector General de Museos que no pudo hacer nada ya que estalló la Guerra Civil. Mas tarde se nombró a Joaquín Maria Nabascues, pero tampoco hizo mucho (tiempos de posguerra). Tan solo incremento el sistema de documentación del museo, prepara catálogos e inventarios, modernizar aspectos técnicos y emitir un libro de instrucciones para efectuar un inventario general, un catalogo y un registro de cada uno de las instituciones.

          Una de las primeras renovaciones franquistas fue a través de la exposición de orfebrería y ropas de culto, este era el tema más afín al régimen. Tuvo lugar en el museo arqueológico nacional y dio pie a que a partir de ella se reorganizaran diversos museos arqueológicos y a la unificación de diversos criterios museográficos:

          • Semejantes iluminaciones.

          • Semejantes recorridos expositivos.

          • Exposición en vitrinas.

          • Ordenación de las piezas.

          Lo que se pretende es homogenizar todos los criterios en toda España.

          A partir de 1940 se advierte en España unos estudios dedicados a la museografia. Aunque hasta los 50 no se publican, es el periodo más calmado del régimen.

          En 1955 Gaya Nuño publica en un prologo de Historia y Guía de los Museos en España una critica bastante contundente. Describe el panorama hablando de la ausencia de organización de los museos, falta de personal, critica al estado recriminando la falta de interés y la pasividad y falta de presupuestos.

          En este momento el estado se vio obligado a crear un patronato nacional de museos para preocuparse de la administración de los museos estatales. Reorganizó el cuerpo de archiveros, bibliotecarios y arqueólogos para ocuparse de la actividad museística, los anteriores miembros fueron fusilados.

          Hasta los años 70 no se observan los cambios en cuestión de museos. En el 73 el director general de Bellas Artes publica una obra museográfica en tono complaciente al régimen pero en la que se advierte diversos problemas.

          En 77 Arandilla confirma la de organización y estructura que faltaba a los museos españoles. Él observa:

        • Presupuestos que no cubren las necesidades de mantenimiento.

        • Personal de museo insuficiente y mal cualificado.

        • Medios inadecuados para la conservación de los fondos.

        • Edificios en muy mal estado que no tenían sistemas técnicos y de seguridad.

        • Durante la democracia se crea el ministerio de cultura, que asume la organización administrativa de los museos estatales. Crea un órgano de gestión denominado Dirección General de Patrimonio Archivos y Museos. Se encarga del cuidado, instalación y fomento de exposiciones.

          Con la Constitución del 78 se advierten nuevas intenciones respecto a los museos. La fundamental fue la de descentralizar los museos, permitir a las comunidades autónomas el gestionar y administrar sus museos.

          La constitución decreta que es deber del estado defender el patrimonio artístico y monumental español. Se distaron normas contra la expoliación y exportación de las obras de artísticas y de las fuente documentales y bibliográficas. Estas normas evitan ventas del patrimonio.

          Tras la aprobación de los estatutos, cada comunidad firmó unos convenios de gestión para asumir oficialmente las transferencias de los museos. No cabe duda que este proceso de descentralización supone un avance en el sistema legal español. Pero suscita problemas porque las comunidades no tienen a veces capacidad para mantener esas obras.

          Wright ve en este paso un beneficio para las comunidades y los museos, en su opinión el régimen franquista impuso una distorsión histórica que afectó al mundo de los museos. Él cree que se impone así un distanciamiento para rescribir el pasado cultural.

          La ley de patrimonio del 25 de junio de 1985 marca un hito en la protección del patrimonio paro también un reglamento de titularidad estatal y sistema español de museos. Este es el marco legal donde se encajan las leyes de museos de cada comunidad.

          El Ministerio de Cultura sigue teniendo la tarea de proteger, difundir y adquirir el patrimonio cultural.

          Durante la democracia es cuando más se potencia la divulgación del arte contemporáneo. El mejor ejemplo en ese momento es el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, nacido a partir de los fondos del Museo Contemporáneo de Madrid.

          Surge también el Instituto Valenciano de Arte Moderno, el Centro Atlántico de Arte Moderno de las Palmas, el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, Museo Guggenheim de Bilbao y el Museo de Arte Contemporáneo de Compostela de Compostela. También en estas fechas surge la Feria Arco.

          Durante la transición se crean una serie de pequeños museos que giran en torno a unos temas específicos. Son de carácter local e impulsaron el estudio y la divulgación de la historia local del pueblo. Son por ejemplo: el Museo Monográfico del Azafrán en Teruel, Museo del Chocolate en Astorga...etc. Suelen surgir por iniciativa personal, normalmente coleccionistas.

          Durante la de Democracia sigue habiendo defectos como:

          • Falta de informaciones oficiales.

          • Escuetos presupuestos. Esto implica menos catálogos no pudiéndose tampoco crear gabinetes didácticos en los museos.

          • Falta de espacio.

          • Salas cerradas al publico, por falta de personal de seguridad.

          A parte de esto hay que tener en cuenta que la mayor parte de los fondos se desvían al Mseo del Prado y a el Reina Sofía. Los demás museos españoles siguen padeciendo los mismos defectos.

          EL PUBLICO

          Tenemos una demanda exigente al museo, no queremos ser meros espectadores, pretendemos colaborar en las actividades del museo (exposiciones temporales, conferencias..etc).

          Otro publico es el escolar o estudiantil, este publico requiere una atención especial.

          Actualmente a los museos se le imponen una serie de tareas: la exposición, la investigación, la educación y el servicio al publico.

          • MARCO JURÍDICO PARA LA PROTECCIÓN DE LOS BIENES ARTÍSTICOS.

          En España el coleccionismo empieza a partir de las colecciones de los reyes católicos, son fondos reales. Fue costumbre desde los reyes católicos sacar a publica subasta los tesoros reales de los reyes cuando estos fallecían, esto permitía pagar a sus herederos los gastos del testamento y transmisión del patrimonio. Por tanto, se establece que el príncipe sucesor retenía tras la tasación los objetos artísticos del difunto, esto evito la perdida del patrimonio.

          Otro problema fueron los incendios, que producían importantes perdidas irreparables.

          Se comenzaron a decretar unas normas para evitar la perdida de patrimonio:

          Con la Real Orden Circular del 16 de octubre de 1779, se prohibió la exportación de pinturas y objetos artísticos antiguos.

          En 1827 se vuelve a rectificar la exportación de obras de arte.

          En 1922 se excluye la salida del territorio nacional de todo objeto anterior a la primera mitad del siglo XIX.

          En 1985 esa ley de patrimonio prohíbe la exportación de los bienes de mayor relevancia del patrimonio histórico español, sin embargo señala que las obras recientes exceptuando las catalogadas y declaradas inexportables son de libre circulación incluyendo también las de artistas vivos.

          Además tenemos que contar también con las leyes emitidas por la Comisión Europea. Esta decretó también una serie de medidas para proteger los diversos patrimonios histórico artísticos.

          Cada estado debía de establecer libremente los controles nacionales sobre su patrimonio, teniendo la obligación de proteger su patrimonio y sus tesoros. Se señala también que cada estado puede recuperar un tesoro nacional exportado ilegalmente.

          • MUSEOS ASTURIANOS.

          Asturias cuenta con una nutrida red de museos, en la que se advierten nuevos proyectos. Ponen de manifiesto un interés por generar un lugar o espacio cultural por aspirar a recuperar la memoria de tiempos pasados.

          Tenemos un antecedente en cuanto a museologia que es la cámara santa. Encierra un conjunto de reliquias y objetos preciosos que destacaba en la edad media.

        • Museo Arqueológico.

        • Es de titularidad estatal y de gestión del principado de Asturias.

          Se generó a partir de las comisiones nacionales de monumentos y para recoger los bienes de la desamortización.

          Se encuentra ubicado en la calle San Vicente, ocupando el antiguo monasterio benedictino de San Vicente.

          Expone sus fondos con un criterio cronológico, recogiendo piezas desde el paleolítico inferior. En su interior pueden verse las colecciones de: Prehistoria, Cultura de los Castros, Romanización, Prerrománico, Románico, Gótico, Heráldica, Endografia Asturiana, Epigrafía medieval y moderna, Numismática, Medallistica y Armería.

