Historia del Arte

Arte Prehistórico. Egipto. Mesopotamia. Grecia. Roma. Paleocristiano. Bizantino. Renacimiento. Manierismo. Barroco. Rococó. Neoclasicismo. Gótico. Prerrománico. Románico. Romanticismo. Impresionismo. Post-Impresionismo. Expresionismo. Fauvismo

  • Enviado por: Natalia Seron
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PREHISTORIA

Período de la existencia del hombre en que este no poseía escritura, por lo cual la única forma de traspasar su cultura era a través de la vía oral. Gracias a los descubrimientos Arqueológicos se pudo dividir este período en tres edades:

-Edad de Piedra

-Edad de Bronce

-Edad de Hierro

Cada una de estas edades tuvo una duración y características distintas, dependiendo de la evolución del pueblo y el lugar en que este se encuentre.

El primer período prehistórico se divide en dos Paleolítico ( piedra antigua) que se refiere a la piedra tallada que como material se ocupaba y Neolítico ( piedra nueva) se refiere a piedra pulida. Durante el paleolítico el hombre era cazador- recolector, de ahí su naturaleza nómade, luego en el neolítico comenzó a descubrir la agricultura, y se fue haciendo sedimentario. El bronce se comenzó a usar en distintas épocas y en distintas partes del mundo. Los objetos fabricados en bronce solían ocultarse en escondites secretos o enterrarse con los muertos debido al elevado valor del metal; es en estos lugares donde se han hallado la mayor parte de los utensilios de la edad del bronce encontrados hasta ahora. Lo mismo ocurrió con el hierro, se utilizaba para hacer utensilios de ornamentación y armas.

ARTE PREHISTORICO

Esta manifestación comienza con el hombre de Cromagnon que se llamó homo sapiens ( que tiene la capacidad de pensar y de aprender para saber). Esta creación artística es de carácter mágico, pues el hombre es incapaz de dar explicación “científica” a los fenómenos naturales, por lo tanto le da una explicación mágica.

Los objetos escultóricos conocidos más antiguos, tallados en marfil, asta, hueso o piedra, tienen entre 27.000 y 32.000 años de antigüedad. De los detritos (fragmentos rocosos) acumulados en los suelos de cuevas prehistóricas también se han extraído figurillas femeninas en piedra que enfatizan la representación de los órganos reproductores, los pechos y las nalgas. Se cree que representaban a diosas de la fertilidad y por ello se las llama Venus. Una de ellas, la llamada Venus de Willendorf (en la figura) (30.000-25.000 a.C), de formas muy abombadas a pesar de medir sólo 11,5 cm de altura, estaba pintada de color rojo. Esta estatua pertenece a la Edad de Piedra. También se conocen las Venus de Brassempoury y Lespuge, ambas de marfil .

Estatuillas de animales , sobre todo en la Europa Central y realizadas de Marfil. Son conocidas las de Vogelherd y las de Predmost. Las de mayor calidad se producen en el Magdaleniense IV y sirven para decorar amuletos y armas como el propulsor ( instrumento para mandar lejos las azagayas) de Mas d' Azil; el mago de puñal con el Reno trepador, de Laugerie Basse , o los renos de Bruniquel. En hueso destacan la Trucha y el bisonte, de Espeluges .

Bajo relieves y tallas en hueco para representar manadas de animales y la sprimeras representaciones humanas Hombre desnudo de Mas d'Azil , y una mujer entre las patas de un reno, en Les Eyziers.

Hacia el año 8000AC, el período neolítico, aparecen las esculturas más perfectas. Se manifiesta en algunas estatuillas con los caracteres femeninos muy acusados, que representan la Diosa Madre, y están hechas en placas de piedra o hueso con figuras geométricas grabadas. Los motivos religiosos y funerarios son muy evidentes en este período.

HISTORIA

GRANDES CIVILIZACIONES

EGIPTO ( 3300 aC- 400 dC)

ARTE EGIPCIO

Todas las manifestaciones artísticas estuvieron destinadas, básicamente, al servicio del Estado, la religión y el faraón, considerado como un dios sobre la Tierra. Los fenómenos climáticos y geográficos eran considerados regalos de los dioses. El arte quería ser un arte útil; no se hablaba de piezas u obras bellas, sino eficaces o eficientes. La naturaleza del país, desarrollado en torno al Nilo, que lo baña y fertiliza, junto al casi total aislamiento de influencias culturales exteriores, produjo un estilo artístico que apenas sufrió cambios a lo largo de sus más de 3.000 años de historia.

Escultura Reino Antiguo : En la época de Zoser (2737-2717 a.C.) se hicieron grandes estatuas de los faraones y gobernantes sobre las que debían reposar los espíritus que perpetuaran la memoria de los difuntos. Hieratismo, rigidez, formas cúbicas y frontalidad son las características esenciales de la escultura egipcia. El artista egipcio no buscaba la representación del movimiento. Los materiales utilizados fueron la piedra, la madera y, en menor proporción, el metal. En esta época se inventó el retrato de busto, como el que se le realizó al faraón Kefrén.

Otra obra muy conocida es la Paleta del Narmer que es un fragmento de pizarra tallado en bajorrelieve, que rememora la victoria del Alto sobre el Bajo Egipto. En la primera figura vemos al faraón Kefrén y en la segunda la paleta del faraón Namer.

Escultura Reino Medio : La escultura del Imperio Medio se caracteriza por su inclinación hacia el realismo. Las imágenes del faraón no se idealizan hasta el punto de convertirlo en dios. Vemos en la figura la Estatua del Faraón Amenemhet III

Escultura Imperio : Durante el Imperio la escultura alcanzó una nueva dimensión. La rigurosa y severa estilización del Imperio Antiguo y el áspero realismo del Imperio Medio fueron reemplazados por un estilo cortesano en el que se preocupaban más del presente y que no idealiza sus representaciones. Un ejemplo claro es la Estatua que se le hizo a Nefertitis con Ajnatón , esta estatua está hecha de piedra caliza (en la figura).

MESOPOTAMIA

El Arte escultórico de sumeros y caldeos giró en torno a las divinidades . Las esculturas sumerias hechas en piedra caliza reflejan el tipo racial del individuo de esa época: cabeza redonda y calva, nariz ganchuda , barba afeitada y grandes ojos; cuerpo macizo y bajo. Las piezas cumbres del período sumero sin las estatuas de Patesi Gudea, rey sacerdote ( hecha de alabastro) y la estela de Hamurabi (en la figura). En las estatuas estaban escritos textos cuneiformes arcaicos que permitieron reconstruir la historia del lugar. Una particularidad del arte sumerio era que en sus esculturas, empleaban betún en vez de

arganasa, un ejemplo de esta técnica es una cabeza tallada de alabastro, de una dama sumeria, esta posee un efecto naturalista en la mirada mediante la incrustación de pasta de betún. Se puede ver a través de los relieves encontrados que los sumeros utilizaban el arte para contar hechos históricos.

De Babilonia (2000 a 1000 AC) la más brillante manifestación escultórica que se conserva es el sirrush, relieve de monstruos hechos en cerámica esmaltada y vidriada, de colores rojo, blanco y amarillo sobre fondo azul. Piezas maestras de este arte están en la famosa puerta de Ishtar (en la figura) , que servía de entrada a Babilonia en la época del rey Nabucodonosor, lo que demuestra que la escultura estuvo subordinada a la arquitectura. El material usado principalmente fue la piedra como el usado en la estela conmemorativa de una victoria del monarca babilónico Naram-sim. Está labrada en caliza amarillenta y se halló en Susa, sus dimensiones son: 2m x 1.05 m.

La escultura asiria se caracteriza por tener una fuerza distinta a la de los otros pueblos. Figuras naturalistas, plenas de vida y de expresión. Los asirios elaboraron en relieve las cacerías de Asurbanipal (en la figura); una leona herida en el palacio de Nínive; los toros alados del palacio de Khorsabad, que son cuerpos de toros con cabezas humanas que representan la fuerza a través de la musculatura. También se encuentra una cabeza de Sargón. En los palacios sus figuras parecen servir de espantajo, o sea, de feroces porteros que vigilan las entradas.

Grecia

El artista del período arcaico era aristocrático ( X-V AC) y realizaba un arte destinado a un público selectivo: No cultivaban el desnudo femenino, pero sí el masculino, como los atletas del olimpiadas. En lo escultórico, el artista dedicaba gran parte de su tiempo a representar las formas según las proporciones que para él eran ideales (concepto de Canon). Trabajaban en mármol y el bronce. Las estatuas y los relieves eran generalmente, policromados. En los primeros tiempos se tallaron también estatuas de madera que eran muy veneradas por los griegos llamadas “Xoana”.De esta época arcaica son también las estatuas femeninas conocidas como “korai” y las masculinas denominadas “kuroi” que se prestaban vestidas y correspondían a concepciones jónicas. Los hombres van desnudos y las mujeres van vestidas. Todos son jóvenes y sonrientes. Tienen los pómulos altos, grandes ojos resaltados, pelo largo y cuidadosamente rizado. Están de pie, con el pie izquierdo adelante, concebidos para una visión frontal. Se observa una evolución entre las primeras estatuas y las últimas: éstas son más naturales y la tensión del movimiento es más perceptible.

