Historia Del Arte Contemporáneo

Neoclasicismo. Romanticismo. Pintura de Paisaje y de Historia. Costumbrismo. Realismo

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TEMA 1: EL NEOCLASICISMO

La pintura española del XIX va íntimamente ligada a la política. El XIX comienza con el débil Carlos IV, se produce la invasión de las tropas napoleónicas y con ella la Guerra de la Independencia (1808-1812), el intento de instauración de José I, el exilio de Carlos IV tras su apoyo a los franceses y la venida de Fernando VII entre 1814-1833.

Esta venida resultó ser algo muy deseado por el pueblo español, pero que resultó ser uno de los monarcas más retrógrados que ha tenido España, aisla al país del resto de potencias europeas, lo que en las artes impide la introducción de las corrientes novedosas. Su primera etapa (1814-1820) será una etapa muy cerrada, que acabará con el golpe de Estado del general Riego, que a pesar de que no destrona al rey, consigue la apertura de España y el comienzo de un Trienio Liberal (1820-1823). Esta etapa de aperturismo duró poco, ya que Fernando VII el Deseado, en 1823 volvió al absolutismo que caracterizará a su gobierno hasta el día de su muerte, siendo esta década, la Década Absolutista (1823-1833).

Tras la muerte de Fernando VII, se abre un periodo de guerras por la sucesión al trono. Esto se dio debido a la dudosa postura del monarca ante la ley sálica que abolió y volvió a poner en vigor… España queda dividida en dos bandos: lo carlistas, que reclaman el trono para el hermano del rey, Don Carlos María Isidro; y el bando isabelino, que reclaman el trono para la primogénita del Rey, la futura Isabel II.

La esposa de Fernando VII y madre de Isabel, la reina María Cristina de Nápoles, fue una mujer muy inteligente, y jugó la carta liberal en estas guerras carlistas por lo que en su regencia promulga la vuelta de intelectuales liberales exiliados, lo que da un impulso moderno a las artes, abriéndose el camino hacia el Romanticismo en España.

El Reinado de Isabel II (1833-1868) comenzó con la regencia de su madre María Cristina hasta que la reina cumplió la mayoría de edad. No se rodeó de buenos consejeros en una época complicada, además de que su formación no fue la apropiada para ejercer el papel de reina, por lo que era un proyecto que cojeaba por todas partes. El Romanticismo español a grandes rasgos coincidirá con esta reina y su mandato. Llega con 30-40 años de retraso a España.

Tras Isabel II llega la I República, en la cual en menos de un año se sucedieron 4 presidentes con el desconcierto que eso implica. Amadeo I de Saboya se hace con el poder tras este intento republicano. Tras la casa Saboya, Cánovas del Castillo consigue instaurar nuevamente la monarquía en la figura de Alfonso XII. Durante este periodo veremos con en el arte se instaura el Realismo en España.

Otro de los puntos a tenr en cuenta son los sistemas de enseña que había en el país. La Real Academia de BBAA de San Fernando y sus academias provinciales de Barcelona, Sevilla, Zaragoza, Valencia y Valladolid son academias con una moral realmente muy académica. Esto en cierta manera justificaría el retraso de la pintura española del XIX. En 1818 llega a la Academia de San Fernando José Madrazo como Catedrático de pintura y colorido. José Madrazo era un pintor neoclásico, aunque con una mente abierta consigue explicar el Romanticismo a sus alumnos, invitándolos a conocer las influencias extranjeras. Su hijo, Federico Madrazo siguió esta tendencia. Durante el primer tercio del XIX la pintura se muestra como una pintura muy académica. Más tarde se fue modernizando. Genaro Pérez Villamil será el primer paisajista español del Romanticismo, Catedrático de la Academia, consiguiendo dar a sus alumnos unas características más “vanguardistas”.

Son muy importantes las becas, que llevan a los alumnos a Roma y París. Éstas eran concedidas por diputaciones y Ayuntamientos que exigían un cuadro de historia. De ahí la importancia de la pintura de historia en la España del XIX, llegando a magnificar esta tipología, a pesar de no ser la preferida entre los pintores.

En 1856 se instauran las Exposiciones Nacionales Anuales de BBAA. En ellas los cuadros medalla de oro eran nuevamente los cuadros de pintura de historia. Los encargos era también cuadro de historia, por lo que a los pintores no les quedaba más remedio que realizar estos tipos.

En el primer tercio del XIX hay 3 mundo muy diferentes:

-Goya: el mundo de Goya es un mundo de un Romanticismo aislado. Se exilió en tiempo de Fernando VII, lo que le lleva a adquirir un vanguardismo en su arte.

-José Madrazo: formó parte de la Corte de Carlos IV en el exilio e Roma. Carlos IV presionó a su hijo para que le reclamara como pintor de cámara, y Fernando VII finalmente le da la Cátedra de pintura y colorido de la Academia de BBAA de San Fernando en 1818. Difundirá desde este puesto el Neoclasicismo, estilo ya pasado de moda en Francia.

-Vicente López: es uno de los pintores mejores dotados en color y realismo. Fue le gran retratista de cámara. Es un artista con un estilo propio que sólo evoluciona tenuemente al final. Fue un pintor muy cotizado, lo que lleva a que otros pintores copien sus obras.

También se convierte en algo muy destacable la influencia de las revistas como:

-El Artista (1835-1836)

-El Liceo Artístico y Literario (1838)

-El Semanario Pintoresco Español (1835)

-El Romanticismo (1857)

El neoclasicismo se vuelve a las modas clásicas de la Corte napoleónica, el color pierde protagonismo a favor de la línea, que perfila todas las figuras, las cuales son herméticas, frías, distantes, no dan lugar al retrato psicológico.

Las figuras se colocan en primer término en ese empeño de idealización que ennoblece a los personajes.

Es una pintura plana que no busca profundidad, por lo que no trabaja los fondos, dejándolos con fondos neutros o paisajes infantiles con elementos lineados y dibujados, sin un tratamiento atmosférico.

VICENTE LÓPEZ Y JOSÉ DE MADRAZO

►VICENTE LÓPEZ: 1772-1850

Es un pintor sin un estilo, es un pintor atemporal, él mismo es una propia corriente. Desdeña el empleo de la línea, sus obras se componen mediante el color. Es contrario al neoclasicismo y a Goya.

Nace en 1772 y fallece como pintor de Corte en 1850. El estilo es un reflejo de la situación de España.

Se forma en la Academia de BBAA de Valencia hasta 1790. Consigue una beca y marcha a la Academia de BBAA de San Fernando entre 1790-1793.Es un repulsivo para él, ya que recibe influencias de Maella (pintor de cámara), de los Bayeu (cuñados de Goya) y de Mens, del que toma los grisáceos y las tonalidades brillantes.

Al acabar su beca regresa a Valencia y comienza su carrera como pintor, la cual se divide en tres etapas:

-Primera etapa (1793-1814): es una etapa radicalmente distinta a las 2 posteriores. La clientela tien un poder adquisitivo limitado. Se dedica a la pintura religiosa, hace escarceos en pintura mural en la línea del Maella de finales del XVIII, y se destapa como gran dibujante.

En 1802 Carlos IV visita la Universidad de Valencia. Las Autoridades locales le encarga a Vicente López un cuadro que inmortalice tan importante momento.

En 1814, el Ayuntamiento de Madrid le contrata para realizar el primer retrato de medio cuerpo de Fernando VII. En torno a esta fecha fallece Maella, y Fernando VII le contrata como pintor de cámara, dando comienzo a su segunda etapa.

-Segunda etapa (1814-1830): se convierte en retratista de cámara. Sus retratos gustan en la sociedad madrileña pudiente, que también le hacen encargaos.

-Tercera etapa (1830-1850): sigue siendo pintor de cámara. Realiza un gran número de retratos de monarcas, nobles y políticos de la época. Hay algunos cuadros con algunos elementos románticos.

En este periodo se ve el gran taller que poseía. Él pintaba las joyas, dejando que sus alumnos acabaran las obras.

Su éxito como retratista refleja su virtuosismo con el color de influencia valenciana de tonos rojizos, amarillos y anaranjados; muy preciosista en los detalles de telas, joyas y condecoraciones. Era un pintor muy realista, no atempera la huella del paso del tiempo, la fealdad, la juventud… Nos muestra figuras realistas no para hacer una crítica al personaje (Goya), sino para que la sociedad se identificase con las obras.

Las figuras están muy bien configuradas pero todo modelado con el color. Los fondos tendrán mucha importancia en la pintura del XIX, pero él aún nos pone fondos de la pintura del XVII, con los clásicos cortinajes.

En las casullas religiosas vemos la influencia de Zurbarán en sus tonos dorados blanquecinos sobre fondos negros que recortan la figura.

El gesto es muy importante ya que mediante la mirada y las manos el pintor consigue enganchar al espectador, e involucrarle con el personaje. Esto será ya un precedente del retrato romántico.

1.RETRATO DE MARÍA CRISTINA DE NÁPOLES

Correspondiente a su primera etapa. Esposa de Fernando VII y reina regente durante la minoría de edad de la futura Isabel II. Tiene una mirada dulce que nos transmite el alma del personaje. Avanza a un retrato más romántico, aunque no son muchos los cuadros que tienen estas características, todos ellos de su tercera etapa.

Complicación y minuciosidad en telas, ropajes y joyas, algo totalmente contrario a los austeros trajes románticos.

2.CARLOS IV Y MARÍA LUISA DE PARMA

Primera etapa. 1802. Valencia. Gran formato. Retrato conmemorativo de la visita de los Reyes a la ciudad de Valencia.

Aparecen los 2 juntos con Fernando VII, a la derecha Minerva como diosa de la sabiduría, las facultades de la universidad.

En la parte superior la Gloria y la Victoria coronando a la universidad.

La composición está inspirada en modelos franceses del XVIII, haciendo de ella una composición anacrónica.

