Impresionismo pictórico

Arte contemporáneo. Pintura. Francia. Movimiento. Luz. Postimpresionismo

  • Enviado por: Lidia López Lara
  • Idioma: castellano
  • País: España España
  • 8 páginas
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IMPRESIONISMO

Movimiento pictórico propio de las ultimas décadas del siglo XIX. El nombre de este movimiento surgió durante una exposición en casa del fotógrafo Nadar en el año 1874. Un lienzo de Monet había sido bautizado impresión, Soleil Levant. Un critico de una revista fue quien le puso el nombre a este movimiento. Surge como consecuencia de los fuertes cambios que se producen a finales del siglo pasado. Estamos en una época en la que hay un gran crecimiento capitalista e industrial. Hay grandes avances en las investigaciones científicas aparecen materiales nuevos etc. Toda esta serie de vertiginosos progresos hace que el hombre cambie su concepto de la realidad, espacio, de tiempo, las comunicaciones son más rápidas aparece la fotografía que influye de gran manera en los pintores, estos cambios son transmitidos al arte.

Objetivos:

Intenta reproducir la impresión que los objetos, los personajes o la naturaleza producen en el pintor. Este movimiento trasformó la pintura introduciendo:

  • El empleo de colores en forma de manchas

  • Valoración de tonos claros

  • La preferencia por la representación de fenómenos atmosféricos fugaces: nieve, niebla…

Los impresionistas no mezclan colores en la paleta, sino que colocan uno junto a otro en dos pinceladas, cada una de un color primario. Consideraban que el ojo humano el capaz de mezclarlos en la retina y ver el color binario. Los autores más importantes de este periodo son: Edouard Manet ( Música en el Jardín de las Tullerías -1862-), Edgar Degas ( El Ensayo de Ballet -1874-), Claude Monet ( Las Amapolas -1873-), Camille Pizarro ( Los Tejados Rojos -1877-), Alfred Sisley ( Día Ventoso en Veneux -1888-), Auguste Renoir ( El Cabaret. La Primera Salida -1875/76-), Joaquín Sorolla ( Chicos en la Playa -1910-) y Aureliano de Beruete ( Orillas del Manzanares -1908/10-).

ANÁLISIS DE UNA OBRA :

Lilas Blancas

Es un cuadro realizado por Edouard Manet en el año 1883, es una de sus últimas obras puesto que Manet murió ese mismo año. Actualmente está expuesto en el Museo Staatliche de Berlín, se trata de un pequeño cuadro con unas dimensiones de 54x41 cm. Es un óleo sobre lienzo cuya temática son las flores. El motivo de esta composición es un gran ramo de lilas en un bello jarrón de cristal sin ninguna referencia espacial. Las flores están trabajadas con abocetamiento, sin embargo, en el jarrón encontramos un gran detallismo, destacando la transparencia del vidrio y los tallos, que es tan organizados caóticamente en su interior. El fondo es muy oscuro lo cual supone un mayor realce de la luminosidad y del volumen de las lilas. Los colores usados son el negro para el fondo, y unos tonos verdes de oscuros a claros, llegando al blanco para las lilas y sus hojas. La superficie donde se encuentra el jarrón es marrón, rugosa lo que nos sugiere q sea piedra.

POSTIMPRESIONISMO

Movimiento que pretende revisar el impresionismo. Busca imponer de nuevo la forma dentro del cuadro. Monet decía que sólo existían lo que veía, manchas de color, por tanto, sólo se podían pintar luz y color; este planteamiento provoco la crisis del impresionismo Paul Cézanne ( La Casa del Ahorcado -1873-), Vicent Van Gogh ( Mi cuarto en Arlés -1888/89-), Paul Gauguin ( Las Viejas de Arlés -1888-), Henri de Toulouse-Lautrec ( La Modista -1900-).