En los últimos tiempos del arcaísmo aparecieron pequeñas figuras de bronce y las estelas funerarias. Estatua característica de esta época es “el Moscóforo” del siglo VII AC que sintetiza el carácter heroico de una época que divinizaba a los vencedores de las olimpiadas.

En los comienzos del siglo V hay dos obras que marcan la transición del arcaísmo escultórico del siglo VI al pleno dominio de la forma del siglo IV. Para ello, en 447, encomienda al escultor Fidias la construcción de un conjunto de sanctuarios sobre el Acrópolis para reemplazar un templo anteriormente destruido por el enemigo persa. El templo de Afaia construido en Egina hacia el 489 AC, presenta dos frontones con esculturas que representan las luchas de los pueblos egineta y troyano. En medio de los guerreros está Atenea con casco, escudo y lanza.

“Kuroi”

Las figuras muestran gran dinamismo. Hacia el año 452 se construye el templo del dios Zeus, en Olimpia, cuyos frontones son un paso importante hacia la perfección anatómica, aun cuando todavía se observan rasgos de arcaísmo. La fundición de bronce alcanza gran perfección en los principios del siglo V. Con este material se consiguieron verdaderas obras maestras como el “Auriga de Delfos” uno de los pocos bronces auténticos que se conservan en tamaño natural. El siglo V se caracteriza por la proporción, armonía y claridad de sus obras. Maestro en este trabajo fue Mirón De Elesiu, cuyas obras más celebradas son “Atenea y Marsias” y “el Discóbolo”. Tan célebre como este es Policleto cuya obra es muy reducida , pero excelentes: La más conocida es “El Doríforo” ( niño portando una lanza). El más famoso de esta época clásica es Fidias.

Su tallado más conocido es “Atenea Areia” construida de madera y mármol. Fidias fue el reconstructor de la Acrópolis, pero sólo se conserva la decoración escultórica del Pantenón donde destaca el gran friso (parte de una cornisa) que representa la procesión de Panateas (fiestas celebradas en honor a la diosa Minerva). También esculpió tres celebres imágenes de Atenea. Luego de él, siguieron otros artistas como Praxiteles. Una de sus obras fue el “Hermes de Olimpia”.Otro maestro del clasicismo griego fue Lisipo cuya obra fundamental es “Apoxiomeno”.La Escultura en la época helenística fue bajando la calidad hasta la decadencia.

ROMA

Para entender plenamente el arte romano, es necesario también conocer las obras de los etruscos, de ellos heredaron toda la religiosidad que rodeaba sus acciones y sus trabajos arquitectónicos.

Etruscos:

La civilización etrusca se distingue por poseer un carácter decididamente urbano. Podemos distinguir 3 períodos: Primitivo, Medio y Tardío. En los últimos decenios del S. VII impera una decidida escultura. Estaba antes subordinada a adornar las urnas en la región de Chusi, en esta misma ciudad se hicieron estatuillas femeninas de 1 m de altura. Destacan los bustos que se desprenden de bloques inarticulados de piedra.Las manos en el pecho hacen pensar en esfinges de mujeres difuntas, por lo tanto se deduce que son esculturas mas bien funerarias. Todas estas obras están ejecutadas en piedra caliza o en ninfro, especie de toba porosa, que se endurece en contacto con el aire. Otra novedad es la estela , piedra sepulcral cubierta de relieves , la más importante fue la Avle Feluske. En la época de los Tarquinos proliferan las estatuillas muchas de las cuales sirvieron de adorno. El motivo principal es el hombre, seguido de animales monstruos alados y figuras mitológicas. Importantes obras maestras de esta época son la “Loba Capitolina”, símbolo y arquetipo de la eterna Roma con artista anónimo. Vulca es el único artista etrusco cuyo nombre llegó a nosotros. Una obra de él es la extraordinaria cabeza de una Gorgana, modelada a mano. Los templos se adornaban con terracotas pintadas.

Entre los bronces los bronces del período final del arte etrusco figura “El Orador” estatua hecha cuando ya las ciudades etruscas habían caído en el poder de Roma.

Los romanos eran habilísimos fundidores. Algo más moderna y de carácter netamente romano es el busto broncíneo que identificaron con el de Lucius Junius Brutus. Se cree que hubo una ley que prohibía los retratos de personas importantes.

Los primeros retratos de funcionarios eran sólo bustos y estaban hechos de cera, con el tiempo fueron reemplazados por copias de bronce o mármol.

Esta manifestación se mantuvo hosca y bárbara casi durante toda la época republicana. Sólo en el S II AC comenzaron los patricios a importar estatuas. En Nápoles se formó una escuela local de escultura. Lo más curioso era que hacían imitaciones de obras arcaicas de la época, uno de los maestros Pasíteles, explicaban que para sus esculturas hacía modelos de barro y luego en mármol reproducía a sus discípulos.

Durante el Imperio Romano se representa sólo el busto del personaje, al que le va agregando cada vez más y más cuerpo. Bustos y esculturas del cuerpo entero del emperador Augusto se conservan en gran número. Entre la enorme cantidad de retratos imperiales están los de Tiberio, Calígula o Claudio. De la época de Marco Aurelio se conserva actualmente la única estatua ecuestre que nos ha legado la Antigüedad y que ha servido para centenares de monumentos modernos de todos los países del mundo.

A lo largo de todo el mundo romano las estatuas y relieves escultóricos adornaron los edificios públicos y privados. De hecho, algunas construcciones romanas fueron poco más que soportes monumentales para la escultura.

PALEOCRISTIANO Y BIZANTINO

El Arte Paleocristiano puede entenderse como una evolución del arte romano tardío. Sin embargo, la religión cristiana insufla un nuevo espíritu al arte y lo carga de símbolos. Esto motivará que este arte sea simple, estilizado, renunciando a la perspectiva y a la profundidad espacial, eliminando las proporciones y los rasgos del cuerpo humano para acentuar los aspectos religiosos. El fondo predomina sobre la forma y la expresividad vence a la estética. Al hablar de períodos dentro del arte paleocristiano, los especialistas hacen referencia a dos etapas: la primera alcanza desde el siglo II al 313, fecha del Edicto de Milán en el que se otorga libertad al cristianismo; y la segunda que abarca desde el 313 hasta el siglo VII.

La Escultura en el arte paleocristiano sitúa las figuras ante el fondo, frontalmente, sin profundidad. La composición se articula de un modo abstracto en la superficie con características de simetría, alineación rítmica e isocefalia. Se da un renacimiento de los principios clásicos, en el que se pueden distinguir tres etapas:

1.- Figuras juveniles e idealizadas en los relieves de los sarcófagos, ( como el de Lunius Bassus)

2.- Epoca del emperador Teodosio, distinguida por su elegancia y refinamiento en el labrado. Obras: Díptico de Stilicón, zócalo del obelisco en el hipódromo de Constantinopla.

3.- Después del año 400 se rompe con la tradición antigua. Las figuras son sólidas y se agrupan en cubos cerrados., como en las estatuas de magistrados de Afrodisias o de los sarcófagos de Rávena.

La escultura paleocristiana se da principalmente en relieve, hay pocas figuras exentas, existen algunas representaciones de Jesucristo, como por ejemplo el “Cristo del Buen Pastor” que es una escultura donde se representa a Jesús como un joven sin barba, con gorral y túnica, y lo acompaña un cordero. Lo más importante en este arte son los sarcófagos decorados, están hechos en mármol y pórfido, se dejan sin labrar los de barro cocido, están labrados de tres frentes, porque el otro va a la pared. Estas escultural subordinadas a los sarcófagos son sobre el Antiguo y el Nuevo Testamento. Los trabajos hechos de marfil son principalmente dípticos, el estilo que se toma es el del arte romano, al igual que los temas.

La escultura bizantina es de dos tipos: enorme o pequeña, y en yodo caso escasa. Contrariamente a la tradición romana cuida poco las semblanzas. Las esculturas son frontales, hieráticas y formales. Los ojos grandes y mirando hacia lo alto, pretenden transmitir inquietudes trascendentales. Las estatuas grandes son de piedra (mármol, etc.). Las pequeñas son relieves organizados en dípticos portátiles hechos de marfil.