          En teoría el museo se constituye en 1844, a partir de los fondos reunidos por esa comisión de monumentos. Lo cierto es que hasta el 1952 no se constata su existencia.

          En el 1945 se recogieron 58 cuadros de diversos monasterios, de todos esos tan solo tenemos constancia de 19, no se sabe que camino llevaron.

          En el 1928 sufrieron diversos traslados, hasta en el 28 que se propone restaurar el claustro del monasterio de San Vicente.

          En 1939 la diputación provincial se hace cargo de esa restauración. A partir de aquí se emprenden las obras pero hasta 1952 no se abre al publico.

        • Museo de Bellas Artes de Asturias.

        • Es de titularidad y gestión que corre a cargo del centro regional de Bellas Artes existiendo un patronato con miembros del ayuntamiento y el principado.

          Esta ubicado en el casco antiguo de Oviedo, en el palacio de Velarde. Con el tiempo hubo que adquirir edificios contiguos para poder así amentar la superficie del museo, como la Casa de la Familia Portal y la Casa de 1940.

          Sus antecedentes se remontan a 1845 cuando se crearon esas comisiones de monumentos, pero no se produce la inauguración hasta 1980.

          La diputación provincial en 1981 inició una colección de obras de arte a partir de los envíos que artistas asturianos iban enviando desde Madrid, Roma...etc. También se incrementó con depósitos de obras del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, de la Academia Provincial de Bellas Artes, y de los fondos de la Academia de San Fernando de Madrid.

          En 1941 el museo dispone de unas 117 obras, se adquieren en ese año las obras de Evaristo Valle.

          En 1969 la colección existe pero no hay sede ni lugar en donde alojarla. En este mismo año el ayuntamiento y la diputación crearon un organismo, el Centro Provincial de Bellas Artes; decidiendo a su vez que su ubicación sea el Palacio de Velarde.

          En 1976 se adquiere la casa de la Familia de Oviedo Portal.

          Las colecciones tienen sobre todo arte español, europeo desde la edad madia hasta la actualidad, arte asturiano de los siglos XIX y XX, obras graficas...etc. Debe de incluirse también la fabulosa colección de Pedro Masaveu.

        • Museo de la Iglesia.

        • Es de titularidad y gestión de la diócesis de Oviedo, pero tiene firmado un convenio de colaboración con el Principado a través de la conserjería de cultura.

          Es un complemento de la catedral, se erigió recientemente por decreto del arzobispo en 1985 y no se inaugura hasta 1990.

          La creación de este museo responde a la necesidad de mostrar al publico el patrimonio eclesiástico, sus fondos vienen de la catedral y de las diversas parroquias.

          Esta instalado en el claustro alto de la catedral de Oviedo, se accede a él a través del crucero.

          Destaca la rica colección de orfebrería: arqueta de plata, cruz procesional de azabache, mazos ceremoniales, díptico románico, díptico gótico y el Cristo de Nicodemus.

          Formando parte del museo está la Cámara Santa, de titularidad y gestión de la diócesis de Oviedo. Fue construida durante el reinado de Alfonso II el Casto. Destinada a albergar las reliquias de Asturias. Consta de dos pisos, la cripta de Santa Leocadia y la planta superior de San Miguel.

        • Museo Casa Natal de Jovellanos.

        • Es de titularidad y gestión del ayuntamiento de Gijón.

          Se creó por dos razone:

        • Acoger los fondos de la pinacoteca municipal.

        • Rendir homenaje al ilustrado.

        • En 1944, con el motivo del bicentenario de Jovellanos, el ayuntamiento adquiere su casa para convertirla en museo, pero la iniciativa no cuaja hasta 1965.

          En 1965 se acondicionaron dos salas de la parte inferior, exhibiéndose las obras en esas dos salas. Mientras se fueron restaurando el resto hasta 1971.

          En 1971 se inaugura todo el conjunto.

          Museograficamente respondería a un criterio mixto en alusión a esa doble finalidad: se exhiben muebles y enseres de Jovellanos y después se muestran las colecciones.

          Esta emplazado en Cimadevilla.

        • Museo Evaristo Valle.

        • Tiene un carácter diferente al anterior.

          La titularidad y gestión corre a cargo de la Fundación Evaristo Valle, que tiene un convenio con el Principado de Asturias a través de la conserjería de cultura.

          Esta ubicado sobre la finca llamada la Redonda, cuyos espléndidos jardines (16.000 m²) completan la visita.

          Forma un conjunto monumental siendo un museo monográfico, de escultura al aire libre y siendo un área botánica.

          Surge por iniciativa de la sobrina del pintor que cedió su colección y la finca para fundar el museo. Se creó también una fundación.

          El museo se inauguro en 1983.

          En 1970 Joaquín Vaquero Palacios (escultor y arquitecto) junto a Joaquín Planel diseñaron el edificio, y Joaquín Rubio Carmín se ocupó de la decoración de la fachada. En este nuevo edificio se ubica el estudio de Evaristo Valle que acoge los recuerdos del artista, materiales...etc.

          Tenemos también es este museo el llamado gabinete de conchas. El padre de Evaristo era un coleccionista de conchas.

          Destacan también los manuscritos de las obras literarias de Evaristo: “Oves e Isabel” y “El sótano”.

          • TEMA 8: Tipologías Museísticas.

          • LA ESPECIALIZACIÓN DEL MUSEO / MUSEOS Y CONTENIDO.

          Hay que puntualizar el termino museo y saber diferenciar museo de coleccionismo. Este ultimo hay que vincularlo al expolio, o guerra, situándose el inicio con el saqueo de Babilonia. Por tanto el botín de guerra es el antecedente del coleccionismo.

          En cuanto a todo lo referente con el termino museo, ya se trató en el primer tema.

          El término museo actual engloba: clasificación, ordenación, conservación, investigación, las colecciones y el propio edificio. Además de exigirse también restauración y deleite del publico.

          Cuando se van generando los museos públicos en Europa, surgen en un momento en el que la noción de museo no estaba definida. Esto hizo que en muchas ocasiones se adoptaran medidas que no fueran coherentes. Estos defectos pasan por ejemplo por una excesiva concentración de obras, ausencia de medios didácticos, catálogos difíciles de entender por los visitantes, y a todo esto hay que sumar que el acceso al publico era bastante restringido (muy pocos días a la semana).

          Hay dos corrientes intelectuales que determinan dos posturas respecto al museo. Unos serán los defensores del museo, encabezados por Proust y Mararmé. Y los detractores del museo, encabezados por Quatremère de Quincy.

          Los defensores del museo lo veían como un espacio para el arte.

          Los detractores, sin embargo, reniegan de él por que piensan que descontextualiza la obra de arte. Muchos artistas renegaron el colocar sus obras en museos. Además sostenían que los objetos expuestos interaccionaban unos con otros, de manera que se destruyen sus propiedades estéticas. Cuando hay demasiados objetos en una sala, unos destacan sobre otros. Esto es un defecto que ya es perceptible en el siglo XIX.

          Hasta el siglo XX no se proporcionan las primeras definiciones del termino museo.

          Cuando se crea el ICOM ya se reflexionó sobre una primera definición que surge en 1947: el museo es toda aquella institución permanente que conserva y presenta colecciones de objetos de carácter cultural o científico con fines de estudio, educación y deleite.

          Esta definición se perfecciona en 1974: se matiza y señala que el museo es aquella institución permanente sin fines lucrativos al servicio de la sociedad; que adquiere, conserva, comunica y presenta con fines de estudio educación y deleite testimonios del hombre y de su medio.

          El propio ICOM impulsó una serie de centros: institutos de conservación y galerías de exposición dependientes de los archivos y bibliotecas.

          Los lugares emblemáticos, jardines botánicos, monumentos...etc se consideran como verdaderos museos en si mismos.

          Las tipologías museísticas surgen a partir de la ilustración, con esa necesidad de limitar y acotar.

          Las primeras clasificaciones surgen a principios del siglo XIX por imperativos pedagógicos. El museo se ve como un instrumento de educación, de tal manera que se clasifica a los museos en dos categorías en función del contenido:

        • Museo de Ciencias.

        • Museo de Arte.

        • Después de la segunda Guerra Mundial, se organizan en su totalidad las tipologías fijando desde ese momento la clasificación de las colecciones conservadas. Surgen por tanto cinco grandes bloques:

        • Museos de Historia.