ANÁLISIS DE UNA OBRA:

Las Dos Amigas

Obra de Toulouse-Lautrec quien pintó este cuadro en el año 1895, actualmente se encuentra en la Fundación E.G. Bührle (Suiza. Se trata de un óleo sobre cartón de 64´5 x 84 cm. Es un cuadro perteneciente a una serie de composiciones que tratan del lesbianismo entre las prostitutas y las mujeres del espectáculo en algunos locales del París del Moulin Rouge. En el cuadro aparecen dos mujeres jóvenes en un diván de tonos rojizos. La mujer en segundo palo aparece con una camisa lila que parece de hombre, y esta mirando a la segunda mujer que esta en primer plano, tumbada en el diván con un vestido rojo bajando hasta las caderas, con lo cual deja sus pechos descubiertos, esta mujer aparece mirando a su compañera con lo cual no podemos ver su rostro. Lautrec capta la intimidad de sus figuras, empleando un dibujo con unas líneas muy marcadas y un colorido muy vivo y alegre, aplicado con rapidez.

FUTURISMO

Se trata de un movimiento que comienza en el año 1909 cuando el poeta Filippo Tommaso Marinetti publica el manifiesto que inspira el futurismo. Este poeta fue tomado a broma por muchos pero seguido por otros autores de las distintas artes. Este manifiesto fue el precedente para posteriores.

Características del Futurismo:

· El arte debe nutrirse del contacto directo con el mundo moderno, nunca de la

tradición.

· La ciudad industrial y la máquina serán los temas fundamentales.

· El coche será visto como símbolo de la modernidad y la velocidad.

· La cuidad aparecerá muchísimo, con sus calles llenas de luces y carteles y sus

muchedumbres afanosas.

· Visión en la que los objetos se funden con su entorno y se disuelven en él por culpa

del movimiento y la luz.

· Se sirven del puntillismo, la descomposición y articulación de planos del cubismo y

de los estudios fotográficos sobre el movimiento.

Los pintores futuristas aseguraban que los espacios y figuras inmóviles no existían en realidad, que todo estaba sometido a perpetuo movimiento. La capital de este movimiento fue Milán.

Su autor más representativo es Boccioni (El despertar de la ciudad -1910/11) otros autores importantes son: Giacomo Balla (Dinamismo de perro con correa -1912-), Carlo Carrá (Manifestación Interventista -1914-) y Gino Severini (Expansión Esférica de la luz -1914-).

ANÁLISIS DE UNA OBRA :

Los Ritmos del Arco

El autor es Giacomo Balla el cual pintó este cuadro en el año 1912. Esta obra se encuentra en el Tate Gallery de Londres.

Se trata de un óleo sobre lienzo con unas medidas de 52x75 cm.

Los colores utilizados son los amarillos, ocres y marrones, con pequeños trazos de turquesa, azul, naranja, violeta y rosa. El tema es una mano en movimiento tocando un violín. El lienzo utilizado por el autor tiene forma trapezoidal lo que permite que al espectador le dé la sensación de que el violín se va a salir del cuadro.

DADAÍSMO

Es la expresión de protesta nihilista contra todos los aspectos de la cultura occidental, surge a la vez en Suiza y Estados Unidos a causa de los destroces de la 1º Guerra Mundial y defiende también una actitud negativa hacia todo lo que produce la guerra, a partir de Zurcí se extiende al resto de Europa. Sus métodos artísticos se apoyaban en lo absurdo e irracional con el fin de expresar su rechazo a todos los valores sociales y estéticos del momento y provocar una reacción en el espectador para que reflexionara sobre lo establecido. Algunos de sus miembros se convirtieron en figuras destacadas del surrealismo. Características:

· El dada defiende la libertad del hombre, la espontaneidad y la destrucción. Se opone al arte tradicional y a una ideología burguesa.

· Refleja una protesta nihilista que va en contra de todos los aspectos de la cultura occidental, sobre todo contra el militarismo.

· Su rebelión contra las normas establecidas era basada en una creencia profunda y proveniente de la tradición romántica, en la bondad esencial de la humanidad cuando no esta corrompida por la sociedad.