Durante el siglo IV disminuye la importancia que había tenido el desnudo, pierde interés por el abandono de las creencias paganas y la irrupción de una nueva religión.
Las primeras muestras de escultura bizantina son relieves de sarcófagos y pequeños relieves hechos sobre ricos materiales, destacando entre ellos los trabajados en marfil (cátedra de marfil del Obispo Maximiano en Ravena).

Por su número destacan los relieves de temática conmemorativa. La radicalización iconoclasta dejó una profunda huella, pues incluso después de su derrota es tenida en cuenta por los artistas, ante el recelo de que en otra revolución pudieran ser acusados de nuevo de idolatría. Por ello la figura humana será deshumanizada. Se crean tipos de imágenes que la iconografía hará repetir incansablemente: la Virgen Theotokos (sentada en el trono con el niño en su regazo),la Virgen Orante, el Salvador, todas estas de composición sencilla, mientras que entre las realizaciones más complejas destaca el tema de (la Virgen y San Juan Bautista intercediendo los hombres que aparece en Marcos) Destacan las obras en marfil de carácter preferentemente religiosos o cortesanos, pero siempre con una cierta subordinación a la magnificencia de la persona del emperador. ( Emperador Constantino en la figura)

RENACIMIENTO

A comienzos del siglo XV en Italia tanto los eruditos como los artistas comenzaron a interesarse por el pasado clásico; esto condujo al renacimiento-resurgimiento de la cultura clásica, en esta época es cuando la escultura se encumbra a la cabeza de la expresiones plásticas. El mármol y el bronce fueron los materiales más empleados, pero también el barro vidriado.

Uno de los importantes escultores florentinos fue Lorenzo Ghiberti que se hizo conocido luego de un concurso que se hizo para decorar las puertas del Baptisterio. La primera puerta está dedicada a la vide de Jesús y a la segunda se dedicó a escenas del Antiguo Testamento. Ghiberti concibió el bajo relieve como un gran espacio en profundidad, donde se sitúan las figuras en conveniente perspectiva, el estudio de esta es una de las características del período llamado “Quattrocento”.

El más grande escultor del siglo XV es Nicolo di Beto Bardi, conocido por todos por el diminutivo de Donatello. Donatello trabajó en diversos encargos para la Catedral de Florencia y la Iglesia de Or San Michele. De este período resalta su San Marcos, figura trabajada en la Iglesia antes mencionada y que fue la primera que tuvo valor por sí misma. Otras de las esculturas que destacaron de este artista son el “San Jorge” y el “Calvo”, que representa (este último) a un profeta o un personaje del Antiguo Testamento.

Donatello no sólo trabajó en Mármol, sino que también lo hizo en bronce. En 1425 elaboró un relieve con el tema del Festín de Herodes, para el Baptisterio de Siena. Esta composición es audaz y moderna para su tiempo. Donatello también se entusiasmó con las figuras humanas y esculpió tanto niños como hombres de todas las condiciones sociales : Su “David” desnudo representa una de las obras maestras del Renacimiento Italiano. También se dedicó a hacer retratos de bronce, con una gran influencia de los clásicos. Entre ellos está el busto de “Nicolás de Uzzano” y el retrato ecuestre del “codotiero” ( jefe de los mercenarios ). Fundido en bronce, es la primera muestra de este género de retratos que va tener repercusión en la escultura occidental.

Donatello era la verdadera encarnación del descubrimiento de Renacimiento e invención con la grandeza monumental de sus estatuas, los trabajos ecuestres, el retrato incluian, expresividad, la profundidad de perspectiva en los alivios, y vigor incisivo de su estatua de bronce. La Virgen y el Niño por Donatello son a menudo las expresiones de que la trágica premonición de la Pasión pesa más que la ternura del asunto.

Aquí el perfil de la Virgen con su cuello largo y del Niño que se vuelve fuera de ella, destaca de una pañería del fondo que trabaja con la silla en el primer plano producir una ilusión de profundidad.

La culminación del renacimiento se vive en el SXVI. Los artistas pasan de ser simples artesanos en personas respetadas, y tienen un mayor idealismo y subjetivismo, ya no se preocupan de la naturaleza sino que de su propio yo. Ellos no crean escuelas ni admiten a su lado artistas de menor categoría. Cada genio creaba su propio estilo y moría sin continuador.

Miguel Ángel fue el hombre más representativo del Renacimiento Italiano. El decía que no hay nada que no pueda representarse en el mármol. De una primera etapa es la “Batalla de los Centauros”, con la “Virgen de la escalera” demostró el dominio del material y de los instrumentos. En 1497 creó “ la Piedad”, que actualmente puede contemplarse en el Vaticano. En 1521, Clemente VII le encargo la “Tumba de los Medici”

No se puede dejar de mencionar a otros escultores como Andrea Sansovino que realizó el “Sepulcro del Cardenal Sforza” en Roma, y Jacobo Sansovino pariente y discípulo del anterior, gran difusor de la obra de Miguel Ángel. Se destaca por su “Baco” a mediados de siglo.

Renacimiento en España:

En Aragón hay que señalar a Guillermo Sagrega (portada de Miramar de la catedral de Palma de Mallorca) y a Pere Joan , especializado en retablos ( catedral de Tarragona).En Castilla predomina la influencia flamenca con tres focos fundamentales : Toledo ( Egas Cueman, con la sillería del coro de Belmonte y el sepulcro de Velasco en Guadalupe; Rodrigo Alemán, con las sillerías de coro de Plasencia, Ciudad Rodrigo y catedral Toledo), Burgos (con el más importante , Gil de Síloe , de quien destacan los sepulcros de Juan II e Isabel de Portugal en la Cartuja de Miraflores, así como el retablo de la misma cartuja y el relativo de Santa Ana en la capilla Condestable).

En el siglo XVI los introductores son los italianos: Domenico Fancelli ( sepulcros de Diego Hurtado de Mendoza, príncipe don Juan y de los Reyes católicos) y Pietro Torrigiano. En la transición destacan Vasco de la Zarza (trasaltar mayor de la Catedral de Toledo) y Bartolomé Ordóñez (sepulcro de Juana la Loca y Felipe el Hermoso, en Granada). En Burgos destaca el borgoñón Felipe Bigarny colaborador de Diego de Siole (retablo de la capilla del Condestable de la catedral de Burgos) , Alfonso de Berruguete (sillería de coro de la catedral de Toledo). Este junto a Juan de Juni son los grandes maestros de la escuela vallisoletana lindantes ya con el manierismo.

MANIERISMO

En la década de 1520-1530, justo en el momento en que llega a su máximo apogeo el ideal clásico, surge en las mismas obras de sus principales representantes, una cierta tendencia anticlásica motivada por el propio perfeccionamiento a que se había llegado de ese ideal. El concepto de Manierismo deriva del italiano “maniera” (estilo). Para Vellorí se asocia a las ideas de rebuscamiento y reducción de la actividad artística a fórmulas preconcebidas. Por la ruptura que significa con respecto a la armonía y proporciones clásicos, por el subjetivismo de visión del artista al enfrentarse con los temas tradicionales, por la deformación consciente y el escaso sometimiento a las reglas naturalistas, se le ha bautizado como el primer movimiento estilístico “moderno”, vigente en gran parte de la creación artística de nuestro siglo. Las obras manieristas obedecen a criterios de composición caprichosa, e incluso absurda , a una sobrevaloración del movimiento interno, a referencias irreales y fantásticas.

En la escultura, acentúa los motivos dinámicos a través de un tipo característico de figura, la llamada “serpentinata” o artificiosamente torsionada, de la que es un admirable ejemplo la “Fuente de Neptuno”, en Bolonia, por Giovanni di Bologna : la figura debe ser vista desde múltiple puntos de vista. Predomina la escultura exenta. También es notable el ascenso helicoidal de las figuras como ocurre el “Rapto de las Sabinas”, del mismo autor. Pero el más importante es Benvenutto Cellini. Su obra “Perseo”, es un símbolo del Manierismo: exageración de los músculos, contraste entre la frialdad de expresión del rostro y el extremo realismo rayano en lo desagradable y repulsivo. Las fuentes de las ciudades son los tipos de esculturas que mejor se adaptan al afán de movimiento y de contraste , utilizando el agua por primera vez como elemento artístico.

“Ninfa de Fountainebleau”

Benvenutto Cellini

BARROCO

Este Arte nació en el Siglo XVII y el un derivado del Renacimiento. En la escultura la torsión de la plástica de Miguel Ángel inicia esta tendencia. Las figuras se agitan en movimientos extremados; la ampulosidad de los pliegues y lo recargado de los gestos dan la composición barroca un aspecto vibrante.

La escultura barroca renuncia a la visión unilateral de la figuras y busca impresiones multilaterales de las materias representadas. Por regla general, no es escultura independiente y está encuadrada en un marco arquitectónico, fuera del cual no puede entenderse su significado. Se dice que en el barroco es la arquitectura la que está pensada en función de la escultura, y como complemento ineludible de esta, para darle mayor énfasis y monumentalidad.

