Historia del cine español

HISTORIA DEL CINE ESPAÑOL

Existe una imagen negativa de los españoles hacia el propio cine español. Además se conservan pocas películas españolas. La primera filmoteca del mundo de fundó en Suecia en 1933. En el resto de Europa y Estados Unidos aparecen a lo largo de los años 30. En España la filmoteca se creó en 1953, 20 años después de la primera. En Valencia se crea en los años 80. Las filmotecas se encargan de conservar el patrimonio cinematográfico, de restaurar y divulgar las películas. El material de la película es muy inestable y perecedero, por eso debe de tener una buena conservación. El 80% de las películas que se realizaron entre 1894 y 1914 a nivel mundial se han perdido. En España se ha perdido el 90% de las películas en ese mismo periodo.

1. ¿QUÉ ES EL CINE ESPAÑOL?

Depende del criterio que se utilice consideraremos a una película cine español:

• Geográfico: española es aquella película que ha sido filmada en territorio español. Este criterio no es correcto y no nos sirve.

• Lingüístico: película española es aquella filmada en lengua española. Este criterio tampoco es correcto, porque las películas rodadas en Latinoamérica se hacen en español y eso no significa que sean españolas. Por lo que este tampoco sirve.

• Personal o biográfico: una película es española si su autor es español. A veces este criterio sirve y otras no. Es el ejemplo de Buñuel, que aunque trabajó parte de su vida en Francia y México, consideramos españolas sus películas.

• Social: mucha gente ve el cine español como un género cinematográfico.

• Político: vinculado al espíritu y nacionalismo.

• Económico: es el criterio oficial. La nacionalidad de una película depende de la productora que la ha financiado. Las coproducciones hacen que una película sea de dos o más nacionalidades.

En la asignatura utilizaremos varios de estos criterios, según nos convenga.

2. EL PROTOCINE ESPAÑOL

3. 1. EL SIGLO XIX: LA LLEGADA DEL CINE A ESPAÑA

El término protocine hace alusión al cine de los primeros tiempos. El protocine español es el cine que se realiza desde que llega a España hasta que se consolida en 1914 - 15.

En España no había una tradición importante de elementos pre - cinematográficos. El cine llega a España en Mayo de 1896, con el cinematógrafo de los Lumiere. Lo traen los cámaras y operadores de los Lumiere, con la intención de venderlo. El cinematógrafo era una cámara tomavistas, una moviola y un proyector. Como demostración proyectaban cortos de los Lumiere. Antes de la llegada del cinematógrafo en España ya estaba funcionando el kinetoscopio de Edison.

Se pensaba que la primera película rodada en España por un español era “Salida de misa de doce del Pilar de Zaragoza” de Eduardo Jiménez, rodada en 1896. Pero no es posible que se rodara en 1896, ya que el cinematógrafo no se comercializó en España hasta Mayo de 1897, y se sabe que fue rodada con un cinematógrafo porque tiene un orificio en cada fotograma (característico del cinematógrafo). Así que como mínimo la película fue rodada en Mayo de 1897. Se barajan varios nombres sobre cuál fue la primera película del cine español, es reivindicado por varias ciudades, pero hoy todavía no se sabe quién ni dónde fue rodada la primera película.

El cine español en sus orígenes tuvo muchos cineastas pero de una sola película, porque no funcionaba económicamente. Muchos fotógrafos se hacen cineastas, algunos artesanos intentan realizar sus propias cámaras, también los pintores (sobre todo los retratistas) se pasan primero a la fotografía y luego al cine. Solo una mínima parte de estos cineastas consiguió tener una continuidad en el cine.

España en esta época era un país tercermundista: el 50% de la población era analfabeta y el 60% trabajaba en el sector primario. Cuando empieza a surgir la incipiente industria cinematográfica en España, surge dependiente de Francia: se comparaba el material en Francia e imitaban las películas realizadas en Francia, a los Lumiere.

Las películas de la primera época del cine no tienen como objetivo la narratividad sino impactar al espectador a través de imágenes: el cine de atracciones. Este tipo de cine será el predominante hasta 1907 - 08 aproximadamente cuando lo más importante pasará a ser la narratividad y las acrobacias y los efectos especiales pasarán a un segundo plano. En 1914 se reafirma el relato clásico con Griffith.

Había dos capitales cinematográficas en España: Barcelona y Valencia. Barcelona es el foco principal durante varios años de la cinematografía española y Valencia fue hasta 1914 la segunda capital más importante del cine, gracias a la productora Casa Cuesta, cuyo dueño era Antonio Cuesta, propietario de una droguería. Las droguerías eran en ocasiones laboratorios de revelado y muchos de sus dueños eran también fotógrafos. Es el caso de Cuesta, que además vendía fonógrafos. Cuesta establece un laboratorio de revelado de películas a cuyo frente coloca a uno de los cineastas más importantes en esta época en Valencia, Ángel García Cardona, que anteriormente había sido fotógrafo. Cuesta se especializó en documentales, casi todos de tauromaquia (60%). Para la casa Cuesta trabajan muchos cineastas.

ÁNGEL GARCÍA CARDONA

Ángel era un fotógrafo de los más reputadas de Valencia que montó su propio cinematógrafo llamado “Cinematógrafo del fotógrafo Ángel”. Es el primero en revelar películas y exhibir las películas como complemento de espectáculos. Al principio eran documentales: vistas panorámicas, escenas naturales y reportajes de actualidad.

EL CIEGO DE LA ALDEA, Ángel García Cardona, 1906

Una niña y su abuelo ciego pasean por la aldea y van pidiendo limosna. Una pareja de ricos les da una moneda, hecho que es observado por un grupo de hombres que decide secuestrar a la mujer y hacerle chantaje al marido a cambio de que les firme un cheque. Finalmente la niña y el anciano ciego consiguen liberar a la mujer y los secuestradores son detenidos por la policía que ha sido alertada por el marido.

Es una película protoclásica, que combina el melodrama policíaco y de aventuras costumbrista. Existe una voluntad de inaugurar caminos genéricos en el todavía primerizo cine español. El ciego de la aldea se inspira en las narraciones populares de la época, que dotan a la película de un ingenuo realismo. Mantiene algo de cine de atracciones. Los exteriores son naturales y los interiores fueron rodados en un plató con decorados. Sucesión de planos - secuencia. El primer plano de la película: primer plano de la niña y su abuelo: plano emblemático toda la película es en plano general. El primer plano es como una presentación de los protagonistas. El montaje es clásico. Hay un contraste entre los exteriores naturales (Godella) con la artificialidad interior (pinturas) y la niña que es exagerada en su interpretación. Los gestos de los personajes evocan el teatro popular practicado en Valencia. Copia a Méliès (decoración artificial) y está ya un poco desfasado. En el sentido narrativo es clásico. El plano en que la guardia civil coge a los malos se caracteriza porque se quedan quietos para enfatizar el clímax de la película. La película muestra a un país aquejado por un atraso industrial y un llamativo subdesarrollo económico y político. La película conectó con el público y disfrutó de una gran acogida, llegando incluso a Francia.

Además de la productora Casa Cuesta, en Valencia, destacan las productoras catalanas Hispano Films, Barcinógrafo y Studio Films. Hispano Films fue fundada por Ricardo Baños y Albert Marro, el productor español más importante debido a sus conocimientos y dominio de los idiomas. Barcinógrafo fue fundada entre otros por Adrià Gual, pintor, ilustrador y poeta del s. XIX. Gual pretendía adaptar al cine las grandes obras literarias y teatrales, a imagen y semejanza de la productora francesa Film Art, para que fueran interpretadas y dirigidas por gente del teatro y que así la gente, sobretodo las clases altas, apreciaran el cine y lo valoraran, dándole prestigio. Adrià Gual abandonó la productora porque no se sentí identificado con lo que se estaba realizando.

3. 2. ENTRE DOS SIGLOS: LOS PIONEROS DEL CINE ESPAÑOL

Entre los cineastas que lograron tener continuidad en el mundo del cine destacan: Segundo de Chamón, Eduardo Cano y Fructuós Gelabert, junto con los hermanos Baños.

FRUCTUÓS GELABERT

Cineasta catalán, nacido en Barcelona. Era ebanista. Él mismo se construyó su propia cámara tomavistas y proyector. Fue uno de los primeros cineastas en intentar el cine de color y el cine en relieve. Con el tiempo acabó olvidado, fracasado y ciego. Destacan películas suyas como Riña en un café (1897) primera película con argumento del cine español, Salida del público de la Iglesia Parroquial de Santa María de Sants (1897), Terra Baixa (1907), Amor que mata (1909) o Guzmán el bueno (1909).

AMOR QUE MATA, Flructuós Gelabert, 1909

Una pareja no puede casarse debido a que el pasado de la madre de la mujer se lo impide, porque es una deshonra, y una mujer les hace chantaje. La muchacha muere de amor, porque el pasado de su madre le impide casarse con su prometido.

La película tiene un carácter romántico. La película destaca por su dinamismo, madurez y calidad. El título de crédito únicamente tiene el nombre de la película, ni de los actores y del director. Tanto los interiores como los exteriores son reales. El mobiliario es real. La iluminación es solar, y el contraluz es natural gracias a la iluminación externa. Planos americanos. Se observa un plano en el que el personaje masculino se dirige hacia el coche de caballos, a través de una puerta decorada al estilo modernista. Cuando el coche de caballos va por la calle, la cámara no está fija, lo sigue hacia atrás, es un travelling. Además el coche se ve de arriba abajo, es un contrapicado. Se acaba el plano y volvemos a la cámara fija cuando baja del carruaje para pasar a un plano general. Después hay un primer plano con valor informativo porque enfoca un cartel. El color cambia dependiendo de si está en el interior de la casa o en el exterior, y no está aplicado a mano, son tintes de celuloide. Cuando cambia la secuencia donde vemos a la mujer que manda los anónimos observamos que también cambia a un color rosado y en el de la enamorada a un color verde. Juega con la iluminación interior y el exterior natural. La película tiene una concepción muy moderna por los planos. Fructuós habla en sus memorias de la película una “comedia dramática”.

SEGUNDO DE CHOMÓN

Nació en Aragón en 1871 en el seno de una familia culta y con suficiente dinero. En la España tercermundista de la época, Chomón consigue estudios de secundaria, es criado en una cultura intelectual y se gradúa en Ingeniería.

En 1895 viaja a París, año en el que se presenta en cinematógrafo de los Lumière. En París se enamora de una actriz francesa de segunda fila llamada Julienne Mathieu, con la que se casa al dejarla embarazada. Debido a la falta de dinero y a la imposibilidad de Chomón de encontrar un trabajo en Francia por no saber bien francés, regresa a España donde se alista en el ejército voluntario para viajar a Cuba. Al ser inteligente y saber escribir, lo hacen escribiente y no tiene que entrar en combate. En 1899 se licencia y regresa a Francia, donde su esposa en su ausencia, había estado trabajando en el taller de pintura de fotogramas de Georgés Méliès. Su esposa le consigue trabajo en el taller y en él comenzará su carrera en el cine.

ETAPAS DE CHOMÓN EN EL CINE

EL HOTEL ELÉCTRICO, Segundo de Chomón, 1905

Un matrimonio llega a un revolucionario hotel en el cual todo se realiza de forma automática: las maletas van por sí solas hasta el ascensor y del ascensor hasta la habitación: pañuelos, camisas y pantalones se van colocando ordenadamente dentro del armario, los zapatos del hombre se deshacen solos y son limpiados por un cepillo dotado de vida propia; un peine peina por sí solo el cabello de la mujer (papel interpretado por la mujer de Chomón, Julienne). Las cosas empiezan a ir mal, no obstante, cuando el operario del hotel encargado de la animación de los objetos comienza a manipular los controles bajo el efecto del alcohol y el hotel se convierte en una casa de locos en el cual todos los objetos se mueven solos. El final es humorístico, catastrófico y pesimista.

En 1905 realiza esta película que supone su carta de presentación como cineasta de peso en otros países. El Hotel eléctrico es la primera película de animación de la historia del cine. El cine de animación reproduce el movimiento virtual de los objetos y los seres inanimados. Chomón se convierte en el pionero del cine de animación cinematográfico. El hotel eléctrico es la película más conocida de Chomón, y recoge buena parte de su repertorio de trucos.