· El movimiento Dada emitió su propio manifiesto, o ideas: Propugnó la abolición de la memoria y de la lógica, de la arqueología, de los profetas y del futuro, el quebrantamiento de las normas, la liberación de la fantasía y la creación de un lenguaje incoherente que era el reflejo del vivir de su sociedad.

Es un movimiento antiliterario, antipoético, anti-arte que terminó por ser anti-el mismo, para que finalmente muriera por sus propias manos. La destrucción es necesaria para la creación, naciendo así el surrealismo.

Los autores más destacables son: Hans Arp ( Tabla para Huevos -1922-), Francis Picabia ( Desfile Amoroso -1917-), Marcel Duchamp ( Desnudo Bajando una Escalera -1912-) y Kurt Schwitters (Cuadro-Cerezas -1921-).

ANÁLISIS DE UNA OBRA:

María y Annunziata del puerto.

El autor de esta obra es Christian Schad el cual pintó este cuadro en Nápoles en el año 1923. Esta pieza se puede admirar en el museo Thyssen Bornemisza en Madrid y tiene unas dimensiones de 67,5 x 55,5 cm. Es un doble retrato que nos muestra a dos hermanas actrices muy populares en la época en la que trabajaban en el teatro Rossini. Aparecen iluminadas por las luces de candilejas, como objetos curiosos, sirviendo de marco el palco del teatro. Schad utiliza una técnica muy minuciosa. Las dos mujeres aparecen representadas una por encima de otra, una de cintura para arriba y la otra desde el pecho hasta la cabeza, llevan unos simples vestidos negro y rojo respectivamente, con un amplio escote. Las mujeres son bastante gruesas.

CUBISMO

El nombre de esta escuela procede del crítico Vauxceles, quien en 1909, afirmó que los cuadros de Braque estaban formados por pequeños cubos.

Los cubistas descomponen los objetos en formas geométricas, y los recomponen creando una superposición de formas transparentes. Estos autores están influidos por el microscopio y en el caso de Picasso por las máscaras africanas, el arte Ibérico y las vírgenes románicas. Hay tres tipos de cubismo:

· Analítico: 1907-1912. Se dedica al paisaje y a la figura humana.

· Sintético: 1912-1916. Basado en el collage que ofrece la posibilidad de

incorporar a las pinturas objetos reconocibles.

· Hermético

Los autores más representativos de este estilo son Picasso y Juan Gris en España, y Braque en Francia los cuales cultivaron este estilo que prescindió del color y de la profundidad para representar guitarras, bodegones o juegos de formas cristalizadas. Las señoritas de Avinyó de Picasso (1907)constituye el manifiesto de este estilo.

Una obra representativa de Georges Braque es Muchacha con Guitarra (1913) y una de Juan Gris es El Fumador (1913).

ANÁLISIS DE UNA OBRA:

Les Demoiselles d´Avignon

El autor de esta obra es Pablo Picasso quien pintó este cuadro en el año 1907. Actualmente se expone en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 245x235.

Representa 5 mujeres semidesnudas, sus cuerpos están descompuestos en bloques geométricos y ensamblados por una intersección de planos. Los planos de las mujeres rompen las normas de la perspectiva convencional, esta es la característica que distingue al cubismo. Los bloques geométricos que forman las figuras son los que generan el espacio, no es un espacio libre en el cual se hayan dispuesto las figuras.

Estas 5 mujeres representadas son un grupo de prostitutas de la calle Avinyó de Barcelona, que se encuentran en pose exhibicionista para captar la atención de posibles clientes.

SURREALISMO

Es un movimiento artístico nacido en 1924 en París por un grupo de intelectuales y artistas. Esta basado en la teoría del psicoanálisis de Freud.

Pretendo visualizar el inconsciente del individuo en su estado puro despojado del control que ejerce la razón y al margen de las representaciones éticas y morales de los convencionalismos sociales. Freud descubrió que la libertad desinhibida del ser humano sólo aflora en los sueños y que es en este mundo donde afloran las emociones más comunes: el placer y la agresividad.