Gian Lorenzo Bernini es el creador indiscutido de la escultura barroca. Su obra arquitectónica el “Baldaquino” del Vaticano, es tanto o más una obra escultórica.

En 1619 hizo por su cuenta el “David” en el que creo un cuerpo muy hermoso con los músculos en tensión, en el mismo momento de arrojar la piedra a Goliat. Al comparar este David del siglo XVII con el de Miguel Ángel, se puede apreciar fácilmente el cambio experimentado en la escultura. El David de Miguel Ángel es todo fuerza contenida, en cambio el David de Bernini es un hombre mucho menos impresionante y más humano.

En 1621 esculpió “Apolo y Dafne”. En 1638 esculpió la estatua “San Longhino” prototipo de la estatua barroca, con un amplio movimiento de brazos que será un recurso utilizado con frecuencia en lo sucesivo. En 1644 hace una de sus obras más importantes “ El éxtasis de Santa Teresa”. Las telas y las nubes se mezclan con el mármol dando la impresión de un gigantesco cuadro de blancos matices (la figura)Cultivó la escultura funeraria. Entre sus obras destacan la sepultura de Urbano VIII, que es un gran sepulcro con la estatua del Pontífice sobre un pedestal en el que se yerguen diversas figuras alegóricas.

Otros escultores barrocos italianos son Alejandro Algardi cuyas obras más famosas son el busto de “Olimpia Panphilii” y “Atila y el Papa León” y el flamenco Duquesnoy, quien trabajó en Roma la mayor parte de su vida. Suyo es el famoso “San Andrés”, del Vaticano.

El barroco también fue cultivado en Francia, pero los artistas se inclinaron más por el género escultórico del retrato, seguido de los temas mitológicos, que también contaban con la aceptación del público para adornar jardines fachadas. El más importante de los escultores del barroco francés es Pierre Puget. Su obra más característica es “Milón de Crotona”, un hombre en lucha despiadada con un león. También es importante el relieve de “Alejandro y Diógenes”.Diametralmente opuesto a él era Francois Girardon, autor de muchos temas mitológicos como “el Rapto de Proserpina”, temas funerarios como “El sepulcro de Richelieu” y el retrato ecuestre de Luis XIV: Los gestos y movimientos de las figuras de Girardon son amplios, especulares y exagerados. El barroco en España tiene sus representantes máximos en Juan Martínez Montañés y Pedro de Mena . En la península ibérica se asimilaron las enseñanzas de Bernini, pero se añadió la tradición gótica de las tallas policromadas.

ROCOCÓ Y NEOCLASICISMO

El rococó en principio designa, en sentido peyorativo las obras propias del barroco hasta 1730. En sentido estricto, se trata de un estilo decorativo, empleado a partir de ese año en Europa en todo tipo de objetos artísticos. Se distingue por un juego excesivo de curvas y contracurvas, por un recargamiento en los motivos, por el empleo de conchas y por la exageración de las perspectivas. En Francia se distinguen cuatro períodos diferenciados según los reyes que dominan el siglo: Luis XIV, Regencia, Luis XV y Luis XVI. En Italia se encuentra exclusivamente en Venecia. En Inglaterra se da un desarrollo muy particular. En Alemania y en Europa Central es donde adquiere su mayor expresión : Viena y Praga son ciudades de este estilo. En España, junto a influencias italianas, se desenvuelve una fórmula propia: el “churrigueresco”. El rococó pretende plasmar la realidad individual de los personajes y es así como se cultiva el retrato, en forma de busto escultórico.

Escultores como Juan Antonio Houdon, Juan Bautista Pigalle, Lemoyne, Messerschimidt y Roubillac realizan retratos de toda la aristocracia cortesana. El escultor rococó descubrió trucos técnicos que hicieron posible la expresión sicológica, sobre todo en el tratamiento de labios y ojos. Por medio de las sombras supo producir calidades especiales en los párpados y en el globo ocular, que son la expresión de sus valores sicológicos. Para trabajar, los escultores prefirieron usar materiales blandos como el yeso o el barro que no habían sido utilizados en el Renacimiento ni en el Barroco.

Los escultores más importantes de rococó son Falconet, Pajou y los hermanos Coustou. En España destaca el “Transparente”, de Narciso Tomé en la catedral de Toledo.

Juan Bautista Pigalle

Mercury Attaching his Wings

El neoclasicismo es un intento de someter la creación artística a regalas racionales y a crear modelos de validez universal. Pretende ser un arte fácil para la comprensión del público. Pero para poder entenderlo hay que saber acerca de la mitología greco-romana, por lo que esta facilidad se transforma en una utopía. Es simplemente un arte de minorías al igual que el rococó, pero que desentierra el lenguaje formal y simbólico de la Antigüedad.

La escultura neoclásica tiene sus representantes máximos en Antonio Canova y Bertel Thorwaldsen, los dos creadores del estilo. Se vuelven a emplear materiales nobles como el mármol y el bronce y la originalidad del barroco queda sustituida por la uniformidad del neoclásico.

Canova formó su estilo en la contemplación de las obras romanas y estudió la escultura griega y romana de los museos y colecciones particulares. A los 16 años hizo la escultura “Dédalo e Icaro”, a los 22 se fue Roma y sus obras de este tiempo transparentan influencia romana . Están “Teseo” (la figura) y las tumbas de Clemente XIV y Clemente XIII. Entre los retratos destacan el de Napoleón y el de Paulina Borghese.

Una generación más joven es Thorwaldsen. Son muchas las obras que se conservan de él, sólo en el museo de Copenhague hay más de 500. Estudió toda la escultura griega, y dentro de ella se interesó por los ejemplares primitivos como los frontones de Egina: Sus estatuas de “Jasón” “Marte” y “Venus” son una perfecta reencarnación de la sensibilidad griega. Casi toda su obra es una reproducción de personajes y temas mitológicos.

GÓTICO

Este estilo nace en el siglo XII en Francia. Las principales etapas por las que pasa el estilo en general, sin centrarnos en ningún país son:

1.-Gótico de transición

2.-Gótico Puro

3.-Gótico Florido

4.-Escuelas Góticas Nacionales

Los tipos iconográficos esquemáticos y estilizados del románico comienzan a ser sustituidos por otros tipos directamente inspirados en la naturaleza, que despierta cada vez mayor interés existiendo una clara tendencia al realismo, buscando representar las figuras tal y como aparecen a nuestra vista. Este es el punto de partida, pero el gótico a nivel escultórico evoluciona siguiendo unos caminos totalmente novedosos respecto al románico: así si en un primer momento se produce una continuidad respecto a la subordinación de la escultura a la arquitectura (escultura monumental) sobre todo en lo que atañe a las portadas, poco a poco la escultura va a ir adquiriendo valor por sí misma, individualizándose cada vez más respecto al monumento arquitectónico.

Estilísticamente las diferencias entre gótico y románico son muchas. En el siglo XIII la exigencia de un Dios Omnipotente, ordenador de todo el pensamiento humano, va desapareciendo ante una serie de cuestiones que atañen directamente al Hombre y a la Naturaleza. La divinidad se convierte en un Dios-Hombre que sufre y que muere en la cruz.

A pesar de esto, los temas religiosos siguen siendo fundamentales aparece claramente la preocupación por lo humano: se representa el dolor, la alegría, la tristeza, la muerte, aspectos inexistentes para el artista románico.

Principales campos de la escultura gótica:  

-Portadas (Tímpanos, alquivoltas, parteluz, jambas)

-Retablos que se desarrollan sobre todo en los siglos XIV y XV.Aunque algunos retablos se hicieron de piedra, lo más normal es que sea de madera policromada y dorada sobre un revestimiento de yeso.

-Coros: suelen ser de nogal no policromado y la obra escultórica va en los brazos o en los respaldos.

-Monumentos funerarios: En los sepulcros en forma de lecho funerario aparecen estatuillas y relieves; la estatua del difunto suele aparecer yacente sobre el sepulcro. Otras veces puede ser representado vivo, con apariencia durmiente.

-En escultura exenta se dan los mismos temas que en el románico, pero cambian estilísticamente: El crucificado gótico conduce a la compasión, expresando dolor. Se abandona el frontalismo y la verticalidad al representar a la Virgen.