Es una película de ciencia -ficción, la ciencia es la coartada de los elementos sobrenaturales. En este caso, la electricidad es la coartada de esta película. Tiene un tono de denuncia, la aplicación mal utilizada de la electricidad provoca el caos. Chomón emplea la técnica del stop motion: técnica de movimiento virtual conseguida con ligeras variaciones de fotograma a fotograma. Este efecto simula movimiento mediante la proyección sucesiva de fotografías fijas tomadas de elementos estáticos fotografiados en diferentes fases de descomposición de un movimiento. Las películas de este tipo no fueron muy rentables porque su grabación se prolongaba muchos días. Tiene animación hecha a mano, como unos rayos que se producen cuando el empleado del hotel toca los mandos de la electricidad. En una secuencia la pareja envía una carta a sus padres escrita en francés, lo que demuestra que está película iba dirigida a los productores franceses.

EL TEATRO ELÉCTRICO DE BOB, Segundo de Chomón, 1908

Unos niños montan un teatro con muñecos animados. Los muñecos realizan varios deportes. Integración de elementos animados con personas reales. La película está pintada. La electricidad justifica que los muñecos se muevan solos. El gallo es el logotipo de Pathé.

METELPSICOSIS, Segundo de Chomón, 1909

Aparecen una serie de personajes que van desapareciendo mediante el truco de sustitución: que consiste en aprovecha la detención momentánea de la filmación para modificar algún elemento del campo visual encuadrado por la cámara antes de continuar dicha filmación, de modo que el cambio entre la toma previa a la parada y la toma siguiente se produzca de forma brusca y sin solución de continuidad. Tanto Méliès como Chomón afirman haber inventado el truco de sustitución o de parada. Aparece la mujer mariposa y la asociación de la mujer con la flor, en marco de arquitectura típicamente modernista.

Su gran calidad técnica y creatividad le hicieron ser considerado como uno de los grandes cineastas del momento, y fue contratado por las más importantes empresas cinematográficas de la época. Sus películas prevén una amplia escala de planos y estudiados efectos de raccord o continuidad. También flash - back o anañepsis y montajes de acciones paralelas. Al final de su carrera, experimentaría con sistemas de cine en color. Segundo de Chomón fue un técnico minucioso y perfeccionista, que invertía meses en conseguir los efectos deseados, aunque duraran en pantalla pocos segundos. Fue uno de los más importantes pioneros del cine de fantasmagorías de la época, y su talento en estas películas llenas de fantasía solo es comparable al de Méliès. Fue un genio de los trucajes, desde el coloreado de películas, pasando por todo tipo de efectos de la época, cuyo repertorio incluye la utilización de maquetas, shustain, doble exposición, sobreimpresiones, pirotecnia, escamoteos y el uso de la velocidad de paso de manivela. También contribuyó a la creación de una industria nacional, con sus etapas barcelonesas y sus películas de alcance popular: melodramas, zarzuelas, dramas históricos y comedias. En resumen, se trata de uno de los más importantes cineastas internacionales por su contribución al desarrollo del arte cinematográfico en la etapa muda, que trabajó para los más importantes directores y productores de aquella época en Francia, Italia y España.

LOS HERMANOS RICARDO Y RAMÓN BAÑOS

Ricardo es director y Ramón el operador. Ricardo se inicia en el cine trabajando para Gaumont en París como un simple asalariado, lo cual le sirvió de aprendizaje. En estos momentos el cine es dominado por Francia. Después vuelve a Cataluña y se asocia con Albert Marro. En 1906 Marro funda junto a Baños la productora Hispano Films. A partir de ese momento Ricardo se convierte en el director de Hispano Films y su hermano el operador de cámara. Los hermanos realizan cine histórico, melodramático e incluso realizan versiones de Blasco Ibáñez. Destacan películas como Don Juan Tenorio de la cual realizan 3 versiones (1902, 1910 y 1922 que es la más conocida y de más calidad), La guerra del Pitt, Sucesos de Barcelona (1909), Don Pedro el Cruel (1911), Los amantes de Teruel (1912), Sangre y arena (1916, de Blasco Ibáñez). De forma clandestina realizaron películas eróticas encargadas por el Conde de Romanotes para Alfonso XIII. Sus películas son bastantes buenas, de gran calidad. En esta época había problemas por la censura que se inicia en España en 1912 para controlar el contenido de las películas. En 1907 se aplica en Estados Unidos la censura.

DON PEDRO EL CRUEL, Hermanos Baños, 1911

Es una película histórica. Habla de la guerra civil contra los Trastámara. Pedro era el rey de Castilla y lucha contra su hermano. En este momento el cine de atracciones está pasando de moda y se está imponiendo el relato clásico, pero hay películas de transición. Esta película es un caso interesante. Se decía que el cine pecaba de teatralidad. El inicio del cine es teatral, hasta tal punto que los protagonistas saludan como si estuvieran en el teatro. Primera secuencia el anónimo se descorre el telón y aparece un decorado muy bien realizado porque parece que sea real. Toda esta secuencia se realiza con un plano general, estático sin mover la cámara. Es un poco larga y aburrida. Influencia teatral. Al finalizar la primera secuencia se le da más dinamismo, se deja de lado la teatralidad y salen al exterior. Se cambia el plano general por el plano americano. Están en un ambiente campestre con árboles reales. Se realizan planos breves que aceleran el ritmo de la película. Más adelante se llega al primer plano, que tiene un carácter informativo, vemos que el espía se ha enterado de la conspiración.

3. EL ANACROCINE ESPAÑOL Y EL MODELO CLÁSICO

Durante los años 20 en España se da el liberalismo de Sagasta y Cánovas de Castillos durante la Regencia de Mª Cristina. Con 13 años el rey Alfonso XIII comienza a reinar. Existen dos periodos:

• 1905 - 1923. Periodo parlamento. Económicamente España es un país tercermundista. Durante esta época se produce la I Guerra Mundial en la que España es neutral y no sabe aprovecharse de esta situación. Durante estos años se producen plagas, epidemias, cólera, etc. En 1921 se inicia la quinta de la guerra con Marruecos. Se sublevan con las tropas españolas. La Monarquía entra en una crisis enorme y Primo de Rivera da un golpe de estado apoyado por el propio rey, la aristocracia y ejército.

• 1923 1930. Periodo dictatorial. Primo de Rivera dimite y se inicia la Segunda República.

A nivel general la industria del cine español es “raquítica”. En cine español depende del extranjero desde el punto de vista técnico: maquinaria, operadores, etc. En los años 20 la capitalidad del cine español cambia, pasa de Barcelona a Madrid. Madrid hasta los años 20 había hecho poco caso al cine como espectáculo. A partir de los años 20 asume la capitalidad pero invierte menos en producción de películas, que además son de peor calidad que las que se realizaban en Barcelona. Las productoras más importantes de los años 20 en España serán Atlántida y Films. Muchas productoras invierten grandes cantidades de dinero en sus películas y luego no tienen éxito.

Surgen numerosos directores, entre ellos destaca Helena Cortesana, primera mujer cineasta del cine español, que hace Flor de España o la leyenda de un torero (1921), escrita, dirigida y protagonizada por ella, junto a sus dos hermanas.

EL CASO VALENCIANO: MAXIMILIANO THOUS

El segundo puesto en importancia sigue siendo para Valencia, gracias a Maximiliano Thous, un asturiano periodista, escritor, dramaturgo y político nacionalista valenciano bastante radical. Thous se convirtió en toda una figura pública de la sociedad valenciana. En 1923 funda la PACE: Producciones Artísticas Cinematográficas Españolas, donde empieza haciendo adaptaciones de zarzuelas tanto ajenas como propias. Sus películas son muy caras y no resultan rentables pese a su éxito. Entre 1923 y 1926 se centra en realizar cortos documentales, documentales que ensalzan las instituciones valencianas y sus labores. Destacan sus adaptaciones de zarzuelas realizadas en la PACE La fiesta de las muñecas (1916), El milagro de las flores (1918), La bruja (1923), La Dolores (1924), La alegría del batallón (1924), Nit d'albaes (1925) y Moros y Cristianos (1926). Sus películas de ficción tienen éxito porque intenta crear un star system valenciano copiando el cine clásico americano, como es el caso de la actriz Anita Giner.

ALEJANDRO PÉREZ LUJIN

Era escritor y se metió a cineasta. Adaptó su novela La casa de la Troya (1924) y se planteó la primera superproducción del cine español. Realizó una película planteada con gran presupuesto, sin escatimar en medios: actores, decorados, vestuario, localizaciones, etc. La película tuvo un gran éxito, recuperó el dinero invertido y tuvo ganancias.

BENITO PEROJO

Es unos de los cineastas más importantes de los años 20 y de la República, junto a Florián Rey, con el que trabaja en el extranjero, algo muy positivo para ellos porque conocen como funciona la industria cinematográfica en países como Alemania, Francia, Estados Unidos o Argentina, y traen sus técnicas.

Benito Perojo nace en el seno de una familia culta y adinerada. Estudia en Inglaterra ingeniería eléctrica y vuelve a España donde se inicia como actor cómico al estilo de Mack Sennet. Como actor crea un personaje llamado “Peladilla”, personaje cómico al estilo de Charlot que le otorgó gran fama y con el cual interpretó y dirigió varios cortometrajes. Luego se pasará a la dirección, convirtiéndose en uno de los directores más importantes de los años 20 y 30. Entre sus películas destaca Malvaloca (1927), El negro que tenía el alma blanca (1927) de la que hace otra versión en 1934, El hombre que se reía del amor (1927), La verbena de la Paloma (1935), Suspiros de España (1938) y Marianela (1940) premio en el Festival de Venecia.

Benito Perojo puede ser considerado como uno de los padres del cine español, responsable de varias de las características fundacionales de éste, entre las que destacan el gusto por las adaptaciones literarias y el frecuente uso de temas relacionados con el folclore patrio. Perojo cultivó todas las ramas del arte cinematográfico, pues se le puede hallar en los créditos desempeñando funciones de actor, director y productor.

EL HOMBRE QUE TENÍA EL ALMA BLANCA, Benito Perojo, 1927

Un pobre y viejo actor tiene como único deseo en la vida que su joven hija (Concha Piqué) con gran talento en el baile, llegue a ser famosa. La chica lo conseguirá gracias a un famoso bailarín negro de origen esclavo, educado en el seno de una familia blanca acomodada de Cuba, que decide viajar a París donde es descubierto por una bailarina famosa y donde triunfa. La chica con prejuicios raciales en principio no quiere bailar con él, pero al darse cuenta de que es lo que se desea su padre lo hace. Tras pasar tiempo juntos bailando como compañeros, la chica se da cuenta de que pese al color de su compañero es una buena persona, y lo quiere como un amigo o hermano, aunque el bailarín siente algo más por ella y se lo hace saber a su padre, quien a su vez se lo dice a su hija. La chica en un principio acepta casarse con él, pero sigue teniendo prejuicios raciales y finalmente lo rechaza.

El argumento está inspirado en la novela homónima de Alberto Insúa (1922). El negro que tenía el alma blanca es una historia de pasión, desengaño, poder, desilusión. El tema es el conflicto de un hombre negro con un alma blanca, con toda la simbología que la palabra entraña: no sólo heredero de toda la tradición cultural del hombre blanco, sino poseedor de un corazón noble, un alma limpia bajo una piel negra, en una sociedad llena de prejuicios. El tema del negrismo cobra una dimensión trascendental; la cuestión que subyace es la pregunta existencial: ¿qué es un hombre, su cuerpo o su alma?.

La película es un melodrama musical. Está protagonizada por Concha Piqué, a la que doblan en las escenas de baile. La película destaca por su calidad. La música es Charleston. El director de fotografía y el responsable de los efectos especiales es Segundo de Chomón. Destaca una escena nocturna en la que la chica y su padre salen del teatro, porque parece sacada del cine expresionista alemán de entre guerras. Emplea el montaje alternado, que contrasta las dos clases sociales. La pesadilla de la chica es un despliegue de imaginación de Segundo de Chomón: emplea una lente deformante de la cara del actor para dar continuidad al cartel, emplea una imagen relantizada, sobreimpresiones, desdoblamientos, etc. El negro está asociado a lo salvaje y a la bestialidad del gorila. La pesadilla es una escena de contenido erótico. Hay un flashback en el que el actor negro vuelve a su infancia y juventud. Realiza un gran despliegue de medios. Aparece un efecto especial de una botella de champagne en cuyo fondo se refleja el pasado de la chica y su padre. El cabaret es de estilo art déco. En las escenas de baile se emplea un plano general fijo, como en el teatro. Destaca un truco en el que se ve el reflejo del baile de los protagonistas en unos anteojos. Mientras bailan hay una imagen relantizada, a cámara lenta, que nos permite ver la calidad de los movimientos. En la playa aparece un número musical de bailarinas que será muy típico en los musicales de Hollywood.