Es un cuadro muy trabajado por el color. Los trajes parece ser que tienen una influencia de Mens por sus tonos brillantes grises.

3.RETRATO DE FERNANDO VII

Segunda etapa. 1814. Encargado por el Ayto de Madrid a Vicente López. Fernando VII quedó encantado y cuando muere Maella, Fernando VII convierte a Vicente López en pintor de cámara, comenzando en este momento su segunda etapa.

No idealiza al monarca, retratándolo con su característica tosquedad y estupidez. Lo representa con el uniforme de gala con el toisón de oro, y un exagerado realismo.

El fondo es de paisaje utópico, lo único que le interesa es que resalce a los personajes. Recuerda a los fondos de Goya.

Preciosismo en detalles tanto en bandas como en bordados y condecoraciones.

Las manos son muy naturalistas, no están idealizadas ni son tan perfectas como las de Madrazo.

4.MATRIMONIO UGARTE

1818. Es un retrato de pareja, tipología bastante rara, ya que los matrimonios se suelen representar en lienzos separados.

El marido aparece de píe para disimular la diferencia de altura, ya que ella es más alta.

Es un retrato ostentoso tanto en decoración como en vestimenta, joyas, tocados… haciendo de este un retrato efectista.

El retrato era un símbolo de poder para quien lo encargaba y lo poseía. Este símbolo de status cambiaba dependiendo de si era de busto, de tres cuartos o de cuerpo entero.

5.ARZOBISPO IGUANZO

Segunda etapa. Es un retrato zurbaranesco, como vemos en su casulla, con la que consigue mostrar su tremendo detallismo con el color y sus matices.

El fondo neutro es también influencia de Zurbarán, que no le daba ningún tipo de importancia.

Dentro de la quietud de la figura, su gesto de bendecir, consigue engancharlo al espectador. López busca acercar el personaje al espectador.

6.FRANCISCO I DE SICILIA

Segunda etapa. Es un retrato de los más impresionantes por el realismo de su rostro y el tratamiento de sus manos que vana aun cierto idealismo.

Introduce el negro, mates y brillantes en amarillos y anaranjados.

El fondo es neutro lo que hace que el personaje resalte más al espectador, a pesar de ser una figura más rígida.

7.RETRATO DE GOYA

1828. En el Museo del Prado desde 1828, por lo que Vicente López lo ve colgado en vida.

Muy interesante por sus detalles como la paleta, chaquetilla o nudo que tiene una pincelada más deshilachada de lo que es normal en Vicente López, que se interpreta como un homenaje al propio Goya.

Muy goyesco también el color grisáceo, que Goya copiaría de Velázquez. El rostro está muy idealizado, puesto que no representa los 80 años que tenía el pintor, como se ha comprobado por los propios autorretratos de Goya. Es un rostro muy trabajado, lo que nos muestra la admiración por el propio retratado.

Le falta la expresión de amargura que el propio Goya se reflejaba en sus pinturas. No hace un retrato psicológico profundo, esun retrato psicológico modesto.

8.RETRATO DEL DUQUE DEL INFANTADO

1827. Segunda etapa. Es un retrato pre-romántico, exceptuando su rostro. El fondo oscuro y sobrio, características que se reafirman con la mesa y la vestimenta, que ni siquiera lleva condecoraciones; pero su rostro sigue estando muy realista, es una expresión naturalista y simple.

9.RETRATO DE MARÍA CRISTINA DE NÁPOLES

1830-1833. Tercera etapa. Cuarta esposa de Fernando VII y madre de Isabel II que reinará como regente hasta la mayoría de edad de la pequeña.

Es un retrato de tres cuartos, el formato más característico del romanticismo. Posa con naturalidad. Muy recurrente el abanico o el pañuelo pañuelo para solucionar el problema de la colocación de las manos.

Es todo un alarde en cuanto al detalle de encajes y transparencias.

La cabeza aparece ladeada con una incipiente sonrisa, con una mirada más suave que engancha al espectador.

10.GASPAR REMISA

1844. Tercera etapa. Hay homenajes a la pintura del siglo de oro (postura vertical con el perro de Velázquez y su serie de cazadores).

El fondo es un fondo ostentoso y recargado, tanto en su alfombra (que también se apunta la influencia de Velázquez como la cómoda donde se apoya el personaje.

La elegancia de la figura es envarada, no es natural. En el retrato romántico la elegancia es algo natural, mientras que aquí vemos el aire de dando forzado, su elegancia no es algo innato.

Magníficos matices tanto en el negro del traje como del sombrero o las lanas del perro, el cual está magníficamente trabajado.

11.CANÓNIGO BARELA

Tercera etapa. Vuelven a ser importantes las manos, con las que engancha y acerca al espectador al cuadro mediante el movimiento, que le da naturalidad a la figura.

El colorismo y la precisión en los detalles no se ponen en duda.

El fondo es bastante sobrio, en la línea del retrato romántico.

Su expresión no es totalmente naturalista, pero son rostros más amables y bondadosos que nos dan cercanía.

►JOSÉ DE MADRAZO Y AGUDO: 1781-1859

Nace en Santander en 1781 y muere en Madrid en 1859. Es el iniciador de la mejor saga de pintores del XIX (él neoclasicista, su hijo romántico y su nieto realista).

Se forma en la Academia de BBAA de San Fernando. Consigue una beca en 1801 para ir a Paría, donde estudia con David, que sentará sus bases neoclásicas.

En 1805 va a Roma y entra en contacto con Ingres, que le influye mucho en su obra. En Roma se convertirá en pintor de cámara de Carlos IV en el exilio.

En 1818, Fernando VII reclama su presencia en Madrid como catedrático de colorido y composición en la Academia de BBAA de San Fernando. Realiza una labor importante, ya que será la primera vez que en España se vea una pintura neoclásica al uso.

En 1848 le nombran director del Prado, en 1849, director de la Academia de San Fernando, y en 1850, a la muerte de Vicente López, es nombrado pintor de cámara de Isabel II.

Influyó en que sus alumnos y discípulos se abrieran al romanticismo, aunque él nunca lo empleara en su propia obra. La carrera de su hijo la dirige de un modo estratégico para convertirlo en un pintor romántico.

José de Madrazo tiene 2 etapas durante su producción artística:

-Romana (1805-1818): bajo la influencia de Ingres para una clientela adinerada.

-Madrileña (1818-1859): encargos para Fernando VII, literatos, políticos…

1.PRINCESA CARINI

1809. Es uno de los retratos más cotizados. La composición es triangular, la princesa con el peinado de cabellera con rizos corotos y traje imperio de terciopelo negro aparece recostada sobre el diván.

Es un figura con elegancia natural, de porte exquisito, muy aplicado el proceso de idealización y refinamiento de las figuras.

El fondo es neutro. El colorido general del cuadro es sobrio, además de que las matizaciones son muy reducidas.

El brazo está colocado con gracia para configurar la imagen, y así intentar solucionar el problema de las manos, ayudándose para esto también de un abanico.

La figura aparece también muy en primer término. No es especialmente fría, pero sigue siendo hermética. Se ha puesto en relación con los retratos y la elegancia de Ingres.

Las manos son finas, totalmente idealizadas y rejuvenecidas, delineadas y modelado plano.

2.PRÍNCIPE FEDERICO DE HOLSTEIN DE OLDEMBURGO

Roma, 1810. Es una obra atípica por las matizaciones y brillos en la ropa. Al igual que por los sombreados de su rostro.

Era el heredero de la casa de Oldemburgo, posa en un retrato oficial sentado, con su traje de gala y condecoraciones.

Tanto tapicería como fondo son de colores oscuros, sin que resalte el uno con el otro.

El rostro es enigmático, no nos desvela su alma, ni tampoco nos da un aire de poder.

La figura está colocada muy en primer término para darle más elegancia, parecer más altiva y que dé lugar a menos fondo.

3.RETRATO DE GODOY

1812. Valido de Carlos IV, retratado por José de Madrazo de una manera muy diferente a Goya, que lo representaba tosco e inculto.

En este momento Godoy tenía 46 años, lo que nos indica el importante proceso de idealización de los pintores neoclásicos, ya que sustituían su rostro rechoncho por un rostro apolíneo y rejuvenecido.

Aparece sentado junto a un velador con una escultura con cabeza doble (Séneca y Sócrates); y un opúsculo que dice que esas esculturas las descubrió en unas excavaciones el propio Godoy.

Hace un retrato íntimo, algo atípico en el neoclasicismo. Lo retrata de una forma más abandonada en su vestimenta, con la única condecoración de la Cruz de Malta. Es como una escena doméstica.

Las manos nuevamente delineadas, idealizadas e iluminadas. Vemos gradaciones en los ropajes, algo excepcional en el retrato neoclásico, aunque comparadas con la de Vicente López son algo infantiles.

La figura vuelve a aparecer en primer término, distanciándose del espectador por us hieratismo y majestuosidad.

El fondo esta vez se compone mediante un cortinaje al que se le da poca importancia.

4.CARLOS IV

Hizo varios retrato de Carlos IV y María Luisa de Parma de cuerpo entero, sólo conservamos 2 que aparecen en cuadros independientes.

Aquí los ropajes sonde gala, aparece con las bandas con algunas matizaciones y el toisón de oro.

Se representa sentado junto a una mesa con la Corona alusiva a su condición de rey.

El fondo es nuevamente cortinaje, que no resalta excesivamente por dos motivos: el poco espacio que ocupa y el color poco resaltado.

El rostro aparece representado más joven de lo que era, en ese gusto por la idealización.

Es un personaje en primer término que deja intuir su drama personal.

5.MARÍA LUISA DE PARMA

Cuando la retrata tenía 60 años, por lo que su idealización es muy clara tanto en su rostro como de su cuerpo.

Hace pareja con el anterior, por lo que la uniformidad de composición y colores es visible.