Los artistas más representativos son: Max Ernst (A la Primera Palabra Límpida -1923-), André Masson ( Diversión Veraniega -1934-), René Magrirtte (La Condición Humana II -1935-), y en España autores como Joan Miró ( Mujer y Pájaro al Amanecer -1946-), Salvador Dalí ( El Espectro del Sex-Appeal -1934-), Luis Buñuel en el cine y Federico García Lorca en la literatura.

ANÁLISIS DE UNA OBRA:

La Llave de los Campos

El autor de esta obra es René Magritte, fue pintado en el año 1936 y actualmente se encuentra en el Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid).

Se trata de un óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 81x60 cm.

Es un cuadro que representa la vista desde una ventana rota y en el suelo los pedazos del cristal en los cuales esta dibujado justo el paisaje que se ve desde la ventana, un prado verde con unos cuantos árboles, a los laterales de la ventana hay unas cortinas granates, es un cuadro con mucha claridad y una perspectiva frontal, los colores utilizados son el verde para el prado, el azul blanquecino para el cielo y el marrón para la ventana y la pared donde se encuentra, todos ellos muy intensos.

ANÁLISIS DE UNA OBRA ROMÁNICA:

San Clemente de Tahull (Cataluña)

Las pinturas que cubrían el ábside de esta iglesia son unas de las mejores obras de este estilo en toda España y toda Europa, actualmente se conservan en el museo de arte de Cataluña, La bóveda se pintó con un Cristo en Majestad de estilo bizantinante rodeado por cuatro ángeles que portan los símbolos de los evangelistas. Por debajo hay un friso donde aparece parte del colegio apostólico con la Virgen. Dentro de las representaciones del Pantocrátor románico éste es de los más majestuosos, nobles y cargados de trascendente divinidad de todos los representados en el románico internacional. El rostro del Pantocrátor posee una simetría perfecta y una concepción geométrica de su rostro y de toda su figura.

ANÁLISIS DE UNA OBRA GÓTICA:

Abrazo en la Puerta Dorada

El autor de este fresco, que tiene unas dimensiones de 200 x 185 cm, es el italiano Giotto di Bondone, y fue pintado entre el año 1304 y el 1306. Este fresco está pintado en el interior de la Capilla Scrovegni, también denominada Capilla de la Arena, por encontrarse muy cerca de un antiguo Teatro Romano. El encargo lo realizó una familia particular, y no la Iglesia como era habitual. El tema es la historia de San Joaquín y Santa Ana, los padres de la Virgen María; este episodio en concreto narra el encuentro de los dos cuando se comprometen en matrimonio, ante una de las puertas de Jerusalén, la Puerta Dorada. Los progenitores aparecen abrazados y besándose, momento en el cual se consideraba que Santa Ana concibió a la Virgen, ya que según la Iglesia, María había sido concebida sin pecado. Giotto utiliza algunos modelos para sus personajes de otros artistas. Los frescos se organizan en tres grandes registros horizontales, con escenas de tamaño similar a la que nos ocupa, delimitadas por cenefas de mármoles y adornos fingidos. El techo simula ser una bóveda celeste azul, con las constelaciones y las estrellas en dorado. El color dorado es aplicado tan sólo en los nimbos que distribuyen a los personajes sagrados de los normales y en las orlas de los vestidos. Los nimbos además son de pastillaje, una técnica que emplea relieves de yeso sobre los que se aplica el pan de oro para fingir mayor riqueza. El fondo de la escena es un paisaje urbano, un paisaje en el cual puede observarse el urbanismo típico de una república italiana medieval, con sus torres, murallas y edificios de colores. Las figuras tienen una presencia monumental. La masa corporal, la individualización de los personajes a través de sus rostros y gestos, la elegancia y el empleo casi por primera vez de las gamas tonales, en vez de colores absolutos, planos, son rasgos del pintor que introducen en el comienzo del Trecento.