        • Museos de Arte.

        • Museos de Etnología.

        • Museos de Historia Natural.

        • Museos de Ciencia y Tecnología.

        • En esta época además el ICOM insiste en que los museos deben fomentar y mantener la creación, el desarrollo y la gestión profesional de todas esas categorías, divulgar y dar a conocer la naturaleza las funciones y el papel de cada museo. El ICOM también les invita a cooperar entre ellos.

          En 1963 el ICOM completa esas categorías, generándose 12 grupos de museos que atendían al contenido, al carácter especifico o cuantitativo y a la propiedad del museo.

          Luigi Salermo distingue entre: museos de antigua formación y los de nueva planta. Distinguiendo también entre museos documentales y los museos de arte.

          La corriente de Henri Rivière, establece dos tipos de tipologías:

        • Artísticos o Estéticos.

        • Históricos y Científicos.

        • Lewis establece tres tipologías:

        • Museos Generales.

        • Museos de Arte.

        • Museos de Historia.

        • Museos de Ciencia.

        • En España hay una serie de autores de los que hay que destacar a Juan Antonio Gaya Muñoz, plantea el análisis tipológico de los museos dividiéndolos en: históricos y científicos, generales, particulares y monográficos. Además entre ve también museos de arte moderno y contemporáneo, y también museos de varia especialización.

          Otra autora, Aurora León, determina tres tipologías museísticas: museos según la disciplina, según la desinficación objetual (número de colecciones) y según la propiedad.

          Beltrán Yoris propone tres clasificaciones atendiendo a extensión, contenido y administración.

          • CLASIFICACIÓN DEL ICOM.

          Este sistema atiende a la naturaleza de las colecciones agrupándolas en:

          • Museos de Arte

          • Museos de Historia Natural

          • Museos de Endografía y Folclore

          • Museos de Historia

          • Museos de Ciencias y Técnicas

          • Museos de Ciencias Sociales y Servicios Sociales

          • Museos de Comercio y Comunicaciones

          • MUSEOS Y CONTENIDO.

          Se parte de las directrices emitidas por el ICOM. Comentaremos las diversas tipologías de museos en cuento al criterio de contenido.

            • Museos de Arte! El ICOM los define como aquellos cuyas colecciones están compuestas por objetos de valor estético y que han sido conformadas para mostrarlas en ese sentido.

          El hecho de dar categoría artística a las piezas, puede dársele a través de la calidad (explicita y implícita), del tiempo, de la critica artística y la historia del arte.

          Los museos de arte tradicionalmente exponen pintura, escultura, artes decorativas, aplicadas o industriales y también artes menores (antigüedades, folclore, etnográficas...), artes plásticas tradicionales y un amplio repertorio de nuevos procedimientos de expresión (videos, foto, comics...). El termino de artes menores se tiende a abolir.

          La historia del arte ya posee por si misma una división cronológica: clásica, medieval, moderna y contemporánea. Esta división ejerce una gran influencia sobre los trazados museográficos y determina también la fijación de tipologías museísticas.

          Los museos de arte tienden a ceder objetos de la antigüedad clásica a los museos arqueológicos; también se ceden objetos a los museos medievales, a los modernos, a los de Bellas Artes y el arte plástico producido en el siglo XX se reserva a los museos contemporáneos. Hay una tendencia a especializarse cada vez más.

          Dentro de los Museos de Arte se pueden abrir museos relativos a otras artes (música, literatura...).

          Una de las características fundamentales del museo de arte se refiere al modo de exhibición de las piezas. El objetos requiere un contacto lo más intimo con el publico.

          Uno de los factores más importantes a la hora de exponer es el estado de conservación de esas piezas, evaluando si es necesario la restauración. Otros problemas serian la atmósfera y la iluminación, hace unos años se tendía a hacer recorridos con una iluminación extrema, hoy en día se controla mucho más.

          La didáctica también influye a la hora de realizar el recorrido. Este debe de ofrecer por si mismo un discurso que facilite la adquisición de conocimientos. Además se debe huir de la teatralización.

            • Museos Arqueológicos! esta tipología estudia principalmente las antiguas civilizaciones a partir de los monumentos y testimonios materiales. Por tanto valorara e interpretara los objetos arqueológicos procedentes de excavaciones.

          Las piezas arqueológicas se tienen como verdaderas piezas artísticas y por ello son colecciones susceptibles de entrar en todos estos museos.

          Poseen un especial atractivo por el público.

          Tienen un carácter polivalente, artístico, la naturaleza antropológica obliga a los conservadores a cuidar enormemente su presentación, instalación, iluminación e itinerario expositivo. Requiere romper la aridez, la austeridad en su presentación museográfica. Además hay que garantizar la seguridad de las piezas en el trazado museográfico.

          Es importante evaluar la conservación de las piezas, en ocasiones hay que reconstruir. Todos los materiales empleados en la restauración deben ser de fácil eliminación.

          Anteriormente el proyecto museográfico determinaba un programa polivalente para integrar colecciones de objetos culturales de procedencia y naturaleza diversa. Actualmente se exige una distribución en diversas secciones que deben evidenciar las especialidades y disciplinas especificas.

            • Museos de Bellas Artes! la denominación conlleva una evidente generalización, por que en principio todos los museos de Bellas Artes podrían acoger todo tipo de artes plásticas. Sin embargo esta tipología se reserva a una parte del patrimonio artístico.

          El problema surge a la hora de acordar los limites cronológicos de las colecciones y también la distinción entre museos arqueológicos y de bellas artes.

          Otro problema es a la hora de determinar si las colecciones son de un museo o de otro, lo cual se complica. Para los autores que abordan esto les resulta artificial y discriminatorio esta clasificación. Los museos americanos acogen así todo tipo de colecciones y periodos.

          El Museo de Bellas Artes queda reducido a la exposición de objetos de arte moderno básicamente.

          Viene a ser un museo de contenido general sobre todo cuando está en provincias o localidades, y debe aglutinar todo tipo de segmentos cronológicos y culturales. Se impone para el Museo de Bellas Artes esa distinción entre museos generales y los específicos (arte, historia o ciencia).

          La denominación de estos Museos de Bellas Artes no debe confundirse con los museos mixtos cuyos contenidos serian muy variados cuantitativamente. Y tampoco debe confundirse con los museos generales.

          Desde el punto de vista museográfico, su recorrido debe de estar dotado de gran calidad expositiva y de un planteamiento coherente de las obras. Tampoco puede eludirse el enfoque pedagógico. Cuando los museos de Bellas Artes tienen muchas secciones se impone la distribución de esos objetos por técnicas, escuelas, países,...etc.

            • Museos Contemporáneos! este tipo de museos suscita diversas controversias en función de la definición que se entiende como contemporáneo. Para la historiografía la edad contemporánea se inicia a partir de la revolución francesa, pero el concepto es a veces identificado con el termino moderno y esto resulta ya más problemático. Lo que parece claro es que el término se asocia con lo actual. De tal manera los Museos de Arte Contemporáneo albergan una serie de creaciones realizadas en el siglo XX. En muchos museos se arranca el periodo contemporáneo a partir de Cézanne, Gauguin y Van Gogh.

          La complejidad de los museos contemporáneos aumenta de dificultad cuando se aplican los conceptos de vanguardia o postmodernidad.

          Reclaman una serie de funciones museográficas y museológicas importantes, porque se trata de museos estructuralmente complejos.

          Uno de los retos que se presentan a los conservadores es la adquisición de los fondos, hay en ocasiones tensiones que se derivan del sustrato social.

          Se observa en estos museos numerosas crisis y replanteamientos en su estructura museográfica. Se producen sobre todo durante los periodos de guerras.

          La multiplicidad de las colecciones, siendo variadas, es muy frecuente. Actualmente tiene que admitir nuevas expresiones o productos de una sociedad de consumo (posters, carteles...). Además últimamente se adquieren obras de carácter interdisciplinar (videomontajes, performance, happening...).

          Otra complejidad obliga a estos museos a una constante revisión y planteamiento de esquemas y diseños. Son museos que requieren de una renovación constante. A pesar de ello tiene que ajustarse a todos los criterios artísticos y didácticos; y sujetos al presupuesto que suele ser escaso.