El traje es de modelo imperio, con colores muy ascéticos respecto al fondo, todo mucho más mate y sin brillos.

El fondo nos deja visible un paisaje crepuscular marino, es un elemento pre-romántico.

Mientras Carlos IV nos transmite melancolía, María Luisa aparece mucho más altiva, estirada, dominante e intransigente.

Las gradaciones de colores son las lógicas, sin grandes alardes.

6.RETRATO DEL CARDENAL GARDOCCI

Roma, 1816. Retrato de cuerpo entero. 3 x 1'75 m. Aparece vestido con muceta (blanco), capa cardenalicia (sobre el sillón), el gorro birrete (mesa), sobrepelliz (encajes matizados pobremente en blanco).

El rojo fue un píe forzado, pero si prescindimos de él, el cuadro vuelve a ser austero de color con gemas de granates.

Es una figura mayestática, altiva, autoritaria, intransigente, características que emanan de su rostro. Rostro totalmente perfilado, con rasgos finos nariz aguileña.

El fondo tiene un poco más de protagonismo por la vista que deja ver el Vaticano en una luz crepuscular.

Las manos muy idealizadas y escultóricas, resaltan por su posición sobre el gorro y con una nota.

7.EL DUQUE DE RIVAS

1822. Segunda etapa. Es el prototipo de cuadro romántico, pero su técnica es muy lineal para serlo.

Era un hombre liberal como vemos en su afinidad literaria al romanticismo, lo que influye en las características pictóricas que le da Madrazo.

Lo representa con un medio cuerpo largo. Muy destacada la intensidad de su mirada, que es brillante y sugerente, nada visto con anterioridad, y relacionado nuevamente con el romanticismo.

La postura está como relajada, aunque es un poco forzada.

El fondo vuelve a ser neutro, irrelevante. El tratamiento del color es muy austero, sin gradaciones más allá de las necesarias.

8.FERNANDO VII

1818-1821. Es un retrato monumental. Coloca a caballo y rey en un primer término, lo que no deja lugar a paisaje, algo muy neoclásico, no intenta buscar profundidad ni ningún tipo de gradación, sólo busca darle un marco a la figura.

Los dos soldados del fondo le dan un carácter mayestático y trascendente impropio del neoclasicismo.

El rey parece un personaje muy altivo, frente a la tosquedad que le dio Vicente López, lo que representa su carácter absolutista.

Los detalles para nada sin pormenorizados siguiendo su teoría del color muy simplista, sólo dados esos detalles en la anatomía del caballo.

9.ISABEL II

1834. Retrato oficial de su subida al trono como nos indica el velador con la Corona.

El tratamiento del color vuelve a ser armónico entre fondo y traje de la reina. El fondo vuelve a ser tópico con la columna y el color neutro.

Una figura perfectamente perfilada como es habitual en el neoclasicismo. El único detalle que rompe la seriedad es la paloma, aunque no consigue darle gracia.

10.AUTORRETRATO

Década de 1840. El tratamiento de la nariz y la boca, especialmente delineadas recuerdan a su retrato del Cardenal.

Tiene una parte distinguido, en la línea de altivez y señor importante.

11.PIFERAROS

1812. Es un cuadro fuera de tiempo, por lo que no se entiende. Su temática es popular y real, es algo típico del periodo romántico, que en España no aparecerá hasta 1840.

Tiene una técnica muy lineal, lo que es algo muy neoclásico, a diferencia de la pintura costumbrista del Romanticismo. Pero son muy excepcionales los puntos vivos de color como los rojos y anaranjados.

También es atípico en el neoclasicismo el tratamiento de la luz: penumbra en el fondo; sol y sombra en el pórtico; y luz plena y estridente en la escena de la calle (auténtica luz neoclásica).

Algo propio del Romanticismo sería el tratamiento amable de los tipos populares, alejado del repudio y el rechazo neoclásico.

Los Pferaros era una fiesta celebrada en Roma el día de la Inmaculada, donde se colocaban imágenes y grupos de amigos cantaban a las esculturas, recibiendo a cambio dinero de sus dueños.

Aquí aparecen en el fondo José de Madrazo que se autorretrata y su esposa, Isabel Kuntz, con la que contrae matrimonio en la capital italiana.

12.FAMILIA MONREAL

Es un retrato de familia, género típico del Romanticismo. En la segunda mitad del XIX es un género muy extendido entre los nobles, dejando en evidencia el poder económico del poseedor.

Es típico del Romanticismo la escena doméstica, aunque aquí el fondo neutro marca su neoclasicismo.

La indumentaria de las niñas con delantales, y la pelea de los niños por la jaula de grillos es nuevamente muy romántica.

Esta pelea rompe la rigidez y el hielo ante el público, aunque la madre no cede su hieratismo a pesar de que está parando la pelea.

Madrazo participa de las enseñanzas para hombres (mapas) y mujeres (música) con los dos detalles que aparecen en las manos de padre e hija.

La técnica lineal es muy neoclásica, al igual que la poca expresividad de los rostros de la familia.

TEMA 2: EL ROMANTICISMO

►FEDERICO DE MADRAZO: 1815-1894

Nace en roma en 1815 y muere en Madrid en 1894. en 1831 ingresa en la Academia de san Fernando con un cuadro de historia (Continencia de Escipión, antigüedad clásica).

En 1832 le encumbra a la fama el cuadro de “La enfermedad de Fernando VII”, con el que se vende la figura de la reina María Cristina como posible reina regente. Es un cuadro con muchas características románticas: pasaje histórico, pero a diferencia de su cuadro de entrada, es una historia contemporánea (1832).

En 1832 se traslada a Paría, aconsejado por su padre entra en contacto con Ingres.

Regresa a Madrid en 1834 y se casa con una mujer de familia acomodada. Marcha de nuevo a París en 1837 por otros dos años donde seguirá estudiando la pintura contemporánea francesa. Es entonces cuando su padre le aconseja que vaya a Roma entre 1839-1842. Allí entra en contacto con los pintores nazarenos e intensifica su relación con Ingres (Director de la Academia francesa).

En 1842 vuelve a Madrid para trabajar con algunos contactos de su padre.

Federico de Madrazo tiene 3 etapas durante su carrera:

·1842-1848: se instala en Madrid y comienza su etapa pre-romántica.

·1848-finales 1860: etapa plenamente romántic. Es nombrado pintor de cámara en 1859; directo del Prado en 1860 (rescató las pinturas negras); y directo de la Academia de San Fernando (1867).

·1868-1894: etapa realista.

1.LA CONTINENCIA DE ESCIPIÓN

1831. Con este cuadro ingresa en la Academia de San Fernando. Es un cuadro al uso de la estética neoclásica. El tema es de la historia romana. Está articulado en una especia de friso que enmarca a las figuras, menos al protagonista. Concede poca importancia al color. Presta mucha atención a la línea. Son figuras con un modelado rígido. El fondo está muy estereotipado, urbano, no es nada creativo.

La obra es menor, aún a sus 16 años no apunta maneras del gran pintor en el que se convertirá.

Los rostros son anodinos, algo típico del neoclasicismo. El significado de la escena es moralizante, cuando Escipión entrega a la muchacha sin cobrar el tesoro.

Hay algunas torpezas como la desproporción de las figuras de la derecha.

2.ENFERMEDAD DE FERNANDO VII

Es un episodio de 1832, es entonces cuando se vuelve a imponer la ley sálica, pero cuando se restablece su salud la deroga, dando otra vez el trono a su hija. El cuadro es posterior, por lo que se tilda como un cuadro de propaganda a favor de María Cristina de Nápoles, que aparece vestida con el hábito de carmelita (promesa de la reina si el rey sanaba).

Aún está la idea del friso que enmarca las figuras, que son retratos individualizadas.

Se puede considerar además de cuadro de historia, un cuadro de retrato colectivo. Aún el modelado es bastante rígido (el modelado blando es romántico). El tratamiento de la luz no es uniforme, sino contrastado, lo que ya es una característica romántica.

3.EL GRAN CAPITÁN EN EL CAMPO DE LA BATALLA DE CERIÑOLA

1835. Ya tiene influencia de la pintura de historia francesa, más avanzada que la española, aún neoclásica.

El pasaje es del año 1503, cuando los RRCC mandan a Gonzalo Fernández de Córdoba para que consiga que Nápoles vuelva a pertecener a España.

El momento es cuando el Gran Capitán recorre el campo de batalla y se da cuenta de que su amigo-enemigo el conde de Nemours ha muerto en la batalla.

Tiene mucho que ver con los ideales de la pintura romántica, que vende la nobleza de los militares españoles, como muestra la tristeza del Gran Capitán.

Hay un homenaje a Velázquez con la presencia de la lanzas, los nubarrones grisáceos del fondo de batalla, la composición de la escena mediante 2 bloques, el caballo vuelto y la actitud de respeto del Gran Capitán, además del autorretrato de Madrazo, al igual que hace Velázquez en las Meninas.

Inserta personajes de la época como Espronceda (rojo); Manuel Álvarez de las Asturias y Bohorquez (naranja); y Manuel de Povar (descendiente del Gran Capitán).

Influencias de El Greco las vemos en las 3 figuras anteriores y la colocación del cadáver (influencia del Entierro del Conde Orgaz).

Las figuras son muy rígidas (aún neoclásicas), torpes y un poco forzadas. Los rostros son retratos magníficos, aunque orá avanzando como retratistas.

4.DON ÁLVARO DE LUNA EN EL PATÍBULO

1837. Se Representó a lo largo del XVII en la pintura de historia en muchas ocasiones.

Aquí vemos cuando Don Álvaro de Luna le entrega el anillo como donativo para su propio entierro su apesadumbrado paje.

Aparece tanto el tema de la justicia y la resignación y valía de Don Álvaro ante su destino final.

Las figuras son menos rígidas, que puede ser por el carácter de boceto del cuadro.