No tiene un final feliz porque se muere él. La novela tuvo tanto éxito que escribió otra llamada La secuela del Peter Wall. La fobia de la protagonista por la raza y el color tiene una raíz sexual. En la novela se habla de drogas y sexo. Se dice que Ginette tiene muestras evidentes de haber tomado droga. Se habla también de que su mayordoma estudia libros para blanquear la piel y refinar los contornos de la nariz y reducir sus labios. En el baile hace una descripción con alusiones sexuales. Tanto la novela como el libro estaban planteados para luchar contra el racismo.

NEMESIO SOBREVILA

Considerado uno de los mejores cineastas españoles por la crítica pero sus películas nunca llegaron a estrenarse. Fue arquitecto, inventor aficionado, guionista y además director. Realizó Al Hollywood madrileño, en 1927, película que nunca llegó a estrenarse. En ella realiza una parodia de todos los géneros clásicos del cine americano. Realiza una crítica al monopolio de Hollywood. La película fue exhibida en privado en 1927, después quedó varada durante algunos años entre pases restringidos, remontajes de lo rodado, etc. Finalmente en el año 1929 se cambia el título por Lo más español, que finalmente se eliminaría y se utilizaría el del principio, pero tampoco se estrenó, debido al desinterés de los distribuidores. A Nemesio Sobrevila le acompañaría siempre el calificativo de “cineasta maldito”

EL SEXTO SENTIDO, Nemesio Sobrevila, 1929

La joven bailarina Carmen está enamorada de Carlos, y ambos forman una bonita pareja llena de optimismo; sin embargo el amigo de Carlos y su novia son muy pesimistas. Tras una tarde de Picnic, Carlos le regala a Carmen un anillo que ésta tiene que empeñar para satisfacer el deseo de su padre de ir a los toros. Encima Carmen llega tarde a los ensayos y el director de la compañía intenta aprovecharse de ella y al negarse, es despedida. Carlos, por su parte, preocupado por el estado de ánimo de su amigo, le recomienda que visite la consulta del pintoresco doctor Kamus. Una vez allí, el doctor Kamus le muestra su último invento al que denomina el sexto sentido, un ojo extrahumano que resulta ser un cinematógrafo. El doctor Kamus, le muestra al amigo de Carlos unas imágenes de Carmen, pero al estar mal montadas, las interpreta como una traición hacia su amigo, y éste va contárselo enseguida. Entonces ambos van a visitar otra vez al doctor Kamus, que se encuentra en un estado físico deplorable debido a la paliza que le ha dado su mujer. Juntos ven las imágenes, y todo se arregla al darse cuenta que el presunto amante es en realidad el padre de la chica.

Esta película tampoco se estrenó, pese a sus innegables virtudes, fue un fracaso. Tiene un 10% de cine de vanguardia y un 90% de cine. La película fue rodada con un bajísimo presupuesto. Tiene una función metalingüística, el cine dentro del cine. Realmente se ve como el montaje cinematográfico puede manipular la realidad. La película habla de las propiedades terapéuticas del cine. Uso musicológico del montaje y tratamiento pictórico del encuadre.

FLORIAN REY

Nació en Aragón. Comenzó la carrera de derecho pero no la terminó. Se dedicó a escribir y luego fue actor de teatro, para posteriormente pasarse al cine. Se convirtió en un actor muy famoso y después se pasó a la dirección. Fue uno de los directores más representativos del cine realizado durante la Segunda República. De entre su filmografía de los años 20 destaca El Lazarillo de Tormes (1925), La Revoltosa (1925) o La Aldea Maldita (1929 - 30). Trabajó con la actriz Imperio Argentina, quien luego será su pareja sentimental. Ambos trabajaron juntos en 14 películas. De su filmografía de los años 30 destacan películas como La morena clara (1936), Carmen (1938), La canción de Aixa (1938) o Nobleza Baturra (1935).

LA ALDEA MALDITA, Florián Rey, 1929 - 30

La pequeña aldea de Luján, en Castilla, llamada por la prensa “la aldea maldita” ha vuelto a perder por tercer año consecutivo las cosechas, y sus habitantes tienen que marchar a otras regiones para poder sobrevivir, incluida la familia que se presenta al principio: el abuelo Martín, su hijo Juan Castilla (labrador) y su esposa Acacia, y el hijo de ambos. Ante la desgracia de perder las cosechas, la gente actúa de un modo extraño: el usurero, el tío Lucas, tiene la despensa llena y provoca la envidia de Juan. Su esposa, Acacia, huye con la vecina Magdalena. Tres años después, y ya en Segovia, Juan vive con su padre Martín y con su hijo, y ha logrado una posición desahogada trabajando de capataz en una finca. Un día descubre a su esposa en el reservado de una taberna y la obliga a volver a casa para salvar las apariencias hasta que muera su padre, pero le prohíbe tocar a su hijo. Cuando el dueño de la finca se entera de Juan vive con una mujer la obliga a echarla, pero éste se niega hasta que no muera su padre. En cuanto el abuelo Martín muere, Juan echa a Acacia, pese a las inclemencias del tiempo, y ésta enferma física y mentalmente. Al poco tiempo, Juan es reclamado por Lucas, y le conduce a la casa donde vivía en Luján, donde encuentra a Acacia meciéndose en una mecedora y cantando una nana a un niño imaginario. Juan le dice a su hijo que vaya a besar a su madre, y Lucas reconoce en Juan la capacidad de perdonar a su esposa, que mejora al ver a su hijo y esposo.

La Aldea maldita parte de un proyecto de 1925. En 1927, Florián Rey vio una película soviética, La aldea del pecado, que le hizo replantearse el proyecto. En la época fue considerada cine independiente, porque tras ser rechazado por diversas productoras, el dinero, 22.000 pesetas, salió del director y del actor principal, Pedro Larrañaga, para así poder trabajar con mayor libertad. En 1930 se realiza un pase privado, y un amigo de Pedro Larrañaga recién llegado de Cuba le ofreció a Florián Rey correr con todos los gastos para convertirla en una película sonora y parlante. Entonces decide irse a Francia, donde se encontraban los mejores laboratorios. En los estudios Tobis realizaron escenas nuevas con diálogos, con sonido y música. La película se estrenó en París con un éxito sin precedentes, estando un año en cartelera. En diciembre de 1930 se estrenó en España, donde el éxito fue muy moderado. La versión sonorizada no se ha conservado, pero si conservó la primera versión, la estrenada en marzo de 1930. Posteriormente esta versión se sonorizó, pero no con la música original sino con la banda sonora de José Nieto. Una escritora húngara hizo una novela utilizando las fotografías de la película. La película conquistó pronto el elogio que muchos críticos.

Queda patente el dominio de montaje como elemento de narración. Sin duda es la mejor película de Florián Rey. En el montaje los planos aparentemente se encadenan de forma simple y lineal, escueta, casi tosca. Las elipsis se utilizan con una gran pertinencia, y los planos suelen adjetivarse por contigüidad, deduciéndose de ellos una presentación de los problemas desde varios puntos de vista. Uno de los recursos que maneja el director con mayor habilidad es la transgresión de las salidas y entradas de campo más convencionales, haciendo que los personajes se encaminen directamente a la cámara, y que sirve para subraya la violencia de algunas reacciones o para visualizar la ruptura de los convencionalismos sociales por parte del personaje implicado. La interpretación no es nada enfática ni teatral, es muy moderna.

El director de fotografía fue Alberto Arroyo. En las primeras escenas hay mucha influencia del expresionismo alemán, por los bruscos cambios de luz entre unos planos y otros. También se distorsiona la imagen y se juega con la luz para exteriorizar los sentimientos humanos. Después la concepción del personaje del abuelo con una capa como si se tratara de un vampiro, queriéndole dar un aire siniestro. Por otra parte se hace muy patente en algunas secuencias el buen conocimiento del cine alemán, sobre todo la influencia de Murnau y su Nosferatu, como cuando, se proyecta en la pared, la sombra, de la mano del abuelo sobre el niño en el momento que lo va a coger o, la de Juan, cuando se cierne sobre Acacia.

La película es una denuncia de la situación económica y social del campesino español. La temática está influenciada por el cine soviético, aunque es este caso no se pretende cambiar nada. Luego este tema se convierte en secundario. Se trata la religión de un modo que quiere demostrar el paganismo de la cristiandad, porque se reza a los santos, evocando a los espíritus, para pedir ayuda frente al granizo. Se cree en la paganidad de los elementos, que son vistos como el ser supremo. Por eso piensan que han hecho algún mal y han sido castigados por los elementos temporales.

La película esta llena de referencias pictóricas e históricas. Tiene una relación con la cultura de fin de siglo y sobre todo con la vertiente plástica y la evolución y cambios que a partir de ella se producen.

El pueblo es un símbolo de España, así todos se podían identificar, es como una imagen alegórica. El pueblo de la película es inventado pero se sabe que se filma en Segovia. Tal vez responda esto, al deseo de Florián, de que la gente se identifique más con la película, al no situarla en un lugar concreto. De esta forma generaliza la situación española. La villa se llama Luján y no existe. Aparecen una serie de elementos iconográficos que pueden ser reconocidos de forma consciente o inconsciente.

• En la secuencia del éxodo de las carretas, una mujer recoge un hilo e una rueca, como una Parca, aludiendo al destino del pueblo.

• En uno de los carromatos que se marchan del pueblo, un anciano campesino que se sujeta a las varas con los brazos abiertos aparece como crucificado.

• El contexto evangélico que sugiere el nombre de Magdalena se ve reforzado por el auténtico vía crucis que ha de pasar Acacia, que está a punto de ser lapidada como la adúltera bíblica.

• Gracias al montaje, la línea de las carretas que serpentea como un gusano entra en colisión conceptual con el plano siguiente, que nos muestra al tío Lucas, calificándole visualmente de “gusano” o “serpiente” inmediatamente antes de que su mala conciencia le lleve a perdonar a Juan.

En la segunda parte de la película se emplea un tono diferente porque se centra más en el drama personal de los protagonistas. Es en este momento en el que aparece un segundo tema o subtema: la cuestión del honor castellano. Este honor lo corrobora el abuelo, cuando se marcha Acacia, que le advierte que se lleva con ella un peso muy grande. El abuelo es el máximo defensor del honor, y después está su hijo Juan, que considera el honor por encima del amor y de la vida. La férrea defensa del honor es la que trae desgracias en la vida de los protagonistas sobretodo para Acacia que termina loca y obsesionada por los niños al ser privada de su hijo, por haber faltado al honor de la familia. En conclusión, el director nos quiere dar su visión peyorativa del honor tan arraigado en la España de aquella época. Y como solución de este honor tan exagerado propone el perdón. El perdón ya aparece en la primera parte de la película, cuando Lucas perdona a Juan y lo deja salir de la cárcel para que vuelva con su familia. Este mismo personaje, Lucas, será quien le proponga (al final de la película) a Juan, que haga lo mismo con su mujer. El director acentúa la ceguera de la sociedad, por defender el honor, utilizando una metáfora, ya que el abuelo es un hombre ciego. Esto también esta relacionado con la modernidad, y el consecuente despojo, de los ideales antiguos, recalcado, por los juguetes del niño, como el avión (marca las diferencias generacionales). Ambas partes se asientan sobre un trabajo fílmico que las hace homogéneas.

La segunda versión de La Aldea maldita es la del año 1940, realizada por el mismo director. Hay muchas diferencias entre esta, y la muda, ya no solo porque se le añade el sonido sino porque el realismo de la primera versión contrasta con la artificialidad de la segunda. La otra diferencia es la situación social, muy bien plasmada en la primera, a diferencia de la segunda. Donde ya la misma ropa deja mucho que pensar porque se tratan, de vestidos regionales. Podemos pensar que la segunda película refleja más una visión folclórica que una denuncia social. En la última película se ve más arraigado el catolicismo que en la primera y a la cuestión del honor se le añade el orgullo, todo esto relacionado con el contexto histórico.