          Uno de los mayores problemas es conciliar el carácter dinámico del museo con la función conservadora y con la consagración patrimonial que requiere.

          Puede distinguirse entre museos de:

              • Consagración histórica! muestran obras del arte contemporáneo.

              • Representación cultural! auténticos templos que rinden culto al arte.

          Estos últimos destacan por su espectacularidad, incluso algunos de ellos se ofrecen como hipermercados culturales. Para poder cumplir lo mejor posible el papel que tienen asignados presentan unas características:

          • Una arquitectura de nueva planta espectacular y sorprendente con un diseño peculiar.

          • Presentación de las obras extravagante.

          Desde el punto de vista de la practica museográfica se ven sometidos a tensiones a la hora de elaborar los recorridos expositivos. Los artistas muchas veces exigen una única sala para una única obra, o no quieren estar expuestos junto a determinados artistas.

          Hay museos que prefieren readaptar edificios existentes, uno de ellos es el MANCO de Ginebra. El patronato de este museo pensó que era más útil reconvertir una vieja fabrica. Dispone de 40.000 m² de superficie, repartidos en 60 espacios distintos que permiten al público compenetrarse con múltiples propuestas.

            • Museos de Artes Decorativas! aquí se incluyen objetos de arte industrial o de artes aplicadas. Estas ultimas se denominan también artes decorativas.

          El origen de estas artes se remonta a mediados del siglo XIX cuando la producción industrial generaba unos objetos que merecieron la atención del público.

          El primer museo se crea en Inglaterra y está vinculado a la exposición del Cristal Palace. La idea de crear este museo la impulsa el príncipe Alberto partiendo de esa exposición temporal celebrada en el Cristal Palace. Se construyó un edificio que albergó ese museo de manufacturas. Era la primera vez que se acogían las colecciones de los artesanos. Allí se expusieron obras de textil, metalística, maderas, cerámica...

          A ese museo lo siguió el de Paris y el de Lyón. El antecedente de estos museos franceses fue una exposición temporal de artes decorativas, con una buena propaganda que intentaba rehabilitar la industria francesa, dañada por la revolución francesa.

          William Morris encabeza en Inglaterra (1861) el movimiento de las Arts and Crafts. Los artesanos se quedaban sin trabajo al aparecer las maquinas. William niega las maquinas reivindicando el trabajo manual.

          Esta sociedad de las Arts and Crafts pervive en la actualidad, y en 1988 adoptó una actitud menos radical.

          El trazada museográfico debe de poner en manifiesto su relación con la época que lo crearon y cualquier museo de este tipo tiene que tener muy en cuenta el contexto sociológico y estético.

          • MUSEOS GENERALES ESPECIALIZADOS, MONOGRÁFICOS Y MIXTOS.

          Cualquier tipo de clasificación siempre resulta problemática en arreglo a que incluso los museos generales por muy amplias que sean sus colecciones son de algún modo especializados:

        • Por su origen.

        • Por el gusto del fundador del museo.

        • Por el país en el que está especializado.

        • Presentando diferencias entre ellos:

            • Distintas composición de sus objetos y colecciones.

            • La cuantificación conceptual.

            • El perfil de estas colecciones.

            • El carácter mas o menos restringido de los museos.

          Los museos generales.

          Se crearon en el S XVIII y XIX y proceden generalmente del coleccionismo privado. Presentan un espíritu fuertemente enciclopédico aunque partiendo de esas bases generales algunas colecciones se fueron especializando.

          Se suele asociar con frecuencia el museo general con el museo nacional porque estos museos nacionales se ven obligados a una creciente especialización. También están obligados a un enfoque mas didáctico sobre todo se ven obligados a resaltar las obras desde diversas disciplinas tradicionales. La mayor parte de los museos generales fueron creados para cumplir una misión global tanto en las regiones como en las localidades determinadas y eso sería la de promover el conocimiento de los habitantes de esas regiones y áreas concretas. Este interés se constata en los museos de los países del Este, Australia, Nueva Zelanda.

          Estos museos generales han fijado un objetivo casi fundamental que es el de servir de interpretes de la historia natural y humana de esas localidades.

          Principales problemas que se derivan de los costos materiales que requieren esos distintos especialistas, conservadores y los costos que se derivan de rentabilizar.

          Museo especializado.

          Profundizan en una parte la determinada del patrimonio cultural, a través de una selección de temas, técnicas y procedimientos. Fundamentalmente hoy día cuando se hace un museo se tiende a que sea especializado.

          Trazado museológico y museográfico, se vuelca en sus colecciones hacia el público didactizando lo mas posible las piezas y promoviendo la investigación universitaria.

          Dentro de los museos especializados están los monográficos.

          Se dedican especialmente a determinados aspectos del arte, la historia u otras manifestaciones culturales. Los temas pueden ser muy variados y engloban diversos campos, materias etc.

          También existen museos mixtos, Luis Alonso Fernández lo define como una combinación de un museo general y otro especializado. Generalmente los mixtos de arte suelen dedicar espacios diversos a la explicitación de movimientos, tendencias, técnicas y estilos.

          Las ciudades museo. Museos al aire libre, museos jardines, reservas y parques naturales.

          Se tiene la noción que estos museos deben tratarse como la misma definición que los museos específicos.

          Museos al aire libre.

          Han sido creados para mostrar objetos dentro de un contexto natural y libre, puede ser un recinto urbano, un jardín, un parque o un lugar histórico determinado.

          La constitución de espacios libres presenta problemas museológicos y museográficos, principalmente de custodia, se necesitan guardas de seguridad además deben estar comunicados. Este tipo de museo al aire libre tiene que acompasar la función conservadora del patrimonio dentro de recintos amplios, verdaderas ciudades museo con libre exhibición y eso resulta muy problemático.

          En muchos casos han sido proclamadas patrimonio mundial por la UNESCO, generan problemas de vigilancia y de conservación. Se gozan de ejemplos en el área mediterránea. Hoy día el patrimonio natural también se integra dentro de este concepto de ciudad museo. Generalmente este patrimonio cultural tiende a catalogarse y estudiarse mas,

          Museos de historia.

          El nombre propone una perspectiva cronológica enorme. Los museos de historia son difíciles de definir y catalogar tipológicamente, sobre todo porque documentan cronológicamente procesos temporales muy extensos. Además el museo de historia por sí mismo requiere muchas veces de objetos artísticos y científicos para completar sus exposiciones, por eso mismo, según la UNESCO, en la categoría de museos de historia se comprenden también los museos al aire libre, los museos nacionales y los museos de arqueología, se trata de una cronología amplia.

          Para Luis Alonso Fernández, todas las disciplinas concurren de alguna manera en el campo de la historia, esto hace que esta categoría de museos se amplíe enormemente en función de esas disciplinas. Por si fuera poco hay una serie de museos como los del folclore, etnológicos, que entrarían en competencia con los museos de historia.

          Hay que señalar que los museos históricos se refieren a la exposición de bienes ideológicos y a cuantos acontecimientos han afectado a través del tiempo, hechos materiales, narrativos, discursivos, cambios sociales.

          La historia escrita solo constituye una pequeña parte de la humana, por lo tanto todos estos museos presentan un segmento corto en muchas ocasiones.

          En función del presupuesto estético y del gusto de cada museólogo se dará cuenta y se estructurará una visión histórica del museo, en función de ese museólogo particular o personal.

          El origen de estos museos de historia se rastrea fundamentalmente en los gabinetes de retratos y en las galerías de batallas famosas. La mayor parte de los museos históricos vigentes actualmente intentan mostrar la historia de su país, de una región, de una comunidad etc.

          Muchos de los conservadores de los museos de historia suelen utilizar para dar cuenta de sus contenidos, reconstrucciones, gráficas, planimetrías etc. Este tipo de medios que didactizan la exposición histórica facilitan al público la interpretación de los diversos segmentos históricos incluso se utilizan medios audiovisuales para transferir documentos, mapas etc.

          Estos museos históricos incluyen material antiguo, documentos, actas etc. Los museos yacimientos, son museos que se abren a pie de una determinada excavación.