La escena es un poco lóbrega, unas partes medianamente iluminadas, otras en penumbras… siguiendo los planteamientos de luz contrastada romántica.

Los protagonistas siempre se sitúan en el centro, en la zona más iluminada.

Es característico en la pintura de historia que estén siempre gesticulantes hasta la exageración. Aquí las palmas e las manos y la figura del paje excesivamente compungido son demasiado efectistas.

5.LAS TRES MARÍAS ANTE EL SEPULCRO

1841. Reales Alcázares de Sevilla. Está pintado en Paría. Representa el pasaje bíblico en que la Virgen y las 3 Marías van al sepulcro a ungir el cadáver de Cristo y los ángeles les comunican que Cristo no está allí.

Los dos ángeles tienen manos que nos hablan, son figuras efectistas y gesticulantes.

María Magdalena que aparece por delante del resto es muy efectista, resaltando nuevamente las manos.

El tratamiento de la luz es muy importante, es una luz misteriosa y mágica, que parecen irradiar los ángeles. Es una luz muy romántica.

Las figuras femeninas tienen una influencia nazarena, con un modelado rígido, con peso, corporeidad y volumen. También es influencia nazarena los pliegues en “V”, que utilizará también en los retablos de la primera época. Los rostros son muy perfectos y de piel blanquecina, influencia nórdica.

A la derecha, la entrada a la cueva donde estaba el sepulcro, de influencia nazarena, representa las tipologías del trecento italiano.

6.EL VARÓN TAYLOR

1833. Era un militar que conoce en Francia durante su primer viaje. Hay que señalar que éste abandonará su carrera militar para dedicarse a la literatura, por lo que nos encontramos en la estrecha relación entre pintura y literatura.

Es un retrato de busto, el más antiguo que conocemos de Federico de Madrazo. Aún el tratamiento es un poco rígido en volumetría.

Es notable para esta fecha tan temprana la manera de representar la chaqueta abierta, donde ya apunta maneras de gran retratista. Es en cierta manera un retrato psicológico.

Tiene un aire de elegancia que no parece forzada (influencia del retrato inglés).

7.MARINO SÁNCHEZ

1842. Primera etapa. Es uno de los retratos que su padre le había preparado para que él empezara a trabajar, género en el que quedará encasillado (más de 700 retratos).

Es un retrato de tres cuartos, retrato por excelencia de la pintura romántica.

La figura es muy sobria, la condición de marina aparece representada al fondo con la vela y el mástil. El gesto rígido de las manos le resta vivacidad al cuadro.

El modelado avanza hacia un modelado más blando en la manos derecha que el resto del cuadro.

El rostro de influencia nazarena suaviza sus facciones e idealiza y satina su piel.

El cuadro es muy sobrio en colores, muy característico de las pinturas románticas.

La figura con una extraordinaria elegancia con un aire a lo dandy.

La luz no es neoclásica, es una luz un tanto de ensoñación, crepuscular. Esta luz con matices es propia del Romanticismo.

8.FEDERICO FLORET

1842. Museo del Prado. Es el retrato infantil masculino más conocido de Federico de Madrazo. Hay muchas influencias en este cuadro.

Empezamos con la influencia de Velázquez a nivel de composición. Recuerda las figuras de cazadores de este pintor. Aquí la escopeta se sustituye por una espada; y la figura se recorta sobre un paisaje. El negro es muy velazqueño, con muchos matices, tanto de sombreado como brillos y dobleces.

La influencia inglesa en cuanto a la elegancia dando, donde vemos el ideal de la elegancia de la figura.

La figura es de tipo nórdico, en sintonía con la pintura nazarena.

Las manos están muy perfiladas, lo que nos devuelve al modelo rígido de los nazarenos.

El tipo de paisaje es poco velazqueño, la escena es un fondo de tormenta, mucho más oscuro y dramático, relacionado con los fondos nazarenos, donde el tratamiento de la luz es diversificado, algo también muy romántico.

El árbol es también un árbol de influencia nazarena, de los apuntes tomados en Roma.

El traje es de gala, que responde al modelo de retrato infantil por antonomasia del Romanticismo.

9.PEDRO TÉLLEZ GIRÓN

1844. Duque de Osma. Para algunos el mejor retrato masculino de Federico de Madrazo.

Aquí sí vemos las matizaciones entre el negro del gabón y del traje en función de la incidencia de la luz.

La figura tiene una parte elegante, el brazo izquierdo en jarras; mientras que el derecho apoya en un bastón con los guantes y el sombrero, lo que le aparta con mucha elegancia.

El rostro es nuevamente rubicundo, con una piel satinada y blanquecina, propia de la pintura nazarena.

La mirada está bastante trabajada, algo que no se ve en las obras anteriores. Esto le da una cierta melancolía. Se dice que el drama personal del final que se avecina al protagonista se adivina en este cuadro.

La mirada es un mirada prerromántica que anticipan la etapa posterior.

Esto también se intuye por el fondo que representa el palacio del Duque del Infantado de Guadalajara, ya que también es Duque del Infantado.

El tratamiento de la luz vuelve a ser la luz contrastada, plenamente romántica.

10.ISABEL II

1844. Es el primer retrato de Isabel II como reina con 14 años. En este caso está muy supeditado el lienzo y el pintor al carácter oficial.

La reina aparece representada con más entidad y edad de la que tenía, aunque su acitud es menos distante a la que estamos acostumbrados en los retratos reales.

Aparece delante de un sillón a modo de trono con el escudo en el respaldo. A la derecha la corona que hace referencia a su condición de monarca.

El traje está trabajado con mucha minuciosidad, grandes y variados matices del blanco; y una gran habilidad para representar el encajo de satén y raso; pero presta menos atención a las joyas que Vicente López.

El modelo está en la línea de la influencia nazarena, aún con un perfil duro y marcado, aunque siempre menor que la pintura neoclásica.

11.LEOCADIA ZAMORA

1847. Era el retrato favorito de Federico de Madrazo junto al de la Condesa de Vilches.

Era una mujer con fama de ser especialmente atractiva. Llama la atención la sobriedad del traje de gala. Deja los hombros al descubierto, mostrados con sensualidad. El chal (100% nazareno) está magníficamente representado y estudiado.

La sobriedad la encontramos en la representación de las joyas. Frente a este ascetismo tanto de modelo como traje, el fondo decepciona por estar recargado. Es un interior abierto a una galería.

La luz incide claramente en la figura, mientras que el fondo aparece en penumbras. Este contraste es claramente prerromántico.

Las manos son idealizadas, aunque aún tenderá a un modelado más fino.

12.VENTURA DE LA VEGA

1850. Museo del Prado. Representa a este poeta, nuevamente la relación poseía-pintura. Ya había sido representado en el cuadro de El Gran Capitán.

Probablemente sea el primer retrato romántico de Federico de Madrazo y de la pintura española.

Es n cuadro impresionante por la habilidad en los matices del negro (influencia velazqueña).

Rompe la rigidez colocando la mano en el cuerpo de la chaqueta. La posición de la cabeza está girada de tres cuartos, indicando que mita fuera del cuadro, expresa cierta melancolía (un sentido muy típico del Romanticismo).

La luz es utilizada para destacar aspectos del rostro, lo que le hace más creíble y realista.

El modelado es más blando. Y la condecoración aparece pero de una manera muy secundaria.

13.RETRATO DE SOFÍA VELA

1850. Aparece la figura repasando la partitura, cuando la niña se vuelve al espectador, que es el momento que recoge el pintor a la manera de una instantánea.

Es un cuadro de busto largo, con indumentaria muy sobria, con importantes matices en el negro (influencia velazqueña).

El rostro ideal del Romanticismo es el ovalado, por lo que el pintor matiza las facciones para que tienda a esa idealización femenina.

El modelado es ya muy blando, las líneas han perdido protagonismo a favor del color, soltando la pincelada.

Esta figura resulta muy creíble, dando una sensación de cercanía. Está colocada muy en primer término, pero no para darle la monumentalidad del neoclasicismo; sino para acercarla al espectador.

14.SEÑORA QUINTANA

1851. Es un retrato de cliente plenamente romántico. Es de tres cuartos. La señora aparece con indumentaria sobria. Aparece en un interior burgués muy desdibujado, que sólo nos deja adivinar el cortinaje. Esto nos lleva al fondo prototípico del romanticismo.

La figura posa con naturalidad, sentada en un sillón. En el brazo reposa sobre el respaldo; y en el derecho sostiene un pañuelo. Las manos con un modelado suave, típico del Romanticismo.

El rostro nos muestra a una mujer retraída y tímida, síntoma de Romanticismo, que nos transmite sensaciones: dejando atrás las figuras rígidas y hieráticas del retrato neoclasico.

15.CAROLINA CORONADO

1855. Escritora retratada por Federico de Madrazo justo antes de morir, por lo que tuvo que se r autentificado por su hijo al ser entregado al Prado.

Nuevamente al ser el retrato de un amigo hace un retrato de busto largo. El fondo es neutro, fondo característico del Romanticismo. Es un traje sobrio, de colores negros en las que puede hacer todo tipo de gradaciones, sobre todo en la mantilla, hecha con un técnica bastante suelta.

Es una figura que parece más rígida que Sofía Vela, pero igualmente su mirada transmite, cercana al Romanticismo.

Las manos ideales, aunque con un modelado mucho más blando, con menos capa de pintura que Vicente López, y menos retoques.

El traje negro con mantilla negra es una nota goyesca bastante extendida en la sociedad de escultura del momento.

16.DUQUESA DE SEVILLA

1851. Es un retrato de cuerpo entero. El traje es absolutamente espectacular en diseño y colorido (algo típicamente neoclásico). La imagen es más embarada, sin dar el carácter íntimo de la sra Quintana.

La luz es de penumbra, aunque incide sobre la figura, algo muy romántica.

La figura aparece tres cuartos de perfil con la cabeza vuelta en dirección contraria, lo que da la sensación de instantánea fotográfica.