LA TRANCISION DEL CINE MUDO AL CINE SONORO

El cine siempre ha sido sonoro. Los años finales de la década de los 20 son un puente hacia el cine con sonido de los años 30. El sonido al principio podía ser con sonido no sincronizado o con sonido sincronizado. Hay varios tipos de sonido:

• El sonido directo: es el primer sistema de sonido que se comercializó en el cine. Es el sonido del momento de la grabación, como por ejemplo, un piano o una orquesta, depende del presupuesto. Interpretaban música para acompañar las imágenes: que produzca una emoción o subraye unos momentos determinados, etc. También está la figura del comentador, charlatán, que explicaba la película, ponía la voz narradora, leía los títulos para la gente analfabeta y ponía diferentes voces a los personajes de las películas.

• El sonido grabado: Edison inventó el cronófono en 1902, un aparato que permitía ponerle voz a las películas de manera sincronizada. Eran discos de vinilo o grabaciones. El problema aparecía cuando el disco se rayaba o atascaba. El sonido puede ser discográfico u óptico:

• El sonido discográfico: en 1926, la productora Warner aplica el sonido discográfico mediante el sistema llamado Vitaphone. El sonido se graba en discos de cera y luego se sincroniza con la imagen. Comienzan realizando cortos. Ese mismo año se filma y se comercializa el primer largometraje con este sistema, la película de aventuras Don Juan, de Alan Crosland. Tenía un sonido musical analógico, no tenía grabado ningún diálogo, había intertítulos. En 1927 se estrena El Cantor de Jazz, de Alan Crosland, producida por la Warner. Esta película tuvo mucho éxito, tuvo un gran apoyo mediático. Impactó debido a los diálogos (sonoros) que contenía. Fue interpretada por un famoso cantante de la época. A partir de 1927, todos dejan el sonido directo para pasarse al grabado. El problema es que había que solventar la sincronización.

• El sonido óptico: el problema de la sincronización se soluciona gracias al sonido óptico. El sonido va incluido dentro de la misma cinta de la película. Si el sonido se enganchaba se enganchaba también la imagen. ambos están sincronizados. Este sistema, llamado Movietone, lo lleva a cabo la Fox.

En España se realizaba cine con sonido en directo en las salas. Pero había opciones para grabar el sonido de manera sincronizada:

• Los cineastas se marchaban a estudios extranjeros para grabar de forma simultánea la imagen y el sonido.

• Intentar sincronizar el sonido en estudios extranjeros tras grabar la imagen previamente.

• Se marchan a Estados Unidos y hacen dobles versiones. La misma película se realiza en Inglés o Italiano, por ejemplo. Esto lo hacían directores autóctonos. A los actores principales se les cambiaba por otros que conocían el idioma. Al resto de actores secundarios se les obligaba a memorizar los diálogos.

FRANCISCO ELÍAS

Francisco Elías comenzó trabajando en el cine en París, rotulando películas mudas. Con la I Guerra Mundial España pierde la ocasión de incorporarse al mundo del cine y haber llenado el hueco del cine francés y el resto de Europa, pero no tenía atisbo de industria, no había la suficiente confianza para invertir en el cine, además de que no se producía cinta virgen. Francisco Elías marcha a Estados Unidos donde funda una empresa de intertítulos, la cual se viene abajo con la llegada del cine sonoro. Elías vuelve a España donde intenta rodar una película, El misterio de la Puerta del sol, que fue un fracaso. Entonces regresa a París. Al estallar la Guerra Civil, Elías es director de las obras cinematográficas realizadas en la Generalidad Catalana, y tras perder la guerra emigra a México donde realiza cine comercial y de poca calidad producido por compañías cinematográficas mexicanas. Elías realiza 8 películas. En los años 50 vuelve a España pero no tiene éxito como cineasta y se dedica a la producción.

EL MISTERIO DE LA PUERTA DEL SOL, Francisco Elías, 1929

Dos amigos deciden ser actores y acudir a una audición para una película, pero en el casting los rechazan por no ser caras conocidas. Entonces deciden hacer algo que los convierta en famosos, fingir la muerte de uno de ellos de manos del otro. Ambos acuerdan que el “asesinado” viaje una temporada para que sea más creíble y cuando las cosas se pongan feas para el acusado, vuelva para aclararlo todo. El “asesinado” vuelve pasado un tiempo, pero lo asesinan en un cabaret cuando se reencuentra con su antigua novia que ya está con otro. El “asesino” va a ser condenado a morir en el garrote vil, y no hay nadie que pueda salvarlo, excepto la ex novia de su amigo y su asesino, que al final deciden echarle una mano y contar toda la verdad de lo sucedido. Pero llegarán tarde. De repente el “asesino” se despierta, había sido todo un sueño, se encontraba aún en el casting.

La película fue restaurada en el año 1996. Emplea el vitaphone. Es la primera película hablada en español realizada en el mundo. Resultaba caro producir películas con sonido óptico porque se tenían que adaptar los cines a este tipo de películas. Esta película es una comedia mediocre, híbrida, con escenas con sonido y escenas mudas acompañadas de intertítulos. Utilizaban dos cámaras. En buena parte de la película no se oye nada, pero se justifica por el hecho de que la película comienza con la imagen de unos estudios donde aparece el cartel de “silencio”. El ruido molesta a la hora de escuchar los diálogos. Aparecen sincronizados sonidos de escenas de la vida cotidiana y se hacen referencias a algunos temas candentes de la actualidad de la época, con todo esto se intenta camuflar las deficiencias técnicas y expresivas derivadas del raquítico presupuesto, captar el interés de los espectadores y cosechar un importante éxito económico que nunca llegó. La película destaca por la fusión de canciones, episodios cómicos, referencias a la actualidad cinematográfica y social, novedosas imágenes aéreas de Madrid, etc.

En Alemania, aparece en 1930 la primera película con sonido sincronizado, El ángel azul, protagonizada por Marlen Dietrich. Es más perfecta que la anterior. Aparecen sonidos analógicos, ruidos, se crea una atmósfera sonora que nos ayuda a localizarnos mejor. En ella empezamos a escuchar sonido analógico, es decir ruidos. Empieza la película sin diálogos, con un silencio que se ve interrumpido por el silbido del profesor. La escena más importante, se centra en la clase donde se encuentra el profesor con sus alumnos, dando importancia a la cuestión sonora. A los niños y niñas que se encuentran en el patio se les oye cantar cuando la ventana de la clase está abierta. Esto es sonido acusmático, es decir, el sonido que oímos procede de algo que se encuentra fuera de la escena o campo visual. Hay un uso inteligente del sonido.

En Estados Unidos apenas hay un movimiento de las cámaras debido a su peso. Las películas están repletas de canciones y ruidos, pero hay cineastas que tienen otro propósito, y saben usar el sonido con fines científicos. La mayoría de estos cineastas, eran europeos.

En las Luces de la ciudad de Charles Chaplin, el personaje no habla, pero no es una película muda, porque tiene sonido. Sin embargo, otros personajes, como los políticos que están inaugurando el monumento, si tienen voz, pero esta distorsionada. En otra escena, nos hace hablar ya de la existencia de una banda sonora. Es en el momento en el que Chaplin está con la muchacha de las flores, en ese instante se oye la canción de La violetera, y se escuchan una serie de pausas y ritmos distintos, dándonos a entender que la música no-solo acompaña a la película, sino que marca la acción del personaje e incluso el estado anímico. Aparecen gags audiovisuales, por ejemplo cuando suena el himno, que todo se detiene. La música participa de la acción, le acompaña en el momento en que está frente al escaparate.

En 1932 F. Elías funda los estudios Orphed, estudios que permiten la filmación de películas con sonido óptico.

ESENCIA DE VERBENA, Ernesto Jiménez Caballero, 1929

Ramón Gómez de la Serua es el narrador y autor del texto. Emplea un montaje vanguardista. “El Orador” no está perfectamente sincronizado, por ello puede ser que Phonofilm (sonido óptico patentado por Lee Forest en 1923) no llegara triunfar. Tenía el error de que leía el sonido. Había doce fotogramas antes de la imagen correspondiente, por ello fue rechazado.

Prim, película dirigida por José Buchs en 1930, es una película filmada con sonido discográfico. Hay un uso político del cine, establece un paralelismo entre las diferentes figuras históricas.

4. EL CINE DE LA SEGUNDA REPÚBLICA

En 1931 Primo de Rivera dimite y caen los Borbones, que tienen que huir a Italia, y surge la Segunda República. La Segunda República está dividida entre el Bienio Liberal (1931 - 33), el Bienio Restaurador (1934 - 36 y el Frente Popular (1936, dura unos pocos meses). Los primeros bienios son opuestos totalmente:

• El Bienio Liberal es un gobierno de izquierdas, hay una coalición. Realiza varias reformas agrarias, hay una lucha contra el caciquismo, la Iglesia pierde mucho poder. Aumenta el nivel social y económico de los trabajadores. Se producen una serie de enfrentamientos en el año 1933, se realizan unas elecciones y ganan los de derechas.

• El Bienio Restaurador es un gobierno de derechas, una coalición entre el CEDA, la FALANGE y las JONS. En 1934 se fundan la FALANGE y las JONS. Durante este bienio se intentan deshacer muchos de los proyectos realizados durante el Bienio Liberal. Se producen varios levantamientos y en 1936 se vuelven a hacer elecciones, donde ganan otra vez los de izquierdas.

• El Frente Popular, vuelve a ser de izquierdas, pero gobiernan durante un periodo muy corto. Se producen una serie de conflictos: persecución de los miembros de la iglesia, asesinatos, atentados, etc. hay un levantamiento de las tropas en el norte de África y comienza la Guerra Civil.

Durante la Segunda República mejora el estado social de los trabajadores, lo que repercute en su tiempo de ocio. La gente tiene más dinero y pueden ir más al cine. Los historiadores del cine idealizan el cine republicano. Dicen que seguramente, si no se hubiera producido la Guerra Civil que el cine español estaría más o menos al mismo nivel que el resto de cinematografías.

En 1931 se celebra el I Congreso hispanoamericano de Cinematografía. Se intenta llegar a una serie de soluciones para mejorar la calidad y fortalecer el cine hispanoamericano. Hay una búsqueda del proteccionismo por parte del Estado, pero no se consigue.

Florián Rey y Benito Perojo seguirán siendo los grandes directores en esta época. También aparece la figura de Luis Buñuel y de Edgar Neville. Como productoras destacan CIFESA, que surge en los años 30 y que se hace poderosa en los años 40, gracias entre otras cosas al star system o sistema de estrellas, y FILMOFONO, que llegara a codirigir Buñuel. Aparece la segunda directora del cine español, Rosario Pi, que dirigió dos películas El Gato Montés (1935), que es la adaptación de una opereta y Molinos de viento (1937), adaptación de una zarzuela. Además de directora fue productora.

LA CENSURA

La censura ha existido siempre. La censura es un control institucional que sufren todas las películas antes de estrenarse. Una serie de inspectores controlan el contenido moral e ideológico de todas las películas. Entre 1912 - 13 la censura ya funcionaba. A partir de 1933, cuando los de derechas están en el poder, se incrementa la censura. No existen unas leyes concretas, la censura es arbitraria, depende del censor y su mentalidad. Se prohibieron películas como Las Hurdes de Buñuel (1932) o El diablo es mujer protagonizada por Marlen Dietrich.

LUIS BUÑUEL

Nació en Calanda y era hijo de unos indianos. Estudió en un colegio de jesuitas, lo cual le influyó mucho posteriormente. A los 17 años se marcha a Madrid a estudiar Ingeniería agraria y entra en una famosa residencia de estudiantes, una especie de colegio a la inglesa, con una educación innovadora y muy libre. En esta residencia conoce a Dalí y a muchos de los escritores de la Generación del 27 como a Lorca. Era muy buen estudiante pero empezó a darse cuenta de que su carrera no le gustaba. Así pues, se cambia y comienza a estudiar letras. En 1925 realiza su primer viaje a Francia, donde empieza escribiendo artículos de crítica de cine. Pronto hace migas con John Epstein y termina trabajando para él como extra e incluso repartiendo café.