          Hay museos monumento y de carácter conmemorativo vinculados a lo militar, batallas, museos militares navales etc, dentro de la categoría de museos históricos de manera especializada. Destaca sobre todo la acumulación de objetos heterogéneos, muy contrastados, máquinas de guerra, planimetría. Destacan por ser museos muy especializados. Su variante y sus antecedentes mas destacados fueron las grandes armerías, luego se pasó a los museos del ejército. Se dividen en varias secciones, intentan manifestar el proceso histórico militar y la actividad bélica de un país. Fundamentalmente los museos militares presentan un gran auge después de la primera Guerra Mundial, (sobre todo en Francia).

          Museos de etnología, antropología y artes populares.

          Luis Alonso Fernández los agrupa conjuntamente, aunque también podrían abordarse desde una clasificación independiente sobre todo porque la denominación de sus disciplinas pueden variar.

          Hay museos que anteponen el interés cultural al cronológico en la presentación de las obras y porque se dedican esencialmente al estudio de culturas y de elementos culturales preindustriales o culturas pertenecientes a un pasado mas o menos reciente.

          Los museos de folclore por ejemplo, pueden asimilarse fácilmente a los llamados museos de arte tradicionales y costumbres populares. El origen proviene de los museos etnográficos y antropológicos, tienen un precedente en los gabinetes de curiosidades del S XVI y XVII.

          Los museos etnográficos se hicieron populares en las nuevas naciones de África y Oceanía, se utilizan como instrumento de cohesión y unidad entre los grupos tribales. Generalmente nuestros museos etnológicos tienden a compartir los bienes etnográficos con otras disciplinas. Resultan muy interesantes los museos etnográficos que derivan de nuestro pasado colonial porque en un momento dado, casi todas las metrópolis colonizadoras se sintieron fuertemente interesadas en fundar estos museos para que fueran verdaderas ventanas abiertas a un mundo lejano y desconocido del gran público.

          La etnología comenzó siendo una disciplina que surgió del interés de diversas personas dispuestas a estudiar como vivían los pueblos de las primeras sociedades antropológicas. Los primeros museos comenzaron siendo una verdadera exhibición heterogénea de artefactos que hacían referencia a esa cultura.

          Esta disciplina de la etnología y exhibición de colecciones generó la creación de sociedades que surgen a partir de 1a segunda mitad del SXIX. Desde el punto de vista museográfico estos museos etnológicos de folclore, ofrecen muchas posibilidades a la hora de abordar los recorridos expositivos que permiten la recreación de ambientes ( yares, cocinas), generan una gran espectacularidad del público, interesa desde al mas erudito a la gente mas sencilla.

          Desde el punto de vista del origen de estos museos podemos hablar del caso de Hazelius que desarrolló en 1872 el primer museo de la vida y la costumbre tradicionales de Suecia. A partir de aquí, surgen todo este tipo de museos en Alemania, Suiza, Francia. Se pueden distinguir en estos museos dos tipos:

          • Los especializados en la etnografía exterior

          • Los dedicados a la etnografía nacional.

          Museos de ciencias naturales.

          Implica a las grandes multinacionales ( presentan al público artefactos donde dejan el sello de su publicidad).

          Generalmente se clasifican como museos de ciencia, aquellos que atienden tanto las ciencias de la naturaleza como las exactas y los que abordan la perspectiva de la ciencia y técnica. Se excluyen los de historia de la ciencia y de la tecnología por considerarse propiamente históricos.

          Los museos de ciencias naturales son los pioneros dentro de las ciencias naturales y son estos los que mas atractivos resultan al público, planteado en arreglo a los recorridos espectaculares.

          Los primeros museos que se crearon fueron el museo de historia natural de París que surgió a finales del S XVIII y también hay una sección del Museo Británico de Londres dedicada a recoger muestras de historia natural y otros ejemplos en EE.UU.

          Su evolución sucede sobre todo después de la segunda Guerra Mundial, es a partir de este momento cuando el público despierta y visita estos museos. Hoy día vienen a ser el paradigma del gran museo en cuanto a la programación, presentación y diseño. Son una propuesta complementaria para los escolares. Tienen una financiación complementaria debido a las multinacionales.

          Dentro de los museos científicos destacan los que tienen que ver con las técnicas industriales que son representativas de la Revolución Industrial, se suelen conceder preferencias a las de astrología, física etc.

          Generalmente su objetivo fundamental sería el de mostrar la evolución general de las últimas innovaciones aparecidas en el campo de las ciencias y de la técnica. Uno de los cometidos sería conservar el patrimonio científico técnico y proporcionar al visitante medios adecuados para comprender la evolución y el desarrollo de nuestra civilización industrial.

          • TEMA 9: Arquitectura de los Museos.

          Se suele admitir actualmente que la primera condición de la historia de los museos es su arquitectura. Cuando hablamos de museo hablamos de tres planos de realidad:

        • Su estatuto y los elementos que lo integran. Se incluye su tipología (pública, semipública o privada). El museo es un lugar para el patrimonio. Hay que tener en cuenta el equipo de animación y conservación, y todo lo que tenga que ver con la entidad legal.

        • Su organización. Depende de su importancia, de su perfil y de su grado de autonomía jurídica. Comprende las funciones de organización, gestión y administración del centro. Dentro de la organización hay que atender los temas de colección, adquisición, conservación y presentación. Además hay que tener en cuenta el personal.

        • El edificio y su arquitectura. Es muy importante el diseño, la construcción, la funcionalidad y la seguridad. El edificio determina la realidad del enfoque museológico y puede actuar bien o mal sobre las colecciones. Hay arquitectos que apuestan por un edificio neutro y otros no.

        • El edificio está considerado como uno de los elementos clave del museo. Su evolución pone de manifiesto las diversas crisis de identidad, tanto del museo como de la historia de la arquitectura.

          Los primeros edificios museísticos fueron las galerías de arte. Unas galerías que se abrían en los palacios para exponer y difundir las colecciones privadas de los mecenas. Estas colecciones quedaban incluidas en la propia arquitectura, de ente privado.

          A partir del siglo XVI empiezan a surgir dos tipologías:

          • Las galerías.

          • El gabinete.

          Estas dos conllevan una diferenciación espacial. La galería adopta una forma oblonga de grandes dimensiones mientras que el gabinete es de reducidas dimensiones y cuadrado.

          Entre el siglo XVII y XVIII se ubicaron las pinturas en las galerías artísticas y los objetos de pequeño tamaño y colecciones científicas en gabinetes. Los museólogos entienden que la arquitectura del museo se inicia en el siglo XVI con los Uffizi.

          La realidad de los contenidos del museo proviene de tiempos anteriores. No se debe olvidar los tesoros griegos, los religiosos (templos y monasterios), ni tampoco puede olvidarse que las colecciones estaban fuertemente afectadas por el gusto del mecenas.

          • MUSEOS.

          La galería de los Uffizi se debe a Giorgio Vasari, pero no fue concebido para museo sino que para oficinas.

          Posee una doble planta rectangular ensamblada por una nave menor. Genera tres alas que forman un corredor continuo que arropa la plaza de los Uffizi. El proyecto de Vasari pone de manifiesto un proyecto manierista y se encargo para acoger la administración del palacio.

          Francisco I fue quien decidió reunir su colección de pinturas en el piso superior y encargó un proyecto de remodelación a Bernardo Buentalenti.

          La planta baja esta constituida por unas columnas toscanas entre las que se alternan pilares con hornacinas.

          Desde este primer proyecto parece que los mecenas comienzan a incorporar galerías expositivas en sus palacios. De tal manera que a lo largo del siglo XVIII todos los palacios importantes incorporan una galería de exposición (privada), la Galería de los Espejos de Versalles es un ejemplo.

          A partir de estos momentos aumenta el interés por coleccionar en espacios expositivos, surgiendo en el siglo XVIII un proyecto del museo ideal. Este proyecto presenta una solución que consistía en un edificio rectangular de dos plantas. La superior dedicada a acoger las obras de Bellas Artes, y la planta baja dedicada a las artes decorativas y a las de historia natural y ciencias.

          En el área alemana algunos nobles exponen sus colecciones al publico.

          Como consecuencia de la revolución francesa se crea en Francia el primer museo publico, el Louvre. Se ubica precisamente en un palacio. Abrió sus puertas para que el público visitase las colecciones reales. Esto llevó a los demás países a rehabilitar edificios públicos para fines museísticos. En las zonas en las que no hay edificios se fomenta la construcción exnova.