ANÁLISIS DE UNA OBRA DE TIZIANO:

Venus de Urbino

Es un cuadro pintado por Tiziano en el año 1538, perteneciente al Renacimiento Italiano. Esta obra se encuentra en la Galería de los Uffizi. Es un óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 119x165 cm. Es una de las obras más espectaculares de Tiziano, realizada durante su estancia en la Corete de Urbino. Fue adquirida por el hijo del duque de Urbino, haciéndose diferentes interpretaciones, pero no se tiene certeza de a quién pertenece este retrato. En el cuadro aparece una venus desnuda, en un interior, situada sobre un diván tapizado en rojo cubierto por una sábana blanca. La venus, en primer plano, dirige su mirada al espectador con cierta provocación. Su cabello rubio cae por sus hombros. Se trataría de una representación real de alguna mujer concreta, de carne y hueso, olvidando imágenes que muestran el ideal de belleza. Al fondo apreciamos la estancia contigua con una ventana que permite ver el cielo y un árbol. Dos jóvenes se afanan en buscar ropas en un arcón, siendo esta escena un complemento de la figura desnuda. Hay un potente foco de luz sobre el cuerpo de Venus, otorgando más realismo al conjunto. La claridad de la carnación y las telas blancas sirven de contraste con la pared sobre la que se recorta la mitad superior de la joven y con tela del diván. La perspectiva está perfectamente creada a través de las baldosas, la columna del fondo y el árbol.

ANÁLISIS DE UNA OBRA DE TINTORETTO:

Minerva aleja a Marte

El autor de este cuadro es Tintoretto, pertenece al Renacimiento Italiano y fue pintado entre los años 1564 y 1565. Se trata de un óleo sobre lienzo, de 148 x 168 cm, que se encuentra en el Palacio Ducal de Venecia. Es un cuadro encargado a Tintoretto por el duque Girolamo Priuli. Esta obra pertenece a un grupo de cuatro cuadros destinados a ocupar el Atrio Cuadrado del Palacio Ducal, este conjunto se piensa que representaba las cuatro estaciones del año. Los personajes son: Minerva, diosa de la sabiduría y las artes, que aleja a Marte, dios de la guerra, en presencia de la Paz y la Abundancia. Minerva preside la composición cubierta con unos vestidos que permiten ver su anatomía. Marte se presenta como una caballero de la época, cubierto con armadura y portando una lanza. Las dos figuras alegóricas desnudas están en sintonía con las Tres Gracias, mostrando sus cuerpos nacarados, los cuales contrastan con los brillos metálicos de las armaduras, resaltando las luces que resbalan por los dinámicos cuerpos de los personajes. Un fondo que parece de la ciudad de Venecia. Completa la escena una sensación atmosférica que diluye los contornos, reforzando el estilo rápido y abocetado de Tintoretto.

ANÁLISIS DE UNA OBRA DE VAN DER WEYDEN:

Retrato de Dama

Es un cuadro pintado por Rogier Van der Weyden en el año 1455. Actualmente, este óleo sobre tabla, lo podemos observar en la National Gallery de Washington. Pertenece al periodo de Pintura Flamenca y tiene unas dimensiones de 37 x 27 cm. Algunos autores piensan que la dama retratada es la princesa Marie de Valengin, hija de Felipe el Bueno, duque de Borgoña. Es un retrato delicado y lleno de inspiración. La elegancia se observa en cada elemento como en la sutil posición de las manos, el brillante destello rojo del cinturón en contraste con el vestido oscuro, la toca transparente que deja ver el peinado y la frente de la dama. La modelo lleva la frente totalmente rasurada, tal y como ordenaba la moda flamenca del s. XV. La gradación del color y el juego de transparencias y sutileza de la luz se debe al empleo de óleo, que permitía disolver los pigmentos en capas de aceites. Al superponerse estas capas se obtiene un increíble efecto de profundidad, veladuras y brillo esmaltado.