Gótico en Francia :La catedral de Chartres es un ejemplo de la evolución del gótico, puede apreciarse observando sus portadas. La occidental, la más antigua, construida a mediados del siglo XII, contiene figuras rígidas en columnas, con ropajes esquemáticos y expresiones faciales similares, casi indiferenciadas; las portadas posteriores, en las fachadas norte y sur del crucero, muestran una mayor diferenciación en las expresiones y los ropajes, e incluso sugieren movimiento mediante la utilización de la curva gótica con forma de S en el eje del cuerpo. Además, las esculturas de la catedral de Chartres son como una verdadera enciclopedia del conocimiento medieval; junto a narraciones bíblicas y representaciones de la vida de diversos santos, se representa la astrología, los trabajos según los meses, las artes liberales, las virtudes y los vicios. La identidad de sus escultores nos es desconocida. Sin embargo, conocemos el nombre del escultor flamenco que trabajó en la ciudad de Dijon para el duque de Borgoña, se llamaba Claus Sluter. Entre sus obras se encuentra el Pozo de Moisés (1395-1403, Cartuja de Champmol, Dijon) en piedra policromada, que muestra a Moisés y otros profetas. Es una obra única por los detalles realistas de la anatomía, la textura de los ropajes y la gran variedad de rasgos.

También conocemos el nombre de una de las primeras mujeres escultoras de la historia del arte occidental, Sabina von Steinbach que en el siglo XIII ayudaba a su padre, constructor de la catedral de Estrasburgo. Fue la autora de las estatuas que personifican a la iglesia y a la sinagoga, ubicadas cerca de la portada sur de la catedral.

Estatuas-columnas de Chartres

Los santos del transepto norte de la catedral de Chartres (1132-1240) son estatuas-columnas que, aunque están todavía realizadas bajo la influencia del estilo románico, muestran un carácter tridimensional, mayor que las esculturas de dicho periodo escultórico.

PRERROMÁNICO Y ROMÁNICO

Arte Visigodo: Son muy pocos los vestigios existentes y además de dudosa filiación visigoda. Prácticamente sólo podemos destacar algún capitel muy sencillo y con decoración vegetal (Compludo, torre de S. Pedro de Montes y ermita de la Sta. Cruz), aunque señalando su dudosa adscripción visigótica.  Arte Mozárabe: Tanto el arte Asturiano como el Mozárabe se incluyen en la segunda etapa del arte prerrománico. Tradicionalmente se ha considerado que el arte mozárabe nace con los cristianos que viven bajo el dominio árabe. Nace en el sur peninsular y asciende hacia las regiones del Norte de forma paulatina por lo que también se habla de Arte de la repoblación. Cronológicamente, la mayoría de las obras conservadas son del s. X, aunque se mantienen en la centuria siguiente, conectando con el arte románico. Los focos más importantes son Toledo y zonas de Castilla la Vieja, León, y en menor medida, Galicia, N. de Portugal y Cataluña.  Como elementos que influyen en este estilo artístico hay que destacar el componente bajorromano, la influencia bizantina -cubiertas abovedadas a distinta altura-, la gran influencia visigoda y por supuesto la impronta oriental islámica. 

Algunos ejemplos son: los Relieves de la ermita de la Sta. Cruz en Montes de Valdueza, la Cruz de Peñalba: es anicónica y sigue el modelo asturiano de cruz patada (boceto en la figura). Presenta adornos con greca floral y piezas fijadas por cabujón.

La Escultura es el arte decorativo por excelencia dentro del Románico. Este arte corresponde a una manifestación plástica del feudalismo europeo, aun cuando en sus características principales resume el gusto romano y el oriental. Se encuentra en muchos casos subordinada a la arquitectura con la que forma un todo tanto en los capiteles, como, sobre todo, en las portadas. El Románico no fue sólo un estilo religioso, sino también aristocrático, expresión por tanto de los estamentos más altos de la pirámide social. Se inspira en fuentes profanas y religiosas, especialmente en la Biblia. Predomina la representación figurativa antinaturalista, simbólica y a menudo fantástica, ajena a la proporción y orientada hacia la expresividad. Formalmente comparte características de períodos arcaicos de otras culturas- tosquedad, rigidez, falta de volumen, frontalismo, figuras yuxtapuestas-, pero estos “errores” no impidieron transmitir espiritualidad, majestad, pecado o virtud. Un ejemplo de este estilo es: El tímpano de la Iglesia de S. Salvador de Castroquilame.  En el muro sur de la iglesia se encuentra empotrado un tímpano. Tiene forma semicircular y está tallado en un bloque de pizarra. Iconográficamente se representa a Cristo rodeado por las figuras del Tetramorfos (símbolos de los cuatro evangelistas). Toda su figura aparece enmarcada en la mandorla. En cuanto a la Escultura exenta (al margen de las portadas), los mejores ejemplos se encuentra, aún siendo originarios de aquí (Calvarios de Compludo y Corullón). Escultura Románica en España: Cataluña es el foco más importante. En el siglo XII destacan el grupo de Ripoll que produce la obra más interesante: La portada del Monasterio. Los capiteles de San Pedro de Galligans, San Juan de las Abadesas y el tímpano de Cabestany son otras obras destacables. Las Marías ante el sepulcro, la Duda de Santo Tomás, son lo más importante de todo el románico europeo. Lo fundamental se encuentra en Santiago en la Portada de las Platería, con la intervención de varios maestros.

ROMANTICISMO

El romanticismo en su aplicación histórica específica se refiere a un movimiento en el arte europeo entre 1800 a 1850. El objetivo del arte neoclásico era recuperar “la noble sencillez y la apacible grandeza” que había presidido la antigüedad clásica. Frente a esto los románticos buscaban suscitar emociones a través del predominio del sentimiento sobre la razón. Inspirado en filosofías trascendentales, fue estimulado por los acontecimientos políticos como las revoluciones liberales y las nefastas consecuencias sociales de la Revolución Industrial. La escultura, debido a su natural estatismo, fue considerada un arte antirromántico; aun así, algunos artistas desarrollaron en sus obras un sentimiento emotivo, sobre todo en Francia con Françoise Rude, Pierre Jean d'Angere y Antoine Louis Bayre. El Romanticismo no es estilo en el sentido de los anteriores por su falta de universalidad, es decir, no produjo un estilo unificado, pero se expresó en Europa central y norte por lo que se refiere al neoclasicismo lineal algo más temprano. Sólo en la pintura francesa los románticos desarrollan un nuevo espontáneo y subjetivo idioma para pintar en contraste con el deliberado estilo objetivo y lineal de los amos neoclásicos. Parangonando el culto filosófico y literario de naturaleza y lo natural, nos reintroduce a jardinear pintando a realizar especulaciones religioso-metafísicas en su reavivamiento de arte cristiano. El término deriva de la palabra “romanza” originalmente composición poética de carácter popular en lengua románica. Tiene una actitud anticlásica y comenzó en Inglaterra. En las obras se da la exaltación de lo subjetivo: Del Yo ( hasta lo inconsciente lo irracional, lo nocturno) y del sentimiento, también se da la evasión del tema. En Francia destaca Eugene Delacroix, en Alemania el romanticismo tiende hacia lo idílico. Se desarrolla el estilo Biedermeyer de carácter local. En Inglaterra: el romanticismo incluye a los prerrafaelistas, que se inspiran en los pintores italianos anteriores a Rafael.

François Rude : Este escultor francés trabaja con entusiasmo los temas revolucionarios o históricos, favorece a las figuras heroicas. Sus obras muestran vigor y realismo. Es autor de bustos como el de Louis David, pero sobre todo de cuadros inspiradores como "la Marseillesa" en el Arco del triunfo o "Bonaparte despertando a la inmortalidad".

Antoine Louis Bayre: Esculpe con tanta realidad los animales en lucha que escandaliza, prefiere el bronce y deja estatuas como: “El león aplastando una serpiente o “el jaguar deborando a una liebre”

Jean Bautista Carpeaux: Fue alumno de Rude y admirador de Miguel Ángel. Imprime vida y alegría sus obras, su “Danza”(en la figura) es buena muestra de ello.

REALISMO

El término realismo fue aplicado a un movimiento artístico que se inició por el deseo de distinguir entre el mundo real y el de la ficción, a la que estos artistas consideraban una deformación de la realidad llevada a cabo con el fin de crear imágenes ideales. El espectador del arte, que reclamaba imágenes que le sirvieran para escapar del mundo cotidiano, rechazó esta tendencia que excluye lo no tangible, elimina lo simbólico y se decanta por lo cotidiano y lo contemporáneo.

El realismo trata, por lo tanto, temas naturales, hasta los más profundos y ordinarios, hace una descripción de la realidad objetiva y cotidiana, si esta descripción es demasiado minuciosa se habla de naturalismo. La Escultura tiene poca importancia, no hay estilo propio, sino inspiración en el pasado. Las Tareas principales de estas esculturas eran ser monumentos públicos o figurines para la decoración del hogar. Daumier produce algunas esculturas realistas de valor, numerosas litografías y óleos. Una de sus esculturas “Ratapoil”(en la figura), probablemente es la caricatura de algún político: el personaje, flaco y tenso, camina velozmente y produce la misma impresión de inacabado que las caricaturas, cuando en realidad está acabado en lo más mínimos detalles. La litografía más famosa de Daumier es el "Vagón de tercera", donde muestra la miseria, el cansancio y la apatía del pueblo.