          En el siglo XIX comienzan aparecer los proyectos de museos. Uno de ellos el de Durand, es una propuesta teórica que sirvió para que otros arquitectos trabajasen sobre ella. Era de planta cuadrada en las que se inscribía una cruz griega en cuyo centro se ubicaba una rotonda central (Panteón). Esta ultima tiene un concepto ordenador. En torno a la rotonda se colocan las galerías y cuatro patios cuadrangulares. Las galerías son tripartitas. Este proyecto aparece en 1802 y trajo consigo la aparición de otras propuestas.

          En Alemania aparece un proyecto para un museo que alojase los frontones del templo de Egina. Francisco I encargó a Leo Von Klenze el proyecto para la gliptoteca. Sigue las directrices de Durand pero evita la rotonda, colocando galerías rectangulares. Todas ellas en torno a un patio cuadrado. La iluminación es dada por vanos abiertos al patio y lucernarios cenitales dispuestos en las rotondas. Monumentalizó la entrada por un pórtico octástilo de capiteles jónicos. Se configura un museo como un templo de estilo clásico o neoclásico.

          El Museo Antiguo de Berlín se inscribe en la propuesta de Durand. Schinkel buscaba una ubicación céntrica emplazándola donde el palacio real y de la catedral. Federico Guillermo aprobó el proyecto y decretó el inicio de las obras en 1825. Es de planta rectangular, galerías volcadas a dos patios y a una rotonda central. Para monumentalizar la fachada se colocó una columnata jónica.

          El primer piso se dedicó a la exhibición de Bellas Artes y el segundo para antigüedades. Se inaugura en 1830, es el primer museo que se construye en la llamada isla de los museos.

          En la isla de los museos también se encuentra el llamado Museo Kaiser-Friedrick o Bode. William Bode fue el director del museo, aplico un nuevo método que consistía en integrar todos los objetos dentro de una misma época y dentro de un marco arquitectónico, se contextualizar las colecciones.

          Para el Museo Británico Robert Smirke diseño un edificio neoclásico, recreando una entrada a modo de templo griego (nos recuerda a los propileos).

          En 1839 se inaugura el Ashmolean Museum que sustituyó el viejo museo del siglo XVII.

          En 1938 se crea la Galería Nacional de Londres, de estilo neoclásico.

          Cuando se democratiza todo el peso de la cultura muchos edificios nobles, símbolo del antiguo poder, fueron convertidos en museo. Donde no existían se construyeron de nueva planta en estilo neoclásico. Los rasgos más característicos son:

          • En el exterior se proyectan fachadas monumentales con grandes escalinatas, columnas in-antis, frontones, nutrida decoración clasicista, cornisas, frisos, balaustradas...etc.

          • En el interior suelen proyectarse techos altos, amplias escaleras, contraplacados de mármol y granito, derroche de lucernarios en bóvedas, cúpulas con casetones...etc.

          El movimiento moderno en arquitectura (1968) se pone de manifiesto un nuevo concepto del edificio museal partiendo del templo-museo. Mies Va Der Rohe genera un edificio más flexible, con más liberación de los espacios y en más consonancia con el programa museológico. Se quiere un museo neutro.

          Le Corbusier apoya un museo de crecimiento ilimitado. El edificio debía de quedar supeditado al itinerario. El pensaba que desde la misma entrada el visitante debía de ir descubriendo el contenido de los museos paulatinamente. Por eso había que estimular por medio de la arquitectura.

          • ARQUITECTURA Y PROGRAMA MUSEOGRÁFICO.

          Actualmente el mayor problema viene determinado por la extraña relación que surge entre la propia arquitectura del museo y el contenido.

          Es difícil decir hasta que punto la arquitectura debe ser neutra para favorecer el contenido, o si la arquitectura debe ser protagonista para atraer al publico. Esta situación compleja generó dos corrientes de arquitectos que se extienden de manera opuesta.

          Unos opinan, encabezados por Va Der Rohe, que el museo tiene que ser un simple contenedor y no debe interferir en las obras. El edificio debe ser inexpresivo estructurado interiormente según la estética neoplasticista. Lo llamó “museo vacío”, sin arquitectura. Todo esto incluía una flexibilidad espacial que podía incrementar una mejora en la división de los espacios. Proponía un espacio flexible y neutro. Su propuesta pudo ponerla en práctica en La Galería de Berlín.

          En el otro extremo estarían, encabezados por Frank Lloyd, los que pensaban que el edificio estaría en la primera línea de protagonismo. Su obra fue El Museo Guggenheim (1.943-1.946) en Nueva York. Suscitó mucha crítica. No se le negó su originalidad, pero sí que para el arquitecto prevaleciera el edificio y que se olvidase del programa museográfico. El edificio prácticamente se convierte en una gran escultura que atrae al público.

          A la hora de abordar la construcción de un museo, los proyectos deben de contar con un grupo interdisciplinario donde participen arquitectos y museológicos a partes iguales.

          En la segunda mitad del siglo XX aparece una abundante bibliografía sobre la arquitectura de los museos. En estas obras se ponen de manifiesto todas estas corrientes y la superación de la idea de ese edificio decimonónico. Sobre todo hay que tener en cuenta la noción del público. Esto es un elemento esencial y participativo dentro del museo. El público exige nuevos espacios para la comunicación, educación y deleite. El programa museográfico puede y debe aplicarse a la hora de abordar la construcción de un nuevo museo y también hay que aplicarlo cuando se adapta o amplía un edificio.

          • RECUPERACIÓN DE EDIFICIOS HISTÓRICOS Y DE NUEVA PLANTA.

          Parte de los museos están alejados en edificios que no fueron construidos para desempeñar esa función. Esa recuperación de edificios históricos motivó una adaptación difícil en la que hubo que acompasar por mantener las trozos del edificio en las exigencias museológicas. La historia de los edificios construidos para museo no se remonta en el tiempo por dos siglos e históricamente existió primero la pasión por coleccionar que la voluntad de exhibición. A la hora de abordar el acondicionamiento de un edificio existen dos corrientes opuestas:

          • Defensores de la rehabilitación: por medio de estas restauraciones se rescatan edificios históricos nobles, evitando su destrucción. Además, son capaces de realizar las funciones museográficas.

          • Retractores de la rehabilitación: siendo respetuosos, no se puede conseguir fácilmente la funcionalidad necesaria o adecuada al programa museográfico. Estos edificios no permiten flexibilidad espacial, ni la modularidad necesarias, no facilita una readaptación acorde con la normativa museográfica, es caro y difícil. Además, una readaptación en cascos viejos de las ciudades impide la construcción de servicios (aparcamientos, cafeterías, ...).

          A la hora de reestructurar un museo se nos plantean una serie de problemas de difícil solución: falta de espacio, dificultad de integración de sistemas técnicos (seguridad, climatizadores, ...). Muchos arquitectos optan por la ampliación subterránea, otros optan por edificios anexos (siempre que sea posible) que tienen que adaptarse al urbanismo.

          Una de las restauraciones aquí en España es la del Museo de Cáceres, ampliación que implicaba la recuperación de varios edificios del casco antiguo. Se trata de diversas casas, como en el casco de Oviedo. La recuperación fue integral, teniendo en cuenta el programa museográfico y arquitectónico. El trabajo en común facilitó un resultado homogéneo.

          Los países mediterráneos tienden más a la rehabilitación que otras zonas europeas.

          Entre los defensores de la rehabilitación tenemos a Franca Helg. Los detractores señalan que puedan hacerse esas rehabilitaciones, pero que los edificios históricos destinados a ser conservados no deben ser contenedores en busca de contenido. Otro aspecto que destacan es que los museos deben de ser ordenados científicamente y organizados de manera muy didáctica para no caer en el enciclopedismo del pasado.

          Muchas veces el edificio recuperado se apodera de las colecciones dificultando el concepto didáctico. Cuando del edificio se deja tan sólo la fachada, no hay problema, pero cuando es al contrario sí. Defienden también que el termino museo no debe de tener una noción estática, el museo debe ser vivo y además no debe ser elitista.