Tras la experiencia en Francia se plantea la idea de hacer una película con Dalí, Un perro andaluz, realizada 1928. La producción de esta película es española (la subvencionó su madre) aunque los actores y actrices son franceses. Por eso tal vez cabe plantearse si es una película española o francesa. Esta película fue acogida por los surrealistas, que acogieron a Buñuel y Dalí en su grupo, liderado por André Bretón. La película fue considerada agresiva y provocadora. El ejemplo de esto, lo tenemos en una de sus escenas, que fue considerada, la mas impactante del cine español. En esta escena, se secciona el ojo a una muchacha y utiliza el montaje alternado, porque mientras la nube corta la luna, el ojo de la muchacha es seccionado. El director está atentando de manera directa contra el espectador, porque con este sentido se ve el cine. En 1930 realizó otra película surrealista titulada La Edad de oro, que fue sufragada por capital francés (un noble y su esposa). Esta película fue un escándalo porque durante su estreno un grupo de fascistas irrumpió en la sala de cine y la boicoteó. En consecuencia y como protesta de estos actos, se proclama el segundo manifiesto surrealista del 1930. Pero por culpa de lo sucedido la película quedó censurada y se prohibió su visión en Francia. Ese mismo año produce otra titulada La sangre del poeta.

La Metro Goldwen Meyer le ofrece un contrato de seis meses como director. Después Buñuel regresa a España y entre 1931 - 1936 viaja de España a Francia en varias ocasiones. En 1932 realiza Las Hurdes, tierra sin pan que será estrenada en el 1933. Su obra la desarrolla sobretodo en Francia y en México. En 1948 adopta la nacionalidad mexicana, así que deja de ser un cineasta español. Hace cine durante el periodo republicano.

LAS HURDES, TIERRA SIN PAN, Luis Buñuel, 1932

Es un retrato muy crudo de la España de aquel tiempo. Tal vez por eso, en 1933 cuando se estreno la película, el partido de derechas que estaba en el poder en ese momento la prohibió. En 1936 al ganar de nuevo partido de izquierdas se permitió su visualización, Para luego durante el franquismo volverse a prohibir.

Esta película es un documental que da testimonio de la vida de los habitantes de las Hurdes. Está basada en la novela de Maurice Legendre titulada Las Hurdes.

Este film no tiene nada de surrealismo, ya que se trata de un documental antropológico. Existe una neutralidad de los personajes y de las escenas. Por otra parte plantea detalles científicos como la explicación del mosquito (en un riguroso análisis) causante de la enfermedad muy peligrosa que azota al pueblo. Está relacionado con la pasión que Buñuel siente por los insectos. En una de las escenas se ve como se ha manipulado la realidad, ya que sale humo de un extremo de la imagen. Se trata del disparo que Buñuel le propicio a una cabra para que dicha cabra se despeñara, algo necesario para ceñirse a la explicación de la escena. La intención de la película es la denuncia de la pobreza y no hay en ella objetividad.

FLORIAN REY

NOBLEZA BATURRA, 1935

Película interpretada por Imperio Argentina. Aparecen otros importantes actores como Manuel Luna (el pretendiente) o Juan de Orduña (el enamorado de Pilar). Imperio Argentina, era entonces la mujer de Florián Rey, por eso muchas de las películas de Florián Rey fueron protagonizadas por ella.

Es una comedia casi musical, cuyo argumento trata de un enfrentamiento entre dos agricultores y ganaderos por los límites de las tierras. Si no fuera porque es una película rodada en España, concretamente en Aragón, podría tratarse perfectamente de un Western. Einrich Gaertner el fotógrafo de esta película, es uno de los mejores en esta época.

5. LA PRODUCCIÓN DURANTE LA GUERRA CIVIL ESPAÑOLA Y EL CINE ESPAÑOL EN EL EXILIO

La Guerra Civil española, fue la antesala de la II Guerra Mundial. Fue una especie de campo de laboratorio previo, donde se experimentó con el armamento. En ella participan los mismos bandos que en la II Guerra Mundial, con los fascistas participaron los alemanes e italianos, y con los republicanos participaron los rusos, franceses, etc. formando lo que se llamaron las Brigadas Internacionales.

Durante la Guerra Civil se realizan pocas películas, debido a la falta de presupuesto, ya que la mayoría de dinero se destinaba a armamento y víveres. Pese a que el cine suele ser una actividad de ocio, en esta época se convierte en un arma, un instrumento político. Poco a poco se produce el desmantelamiento de la industria cinematográfica española. Hay una dispersión o desaparición de los profesionales del cine, tanto directores y técnicos como actores, que o bien participan activamente en la guerra luchando en alguno de los bandos, o se exilian, son asesinados o apresados. Los pocos que se quedan en España continúan realizando cine, pero muy diferente al realizado hasta entonces.

Se potencia el documental, como arma propagandística muy directa. El documental es muy retórico y adquiere elementos de las películas de ficción. Es muy poco objetivo, porque se distingue perfectamente a qué bando pertenece o a favor de que bando está el director.

El cine de ficción sufre una carestía de medios, tiene menos presupuesto lo que se refleja en un peor equipo y una peor calidad. Las películas son más baratas y se ofrece una sensación de pobreza. Cuando estas películas de ficción son de tema bélico, en muchas ocasiones se emplean imágenes reales de archivo. Muchas películas de ficción son de evasión, no tratan el tema bélico directamente, pero si indirectamente.

Se produce un convenio entre CIFESA y UFA, una productora alemana. Ambas juntan sus medios para crear HISPANO FILM PRODUCTION BERLÍN. El equipo español viajaba a Berlín donde la UFA tenía sus estudios. El equipo técnico y los medios eran alemanes, y el director y los actores eran españoles. Destacan películas de Florián Rey como Carmen de Triana y La canción de Aixa (1938) protagonizadas por Imperio Argentina, o de Benito Perojo como El barbero de Sevilla, Suspiros de Espala y Mariquilla Terremoto (1938), protagonizadas por Estrellita Castro.

SUSPIROS DE ESPAÑA, Benito Perojo, 1938

Película rodada en Berlín. Los interiores son realizados en estudios y los exteriores se realizan por medio de retroproyecciones, en el fondo pasan imágenes de archivo de España y los protagonistas pasean por delante.

CINE REALIZADO DURANTE LA GUERRA CIVIL: BANDO REPUBLICANO

Las películas que han sido consideradas más importantes de este bando son España 1936 o España en armas de Jean Paul Le Chanois, realizada en 1937 y en la que Buñuel participa de montador; The Spanish Earth realizada por John Ivens en 1937, o Sierra de Teruel/L' espoir/Man's hope de André Malraux de 1939. Todas ellas fueron filmadas por directores extranjeros durante el conflicto bélico.

El bando republicano conservaba la infraestructura de la industria cinematográfica, ya que las tres capitales cinematográficas españolas, Madrid, Valencia y Barcelona, se encontraban en territorio republicano. Desde 1936 el gobierno republicano impone una censura que vigila la ideología política de las películas realizadas en su territorio. La productora más importante en estos momentos es LAYA. Hay una importancia documental sobre las películas de ficción. Hay una heterogeneidad, igual que el bando republicano, que está dividido en grupos: socialistas, comunistas y anarquistas. Hay tres tipos de producción dentro del cine republicano:

• Anarquista: depende de las gestiones y la dirección de la CNT. Buscan el tema de la lucha antifascista. Intentan difundir la idea de a revolución social.

• Marxista: son los comunistas y socialistas. El tema principal es la lucha antifascista e intentan potenciar el film popular.

• Grupo gubernamental: es el gobierno central y autonómico. Al igual que los otros tratan el tema de la lucha antifascista, y tienen en común con los marxistas presentar a los enemigos como un invasor extranjero.

SIERRA DE TERUEL, André Malraux, 1939

Realizada por el grupo gubernamental. El director y parte del equipo técnico es extranjero. André Malraux participó era un intelectual, cineasta y escritor, que participó activamente en la Guerra Civil. Al ser derribado en varias ocasiones, el gobierno republicano, le otorgó un puesto administrativo, se convirtió en una especie de embajador. Le encarga películas que patrocinen al bando republicano. Malraux era antifascista, y fue en dos ocasiones ministro de cultura francés. En su segundo mandato (1959 - 69) realiza una práctica proteccionista del cine francés, práctica que servirá de modelo para España.

Esta película se convirtió en la película más cara del bando republicano. Está basada en un capítulo de la novela de Malraux La Esperanza, realizada en 1937. Es una película de propaganda del bando republicano.

CINE REALIZADO DURANTE LA GUERRA CIVIL: BANDO NACIONAL

El bando rebelde o nacional tenía carencia de infraestructuras cinematográficas, lo cual le imposibilita la tarea de realizar cine. Hay una ayuda industrial extranjera. Lo países de ideología afín a la fascista: Alemania, Italia y Portugal, ceden sus estudios y equipo técnico para la realización de películas. El bando nacional acaba tomando las capitales del cine: Madrid, Barcelona y Valencia. Realizan un cine compacto y homogéneo, no hay fisuras como aparentemente ocurre en el bando republicano. Destaca una película documental, España heroica, de Joaquín Reig, realizada en 1937. Supone el mayor esfuerzo de este bando, es una película de gran calidad. Justifica el alzamiento contra la República. Es una obra de gran calidad artística. Se emplea material de archivo, incluso imágenes tomadas del bando republicano. Los franquistas roban una serie de películas republicanas que salían del país hacia Rusia, y cambian la narración y su sentido. España heroica es una coproducción hispano - alemana, de HISPANO FILM PRODUCTION BERLÍN.

EL FRANQUISMO

Concluye la Guerra Civil y cambia el régimen, pasa a ser de una República a ser la dictadura del Generalísimo Franco. El franquismo dura casi 4 décadas (1939 - 75). Los cambios de gobierno hacen que Franco se mantenga tanto tiempo en el poder. España se proclamó neutral en la II Guerra Mundial, pero participó de forma indirecta por medio de propaganda, material y un grupo de voluntarios, la División Azul, que colaboró con los alemanes e italianos. Tras concluir la guerra, España quedó al margen de Europa. En 1946 la ONU condena el régimen franquista y todos los embajadores se retiran de España, quedándose España aislada. No puede depender de ningún país extranjero y no recibe ayudas de USA tras la II Guerra Mundial para ser reconstruida.

Tras la Guerra Civil se inicia la Posguerra. España está dividida. Los republicanos están en campos de concentración. Se impone la cartilla de racionamiento. Es una etapa muy dura que no se refleja para nada en el cine. En la Posguerra hay una especie de espíritu de cruzada anticomunista. La Iglesia se pone del lado del bando rebelde, y durante el franquismo cobra mucha importancia, teniendo un monopolio en la educación.

Durante esta época se crea el NO - DO, noticiarios y documentales españoles. La prehistoria del NO - DO se inicia en la Guerra Civil. En 1938 el Noticiario Español es creado por el Departamento Nacional de Cinematografía del Bando rebelde. En 1942, durante el Franquismo, se crea el NO - DO, noticiario que monopolizó las noticias audiovisuales en España desde 1943 hasta 1975. Fuerza propagandística. Era de carácter más sutil y menos agresivo que el Noticiario Español. El NO - DO legitimiza el franquismo y exalta la figura de Franco. La imagen de Franco cambia hacia los años 60, dando una imagen más tierna y humana de cara a Europa y el resto del mundo. Hasta 1975 si se quería ver una película en el cine, se tenía que ver antes el NO - DO.

DISTINTOS NO - DO'S DE 1943

Se realiza una presentación del NO -DO, de la función que va a tener y luego aparecen varios reportajes que hablan sobre la vida durante el Franquismo. Se combinan noticias anecdóticas con propaganda directa para ensalzar el movimiento, al caudillo. Desde el punto de vista ideológico inciden sobre la valoración del No-Do:

• Mitogenético: quería crear mitos. No solo ofrece una visión idealizada. Hay unas fechas que aparecen. Todos los aniversarios de Primo de Rivera, primero de abril, 18 de julio (alzamiento)…se hacían especiales.

• El Escorial: la Visión perenne de una España eterna, imperial que no cambia.

• Lenguaje grandilocuente muy propio de la época.

• Dicción sobreactuada.

• Uso de un castellano estándar.

JOSÉ LUIS SAENZ DE HEREDIA

Saénz de Heredia era primo de Primo de Rivera y era de la Falange. Se había iniciado en el cine bajo las órdenes de Buñuel, en los años 30. Buñuel y él eran muy amigos aunque tenían ideologías distintas. Hasta que dirige Raza no era un director destacado. A partir de Raza se convertirá en el director del régimen, ya que a Franco le gustó el resultado.