Entre sus cuadros destaca "La lavandera", silueta a contraluz de una lavandera imponente y de su hijo concentrado en el esfuerzo de subir el último peldaño de una escalera. Característico del estilo de Daumier es el trazo rápido y enérgico. También se aprecia una elección cuidadosa de la expresión más efectiva. Otro pintor que destaca en el Realismo es Gustavo Courbet quien aprende del realismo de los pintores barrocos españoles y holandeses, pero pretende representar la realidad con fidelidad y en ocasiones trabaja afuera.

Uno de sus temas favoritos es la dignidad del trabajo, se interesa también por temas considerados triviales, da especial importancia a la solidez de la materia y a la composición.. Curiosamente, el realismo se acopla al simbolismo.

IMPRESIONISMO

El impresionismo se presenta como una prolongación del realismo. Nace bajo su influencia y adopta, como él, los temas de la vida cotidiana.

Este movimiento se centró en Francia durante el último cuarto del siglo XIX, tuvo una popularidad creciente, tanto así que se volvió una escuela internacional. En su más pura forma es un arte que se limita al estudio de las propiedades del color. La composición es a menudo bastante informal, tanta para que los críticos tempranos de impresionismo se quejaran que las obras estaban incompletas. En los trabajos del impresionista, se segmentaron frecuentemente las figuras y parecían marginales, o indiferentes a la actividad en otra parte de la obra. Los ángulos inesperados de visión, las líneas a muy baja vista, los esquemas asimétricos los escorzos intrépidos y lo que parecía ser un segando casi accidental de una vista perturbó a los espectadores.

Augusto Rodin fue el escultor francés maestro del naturalismo, al punto de que muchos artistas contemporáneos le acusaron de llevar la escultura hacia una copia fiel del ser humano. Aunque a veces trabajó en bronce, su material predilecto fue el mármol. La naturalidad de sus obras las esculpió bajo el lente del impresionismo, dándoles un juego de luz y sombra que hace que cada obra aparezca concentrada en sí misma con fuerza interior. Desdeñó la apariencia superficial del acabado, prefirió dejar algo a la imaginación del espectador. Incluso dejó parte de la piedra sin tocar para ofrecer la impresión de que su figura estaba surgiendo del caos y tomando forma. Tal como lo deseaban los pintores del impresionismo, Rodin capta el momento. Él es considerado el primero de los escultores modernos. En la época en que el se encontraba ( la segunda mitad del siglo XIX), se exaltaba al hombre, glorificábanse los valores humanos, en cambio Rodin muestra al hombre tal como es, sin otra gloria que la de su propio espíritu. Su obra “ La edad de Bronce” presentada en 1877, hace poner el grito en el cielo a los artistas y a los críticos que usufructuaban de la mediocridad reinante. Rodin inició en 1885 una de sus obras más famosas: “Puerta del Infierno”. Su influencia en el arte es de tal magnitud que no es aventurado afirmar que todos los escultores modernos la han recibido consciente o inconscientemente. En “El Beso” Rodin retrató a los amantes más famosos en el momento en que ellos se dieron cuenta de sus sentimientos. Se exhibió en París, en Bruselas en 1887, se le dio el título de El Beso por los críticos quienes estaban sorprendidos por la falta de vestimentas y de los detalles decorativos que se refieren directamente a Paolo y Francesca. Rodin ya había rechazado la solución fácil de lo pintoresco y de los asuntos mitológicos que, distraen al espectador, debilitando la emoción que debe sentirse al contemplar una escultura.

post-impresionismo

En 1886 se realiza la última exposición impresionista. El estilo se encuentra perfectamente consolidado y cada pintor seguirá una línea independiente. Sus innovaciones servirán de base para el desarrollo posterior en tres direcciones:

1.- La especulación sobre la luz y sus relaciones con la forma será continuada por Seurat y los llamados “neoimpresionistas”, “divisionistas” o “puntillistas”

2.- La reivindicación del coloar seguida por Van Gogh, en una línea expresionista y por Gauguin y los simbolistas.

3.- La creación de un nuevo espacio figurativo, obra sobre todo de Cezanne y Toulouse-Lautrec, y que culminará con el cubismo.

En escultura, el único movimiento que estuvo mayormente representado fue el expresionismo.

Expresionismo

El movimiento aparece en la primera década del siglo gracias a los descubrimiento y a las audacias de los "post-impresionistas", especialmente Gauguin y Van Gogh. Esta estética “del instinto”, que no se apoyaba en ningún programa teórico, apareció como una reacción radical contra la objetividad y el optimismo de la visión impresionista, que fue sustituido por la expresión de la propia subjetividad y la manifestación de la angustia; ello se tradujo en el uso generalizado de la deformación. Las corrientes más fuertes de esta tendencia surgieron en Alemania y Bélgica, y se influenció por los estilos como el Simbolismo, Fauvismo, y Cubismo. Gran impacto en el panorama artístico alemán provocaron los escultores Wilhelm Lehmbruck y Ernst Barlach. El último de ellos reflejó en sus obras el estado anímico de los personajes: la angustia, la desesperanza...en fin, todo aquello que puede producir un reflejo patético en el espectador. Lehmbruck, aunque también de la escuela expresionista, posee una sensibilidad diferente: curvilínea, tierna, nostálgica. Mientras las obras de Barlach transmiten emoción dramática, cargada de misticismo y angustia, Lembruck demuestra una sumisión al orden universal y una profunda nostalgia por este estado. Menos espectacular, pero igualmente fuerte fue el movimiento expresionista en Bélgica. Los escultores participaron en este movimiento estructurando equipos de trabajo. Su característica esencial era el sentido poético y soñador que imprimían a su obra, pero que los hacía caer en un excesivo romanticismo.

FAUVISMO

Este movimiento continúa los esfuerzos de búsqueda de Van Gogh y Gauguin. El movimiento obtiene su nombre de un crítico quien viendo una estatua clásica en medio de cuadros llenos de color se exclama: "se parece a Daniel en la fosa de las fieras"(en francés: "les fauves"). El líder del grupo es Henri Matisse (1869-1954). Lo que más le interesa es la simplificación y el efecto decorativo. Logra ambos olvidando la tercera dimensión, entrelazando partes de diferentes planos en uno solo y usando violentos contrastes de color.
Creció fuera de Puntillismo y el Post-impresionismo general, pero se caracteriza por un estilo más primitivo y menos naturalista. El estilo de Paul Gauguin y su uso de color eran las influencias especialmente fuertes. Los artistas el más estrechamente asociados con Fauvismo son Alberto Marquet, André Derain, y Maurice de Vlaminck. Fauvismo fue un movimiento efímero, pero tenía una influencia sustancial en algunos de los Expresionistas.

Henriette III,

Durante los años sesenta, Henriette Darricarrere modeló constantemente para Matisse. Su semejanza puede encontrarse fácilmente en muchas de sus pinturas y esculturas de ese período. Matisse ejecutó tres versiones de este retrato de Henriette. Esta tercera versión se creó de la memoria y con la referencia a la segunda versión que él aquí el volvió a trabajar, él acentuó las líneas alrededor de la nariz, labios y ojos, mientras dando la forma así más enérgico y expresivo. El escultor tuvo éxito llevando un sentido de la densidad y peso del material.

ART NOUVEAU

En francés llamado “Art Nouveau”, en inglés “Modern Style” y en español “Modernismo” Se denomina a una moda o estilo que expresa de un modo típico, el espíritu moderno que tiene lugar en Europa a consecuencia de la industrialización y los cambios tecnológicos que se producen en la década de los 80's en el siglo XIX hasta bien entrado el siglo XX. Es un fenómeno eminentemente urbano, que nace en las capitales y se difunde por las provincias, y que barca los más diversos aspecto: el urbanismo, la construcción en todos sus tipos, la decoración urbana y doméstica, todas las gamas del arte figurativo, el mobiliario, los vestidos, el adorno personal, el espectáculo y la publicidad. Es ás bien una moda fundada en el gusto de la burguesía en todos sus estratos. Tiene una temática naturalista, fundamentalmente flores y animales.

Tiene motivos icónicos y estilísticos del Arte Japonés, forma de arabescos lineales y cromáticos, predominio de la línea curva en sus infinitas variantes, color en tintas frías, tenues, transparentes, asonantes en zonas claras, alejamiento de la proporción y el equilibrio, búsqueda de ritmos musicales con soluciones onduladas y sinuosas , sentido comunicativo en torno a valores como la agilidad,

la juventud, el dinamismo, la alegría , la ligereza, escasa o nula preocupación social, difusión a través de revistas de arte o de moda, del comercio y la publicidad, de las exposiciones mundiales y de los espectáculos. Algunos escultores que destacan son: Victor Prouvé, Raoul Larche y Arístides Maillol (escultura en la figura “Venus“).