El fondo es como el de la sra de Quintana, donde adivinamos un cortinaje bastante desdibujado (romántico); y muy tamizado por la luz de penumbra.

La expresión es muy romántica, más expresiva que Leocadia Zamora, nos muestra la melancolía de su mirada.

Modelado blando y pintura muy suelta.

17.ISABEL II

1850. Es un retrato oficial de los 28 que realizó. Éste parece ser el más destacado. La indumentaria es de gala, con un traje espectacular con ese color azul. En cuanto a su carácter llamativo enlazaría con la variante del Romanticismo de trajes espectaculares y colores llamativos.

El cuadro tiene un fondo oscurecido y la luz incide de manera especial sobre la reina, lo que es muy romántico. Se supone que es una estancia palaciega.

La reina aparece junto a una mesa con el repostero con la corona. La coloca de tres cuartos de perfil pero mirando al frente. Soluciona el tema de las manos representando una doblada y otra portando un detalle, lo que le da a la figura una cierta naturalidad.

Pintura suelta en el fondo y en el traje lo que nos lleva a una técnica del Romanticismo; pero la técnica del rostro es de un acabado perfecto; ovala su rostro que era el rostro más bello de la época.

18.LA CONDESA DE VILCHES

1853. Confluyen una serie de circunstancias entre el diente y el pintor que favoreció los detalles sorprendentes de este cuadro. La amistad entre la familia y el pintor favoreció al pintor para que se tomara ciertas libertades.

Lo fundamental para muchos es que la cabeza está ladeada respecto al eje del cuadro, lo que nos lleva a un menor hieratismo. Otro detalle que favorece este naturalismo y cercanía de la figura es la pose descuidada con la que posa la modelo, recostada sobre el sillón, apoyando su brazo derecho sobre el brazo del sillón, acercando su mano hacia su rostro. Está colocada muy en primer término. Otra cuestión importante es el tratamiento lumínico.

La mirada de la Duquesa llama la atención del espectador. Mira al frente con descaro, intentando seducir.

El traje es espectacular, nuevamente la variante romántica de los trajes espectaculares con colores exóticos. Es un vestido de gala muy refinado, con volantes en la parte delantera formando curvas y contracurvas.

El peinado y rostro está nuevamente idealizado hacia la belleza perfecta del Romanticismo.

Las manos las resuelve con diferentes posturas, mientras la derecha se acerca a la cara; la izquierda sujeta un abanico.

La técnica es suelta, aunque no de las más sueltas. En la postura vemos influencias de Ingres, al igual que el color del vestido.

Es un cuadro que fue muy conocido en la época y muy valorado en los círculos artísticos. La relación de amistad con la Condesa favoreció que el cuadro fuera expuesto en vida del pintor en diferentes ocasiones en París.

19.LA CONDESA DE MEDINACELI

1854. Es un retrato de cuerpo entero donde la efigiaza aparece con un traje muy particular de maja goyesca.

Es un traje popular de gala, muy exuberante. Eran trajes muy utilizados para bailes de máscaras.

La figura aparece de perfil, mirando al frente con el brazo derecho en jarra. Es una figura mayestática. Llama la atención la mirada altiva pero melancólica, mediante la cual la figura transmite cierta tristeza (algo muy típico del Romanticismo).

Ella posa en la galería de un palacio. En los pilares de la galería aparece el escudo de la Casa Medinaceli.

Se vislumbra en el corte derecho una figura masculina, que se interpreta como el padre de la Duquesa, sería un preludio del realismo, marcando el encuadre casual.

El fondo del cuadro no es propiamente romántico de fondo oscurecido, sino un fonde muy espectacular, volviendo a los cuadros de los años cuarenta. Es posiblemente por influencia del cliente.

La luz del cuadro no obstante tiene luz contrastada entre el interior de l izquierda y el paisaje de l derecha, con influencia del paisaje romántico.

Tiene un técnica muy suelta en el traje, tanto los matices en el negro como los tornasoles nos indican la manera magistral de reflejar la incidencia de la luz en las telas.

20.GERTRUDIS GÓMEZ DE AVELLANEDA

1857. Es nuevamente un cuadro que une literatura y pintura, puesto que la retratadaes una escritora amiga del pintor.

La figura está sentada en tres cuartos de perfil. Está erguida. Su rostro no es rígido, sino muy humano, muestra de una gran caja emocional de los dramas de su vida.

El traje se encuadra dentro de los trajes sobrios románticos, con técnica muy suelta en el chal y la tapicería del sillón, y multitud de matices en el negro del traje.

El fondo es un fondo neutro en color ocre.

Es un cuadro que apunta al realismo por la mancha de nacimiento que tiene la retratada que el pintor representa sin intentar evitarla o disimularla.

21.EDUARDO ROSALES

1865. Museo del Prado. Fue un destacado retratista y pintor de historia. Era una generación más joven que Federico de Madrazo. Fue alumno de éste. Está pintado un año antes de que falleciera de tuberculosis el retratado.

Todos dicen que su mirada vidriosa y emotiva anuncia el drama que le sorprendería. Es una mirada más impactante, lo que nos lleva al Realismo.

La técnica es notablemente más suelta, propiamente realista.

Virtuoso tratamiento del negro.

22.MARIANO FORTUNY

1867. Acaba de contraer matrimonio con la hija de Federico de Madrazo, Cecilia. Morirá en 1874. Yerno y suegro tuvieron una relación muy intensa por esa afición a la pintura.

Vuelve a mostrarnos un fondo neutro en ocre claro. Se habla de realismo por el giro de la cabeza que da sensación de instantánea fotográfica, como si Mariano hubiera girado la cabeza bruscamente. Y también vemos el realismo en la mirada, configurada con pintura muy suelta, sumamente abocetada; es una mirada hiriente, muy dramática.

La cabellera ensortijado y despeinada de Fortuna colabora también a que la imagen parezca más naturalista y realista.

23.DUQUESA CASTROENRIQUEZ

1868. Museo del Prado. Tras los dos últimos retratos que muestran tantos avances hacia el realismo, vuelve a un retrato de sus años cuarenta.

El traje tremendamente fastuoso (influencia de la III etapa velazqueña). Es un traje oficial con fondo blanco de tules y detalles en azules, igual que los rosas.

Las manos las resuelve nuevamente entre cruzándolas, con una juega con el brazalete de la otra, lo que le resta rigidez.

El fondo oscurecido, como ya lo hace en los años sesenta, aunque en la mesa pinta la solera del Tesoro del Delfín que se enconaba en el Prado.

Para muchos el rostro es realista, no ha idealizado las facciones, lo que para algunos desmerece el traje.

La mirada sería tendente al realismo, con cierta melancolía.

24.MARÍA LUISA FORTUNY MADRAZO

1884. Es un retrato realizado a su nieta. Lo pintó en un día, lo que nos habla de su tendencia a una pintura más suelta. Es un homenaje a Velázquez.

El juego de la presencia del espejo, colores brillantes y nacarados de grises y blancos.

La técnica es muy realista, posa con mucha naturalidad.

25.DUQUE DE VISTAHERMOSA

Es un retrato póstumo, hecho a partir de diferentes fotografías, las cuales sigue a bastante píe juntillas.

El hecho del fondo natural y la postura relajada sobre la silla ya nos muestra cierto realismo.

La técnica totalmente desdibujada es muy vanguardista y audaz, lo que nos lleva hacia el Realismo.

Opta por una pataleta armónica pero muy austera, de colores pardos, algunos de ellos propios del preparado de lienzo, los cuales saca raspando la pintura con una espátula.

26.RETRATO DE SENSI

1873. Muy influenciado por su hijo Raimundo de Madrazo. Obedece al retrato de busto corto sobre el fondo neutro (Fortuna y Rosales).

Es una figura muy expresiva, está cabizbajo, es un gesto menos académico que los anteriores, avanzando hacia el realismo.

Es un anciano que huye de la belleza ideal. La vejez está representada con todo detalle con la flacidez, arrugas, bolsas bajo los ojos…

Las facciones son angulosos, la nariz y el entrecejo apunta a la pérdida de idealismo, que también llevan al Realismo.

La expresión es dura y seria. Es una expresión de mucha energía.

►ANTONIO MARÍA ESQUIVEL SUÁREZ DE URBINA:1806-1857

Nace y se forma en Sevilla, en la Academia de BBAA de Santa Isabel de Hungría. En 1831 se traslada a Madrid, donde entra en contacto con la Academia de BBAA de San Fernando, en la que fue profesor.

A finales de la década de 1830 tuvo una ceguera momentánea, retorna a Sevilla, donde 2 ó 3 años después recupera la vista, lo que le lleva a volver a Madrid, donde tenía una clientela importante. Dejó un hijo pintor, Carlos Esquivel.

Lo más valorado son sus retratos, pero también practica pintura religiosa y mitológica (practica el desnudo).

Sus retratos son muy distintos a los de Madrazo. Su estilo es muy uniforme, cuyas claves son la técnica excesivamente perfilada; y un modelado duro; los rostros están muy bien conseguidos, pero resultan poco expresivos, con gestos forzados; es muy detallista en los adornos y accesorios que aparecen en el cuadro; los fondos son de estilo vaporoso de Murillo (pintura del siglo de oro que aún se enseñaba en la escuela sevillana en el siglo XIX), lo que le da al cuadro un sabor dulce, un ambiente de ensoñación.

Fue un artista muy cotizado, posaron para él miembros de la familia real, importantes políticos de la época. Tiene todos los tipos de retratos: infantiles, tres cuartos, cuerpos entero, busto corto, ecuestres y colectivos.

Tiene dos etapas en su producción: la sevillana (antes de 1831) y la madrileña (tras 1831).

1.ANTONIO GUTIÉRREZ SOLANA

1834. Etapa madrileña. Retrato de tres cuartos con el brazo derecho apoyado sobre un velador. El fondo es nuetro. La indumentaria es sobria de color y en una gama armónica con el fondo.