RAZA, José Luis Saenz de Heredia

No es una obra maestra desde el punto de vista artístico, pero la película es el máximo exponente de lo que Franco quería que fuera el cine español después de la Guerra Civil. La película refleja el pensamiento de Franco, ya que está basada en una novela de Franco, que firma bajo su pseudónimo Jaime de Andrade. Objetivo político: legitimar el alzamiento contra la República y el Rey y el bando vencedor. De esta película salen parte del Star System español, como Alfredo Mayo que se especializa en los papeles militares, José Nieto que se convirtió en uno de los mejores secundarios del cine español y trabajó en producciones extranjeras al saber hablar inglés o Ana Mariscal (tercera cineasta española). Tiene datos biográficos de Franco y su familia. Es una síntesis sobre la visión de la Guerra Civil del bando franquista.

Es muy interesante por muchos aspectos. Ha pasado de ser una película emblemática a una película maldita por los temas y la forma de tratarlos, y por la ideología de sus creadores. Raza es la única película en el mundo propuesta por un dictador. Franco escribió la novela, lo cual le da interés a la película, porque nos ayuda a explicar mejor su posicionamiento.

Existen dos versiones de Raza, la que vimos y la de Espíritu de una raza, 1950. Diferencias:

• La versión original es más larga porque en la segunda faltan escenas, cortes muy interesantes. Se eliminan alusiones a los masones al inicio de la guerra, se alude indirectamente a EEUU (Cuba y Filipinas) porque España está aislada y quiere abrirse al exterior y ser aceptada.

• Se producen también cambios para hacer la película más comercial: doblaron la voz del actor principal (Alfredo Mayo).

Cuestiones interesantes:

• Aspecto técnico: lo más interesante es la fotografía. El director de fotografía es Heinrich Ghertner. La secuencia más hermosa es la del fusilamiento de los monjes (desde que inician la salida de noche hasta el fusilamiento). Se filma la noche de verdad y los planos son muy bonitos, el reflejo del agua, etc.

• El montaje es bastante hábil. Sigue la estructura clásica (presentación-nudo-desenlace).

La película se puede dividir en:

• Historia: infancia y muerte del padre en la armada.

• Vida y desarrollo de los hermanos, sobretodo José y el hermano. Desde pequeños ya se sabe quine será el facha y quien el rojo (pajarillo, dinero, morir con honor).

• Vida de los hermanos adultos: Pedro y José.

• Conclusión de la película. Se precipita por la secuencia de montaje. Nos bombardea con información: aceleración del montaje, sonidos… Se nos resume el final muy rápido, con un metraje clásico hubiese durado más. Introducción de imágenes del desfile donde vemos incluso a Franco. Desfile apoteósico: José con su “Dios” (Franco). Si no se monta bien puede liar al espectador. Además vemos flashbacks y vemos como Pedro se redime.

Ideología: maniqueísmo de los personajes: Fachas y rojos.

Desde el punto de vista formal siguen los parámetros clásicos: el malo es moreno y con bigote con los rasgos muy afilados (Pedro). El bueno es Alfredo Mayo, que se convirtió en modelo para la retratística de militares. Se convirtió en el prototipo de militar valiente, atractivo… Interesa resaltar el patriotismo sublime del personaje español a través de este hombre.

No es una película que pueda destacar por los decorados, pero en la primera parte los decorados intentan simular el fin del s. XIX. El que se encarga de los decorados es Siegfred Burmann (hace Locura de amor).

Es una película bélica, tiene un trasfondo melodramático. Integra tres géneros distintos que tendrán éxito en los años 40: Bélico, Histórico y Religioso. Porque en el fondo los 3 legitimarán o justificarán el nuevo régimen. El religioso porque la Iglesia consideró la Guerra Civil como una cruzada contra los comunistas.

Heredia decía que el material que rodaba en un día, se lo llevaba un motorista al Pardo para que Franco lo revisase. La película gustó a Franco y se propuso como película modélica. Entonces el control fue total.

Aspectos autobiográficos: Heredia se centrea en un tema racial. La raza española distinta al resto del mundo. Manuel Aznar (asesor): continuidad histórica del pueblo español (familia y referencia a la batalla de Trafalgar). España ha existido siempre. España unida al destino en lo Universal (Franco).

José es Franco, héroe de la película. Físicamente no tienen nada que ver. Franco se idealiza a sí mismo proyectando su ego sublimado. José es un nombre español por excelencia. El padre de José es el padre de Franco pero con imagen idealizada. A José en el fusilamiento le dan por muerto y sobrevive. A Franco en África también le dieron por muerto y luego estaba vivo. El padre aparece como un héroe (afán por la gloria casi obsesiva). El padre de Franco no fue así. En la película es un oficial de la marina y en realidad era naviego pero civil y tenía fama de borracho. Ideológicamente tampoco eran afines. Muestra ideológicamente como le gustaría que su padre fuese. Pedro sería Ramón Franco. Uno de los mejores pilotos españoles, pero era masón. Era hermano de Franco y eso le dolía al General. Pedro se reúne con su familia y se redime de todo.

6. LA DÉCADA DE LOS 40. LA EDAD DE ORO DE CIFESA

En 1941 se impone como obligatoriedad el doblaje de todas las películas extranjeras al español. La idea era defender la lengua española sobre cualquier otra. Fue una idea desastrosa desde el punto de vista industrial.

CIFESA ha sido la productora más importante del Cine español. La empresa fue creada en 1932, por Trenor y el Conde de Moralera, con el nombre de Compañía Industrial Film Española S.A. (CIFESA) y al principio era una compañía humilde. Es una productora valenciana, se observa es su logotipo, el Micalet de Valencia, pero las películas se filmaban en Madrid. La familia Casanova toma el control de la productora al año siguiente de su creación. Va creciendo poco a poco desde su creación hasta finales de los años 30. En la década de los años 30 su producción se centra en películas de carácter regionalista como La verbena de la Paloma o Nobleza Baturra. En los años 40 se centra en otros géneros. La idea del Gobierno Franquista era evitar la “españolada”.

CIFESA fue la única productora que consiguió abrir un mercado extranjero, en Sudamérica y Europa, en países como Francia, Alemania, Holanda o el Marruecos Francés. Consigue que la industria cinematográfica española adquiera estabilidad.

RAFAEL GIL

Es el director más destacado que trabaja para CIFESA. Madrileño nacido en 1913, se convertirá en uno de los mejores directores del cine español. Antes de ser cineasta fue crítico cinematográfico, y trabajó para revistas y periódicos como el ABC. Poseía una idea clara de lo que era el cine y su historia, lo que se refleja de forma positiva en su obra. En 1933 forma parte de la creación de la asociación GECI (Grupo de Escritores Cinematográficos independientes), una especie de cineclub formado por escritores que fueran todo lo contrario a la mayoría de los críticos de la época que eran una especie de agentes publicitarios, que promocionaban más que opinar sobre la película. En 1936 Rafael Gil publica Luz del Cinema, libro ensayo que contiene el manifiesto del GECI.

Rafael Gil tiene varias etapas cinematográficas. Durante la República realiza documentales para la República como Soldados campesinos o Resistencia en Levante. Durante la Guerra Civil se cambia de bando, como muchos otros, realizando documentales para los rebeldes o bando nacionalista, como Flechas o La corrida de la victoria. En los años 40 realiza cine de ficción, de gran variedad, y donde le influye mucho la comedia americana realizada por gente como Frank Capra o King Vidor. Destacará por realizar una de las mejores versiones del Quijote y hacer películas religiosas como La fe, La guerra de Dios o La duda.

EL CLAVO, Rafael Gil, 1944

Se intentó hacer de ella una especie de película programática, un modelo para el cine español, por parte de CIFESA y de Rafael Gil. Responde a un modelo de Cine Clásico. Se puede vincular con referentes americanos y británicos del cine clásico: recuerda a Rebeca de Hitchcok por el tipo de atmósfera y a Luz de gas de 1941. Dentro del cine español El Clavo resulta una película un poco insólita.

La fotografía es de Alfredo Fraile, discípulo del austriaco Enrique Gerner, que crea esa atmósfera expresionista de la película. Importancia de las sombras y los contrastes de claroscuro, característicos del cine policíaco. La luz materializa el estado de ánimo de los personajes. La fotografía deriva del cine alemán de entreguerras, el cine expresionista. El ayudante de dirección fue José Antonio Nieves Conde, que en la década siguiente se convertirá en uno de los referentes del cine español como director. Eduardo Marquina y Rafael Gil escribieron el guión de El Clavo, adaptando el relato corto de Pedro Antonio de Alarcón. La trama está basada en hechos reales. El guión destaca por la calidad de los diálogos. Algunas de las pocas críticas de la película en la época, acusan a la película de ser demasiado dependiente de la novela. Aunque hay varios cambios:

• El texto se ambienta en Andalucía y la película en Castilla.

• En la novela la chica es ejecutada pero en la película se la condena a cadena perpetua. La chica se salva porque la productora pensaba que si moría la película no funcionaría. Es una película clásica donde el final tiene que ser feliz, el “happy end”. El problema es que la chica es una asesina y tampoco se le puede dejar escapar, ya que la censura demanda que un culpable debe pagar su delito. Se realiza un final compensatorio. La película se acomoda a la realidad vigente en 1944 en España. Las leyes vigentes de la España franquista no hubieran permitido indultar a una asesina. No es un final feliz al 100%.

• Pedro Antonio de Alarcón era un escritor romántico de ideal liberal. La película elimina la carga revolucionaria que la chica tiene en la novela.

• En la novela hay una presencia de datos concretos históricos, pero en la película no. Se sabe que se ambienta en el s. XIX pero nada más.

Verosimilitud, está bien ambientada. El chico es el modelo ideal del hombre de la época. Hay una dualidad constante:

• Comienza siendo un melodrama romántico y justo a mitad de la película pasa a ser un género policíaco. Es un híbrido de géneros.

• El personaje de Blanca también es doble, ya que es Blanca y a media película nos enteramos de que es Grabriela.

• En el juez también hay una dualidad, porque es el juez pero también la víctima, al enterase de que su amada es la asesina.

La película destaca por la focalización (perspectiva desde donde se narra la historia): la primera parte de la película está focalizada hacia el juez, sólo sabemos lo que ha vivido el juez. La segunda parte emplea una focalización 0, una perspectiva neutra, general, salvo el momento del juicio en el que se inicia un flashback relatado por Blanca. El cambio de focalización está hecho con el propósito de que no se sepa la verdad hasta el final. El guión está muy bien concebido. El flashback es fundamental para que los espectadores se pongan del lado de la asesina.

La sensación general al ver la película es de homogeneidad. La continuidad da la homogeneidad. La atmósfera de misterio creada por la fotografía a lo largo de toda la película; los personajes secundarios tienen en común que son todos cómicos frente a la seriedad de los protagonistas, los gags están protagonizados por los personajes secundarios; la Banda Sonora también es un elemento de continuidad, ya que El vals de las flores aparece 3 veces a lo largo de toda la película: el vals es una metáfora sonora de la pasión que siente el juez por Blanca.

La película fue un éxito. Fue declarada “Película de interés nacional” por el Gobierno, por la exaltación de los principios morales y políticos y los valores nacionales de la España franquista, lo cual fue un modo de promocionar la película. Consiguió 15 licencias de importación: con una licencia se podía distribuir una película extranjera en España y conseguir todos los beneficios, para con ellos realizar 15 películas en España gratis.

EL HOMBRE QUE SE QUISO MATAR, Rafael Gil, 1941

Está basada en las películas de Frank Capra y Harold Lloyd. Fue el primer éxito de Rafael Gil. En su primera versión la protagonizó Antonio Casal. Hizo una segunda versión en 1971.

JUAN DE ORDUÑA

LOCURA DE AMOR, Juan de Orduña, 1948

Es el modelo de cine histórico dentro de la dictadura franquista. La película descubre a dos grandes actrices: Aurora Bautista, Juana la Loca, que se estrena como actriz de cine y Sara Montiel. Aurora Bautista realiza una interpretación exagerada, pero se convertirá en una gran estrella del cine franquista a partir de esta película. Aplica la misma técnica de interpretación en el cine que en el teatro. Fernando Rey, que hace de Felipe el Hermoso, se está haciendo famoso en estos momentos. Jorge Mistral ya es un gran actor. Aparecen los grandes secundarios del momento.