CUBISMO

Aunque el cubismo surge como un movimiento pictórico, muy pronto todas las artes plásticas se impregnan de él. Entre ellas, la escultura es una de las últimas en ingresar a la tendencia, seguramente porque las dimensiones de la materia y la posibilidad de dar soluciones a las exigencias cubistas no eran fáciles de resolver. Los escultores se sentían atraídos por la ruptura de las convenciones: planos y perspectivas eran arrasados en beneficio de la abstracción. Es quizás en la escultura donde el cubismo encuentra su mayor desafío, porque se trata de abstraer y crear y no de reducir a un alfabeto cubista las formas tradicionales. La escultura, como respuesta al “collage pictórico” incorpora los materiales tradicionales una serie de elementos nuevos: placas de metal, objetos utilitarios, cartón, papel, etc. A veces, objetos reales se integran para formar la escultura, creando la técnica del "ensamblaje".

Al igual que en la pintura, aquí el cubismo traslada al plano del arte el humor, la alegría desenfadada de quien tiene la audacia de romper normas.

En España resaltan Pablo Gargallo y Julio González, además de Pablo Picasso: primero, con su retrato de "Fernande", introduce en la escultura el mismo análisis de formas que ya usa en la pintura.  que también incursiona en este Arte. En Francia Raymond Duchamp-Villon y Henri Laurens (en la figura “Vaso y Botella”) son los mejores exponentes. En Rumania Constantin Bracussi.

FUTURISMO

Es el primer movimiento de vanguardia propiamente dicho, entendido este concepto por su claro interés ideológico que anuncia una alteración radical de la cultura y las costumbres, al negar en bloque a todo el pasado, mediante una audaz búsqueda estilística y técnica. De origen y formación italiana lo forman: Maniretti, Boccioni, Russolo, Soffici, Balla, Saint'Elia, entre otros, quienes, en todos los campos de la creación artística y a través de diversos manifiestos, predican lo siguiente:

1.- La destrucción total de las ciudades artísticas y de los museos, y su sustitución por una nueva ciudad semejante a una gran máquina en movimiento.

2.- Los artistas son genios destinados a regir los destinos del mundo.

3.- El arte es la expresión de los nuevos estados de ánimo, provocados por la sociedad industrial y maquinista.

4.- Poetizan y ensalzan , hasta extremos insospechados, a la ciencia y a la técnica.

5.- La guerra, como higiene del mundo, y lo italiano, como la salvación de la cultura occidental.

Balla prefigura la abstracción y recoge una impresión de luz y velocidad con su "Velocidad abstracta. El coche ha pasado".

Boccioni sostiene la misma idea con "Formas únicas de continuidad en el espacio", pero la escultura conserva la silueta general, aunque deformada, de un hombre caminando. Lo más interesante de esta obra se da en la síntesis temporal del movimiento. En efecto, parece que se representan en la estatua varias etapas de una secuencia de movimientos. En la figura se ve otra obra de este escultor-pintor, llamada “Still Life with Glass and Siphon”.

La "Citta Nuova" de Sant'Elia muestra edificios altos, delgados, de líneas verticales precisas y desprovistas de adornos. Los elevadores se encuentran a fuera y los espacios externos carecen de vegetación.

DADAISMO

Tiene su origen en Zurich en 1916. En el cabaret Voltaire se reúnen un grupo de artistas e intelectuales exiliados de diversos países europeos que se oponen a la primera guerra mundial. El nombre fue escogido al azr de un diccionario francés. Sus primeros integrantes son el poeta rumano Tristán Tzara, los escritores Ball y Hulsenberck, y el pintor y escultor Hans Arp ( en la figura “Small Venus of Meudon”), quienes fundan una galería para exposiciones y una revista. En sus manifestaciones tienden a destruir todos los valores establecidos, configurándose como una anti-arte según los críticos profesionales. A partir de ellos todo puede ser artístico y no artístico, dejando el artista de estar condicionado con cualquier consideración respecto de la historia, la cultura o la crítica. En este sentido el gran revolucionario del arte moderno es el francés Marcel Duchamp al postular que para que exista una obra de arte basta la mera intención del artista.

Una taza del WC, una rueda de bicicleta , pueden ser obras de arte si el artista así lo quiere. Tales objetos que llamó “ready-made” trastocaron los conceptos habituales de lo artístico.

SURREALISMO

Con el dadaísmo se inician toda una serie de movimientos que intentan conjugar los aspectos literarios y visuales de la creación artística, el surrealismo es su digno y coherente heredero. Sus características son:

1.- Identificación de lo bello con lo maravilloso

2.- Predominio de lo absurdo e irracional

3.- Profundización en el inconsciente y el sueño

4.- Lenguaje extremadamente simbólico

5.- Uso del contraste, del humor, de la burla, de la parodia como elementos de rechazo a la moral dominante

6.- Técnicas automáticas y mecánicas con prioridad del azar y de la casualidad sobre la reflexión : collage , frottage, calcomanías, etc

7.- Enlace con la tradición visionaria y fantástica de la pintura: El Bosco, Arcimboldo, etc.

Para alcanzar los objetivos absurdos y maravillosos pueden usarse dos métodos radicalmente opuestos:

-El de la inmediatez que supone acción mecánica , irreflexiva, instintiva y que da lugar a un surrealismo “abstracto”. Pintores de este estilo son: Miró (en la figura “Bleu”), Masson y Ernst.

-El de la desorientación reflexiva derivada de la pintura metafísica de Giorgio de Chirico que consiste en provocar extrañeza e inquietud al espectador a base de resortes clásicos

en la composición y en la representación en el espacio y que da lugar a un surrealismo “figurativo”. Pintores de este estilo son: Tanguy, Magritte y Dalí.

Frente al informalismo y las tendencias abstractas con dosis expresionistas, subjetivas , caóticas irracionales y espontaneas surgen una serie de tendencias caracterizadas por sus polos opuestos de carencia de complejidad, racionalismo,orden y organización interna de la obra, previsibilidad y objetivismo que resucitan la antigua dialéctica entre sujeto y onjeto propia de los movimientos vanguardistas de los años veinte. Entre estos se encuentra la

Nueva Abstracción americana:

Se caracteriza por el uso de grandes formatos, la forma variada (triangular, circular, mixta, rectangular) que asumen los cuadros, la importancia del soporte como determinante de todos los demás elementos de la obra, el entendimiento del color como base para profundizar en las simas del psiquismo y la concepción autónoma de la obra frente a cualquier condicionamiento externo.

MINIMAL ART

La traducción escultórica de los presupuestyos anteriores ha recibido ese nombre junto con los de “cool art”, “ABC art” y arte de las esculturas primarias. El nombre fue acuñado por el filósofo Richard Wolheim para designar a una clase especial de objeto artístico en que las diferentes formas están reducidas a estados mínimos de orden y complejidad. Fue lanzado en 1966 en la exposición titulada Estructuras Primarias. Su preocupación elemental es conseguir el máximo orden con el mínimo de elementos. Los sistemas de cristalografía y las formas geométricas simples les proporcionaban el material básico para construir esas formas que en palabras de Reinhardt “lo que cuenta no es lo que se pone, sino lo que se deja de poner”. Sus principales cultivadores son: Richard Artshwager, Walter de María, Donald Judd.

OP-ART

Surge como derivación de la abstracción geométrica en el año 1964. Implica en sentido amplio, un protagonismo esencial del factor óptico; y en un sentido restringido incluiría obras en que los fenómenos óptico-visuales aparecen de modo autosuficiente para relaciones destinadas a producir puros impactos en la percepción visiva del espectador. En el primer grupo se integrarían las obras de Vasarely, Cruz Diez, Stella, Soto (en la figura, “Curvas Inmateriales”), entre otros. En el segundo Riley y Tadasky.

ARTE CINETICO-LUMINICO

Es uno de los desarrollos del arte óptico. La novedad reside en la introducción del movimiento real como uno de los componentes de la obra; también se introduce la luz artificial. Está en una relación directa con las máquinas y la tecnología. La introducción de los motores supuso una ruptura con los hechos artístico tradicionales. Hay que distinguir dos vertientes: las realizaciones accionadas por un motor o un agente natural, y las que exigen el movimiento de quien las contempla, cambiando de aspecto según la actividad del espectador. La fecha clave de su desarrollo fue 1955, con la exposición titulada “Le Mouvement”.