La técnica es muy perfilada, por lo que el modelado es muy rígido. La expresión no es la de una mirada estrictamente romántica, no son las sensaciones típica de la época, sino que también es un poco dura.

El rostro están bien singularizado, en este sentimento es un retrato más cabal.

2.MENDIZÁBAL

Hacia 1840. Etapa madrileña. Esquema de tres cuartos sedente. Aparece nuevamente la mesa como apoyo del brazo. El fondo nos muestra el estilo vaporoso de Murillo que enmarca la figura con una especie de aureola. La indumentaria es más colorista, en función de su traje de gala.

La técnica sigue siendo muy lineal, por lo que le saca mucho partido a las indumentarias y detalles.

Es un rostro bien modelado y singularizado. Es un rostro duro, rígido, parece que la posición es muy forzada.

3.HERMANOS FLORES CALDERÓN

Hacia 1835. Etapa madrileña. Retrato infantil. Son dos lienzos que hacen pareja. En el del niño vemos la influencia murillesca en el fondo algodonoso.

La figura está muy delineada, el color es algo totalmente secundario. Gran precisión y minuciosidad en los detalles. El rostro del niño también tiene cosas murillescas. Es un retrato más sobrio y menos efectista que el de la niña.

El retrato de la niña es también con indumentaria de gala. Aparece de una forma forzada jugando con el loro. La figura está muy envarada, por lo que se ve claramente que está muy forzada. Su rostro tiene una expresión demasiado melancólica para ser infantil, por lo que decepciona.

Opta por un fondo de jardín, no es una atmósfera fría, pero tampoco es el estilo vaporoso de Murillo.

4.RETRATO ECUESTRE DEL GENERAL PRIM

Hacia 1845. Etapa madrileña. Es un retrato oficial, por lo que siempre resulta envarado. La técnica lineal y modelo rígido, la escasa calidad del colorido resultan un poco forzados.

Lo más destacado es el tratamiento del fondo, es un fondo menos rígido que el de Fernando VII de Madrazo, pero tampoco llega al de Murillo.

Las tres figuras posteriores sí que parecen una instantánea fotográfica, contribuyendo la naturalidad del cuadro.

El caballo está más al fondo que el de Fernando VII, quitándole monumentalidad y dando más espacio al fondo, que tiene una técnica con más gradaciones y pincelada suelta.

5.LOS POETAS CONTEMPORÁNEOS

1845. Etapa madrileña. Museo del Prado. También conocido como “Una lectura de Zorrilla en el estudio del pintor”. Esquivel planteó a las personalidades de la época estos retratos colectivos paara que todos quedaron inmortalizados.

Hizo un boceto antes de su ceguera momentánea, que cambia totalmente cuando años después lo retoma.

Es un cuadro con 44 personajes, pero de pequeño tamaño, y todos perfectamente caracterizados.

Los cuadros del fondo eran reales y pertenecían a la colección de ESquivel, por lo que el lugar es el estudio real del pintor.

Aparece Esquivel autorretratado frente a un lienzo que está pintado. Intenta hacer una instantánea en la que mira a Zorilla, peor la composición es un poco forzada.

Hay dos figuras representadas en lienzos: el Duque de Rivas (izquierda) y Espronceda (que ya había fallecido, derecha). A Larra, que ya había fallecido, no lo introdujo como a Espronceda.

Todas las figuras están colocadas de 2 en 2 ó de 3 en 3 para dar más naturalismo a la escena, aunque aún parecen actitudes forzadas.

Los estudios son habitaciones amplias con techos altos en cuyos muros hay cuadros del pintor. Se entra desde el fondo. El sueño cubierto con alfombras que llegan hasta la chimenea que aprovechan para apoyar los sombreros o algunos vaciados de escultura, que también flanquean las puertas. Y la luz natural llega desde los ventanales de la izquierda.

El cuadro tiene influencias de os bodegones flamencos. Influirá más tarde en el Estudio de Courbet.

6.LOS ACTORES O CREACIÓN DEL TEATRO NACIONAL

1846-1849. Etapa madrileña. Tras terminar con los poetas contemporáneos intentó representar a los actores de la época. Aquí Ventura de la Vega lee una pieza de teatro a un grupo de actores en el Teatro Príncipe de Madrid.

Comenzó a pintar este cuadro mientras seguía haciendo sus encargos personales. En este retrato colectivo iban a entrar 100 figuras.

El esquema de parejas y tríos es la misma que en el anterior, pero con gestos más forzados.

Coloca a todos los actores de frente al escenario, pintando el fondo con todos los palcos y la gran lámpara bajada, consiguiendo una mayor naturalidad y restando rigidez al cuadro.

Los personajes están más rígidos que en el caso anterior, perfectamente perfilados y dibujados. La aparición de mujeres añade colorido a la obra.

Este cuadro nunca lo acabó, al parecer porque se cansó del proyecto.

7.AUTORRETRATO

Modelado rígido, minuciosidad en los detalles de los tejidos y joyas. El findo neutro sobre el que la figura queda perfectamente recortada.

►JOSÉ GUTIÉRREZ DE LA VEGA: 1791-1865

Nace en 1791 en Sevilla y muere 74 años después, en 1865. Se forma en Sevilla en la Academia de Santa Isabel de Hungría. Viene a Madrid en 1831 con Esquivel. Su clientela es muy numerosa entre la burguesía y nobleza de la época, aunque tiene menos fama que Esquivel.

Tiene dos etapas: la sevillana (hasta 1831) y la madrileña (1831-1865). Tiene pinturas de retratos y cuadro de costumbres.

Su estilo es contrario al de Esquivel. Su técnica es de pintura más suelta, aunque no saca muchos matices a los colores, pero sí un modelado blando y gran habilidad para sacar el alma del personaje, sin el refinamiento de Madrazo. Trabajo todos los tipos de retratos, aunque no se hace los excepcionales retratos colectivos. Maneja fantásticamente el estilo vaporoso en sus fondos.

1.ISABEL II

1840. Retrato de cuerpo entero recortado sobre fondo neutro oscurecido. El tratamiento de la luz está muy contrastado. La luz es amarillenta, sin ser blanca, es una luz que crea el halo dorado que envuelve ala figura.

Detallismo en los detalles de la vestimenta, todo conseguido con una técnica suelta.

El modelado es más suave y de formas redondeadas. La expresión de la reina le da empaque a la figura, pero su mirada no enfatiza el carácter mayestático y altivo de una reina, por lo que trasciende y nos transmite romanticismo.

Las facciones están también rejuvenecidas e idealizadas, algo también característico del Romanticismo.

2.RETRATO DE DAMA

Década de 1850. La dama es anónima y su cronología tampoco es conocida. Es un medio cuerpo largo en un interior ascético y sobrio. No hay referencia de objetos decorativos o mobiliario, por lo que en su mayoría el fondo es neutro, con una cierta referencia a los fondos murrillescos.

La figura colocada de perfil mira al frente. La técnica suelta la vemos en las puntillas y joyas de la vestimenta.

El semblante es adusto, no es duro, pero sí nos transmite el alma del personaje, es una mujer hierática, muy comedida, da imagen de humanidad.

►JOAQUÍN ESPALTER: 1809-1880

Es catalán, estudia en la escuela de BBAA de Barcelona. En la década de 1830 se traslada a Madrid. Simultaneo su trabajo como profesor en la Academia de San Fernando con la actividad de retratista en la que alberga todos los tipos.

Tiene una técnica muy lineal para los trajes y detalles, pero sus rostros utilizan una técnica más suelta.

1.LA ESPOSA DEL PINTOR

Hacia 1850. Es la esposa del pintor. Es un retrato de tres cuarto con indumentaria sobria, donde domina el negro y la idealización del rostro ovalado. El fondo es apenas abocetado. Todo nos apunta al estilo de Madrazo. La figura consigue trascender, aunque menos que las de Madrazo.

2.LOS NIÑOS GONZÁLEZ AMORÓS

Hacia 1850. Retrato infantil. Niños con ropas engalanadas y juguetes. Recortados sobre un fondo de jardín muy lineal.

Las expresiones y rasgos fisionómicos son torpes, poniendo en evidencia sus limitaciones.

3.FAMILIA FLAQUER

Es usual que aparezcan diferentes generaciones. Los hombres con actitud de autoridad y las mujeres en sus labores. La técnica es muy lineal y aquí las caras muy rígidas, algo que no es usual en él.

El fondo abocetado con un retrato de algún miembro fallecido que el cliente quería que apareciera.

►CARLOS LUIS DE RIBERA Y CIEVES: 1815-1891

Nace en 1815 en Roma, hijo de un pintor neoclásico. Cuando era pequeño regresa a España. Estudia en la Academia de San Fernando. Tiene una estancia en París entre 1836-1844. colaboró en publicaciones y periódicos que difundieron el Romanticismo (El Artista).

Tiene obra de pintura de historia en su etapa de juventud. A partir de 1844 a su vuelta de París se encasilla en el retrato. Muere en 1891.

Hace todo tipo de retratos exceptuando el ecuestre. Sus honorarios eran más asequibles que los de Federico de Madrazo, lo que le dio una gran clientela.

Su estilo es rigurosamente lineal, un modelado duro y rígido. A veces muestra efectismo en el color. Las figuras están muy bien caracterizadas aunque sin una tendencia a la idealización. Los fondos suelen ser ostentosas, aunque también tienen neutros. Es muy romántico en el tratamiento de la luz, con un tratamiento muy contrastado. Muy minucioso en el tratamiento de las telas y trajes. Sus expresiones son más torpes.

1.FAMILIA DEL DOCTOR MOLINUEVO

La idea de representar a todos los miembros de una misma familia es muy frecuente.

Los niños parecen con la misma receta que en los retratos infantiles, aparecen con trajes engalanados, representados con gran minuciosidad.