Es una superproducción que costó 4 millones de pesetas. Destacan los decorados realizados por Sigfrido. Son unos decorados muy bien hechos, que en ocasiones parecen reales, como los de la Catedral de Burgos. Los decorados ayudan a definir y diferenciar a los personajes y el lugar: Flandes, Castilla, etc. Castilla destaca por su sobriedad. Es una película xenófoba, los malos son los extranjeros: Felipe el Hermoso, el consejero, y los nacionales que se dejan influenciar por ellos. España está aislada en esos momentos y se quiere dar una versión del exterior negativa. Los musulmanes reciben mejor respeto en las películas históricas que los judíos.

Juan de Orduña sistematiza el género histórico gracias a esta película. Se falsea la historia. En Locura de amor hay una visión romántica e idealizada del pasado histórico. Se tiende a ofrecer una visión idealizada e ideológicamente interesada en el cine histórico de todo el mundo. La concepción de la historia es cíclica, la historia se repite, como una metáfora. En Locura de amor hay una equivalencia entre la España imperial y la España franquista. Se intentan legitimar las decisiones de la España franquista comparándolas con las acciones del pasado d grandes personajes. Se refleja una aversión hacia los políticos de la película: los políticos son los que conspiran en contra de Juana la Loca, igual que lo que ocurre en el franquismo.

El propio Juan de Orduña habla de hacer una película histórica con un 70 % de “apuntamiento de fantasía” y el resto realidad histórica, para que la película sea soportable. El último plano de la película reproduce al detalle el cuadro del pintor del s. XIX, Francisco Pradilla, es lo que se llama Tableau vivant. Esto se utiliza mucho en el cine y sobre todo en el género histórico. La intención es dar verosimilitud a la película, ya que una obra de arte tiene un mayor prestigio.

¡A MI LA LEGIÓN!, Juan de Orduña, 1942

Es una película conectada con el tipo de política del presente histórico. Alfredo Mayo y Luis Peña son los protagonistas. Desde hace unos años está recibiendo una nueva interpretación. La acción se desarrolla en Marruecos.Es interesante su argumento. Aspectos curiosos:

• Visión romántica de la guerra: militares españoles en suelo extranjero: Marruecos. Un año antes es cuando Franco manda a militares voluntarios de la División azul para ayudar a los nazis contra el frente ruso.

• Lo que en su momento se interpreta como una película bélica ahora se interpreta como una apología a la homosexualidad (Grajo y Mauro). El Grajo tiene novia. Cuando Mauro abandona la legión para aceptar el trono de su país para Grajo deja de tener sentido todo y solo es feliz cuando está con él. Al final consigue que abdique del trono y se lo trae a España.

EDGAR NEVILLE (1899-1967)

Se sale de lo ordinario. Edgar era Conde de Berlanga del Duero. Trabajó la mayor parte de su vida como diplomático. Puede que sea el cineasta más culto. Hizo tres carreras (derecho, diplomacia y Filosofía y letras). Fue diplomado en África. Era políglota y un genio polifacético. Hizo de todo: fue guionista, periodista, humanista, espía, etc. Al acabar la guerra empieza a sentirse desencantado por el giro que toma la nación. Pensó que se instauraría otro régimen. A partir de ahí se desvincula de la política. Trabaja en La codorniz, estaba muy vinculado con la Generación del 97. El impacto de La codorniz vino por el contexto, es un humor surrealista. En su día no tuvo apoyo académico, gubernamental, económico, etc. Desde hace 20 años se está revalorizando su carrera.

Sus películas tratan temas distintos, y destacan El malvado carabel (1935), Hace una revisión de Señorita Trévelez (1936), Frente de Madrid (1940), La Torre de los siete jorobados (1944), La vida en un hilo (1945) o Duende y misterio del flamenco (1952), uno de los documentales más respetuosos de flamenco que ganó un premio en Cannes.

En los años 30 surgió un problema importante. El cine norteamericano está ganando importancia. Con el sonido sincronizado no se les había ocurrido la idea de doblar y filmaban la película varias veces. Neville trabajó en EEUU para hacer traducciones de los diálogos. Fue amigo de Charles Chaplin, Duglas Ferbanks, etc.

LA TORRE DE LOS SIETE JOROBADOS, Edgar Neville, 1944

Tiene unos referentes muy curiosos. Es una adaptación de la novela de Emilio Carrere. El prólogo está escrito por uno de los mejores especialistas del género, Jesús Palacios. Emilio fue un novelista totalmente bohemio, con una vida totalmente extravagante. Nunca entregaba a tiempo los encargos. La novela sobre la que se adapta la película es una reconstrucción de otra de sus novelas. El editor contrata a un 2º escritor: Capital Sirius o Jesús de Bragón para finalizar la novela inconclusa. Emilio hace una última revisión y unifica el estilo literario. Jesús Palacios consigue distinguir los textos de cada uno, algo realmente meritorio.

La película, simplifica la novela pero se centra en la comicidad, en el sentido del humor y casi se olvida del ocultismo de la historia. La novela habla de astrología (de ciencias esotéricas), satanismos, sectas, viajes astrales, hipnotismo, etc. todo un tratado de ocultismo, espiritismo, magia, etc. La película prescinde de la base filosófica de la novela. Porque en la obra de Edgar Neville prima la integridad de lo fantástico con la comicidad con una descripción costumbrista. Influye notablemente en Alex de la Iglesia, sobre todo en lo que respecta a la crítica social, el sentido del humor y el cine fantástico. Alex de la Iglesia dice que sus películas son hijas directas de La torre de los siete jorobados.

Es un caso insólito, no se tenía tradición del género de ficción ni de terror (que ahora “está de moda”), hasta los 60-70 cuando surgen directores y actores que se convierten en grandes estrellas y hacen películas de culto, aunque son malas. Es deudora del cine de la Universal.

Podemos ver en la novela gótica, El castillo de Trento, de Orase Wincpole (1764), una referencia literaria para la película. El referente cinematográfico es el cine expresionista alemán a través del cine norteamericano de la Universal (productora que se especializa en el cine de terror). Destaca la fotografía de Enrique Barreyre que crea grandes contrastes de luces y sombras para crear la atmósfera fantástica. No es solo cine fantástico. Podemos hablar de mixtura y también tenemos comedia.

Entre 1940-75 los personajes más conocidos en los cómics españoles son Roberto Alcázar y Pedrín y el Guerrero del antifaz. Una de sus aventuras se titula El torreón de los jorobados con elementos de la novela y de la película. Es otro de los legados que ha tenido la película.

El actor principal es Antonio Casal. Sale también Félix de Pomes y su hija Isabel de Pomes, que en la película hace de sobrina.

La parada de los monstruos, es una obra maestra del género fantástico en la que vemos similitudes. Fue censurada por una referencia a los masones y porque los censores no querían que fuese de género fantástico. Edgar Neville convence a los censores y al final no se da una explicación racional de los hechos.

7. LOS AÑOS 50

La década de los 50 supuso un cambio a nivel sociopolítico y también económico en España. El panorama internacional cambia: estamos en plena Guerra Fría, periodo bastante largo y penoso del que se han hecho bastantes películas. El comunismo era el enemigo. EE UU se acerca a España, que consigue de nuevo integrarse y retirar sus sanciones, con consecuencias económicas positivas, consigue ayudas internacionales norteamericanas y divisas, pues muchos españoles emigraban a Francia y Alemania a trabajar. El turismo es una segunda entrada de divisas. El gobierno de Franco sigue sufriendo crisis y empieza el gobierno del Opus Dei, tecnócrata.

JOSE ANTONIO NIEVES CONDE

José Antonio Nieves Conde nació en Segovia y era de la Falange. Progresivamente se fue desligando del régimen. En principio fue crítico de cine, lo cual hace que tenga una conciencia histórica del cine, y trabajó en publicaciones como el diario Pueblo. A partir de 1942 empieza a escribir guiones. Entre 1942 - 45 fue ayudante de dirección de Rafael Gil, en películas como El Clavo. Esta experiencia es su mejor escuela, además de su bagaje cultural. En 1946 despega como cineasta realizando películas como Senda ignorada (1947), Balarasa (1950) protagonizada por Fernando Fernán Gómez, Surcos (1951), Los peces rojos (1955) o El inquilino (1957). Fue muy censurado debido al contenido social de sus películas. Murió en 2004.

SURCOS, José Antonio Nieves Conde, 1951

La película supone el punto de inflexión del cine franquista. A partir de esta película se originan varios caminos. Se comienza a hablar de cine moderno. Es inspiradora de las Conversaciones de Salamanca, acto de toma de conciencia del cine español. Supone una revisión histórica del cine.

Esta película es la primera película moderna de la historia del cine español. Desde finales de la II Guerra Mundial se empieza a imponer el cine moderno frente al cine clásico, que dura hasta finales de los años 50, aunque ya existen películas con características modernas antes de la II Guerra Mundial. El nuevo modelo de cine se inicia en Italia con el Neorrealismo, en Francia con la Nouvelle Vague o en Inglaterra con el Free Cinema hacia los años 50.

La película tiene influencias neorrealistas. Es una película muy crítica, habla de la prostitución, el gangsterismo, la emigración, el paro, la búsqueda de trabajo, etc. Estos temas trajeron consecuencias, porque fue la primera vez que se trataron.

Los guionistas son Natividad Zaro, Gonzalo Torrente Ballester y José Antonio Nieves Conde, falangistas desencantados. Su intención es despertar la conciencia de los espectadores. Los personajes hablan las jergas del Madrid de la época, en especial del Barrio de Lavapiés, el más castizo de todos.

En 1951 se crea el Ministerio de Información y Turismo del que depende el cine, dirigido por Arias Navarro (1951 - 62). El ministro nombra a José María García Escudero director de cinematografía. Al gobierno franquista le interesa dar una imagen abierta y más tolerante, pero controlando la censura. A José María García Escudero le interesaba renovar el cine español, e intentó premiar a Surcos como película de Interés Nacional, pero hubo represalias y enfrentamientos entre los miembros del gobierno. Surcos competía con Alba de América, película de género histórico que hablaba sobre Cristóbal Colón y el descubrimiento de América y los Reyes Católicos; una película que sigue el modelo clásico e idealiza el periodo histórico en que se basa. García Escudero se negó a dárselo a Alba de América, y el gobierno le obligó a dimitir en su cargo. Aún así, Surcos fue nombrada película de Interés Nacional.

Es la primera película española de cine negro: crítica social y política unida, personajes con personalidad ambigua y ambigüedad moral, gángsteres, mafia, etc. El género negro deriva de la novela negra. Es un género muy realista. Se inspira en el cine negro francés y americano, en la literatura hispana y en la pintura crítica como Goya. Hay gente que la remite a La aldea maldita.

Destaca la influencia Neorrealista de la película. El cine clásico italiano era el de Mussolini y el neorrealismo se opone a este cine. En el cine clásico italiano se hacen películas históricas y Mussolini buscaba idealizarse comparándose con los héroes del pasado. Con el neorrealismo quieren “poner los puntos sobre las íes” y mostrar los problemas que están sufriendo en Italia (desempleo, fascismo, presencia nazi, etc.). Surcos intenta seguir el mismo camino y ofrecer problemas que se están viviendo en España, saca todo aquello que los españoles no querían reconocer.

También hay vinculaciones con el cine soviético desde el punto de vista técnico, sobre todo en la concepción del montaje, concentrado en escenas concretas e importantes. La mejor secuencia es cuando el padre encuentra trabajo en una fábrica. En ella se ha utilizado el montaje soviético desprovisto de la ideología soviética. Los soviéticos aplicaban el montaje de forma científica para poner al espectador a favor de la revolución. Surcos emplea el montaje soviético desde un punto de vista expresionista. Esta secuencia pretende mostrar la angustia del trabajo en la fábrica. Intenta dar la sensación de mareo y angustia que está padeciendo el personaje por medio del montaje de choque, con una sucesión de planos que se van acelerando al ritmo de los golpes, además están inclinados (tensión, mareo). La música potencia esa angustia del momento. La imagen, el sonido y la música exteriorizan un sentimiento interno del personaje.

Modernidad en el tratamiento de la estética sonora. La secuencia en la que el padre está trabajando en la fábrica no tiene diálogos, sólo sonido analógico. Hay un ataque al vococentrismo (bajar el sonido o música para que se escuche la voz humana). Suenan los ruidos naturales y al final la música se potencia. En muchas escenas de la película no se escuchan bien los diálogos debido al sonido de fondo. Todos los sonidos tienen la misma importancia. Esto ocurre por primera vez en la Nouvelle Vague francesa. Hay diálogos que no se entienden porque a los cineastas no les interesa. Ese efecto realista es moderno.