          Hay que destacar la adaptación del Museo Picasso de Paris, ejemplo de cómo una colección moderna de arte es instalada en un edificio del siglo XVII. La rehabilitación parece ser acertada, ya que, los arquitectos respetaron su personalidad ofreciendo un espacio interior cambiante y dinámico. El Museo Orsay de Paris se instaló en un edificio de 1.902, que se destinó a acoger colecciones de pintura, escultura y arte gráfico, especialmente. La arquitecta fue Gar Aulenti y el museólogo Loclotte, que acompasaron lo exhibido y el edificio. La transformación se abordó con un trabajo en conjunto. Decidieron una producción enciclopédica de las obras: integró manifestaciones de la misma época dentro de una gran nave abovedada, que funciona como una gran avenida, donde a ambos lados delimitaron las salas mediante paramentos que evocan la arquitectura egipcia. En el nivel intermedio se colocan naves aterrazadas que salen también a la central, donde se colocan artes gráficas como pintura. En las zonas más oscuras se colocan las obras en papel más difíciles de conservar. El museo tiene las paredes pintadas con un gran colorido, ya que, el blanco hubiese reflectado más la luz.

          Hay que reflexionar sobre la funcionalidad del edificio predominante sobre cualquier valor arquitectónico, porque en el caso de los museos la funcionalidad es un requisito importante y necesario, pero actualmente además de la funcionalidad cuenta mucho el lugar del emplazamiento, ya que, debe facilitar el acceso a los visitantes como la incorporación de equipamientos.

          • MUSEO DE NUEVA PLANTA

          Se trata de museos recientes. Se observa que desde los años 80 hay un aumento en la construcción de nuevos museos de nueva planta, lo que en parte hay que relacionarlo con la aparición de nuevos movimientos artísticos. Se busca siempre un lugar apropiado en el que el visitante pueda relacionarse con el objeto. Muchos artistas se niegan a colgar sus obras en los museos, buscando otros lugares para la exhibición de sus trabajos.

          Uno de los proyectos considerado paradigma, fue el Museo Municipal de Abteiberg, construido por Hans Hollein en 1.982. Se trata de un conjunto de edificios contextualizados dentro del entorno urbano y facilita además el paso de los peatones a través de sus construcciones incorporando un parque aterrazado.

          El Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles fue proyectado por Arata Isozake. Se concluyó en 1.986 y estaba ubicado en la denominada Zona de Bunker Hill. El trazado urbanístico condicionó la estructura del propio edificio. Tiene cuatro niveles que se adaptan al terreno. En el primer sótano se colocó el auditorio e instalaciones de videos y en el segundo sótano almacenes, talleres de restauración y estudios. Todo ello gira en torno a un patio. En la planta baja están las salas de exposición y el área de cafetería.

          En España a finales de 1.992 se inauguró El Museo de Joan Miró. Se encargó la realización de un museo junto a su taller y a su domicilio particular. Se estructuró en dos cuerpos y tres niveles, incluyendo una galería de exposiciones. Cuenta con una biblioteca, un archivo, un auditorio, una tienda librería y una serie de áreas de servicios y un almacén para las colecciones. La galería de exposiciones está dotada de unas paredes muy altas, es un espacio muy diáfano. Tiene los suelos negros que se combinan con paredes muy blancas.

          Puede decirse que no existe un museo ideal ni perfecto. Resulta difícil integrar en la arquitectura la funcionalidad del edificio, las colecciones y el exigente público. Hay unos elementos que deben estar presentes:

          • Partir de un conocimiento exacto de las colecciones, ya que, depende de ellas el modelo arquitectónico.

          • También se debe partir del conocimiento de las funciones y conocimientos realizados en cada museo.

          • Otro aspecto es que el museo es actualmente un lugar de cultura y debe ser un lugar de encuentro de masas y de público, que exige cada día más una serie de espacios perfectamente estructurados y ordenados, de tal manera que desde la entrada el visitante pueda elegir su propio itinerario.

          • Relación del objeto con la arquitectura, que se traduce en un espacio expresivo y protagonista y en un espacio neutro.

          • En un edificio de nueva planta se tiende a aprovechar lo más posible la iluminación natural, dado que permite conseguir una luz adecuada sin que resulte negativa para la obra.

          • Contextualización del edificio dentro de un entorno urbano, tendiendo a una concepción de obra total.

          Los grandes complejos culturales, además de museos incluyen otras instituciones como bibliotecas, archivos, observatorios, ...etc. Para el arquitecto y el museólogo se trata de contenedores polivalentes que requieren gran flexibilidad y deben de ser adaptables. Suelen requerir alta tecnología como climatización, seguridad, ...etc. Deben de tenerse en cuenta también arcas para investigación, auditorios y espacios destinados para los niños. Uno de los complejos es el Pompidou o la Villette.

          • MUSEOS DE ARTE CONTEMPORÁNEO

          Serían unos museos que requieren grandes espacios. Estos museos tienen que adaptarse a un programa museográfico complejo, motivado por unas colecciones heterogéneas y complejas. Uno de ellos es el de Los Ángeles o los de Franfurt y Kioto. Hay rehabilitaciones como la del Centro Atlántico de Arte Moderno, que se aprovechó un edificio del siglo XVII para instalarlo. Otro es también la adaptación del Antiguo Hospital de Madrid convertido en el Centro de Arte Contemporáneo Reina Sofía, que suscitó mucho revuelo. El interior no permitía flexibilidad. Se tocó el interior lo menos posible. La colocación de los ascensores.

          En IVAN (Instituto Valenciano de Arte Moderno) se optó por la rehabilitación y por construir un edificio anexo.

          • TEMA 10: Administración, Gestión y Organización de Museos.

          En España los museos son instituciones financiadas por fondos públicos dependientes de la Administración Central o de otros organismos públicos.

          Se determina a través del Reglamento de Museos, que contempla los patrimonios especiales, museos privados gestionados a través de fundaciones y el patrimonio de la iglesia.

          Por una parte la Constitución de 1.978 configuró un mapa político bastante más plural que el de la época franquista. Dentro de ese territorio el Estado cedió las competencias a las Comunidades Autónomas. El Estado se sigue atribuyendo la competencia exclusiva en la defensa del patrimonio. Surge para enmarcar esa protección la Ley del Patrimonio Español aprobada el 25 de Junio de 1.985, donde se recogen y se asumen las nuevas orientaciones museológicas y se ofrece una definición de museo.

          Dentro de la Ley del Patrimonio también se contempla la posibilidad de que las Comunidades Autónomas emitan normas jurídicas en relación a los museos gestionados por las mismas. Las Comunidades deben de tener en cuenta siempre que la Administración del Estado puede crear museos siempre que lo considere oportuno y necesario, previa consulta a la Comunidad.

          Dentro del marco general hay que destacar alguna legislación específica en materia de museos. Una de ellas es la Ley de Museos de Aragón, porque regula una serie de temas de manera detallada, que tienen que ver con la expropiación de terrenos, regula la clasificación de museos, destina los materiales arqueológicos y contempla el derecho de tanteo y de retracto (el Estado puede ofrecer una cantidad de dinero por un bien a un propietario). Contempla también la formación continuada del personal del museo.

          Otro ejemplo de leyes museísticas es la que pone de manifiesto la Generalitá de Cataluña. Asume todas las competencias de todos sus museos. Se valen incluso de consejos comarcales y de servicios museísticos para articular esa compleja articulación en materia de museos. Transfiere también las competencias a las administraciones locales.

          En Francia la organización de museos pone de manifiesto un carácter más centralizado. Los museos franceses suelen ser de titularidad pública y ellos escinden en dos categorías:

        • Museos Nacionales Estatales.

        • Museos clasificados y controlados, que dependen de otros organismos públicos y semipúblicos.

        • La dirección de museos de Francia ejerce directamente la gestión y organización de museos nacionales. Controla, inspecciona y asiste los denominados museos clasificados y controlados.

          En los países anglosajones generalmente los museos se rigen por leyes particulares y están libres del control gubernamental.

          • MUSEOS DE TITULARIDAD ESTATAL.

          Están los grandes museos nacionales y los organismos autónomos (Centro de Arte Reina Sofía y el Museo del Prado). Estos dos museos dependen directamente del Ministerio de cultura mientras que los nacionales dependen de la dirección de los museos estatales.