Aparecen con juguetes y acompañados por un pero, que no muestran las nuevas costumbres de las clases altas decimonónicas.

La figura de la derecha queda al margen del resto, lo que nos muestra su incapacidad del artista para involucrar a las 3 generaciones en un mismo grupo.

2.MAGDALENA PARBELLA Y SU HIJA

Museo del Prado. Último cuarto del XIX. Es una variante que no hemos visto hasta el momento, ya que la hija ya es adulta.

El fondo es muy característico del autor, es muy ostentoso. Se aparta del traje negro, optando por un colorido llamativo, un rosa estridente. El traje negro de la matriarca no tiene matices.

La señora con un peso contundente posa con poca naturalidad, en este sentido poco romántica. La posición de su hija también nos muestra ese antinaturalismo.

Las expresiones no nos son transmitidas. Los rostros nos muestran distanciamiento.

El perro en el regazo de la madre le quita rigidez al retrato.

3.RETRATO INFANTIL

Es una niña cuya identidad se desconoce. Realizado con una técnica lineal y mucho detallismo a la hora de representar el tejido del traje de gala.

El fondo es un fondo de paisaje ideal que sirve de escenario a la figura.

La luz no es uniforme, sino contrastada, consiguiendo que la figura quede potenciada por ella.

El rostro no nos muestra ningún sentimiento, casi no responde a las representaciones infantiles.

►LOS BÉCQUER

Es una importante saga sevillana. Destacan Jose, Joaquín y Valeriano Domínguez Bécquer.

JOSE DOMINGUEZ BÉCQUER: 1805-1841

Se forma en Sevilla en la Academia de BBAA de Santa Isabel de Hungría. Entabla amistad con David Roberts y Genaro Pérez Villamil (primer Catedrático de Paisaje de la Academia de San Fernando).

JOAQUÍN DOMÍNGUEZ BÉCQUER:1817-1879

Primo del anterior. Estudia en Sevilla en la misma academia que José, de la que fue profesor y más tarde director. Destacó como retratista y costumbrista.

Sus obras se caracterizan por una técnica muy lineal para arquitectos e indumentarias, colorido variado, diversificado y vibrante.

1.GENERALES PRIM Y ROS DE OLANO

1864. Es un cuadro preparatorio para un cuadro de historia sobre la batalla de Wab al Ras.

El fondo neutro es un principio muy vanguardista, se transformó en algo intrascendente porque fue consecuencia de que esto era un trabajo preparatorio.

Los rostros bastante blandos también estarían en relación con su finalidad de boceto.

La capa muy trabajada, ya es más característico de este pintor.

2.EL PINTOR CARLISTA Y SU FAMILIA

Década de 1850. Se cree que sería un miembro de los Bécquer, pero aún no se ha encontrado ninguna relación. Entra dentro de los tópicos del retrato de familia: la mujer al piano; el hombre relacionado con la pintura, por considerarse un arte más noble; los niños con un modelado muy minucioso, riguroso y rígido. Lo curioso es la indumentaria tan sobria de la niña pequeña.

Es un cuadro vanguardista en cuanto que refleja un interior burgués. Con los cortinajes, la escultura, el caballete…

El colorido es muy sobrio para ser una paleta sevillana. Hay matices pero bastante comedidos.

3.RETRATO DE FAMILIA

Mediados del XIX. Interior burgués con una estampa muy propia de Sevilla. La madre con una pequeña en el regazo, mientras el otro llama la atención del bebé. Aparecen juguetes en un primer plano.

La luz es contrastada, lo que le da las características de instantáneas.

VALERIANO DOMÍNGUEZ BÉCQUER: 1833-1870

Hijo del iniciador de la saga y hermano de Gustavo Adolfo Bécquer. Prescinde en muchos documentos de su primer apellido. Estudia en la Academia sevillana, formándose como retratista y costumbrista.

En 1863 recibe una beca para inmortalizar escenas de tipos populares de Aragón y Castilla, como parte de un proyecto del Estado de tener tipos de todas las provincias.

►LEONARDO ALENZA: 1807-1845

Pintor de la escuela madrileña. Muere joven de tuberculosis. Sus retratos para clientes eran académicos, aunque sus autorretratos eran vanguardistas.

1.AUTORRETRATO

Década de 1840. Museo del Prado. Lo realiza poco antes de morir. Es un ejercicio libre, donde muestra características vanguardistas. En su rostro se ve pesadumbre, aunque no del todo el triste destino que le espera.

Es un fondo neutro, con pincelada suelta, colores sobrios y una mirada expresiva que nos muestra el drama del personaje.

TEMA 3: LA PINTURA DE HISTORIA

La pintura de historia no es una novedad en el siglo XIX, ya Velázquez la había tratado en su cuadro de Las Lanzas.

La pintura de historia del XIX se obsesionó con el rigor histórico, mientras que los pintores anteriores no habían estado obligados a representar con veracidad las escenas.

El entrenamiento de la pintura de historia en el siglo XIX para acceder a la Academia y para conseguir el título debían presentar un cuadro de historia. Acabada su formación, cuando pedían una beca debían realizar un cuadro de historia, durante su estancia en Roma debían realizar cuadros de historia. Toda esta circunstancia, en la que los cuadros de historia eran necesarios como ejercicios académicos, hacía que estos siguieran una pintura muy académica, con técnica muy lineal.

Hasta la década de 1830 fueron temas propios del neoclasicismo (antigüedad clásica). A parir de 1840 y hasta 1890 se centran en la historia de España.

Hubo una gran demanda de pintura de historia por los poderes públicos para decorar el Palacio del Congreso y el del Senado. También para los interiores de iglesias como la Iglesia de San Francisco el Grande de Madrid (Santiago en la batalla de Clavijo). También las diputaciones y Ayuntamientos encargan cuadros de pintura de historia del XIX (Salamanca, Barcelona…).

Algunos gobiernos como propaganda política también encargan cuadros de historia (gobierno de Sagasta, Isabel II…).

Entre los compradores privados destaca el Marqués de Alcañice, aunque es una figura excepcional. Lo que tuvo éxito entre la burguesía era la pintura de casacón, con tamaños más pequeños, acabados más imperfectos.

Para los pintores era importante triunfar en la pintura de historia porque para triunfar como pintor era necesario triunfar en este ámbito, como así lo demuestran los primeros premios de las exposiciones desde la Exposición de BBAA de 1856. Estas exposiciones hicieron que algunos temas se standarizaran, con ello se evitaban críticas, pero conlleva a que todos los cuadros se parezcan mucho.

Los protagonistas de los cuadros serán grandes hombres como el Cid, Cristóbal Colón… Estos son representados en sus momentos álgidos como el desembarco en América de Cristóbal Colón; o el momento en el que Isabel la Católica dicta su testamento al escribano…

Como documentos se utilizaban: la Historia de España del Padre Mariano; la Historia General de España de Lafuente; historias locales y revistas de la época donde aparecían crónicas históricas; y novelas históricas (Los amantes de Teruel; Locura de amor; La campaña de Huesca de Cánovas del Castillo…).

En esta obsesión por la credibilidad de lo que representaban en primer lugar configuraban un espacio colocando figuras detrás de otra, con mobiliario, ventanas, paisajes… Los problemas venían cuando tenían que configurar una época, es decir, las escenas del califato cordobés siempre las representaban en el interior de la Mezquita de Córdoba, consiguiendo con estas generalizaciones contextualizar en la época.

Y también están las iconografías de los personajes. Cuando eran escenas anteriores al XV cada uno pintaba al rey como quería, puesto que no había documentos. A finales del XV con los retratos conocidos, los pintores de historia tenían que hacer lo más parecido a los personajes que pudiera.

A parte de las iconografías, están las actitudes. Cada personaje tenía una fama con las que debían ser representados (bondad, cobardía, valentía…).

Hay una influencia del teatro en los cuadros de historia, puesto que las figuras son representadas muy gesticulantes en sus gestos del rostro y de las manos.

Entre los pintores se establecen convencionalismos: las rendiciones parten de Las Lanzas de Velázquez; los fallecimientos se inspiran en El Testamento de Isabel la Católica; las escenas de recibimiento aparecen con un eje central simétrico axial.

La pintura de historia se clasifica en 3 etapas:

-Primer tercio del XIX: pintura de historia neoclásica.

-1840-1855: pintura de historia en su fase romántica.

-1855-1880: pintura de historia en su fase realista.

El color en las primeras fases es pobre, sin embargo en los cuadros tardíos tiene más matices, son colores más diversificados, lo que se ve como una influencia del Realismo, en su empeño de mostrar la instantánea.

En mucho de estos cuadros tardíos hay una tendencia a representar asuntos recientes en el tiempo, lo que se ve también como influencia del Realismo. Son rasgos muy forzados para intentar vincular a dos corrientes antitéticas: la pintura de historia con la corriente realista.

Continúan exigiendo cuadros de historia en la década de 1930 para conceder becas para que los pintores pudieran marchar a París o Roma. Esto obligó a todos los pintores a pasar por el aro de la pintura de historia.

Los temas principales son de España, con lo cual se pone de fondo la importancia de la política en la pintura.

España podía ser representada a partir de diferentes hechos históricos. Por un lado estaba España como país que se quería representar como la independencia de España (Guerra de la Independencia; los tercos de Numancia y Sagunto de la Antigua Roma; Viriato frente al ejército romano; la Reconquista (Don Pelayo, avances de Fernando III el Santo, los RRCC…); Germanías; Comuneros…También se quiso representar a España con sus reyes emblemáticos, entre los que se encontraban: Fernando III el Santo; Jaime I el Conquistador; los RRCC; Recaredo (alianza entre hispano-romanos y los visigodos).

Otro tema importante es el prototipo del español, las virtudes del español a través de la pintura son: la hidalguía (partiría del gesto del General Espinola en las Lanzas; Viriato; el Cid); el sentido trágico de la vida (Séneca y Juana la Loca).