La temática de la película es variada: trata éxodo rural que está sufriendo la España franquista en esos años con la esperanza de mejorar su nivel de vida y enviar dinero a sus familiares, sobretodo gente joven. Esto va unido a la incapacidad de las ciudades para acoger a esta población inmigrante. A partir de este problema surgen el desempleo, el estraperlo, el contrabando, el gangsterismo, la violencia y la prostitución, que se trata de una forma delicada.

En final fue modificado por la censura, la hija no se iba con los padres se quedaba en Madrid, como prostituta.

Existe un egoísmo personal de todos, no son una piña. La unión del principio desaparece cuando llegan a la ciudad. La ciudad es mala y el campo es bueno. Las dos únicas personas que se salvan son el padre y el hijo pequeño que huye porque se ve avergonzado. El hijo mayor acaba muy mal.

El Neorrealismo se cita en la película. En España llega un poco tarde. No fue bien visto al principio por su crítica e ideología. En España no se pueden ver películas neorrealistas hasta 1951, justo cuando se hace esta película. En esta fecha se realizó la I Semana de Cine Neorrealista Italiano y en 1953 la II Semana de Cine Neorrealista Italiano. José Antonio Nieves Conde había visto suficiente cine neorrealista para hacer la película. Intentos por hacer un cine social y pudo realizar pocos proyectos. Asume una posición autocrítica. Se quedó descontento con los resultados. Sirvió de inspiración a cineastas del nuevo cine español.

CINE ESPAÑOL DE LOS AÑOS 50

En 1952 se sustituye la Junta Superior de Orientación Cinematográfica por la Junta de Calificación y Censura como organismo censor. El gobierno franquista sigue controlando la producción.

Se hacen coproducciones con países extranjeros como Italia, Francia, Bélgica, países latinoamericanos, etc. La ventaja de las coproducciones es que España es un lugar ideal para la filmación de películas por el sol (en Estados Unidos, Hollywood tiene el mismo clima) y la economía, es más barato rodar en España por el bajo nivel de vida de esta época. A los extras no se les pagaba sueldo, se les daba un bocadillo.

Los géneros de moda en los 40, como el histórico desaparecen. Destacan géneros como el musical folklórico o la comedia, y empiezan a tener importancia el fútbol y los toros. El género policiaco empieza a hacerse de forma asidua. Y otro género importante será el cine con niño, que tendrá importancia en los 60 y 70, con actores como Joselito o Marisol. Todo comienza con Marcelino Pan y Vino. Pablito Calvo, fue el niño más famoso del cine español.

Las 5 películas más taquilleras de los años 50 son:

• El último cuplé, de Juan de Orduña, protagonizada por Sara Montiel, estuvo 365 días en cartel.

• La violetera, de Luis César Amadori y protagonizada por Sara Montiel.

• ¿Dónde vas Alfonso XII?, de Luis César Amadori.

• Marcelino Pan y Vino, de Laszlo Vajda, 1954.

• Tarde de Toros, de Laszlo Vajda, 1956.

LASZLO VAJDA (1906 - 1965)

Nació en Hungría. Fue un cineasta muy cosmopolita. Desarrolló su carrera en Hungría, Alemania, Francia, Reino Unido y España, donde llega en 1954. En España gozó de un gran éxito comercial y crítico.

Fue pionero del cine con niño en Marcelino Pan y Vino, género que repite con otras películas. Convierte a Pablito Calvo en una estrella y en uno de sus colaboradores más asiduos junto con Heinrich Gaertner, director de fotografía. Pablito Calvo trabaja con Vadja en Doña Francisquita, Camas de orcas, Tardes de toros, Mi tío Jacinto o Un ángel pasó por Brooklyn.

Se convirtió un director tan importante que recibió la orden de Isabel la Católica.

MARCELINO PAN Y VINO, Laszlo Vajda, 1954

Fue una de las películas más populares de su época, y en los últimos años ha sido atacada y tiene mala fama.

Marcelino Pan y Vino, es una de las películas emblemáticas de lo que se llamó el Nacional - Catolicismo. Es una de las mejores películas del cine religioso que intentó hacer el Franquismo. El halo del Nacional - Catolicismo en principio benefició a la película pero a partir de la democracia ha perjudicado a la película, y la opinión de la crítica y el público es peyorativa.

Consiguió un enorme éxito crítico y comercial fuera de España. Ganó varios premios y menciones en festivales tan prestigiosos como el de Berlín o Cannes. Consiguió el primer premio del Sindicato Nacional del Espectáculo (2.400.000 pesetas). Recaudó bastante dinero y fue declarada Película de Interés Nacional.

Inaugura un nuevo género del cine español: “el cine con niño”, que continuará con películas protagonizadas por Joselito, Marisol, Rocío Durcal, etc. herederos del modelo que impone esta película pero ninguna de sus películas ofrece tanta calidad como Marcelino Pan y Vino. El protagonismo absoluto recae sobre un personaje infantil, el problema es que cuando los niños crecieron el género se agotó. La voz de Marcelino la dobla una mujer, porque el niño tenía 4 años.

Los guionistas son Lazlo Vajda y José Mª Sánchez Silva, realizan una adaptación de un cuento de José Mª Sánchez Silva.

La película tiene una gran calidad. Es una obra maestra del cine español. Destaca la fotografía, que es una de las mejores fotografiadas en blanco y negro del cine español. El director de fotografía fue Heinrich Gaertner, gran maestro de los directores de fotografía españoles.

La película tiene un planteamiento curioso. En lo personajes secundarios vemos a actores ya consolidados y que hemos visto en otras películas: Isabel Pomés (madre de Manuel), el padre de Surcos (molinero), el hijo de Surcos (padre de la niña que se está muriendo), Fernando Rey (fraile que cuenta la historia), Rafael Ribelles (padre superior de la orden), Antonio Ferrandis (monje que apenas sale). Es un reparto de lujo.

La estructura de la película es complicada: comienza en el presente, luego hay un flashback (historia de Marcelino) y vuelve al presente.

Los temas que trata la película son:

• La asunción de la paternidad: constante temática en toda la obra de Laszlo Vajda. Se bifurca en dos variantes:

• La búsqueda de la paternidad de los frailes. Los frailes no pueden ser padres, pero todos asumen la función paterna de Marcelino. La adopción de Marcelino elimina la frustración de no poder ser padres, cada fraile asume una función. Todos se encariñan con el niño, al final incluso el Padre Superior.

• Búsqueda de una madre por parte de Marcelino. Marcelino ha sido abandonado y es huérfano. El niño se ve arropado por los monjes que hacen la función de padre, pero no pueden ser madre. Es la frustración de Marcelino. Destaca una escena en la que una mujer busca a su hijo (Manuel) que no aparece. A Marcelino le gustaría ser su hijo y tener una madre como ella. Crea su doble psicológico inventándose su amigo imaginario.

• Relaciones Iglesia- Estado: La Iglesia está representada por la orden de los franciscanos. Se intenta ofrecer la mejor imagen de la Iglesia cristiana. El estado lo representan los alcaldes: el alcalde bueno ayuda a los monjes y el malo intenta expulsarlos. Con esto sacamos en claro que si el Estado actúa con la Iglesia obrará bien, sino no.

• La mitología: el alcalde malo antes era un herrero. En la mitología germánica el herrero realiza las armas, conoce los metales (alquimia) y conoce el fuego (magia). La gente le respeta y le teme. Cuando la iglesia no ha podido asimilar una divinidad pagana lo ha demonizado.

• Aceptación de la muerte: la película es un cuento, un relato breve de tradición oral dirigida a los niños, con imágenes simbólicas que ayudan al niño de forma inconsciente a madurar. El cuento es narrado por el fraile a una niña que se está muriendo y a sus padres. Pretende ayudarles a aceptar la muerte. Es un tema muy duro tratado con mucha delicadeza. No es una película para llorar, es delicada, sobria, elegante y comedida. Lo importante no es que sea verdad o no, sino que se entienda. La Koimeisis es la dormición (como la Virgen), es una visión dulcificada de la muerte de Marcelino, que aparece sentado en una silla como dormido, en una visión de gloria. Es una muerte bonita, una visión dulcificada para que la niña del presente pierda el miedo a la muerte.

Destaca el fragmento en el que Marcelino desobedece a los frailes y sube al desván. Las escaleras simbolizan la subida a otra dimensión, al cielo, es como la escalera de Jacob. El desván está iluminado con luz expresionista, con claroscuros. Las guadañas que se guardan en el desván son una prefiguración de la muerte de Marcelino. Destaca el momento en que Marcelino le entrega al Cristo crucificado el pan, hay una continuidad del montaje, un juego de raccords, la mirada del niño está en contrapicado (de abajo a arriba) y la de Cristo en picado (de arriba abajo). Es una secuencia clave, que convierte a la película en cine fantástico, por la posibilidad del milagro. Se ve representada una hierofanta, presencia de lo sagrado, (referencia iconográfica de Cristo abrazando a san Francisco). La hierofanta viene marcada por la puesta en escena: cambia totalmente la iluminación (la luz es la divinidad, el bien). Dios se tiene que manifestar con luz y por eso cambia la iluminación. Cuando Cristo está crucificado vemos su rostro, es sólo un ídolo, y cuando se encarna sólo vemos su mano. Ofrece una visión metonímica. Es una mano muy bien elegida, muy bien fotografiada. Vemos a Marcelino en picado visto desde el punto de vista de Dios encarnado, Dios lo ve. No le vemos el rostro por señal de respeto. Después, al final se transforma en una hierogamia, habla con Dios. Él le dice que es muy bueno y que le concede un deseo. Él le contesta que quiere ir con su madre. Cuando los monjes descubren a Marcelino muerto el espacio desaparece, es blanco (precursor de Matrix). El niño ha conseguido el objetivo que tienen todos los místicos: conseguir una experiencia directa con Dios. Los niños pequeños son inocentes y puros. Es esto lo que le permite la conexión con Dios. La mejor forma de vivir la espiritualidad es la sencillez.

La música acompaña los movimientos de los personajes. Se emplea un recurso utilizado por los dibujos animados, creado por Disney, que subraya los movimientos de los personajes.

EL CEBO, Laszlo Vajda, 1958

El cebo es una película muy importante e interesante. Recientemente en EEUU se ha realizado un remake, The pledge, dirigida por Sean Penn. Tiene varios puntos en común con Marcelino Pan y vino.

• El protagonismo infantil.

• Búsqueda de la paternidad por parte de los niños.

• Presencia del universo legendario, del cuento. En Marcelino Pan y Vino un fraile le cuenta a una niña enferma un cuento, y El Cebo nos deja evidente en el argumento una versión de la caperucita roja (el lobo sería el asesino de las niñas, el policía el cazador, y la niña la caperucita).

• Presencia diegética a través de un cuento. Se utiliza la fantasía de los niños para interpretar realidades. En El Cebo lo vemos claro en el dibujo de la niña asesinada, que lleva al policía a seguir el rastro del asesino.

• Tratamiento elegante de uno o varios temas crudos, como la muerte de niños.

• La utilización de la violencia en la película pero de forma muy reprimida, así pues, no se muestra ni sangre ni heridas. El asesino de niños se nos muestra como una sombra y las manos crespadas por el nerviosismo. Se nos dosifica la aparición del asesino, como lo hacen directores como Hitchcock o Griffith, así aparece el suspense.

• Los niños solucionan el caso: en El Cebo, la niña asesinada dibuja al asesino, luego los niños dibujan la cabra de la matricula del coche, y los niños que pescan le dan la idea al policía de utilizar a la niña como cebo para atrapar al asesino.

Sorprende que una película de terror, en lugar de utilizar la fotografía expresionista, utilice la “High Key” (clave alta), tipo de iluminación opuesta a la expresionista. Es más naturalista, donde los contrastes apenas existen y predomina la luz sobre las partes oscuras. Es un rasgo de originalidad de la película. Suelen utilizar esta iluminación las comedias románticas. Destaca la fotografía del bosque que crea un espacio de terror, pero también onírico.

JUAN ANTONIO BARDEM

Nació en 1922 en Madrid dentro de una familia de tradición artística, sobretodo teatral y posteriormente cinematográfica, es hermano de Pilar Bardem y tío de Javier Bardem. Sus inicios como artista los realiza en el teatro. Estudió ingeniería agrónoma y sus primeras películas son t