          Los organismos autónomos están gestionados por un patronato, mientras se encargan de la elaboración del presupuesto que deberá ser aprobado por el patronato y después pasará a la aprobación de los presupuestos generales del estado.

          La Dirección de Museos Estatales es un órgano que se encarga del cuidado, dotación, instalación, fomento y gestión de los demás museos. Desarrolla esta labor a través de tres áreas diferentes:

          1º Área de Servicio de Fondos y Documentación: se encarga del movimiento de los fondos, conceder autorizaciones a los investigadores, tramita permisos para la reproducción de las colecciones y recibe donaciones legados o cesiones.

          2º Servicio de Programación: se encarga del estudio y la planificación de proyectos, remodelación del museo. Cuenta también con una asesoría técnica que es la que ofrece apoyo técnico tanto de carácter museológico como jurídico a los museos.

          • MUSEOS DE TITULARIDAD ESTATAL TRANSFERIDOS A LAS COMUNIDADES AUTÓNOMAS.

          Son museos ubicados en las capitales de provincia cuya gestión fue transferida a las comunidades. Esta gestión se transfirió a través de un convenio entre ambas partes.

        • Los edificios e instalaciones son de titularidad estatal.

        • Su mantenimiento y conservación va a cargo de la comunidad autónoma.

        • El estado tiene la titularidad de los fondos y los ingresos de nuevos fondos, siempre siendo con un carácter de deposito. Cualquier salida de fondos debe de tener el permiso de la administración del estado.

        • El personal. Hay funciones atribuidas al cuerpo facultativo de conservadores de museos. Corresponden a la comunidad proveer al personal para cubrir esos puestos de trabajo.

        • Las actividades realizadas en estos museos también vienen regulada por ley. Corren a cargo de la comunidad. Las organiza el director del museo, dependiendo del presupuesto corren a cargo de la comunidad autónoma o de la administración del estado.

          La administración del estado contempla la relación entre los museos y que se comuniquen. Deben ser solidarios entre ellos, prestándose fondos y realizar convenios culturales.

          El ministerio de cultura, siempre debe de tener acceso a estos museos, la comunidad autónoma esta siempre obligada a proporcionar al ministerio información de todo lo que pida.

          • MUSEOS DE TITULARIDAD ESTATAL GESTIONADOS POR LOS MINISTERIOS.

          Pertenecen al ministerio de defensa y lo gestionan.

          • MUSEOS ESTATALES GESTIONADOS POR ORGANISMOS PÚBLICOS.

          Hay que contemplar lo que se entiende por patrimonio nacional. Serian aquellos bienes de titularidad del estado afectados al uso y servicio del rey y de los miembros de la familia real, para el ejercicio de la representación que la constitución y las leyes le atribuyen.

          Este patrimonio corre a cargo y gestión de una serie de fundaciones y reales patronatos que defienden directamente de la presidencia del gobierno.

          Se considera patrimonio nacional el Palacio Real de Oriente, el parque del Moro de Madrid, Palacios Reales de la Granja y Río Frío de Madrid; y todo el mobiliario, colecciones...etc.

          Forma también parte del patrimonio también una serie de bienes donde el rey ejerce como patrono: conventos de las descalzas reales de Madrid, iglesia y convento de la encarnación (Madrid). Cuentan con 50.000 obras de arte (ropa, tapices, cerámica...etc).

          • LOS MUSEOS Y FUNDACIONES PRIVADAS.

          Muchos se deben a la iniciativa privada de alguna persona que por algún motivo se siente interesada por un tema creando colecciones que forman museos, los fondos del mismo.

          En España son un número menor, se crean por iniciativa personal y su funcionamiento depende del entusiasmo del fundador. Hay un problema financiero por lo que a veces prefieren perder la independencia sometiéndose a los criterios de la administración local, aceptando subvenciones que en mayor o menor cuantía hacen perder dicha independencia.

          Dentro de estos museos distinguimos fundaciones e instituciones vinculadas a la nobleza, tienen gran patrimonio por sí mismas.

          Las fundaciones privadas de la nobleza están obligadas a permitir la inspección de los organismos competentes, facilitar su acceso y deben disponer de un horario de visitas en que cuatro días al mes por lo menos sean gratuitas.

          Hay otros museos, monográficos y biográficos, de un autor o artista que crean sus familias para prestigiar su figura y proteger su legado.

          • PATRIMONIO ECLESIÁSTICO.

          En muchos casos pasó a formar parte de los museos eclesiásticos, no siempre por propia intención sino por obligación. Estos museos albergan gran parte del patrimonio cultural de la iglesia en España que representa un 70% del patrimonio artístico español. Ese volumen de aportaciones ha dado lugar a la creación de un marco legislativo y jurídico que se remonta a los fueros reales de mediados del siglo XIII, pero hasta el siglo XIX no se aprobó una serie de preceptos que evitan la enajenación de dichos bienes.

          Un momento de perdida de patrimonio eclesiástico fue a raíz de la desamortización de Mendizábal, 1836, entonces muchos bienes eclesiásticos se vendieron en subastas; para evitarlo se decretaron unas leyes que evitaban la venta o cesión.

          Hasta 1980 mas o menos no se hace nada efectivo. Se firma un documento de actuación entre la iglesia y el estado que pone al patrimonio eclesiástico como protagonista. Se reconoce la importancia del patrimonio cultural de la iglesia y se respetan sus derechos de propiedad sobre el mismo, el Estado no desamortizará los bienes pero colaborará para una mejor protección, conservación y estudio del patrimonio. Fruto de este documento se exige un inventario a la iglesia, que aún hoy no se llevó a cabo; a partir de 1980 la iglesia funda unos museos eclesiásticos, catedralicios, diocesanos para recoger y exhibir su patrimonio. Un patrimonio que no se puede cifrar categóricamente; el recuento lo ofrecieron unos estudiosos de la museología: Romero señalo en 1988 que la Iglesia poseía 232 museos eclesiásticos. Sanz astro habla de 259 museos eclesiásticos lo que representaría el 25% de las colecciones españolas.

          Los museos se clasifican de la siguiente manera:

          Diocesanos: recogen colecciones de la circunscripción territorial o diócesis y pueden compararse a museos provinciales.

          Catedralicios: ubicados en las catedrales recogiendo obras de la catedral.

          Parroquiales o Conventuales

          Todos ellos tienen arte sacro arqueología religiosa, manifestaciones de arte popular con más o menos contenido religioso. Algunas piezas son procedentes de misiones.

          • GESTIÓN Y ORGANIZACIÓN DEL MUSEO.

          Un museo es un ente complejo (edificio, colecciones...etc) por lo que se vienen imponiendo, a la hora de gestionar, técnicas especificas del mundo empresarial. De este modo muchos directores planifican el museo como una empresa, que exige una definición de objetivos y elección de medios que permita llevar a cabo dichos objetivos.

          La organización se plantea a partir de la determinación de las competencias y de las responsabilidades de cada profesional contratado. Gran parte de la planificación del museo la desempeña el capital humano; el personal que suele arbitrar sobre la base de un equipo interdisciplinar (pedagogos, sociólogos...etc).

          La dirección del museo tiene a su cargo la coordinación de todas las funciones y actividades y controla la institución museal. El primer objetivo del museo es proteger y conservar estas colecciones en beneficio del servicio público.

          De tal modo se baraja una pregunta a la hora de nombrar un director; ¿debe ser un conservador profesional que se ocupe de ello? o ¿debe ser un buen gestor empresarial?. Hoy prima más la buena gestión de los recursos económicos, incrementándolos. También se valora en el director la buena planificación y el aprovechamiento de los recursos materiales y humanos.

          El reglamento de museos de titularidad estatal y pública en que se especifican funciones que los museos deben desempeñar. Pasando por la conservación, catalogación, restauración, exhibición de las colecciones, investigación, organización de exposiciones temporales, creación de catálogos y publicaciones así como la didáctica.

          Las técnicas de gestión que el reglamento nombra las divide en tres áreas de actuación sobre las que el director controla en cada una:

        • Conservación e investigación.

        • De difusión.

        • Administración.

        • Este reglamento prevé una regulación de los horarios, 30 horas semanales mínimo, repartidas en 6 días y tienen que prever la entrada libre y gratuita un día a la semana.

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