Estas obras tiene como características comunes:

1.- Utilización del movimiento real

2.- Deseo de situarse en plano autónomo ajeno a la plástica y a la arquitectura.

3.- Voluntad de obligar al espectador a dejar de ser un mero receptor pasivo.

4.- Conciencia de estar trabajando en y para una sociedad programada.

ARTE CIBERNETICO

Constituye una de las últimas tendencias del arte tecnológico. Es fruto de la colaboración interdisciplinaria de los artistas plásticos con la cibernética y la teoría de la información. Este tipo de obras son la cumbre de la ordenación estructuralista del cuadro y al mismo tiempo responden muy fielmente a la ideología tecnocrática actual y a los planteamientos de la estética numérica. Entre los artistas que destacan hay que citar a Nake, Nees, Noll entre otros.

POP-ART

El pop-art o arte de la imagen popular, es uno de los movimientos artísticos recientes que han tenido mayor resonancia a nivel internacional. Ligado a un componente comercial básico, no por ello supuso estéticamente un revulsivo , cuyas consecuencias aún hoy en día se dejan sentir. Si bien se hunde en el collage cubista y futurista , en los dadaístas o en el surrealismo, llegó a convertirse en una moda/estilo internacional representativa de lo que se dió en denominar “sociedad de consumo” y en la única alternativa poderosa frente a la invasión abstracta. Las innovaciones de este arte son:

1.- Nueva concepción del artista : El artista pasa de ser un desarraigado a integrarse en el medio social cotidiano como un profesional liberal que aquel acepta como un bien de consumo, y a pesar de su extravagancia. A partir de ahora, lo artístico se encuentra en la libre elección del artista y no en el valor intrínseco que la obra guarde con los esquemas tradicionales, hasta lo más vulgar puede ser obra de arte.

2.- La imagen standard: En virtud del presupuesto anterior, cualquier imagen previamente conocida por la sociedad, puede ser integrada en una obra artística, sometiéndola a un proceso de descontextualización que le cambia su sentido originario para significar otra cosa diferente.

3.- La seriación industrial: Las obras de arte, a semejanza de los productos industriales, se suelen concebir como series destinadas al consumo cultural. La repetición, en consecuencia, es una de las técnicas más conocidas, tal y como se muestran en las obras de Warhol o Wesselman. El artista se convierte en una máquina que reproduce sin ningún tipo de personalidad individual.

4.-La introducción de lo efímero: Frente al arte de culto tradicional, que pretende valores eternos, el pop-art introduce el valor de lo desgastable, pero al introducir esos objetos en el mundo convencional del arte les ayuda, en virtud del mecanismo museológico, a convertirse en obras representativas de una actitud histórica.

5.- Relación con el mito “American way of life”: De una parte, estas obras tienden a exportar los valores típicamente americanos y por otra , gracias a la reiteración obsesiva a que somete los temas , introduce cierta ironía y crítica del sistema. Por ello utiliza fundamentalmente imágenes de las famosas estrellas cinematográficas , de líderes políticos, de símbolos de status social, etc.

Las obras pop pueden ser bidimesionales (pintura) o tridimensionales (objetos de uso cotidiano”ensamblajes”). Usan hábitos visuales del hombre contemporáneo y sus mensajes son fácilmente reconocibles. Los colores son de carácter industrial y por consiguiente planos y sin textura. El dibujo es claro y simple, como configurador de la forma. Lo más frecuente es la transformación de las técnicas de los mass-media, en particular de la fotografía y sus diversos efectos. El comic se utiliza como elemento referencial de una realidad o se amplia y manipula hasta convertirlo en una cosa diferente.

Los encuadres montajes y secuencias cinematográficos ayudan a articular el sentido narrativo, pero la mayor influenciar reside en el carácter publicitario y sobre todo la repetición de un mismo objeto.( en la figura “Dolar Sign” de Andy Warhol)

INTRODUCCIÓN

Desde el principio del hombre, este ha querido expresar sus sentimientos y las situaciones que le ocurren a través del Arte, por lo tanto, el Arte ha ido evolucionando con él, esta evolución es la que se muestra en este trabajo, que es un recorrido por toda la historia del arte, pero centrándose específicamente en la escultura. Antes de la aparición de la escritura, la Humanidad ya había dejado sus vestigios en piedra. Las manos laboriosas del hombre enfrentado a la naturaleza, iniciaron una modificación muchos siglos antes del advenimiento de Cristo. Y aún en nuestros días el espíritu humano todavía sigue grabándose, pero de una manera muy distinta de la que se usaba en antaño.

Por lo anterior este trabajo comienza en la Prehistoria que se destaca por sus rasgos toscos y muy simbólicos, luego continúan las grandes civilizaciones donde el progreso de Egipto, Mesopotamia , Grecia y Roma perdura hasta nuestros días, la evolución del Cristianismo a través del Arte y diversos estilos acompañados de las características que las distinguen.

Desde las Venus de la era Paleolítica hasta las formas modernas de Matta, por ejemplo, han transcurrido milenios, pero a pesar de ello, la escultura permanece como testigo mudo de la Historia de la Humanidad.

BIBLIOGRAFÍA

  • “La Escultura de una sola vez” Icarito Especial nº 37

  • “Historia del Arte Universal” (Etrusco y Romano) Editorial Moreton

  • “Historia del Arte” Editorial Salvat Tomo 1

  • “Enciclopedia Práctica del Estudiante” Fichas Temáticas Ediciones Nueva Lente

  • “Enciclopedia Enciclo” Arrayán Editores

  • Información de Internet páginas:

    • www.artchive.com

    • www.artcyclopedia.com

    • www.tam.itesm.mx/art/menu.html

    • www.latercera.cl

APRECIACIÓN PERSONAL SOBRE EL ARTE MODERNO

A lo largo de la historia , el arte ha tenido un sin número de cambios, pues creo que se ha ido adaptando a la evolución del hombre. En nuestro tiempo, comienzos del siglo XXI y fines del XX, el hombre ha descubierto una nueva forma de expresar el Arte, pero no como estaba establecido: pintura, escultura o arquitectura, sino que va más allá.

El desarrollo tecnológico es parte importante en este cambio. Tal como Miguel Ángel en la antigüedad utilizaba el mármol para sus obras, el artista actual, utiliza las herramientas que le ofrece la nueva ciencia, como son la electricidad, la mecánica, etc.

La transformación producida , se remonta a comienzos del siglo XX cuando los artistas ya no querían seguir con los mismos modelos de antaño, sino que querían con nuevos recursos, mostrarle al espectador su mensaje la esencia de su obra, entre estos, se encuentra el Dadaísmo. Todos estos movimientos causan hasta el día de hoy controversia, pues a todos nos sorprende lo distinto.

Antes, se esperaba que este sólo mirara la obra y se deleitara con ella, ahora el artista espera que el observante sea parte de su obra, que sea capaz de trabajar su mente al ciento por ciento, que participe para que pueda cobra “vida” invitándole a que la recorra, para que así pueda lograr efectos diferentes en ella y que no quede lo superficial sino que la totalidad de la obra en su percepción.

El problema que surge es que a la mayoría de nosotros nos es difícil entenderlas, pues consideramos generalmente, que una tira plástica no puede llegar a ser una obra de arte menos si está colgada, esto nos quiebra los esquemas, pareciera ser que el arte contemporáneo se adelanta al común de la gente proponiendo nuevos estilos y que las generaciones venideras entenderán mejor, como nosotros ahora nos deleitamos con el impresionismo que fue tan divergente en su época.

Este fenómeno ha dejado huellas en el país, como olvidar “la Casa de Vidrio” que produjo varias discusiones, y el tópico principal de ellas era si esta casa era una obra de arte o no. La obra tuvo su origen en 1998, cuando dos arquitectos de la Universidad Católica, Arturo Torres y Jorge Cristi, presentaron ante el Fondo de Desarrollo de las Artes y la Cultura (Fondart) una novedosa idea bautizada como "Proyecto de Investigación Artística Nautilus", que intentaba establecer ciertos parámetros críticos de los espacios urbanos, enfocado todo desde una perspectiva artística. La iniciativa tuvo buena acogida en el Fondart, entidad que en 1999 lo calificó con la nota máxima (100 puntos en la sección de artes integradas) y le asignó un financiamiento de cinco millones 200 mil pesos para la construcción de una vivienda que cumpliera todos los requerimientos básicos para subsistir. Lo más importante sin embargo, es que debía estar en un lugar público de alta concurrencia. Al instalarla esta casa produjo dos reacciones muy marcadas, de aceptación o de absoluto rechazo, de hecho, hubo muchas manifestaciones para sacarla. La principal interrogante del país fue que fin artístico perseguía esta casa? Quizás muchos de nosotros no lo podamos entender, pero el tiempo tal vez diga lo contrario.

'Historia del Arte'

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