Hay algunos cuadros de la corriente catalana que nos permite hablar de los nacionalismos. También serían ejemplos de estos los Comuneros y las Germanías como oposición al Imperio.

La libertad podría ser un anexo al tema anterior. Empezarían por Don Pelayo para seguir con los Comuneros…

La idea de identificar a España con la religión es algo muy importante. España se equipara primero con el cristianismo y después con el catolicismo. Esto será representado por el tema de Recaredo, Fernando III el Santo, Isabel la Católica…

Habría que aludir a la importancia de la figura de la mujer. Por un lado el protagonismo de algunas reinas: Isabel la Católica, Juana la Loca…; por otro el protagonismo de algunas madres en acontecimientos históricos: madre de Boabdil en la Conquista de Granada…

El tema del amor puede aparecer como el amor más allá de la muerte, representado por Juana la Loca y Felipe el Hermosa; Inés de Castro (asesinada por un enemigo) es desenterrada por su marido, el Rey de Portugal para coronarla como Reina.

Otro tipo de amor es el amor imposible como los Amantes de Teruel; o amores reales como el de los RRCC.

Y un tema muy propio es el de la muerte: Juana la Loca, los Amantes de Teruel; el Testamento de Isabel la Católica; Inés de Castro; Viriato; Séneca; las víctimas del 2-3 de mayo…

Los cuadros de historia tienen tendencia a tratar con minuciosidad los detalles; un gran número de personajes en detrimento del tratamiento del espacio; los rostros están menos individualizados, los temas son antiguos; en la primera etapa las escenas se ambientan en un interior, en contraposición a la segunda etapa, donde se sitúan en el exterior con un cierto prototipo, para avanzar después hacia el detallismo y minuciosidad de los ambientes atmosféricos, pero este campo es aún muy resbaladizo para la hora de que un historiador lo clasifique.

1.EL APRENDADO DEL MORO EN LA TIENDA DE LOS MARQUESES DE MOYA

1850. Rafael Tegeo (retratista y pintor de historia). 2'35 x 3'36 m. El episodio representa le pasaje de la época de los RRCC cuando tomaban posiciones para la reconquista de Málaga. Este moro pretende atentar contra Fernando e Isabel, pero se equivoca de tienda. Es el momento en el que los soldados le prenden. Isabel la Católica aparece entrando a la tienda y tranquilizando a Isabel de Bobadilla, la Marquesa, que ve a su esposa, Álvaro de Portugal yaciendo en el suelo.

Hay un horror bacui provocado por el gran número de personajes que aparecen son muy gesticulantes (influencia del teatro). No es una composición de friso rígido (como los neoclásicos), pero sí que las figuras quedan agolpadas en un rectángulo; gran minuciosidad en los detalles y el tratamiento de las telas.

Hay una influencia nazarena muy frecuente en la pintura de historia de la primera época, los rostros femeninos de tez blanquecina y rasgos idealizados, la figura principal aparece en el centro del cuadro, claramente destacado, con mayor peso específico. La luz incide de forma especial sobre la figura del moro, lo que potencia su figura.

El cuadro tiene un error, que son las armaduras, ya que son modelos del XVI, mientras que deberían haber sido las de finales del XV; a pesar de esto no fue muy criticado.

Este cuadro fue adquirido por Isabel II, algunos piensan que para validar su situación en el trono.

Por un lado con este cuadro nos tratan de vender a Isabel la Católica como modelo de virtud, arriesgándose para consolar a su dama de compañía. También trataría el tema de la unidad de España, con los RRCC como protagonistas.

2.TEDEUM A LAS PUERTAS DE GRANADA

1853-1890. Carlos Ruíz de Ribera (vida paralela a la de Federico de Madrazo). 3'02 x 5'82 m. En 1890 fue firmado, pero aún estaba sin acabar. Finalmente es adquirido por una familia burgalesa que lo dona a la Catedral de Burgos que es donde está el cuadro.

El tema es la Conquista de Granada, que aparece al fondo abocetada. Éste es el momento de la misa Tedeum antes de la Conquista. Aparecen el Gran Capitán Gonzalo Fernández de Córdoba y los RRCC.

La composición es en aspa. Las figuras más importantes, los RRCC, aparecen en el centro, claramente singularizados con un gran peso específico en el cuadro.

Los gestos están presentes en Fernando, que de alguna manera involucra al espectador señalándonos hacia Granada.

Nuevamente todas las personas se agolpan a izquierda y derecha de los RRCC que ocupan una zona totalmente despejada.

La importancia en el detalle hace a este pintor una gran detallista de telas y trajes. Todos están tratados con mucha minuciosidad por su pintura lineal.

Llama la atención este detallismo frente al abocetamiento del fondo, algo que caracterizará a esta etapa.

3.LA LOCURA DE ISABEL DE PORTUGAL

1855. Pelebrí Clavé. Es el único cuadro de historia que pinta para ingresar como profesor de pintura en la Academia de BBAA de México. Es de formato vertical (formato de los pintores catalanes de influencia nazarena).

Este tema de la locura junto con el amor, la muerte y la independencia son muy afines a la sensibilidad romántica,

Representa el momento en que Isabel de Portugal se retira a Arévalo tras enviudar de Juan II. En la escena aparecen Isabel la Católica y el príncipe Alfonso, el médico y una dama de compañía que flanquean el trono con dosel que ocupa el mayor espacio y protagonismo.

Hay pocas referencias a la ambientación debido al gran espacio que ocupa el trono. Se comunica con otra habitación a través de un cortinaje entre el que aparece una dama que trae una medicina.

Las expresiones están muy bien logradas, el médico muestra preocupación, al igual que la dama, que además muestra su dolor a través del gesto de las manos. Los gestos de los príncipes también son exagerados, abrazándose a su madre con desesperación. La mirada de la reina muestra la locura.

Los pliegues son influencia de la pintura nazarena, bastante marcados en forma de “V”. La técnica es lineal, perfilando a todos los elementos con perfección. El tratamiento del color es pobre.

Con este cuadro nos pretenden vender la imagen de la reina Isabel la Católica como una mujer virtuosa desde niña, preocupada por el estado de salud de su madre.

4.CRISTÓBAL COLÓN EN EL CONVENTO DE RÁVIDA

1856. Eduardo Cano de la Peña. En este años se celebra la I Exposición de BBAA, y es el cuadro que consigue el primer premio.

Colón señala con la mano derecha los papeles de la mesa y con la izquierda señala hacia el mar. Esta figura se compensa con los frailes de la derecha y su hijo Diego; y a la izquierda con 4 marineros. Nuevamente vemos al protagonista en el centro con cierta holgura y horror bacui en los laterales.

Las figuras son gesticulantes con brazos y manos, también son figuras enfáticas la de los marineros que concentran su atención de forma exagerada.

A pesar del poco espacio que queda, al fondo aparece un altar, un armario con calavera y una ventana. Son referencias creíbles.

Cano de la Peña se caracteriza por gran habilidad a la hora de representar las telas y el colorido; pero es bastante más torpe a la hora de representar los rostros, que están menos trabajados.

Es curiosa la imagen de Colón con barba, que reforzaría el peregrinaje y cansancio del personaje en busca de patronazgo.

La indumentaria con calzas y pelliza será muy imitada por pinturas posteriores debido al éxito de este cuadro temprano.

La figura de niño es torpe y estereotipado, sería consecuencia de esta dificultad que tienen los pintores a la hora de representar a los niños.

Volvemos al cuadro sobre un hombre que atesora virtudes, como hombre emprendedor que busca nuevos descubrimientos.

La luz nuevamente potencia a los personajes.

5.EL CONDE BERENGUER COLOCANDO LA ENSEÑA DE CATALUÑA EN EL CASTILLO DE FOX

1857. Mariano Fortuny. 1'55 x 3'57 m. Formato vertical. Es un pasaje del siglo XII, cuando el Conde Berenguer III interviene en una zona de la Provenza que se quiere independizar de la marca hispánica para anexionarse a Francia.

El momento que se representa es el momento que el Conde pisa a uno de los insurrectos y quita la bandera gala para colocar la catalana.

Aparecen personajes cortados (avance del realismo).

Es una pintura muy acabada para ser de Fortuny, un pintor que nunca utilizó la línea.

Por un lado se ha querido ver aires nacionalistas ya que es un tema catalán, no español.

6.DON ÁLVARO DE LUNA ENTERRADO DE CARIDAD

1858. Cano de la Peña. Es un tema bastante representado y muy característico del Romanticismo, en el que el rey imparte justicia.

Cano de la Peña escoge el pasaje en el que se va a producir el entierro. Aparece el franciscano que realiza la colecta; el paje que mira al cielo desconsolado; el enterrador que cava la fosa; y los curiosos que vienen a ver lo que pasa.

Es como si hubiera querido retratar una escena cinematográfica. Las figuras siguen ocupando un rectángulo como si fueran un friso, haciendo que el espacio de la ambientación sea escaso.

Muy característico el detallismo de las telas de Cano de la Peña.

El franciscano de perfil nos muestra las deudas del pintor con Murillo. O con la pintura italiana en la figura del enterrador o la madre con el niño (boloñesa). El paje de la pintura francesa de esta época.

La luz es un poco caprichosa, baña las figuras sin saber exactamente de donde viene, como si fueran diferentes focos lumínicos.

El tema es el rey dictando justicia y de la fidelidad en el caso del paje hacia su jefe.

7.LOS RRCC IMPARTIENDO JUSTICIA

1860. Manzano. Imparten justicia desde sus tronos en un espacio preeminente tanto por su ubicación como por su iluminación.

Aparece el escribano que es el personaje que deja constancia de todo lo que ocurre.

La composición claramente equilibrada, con bloques con horror bacui en las laterales.

Es un cuadro más atemperado en cuanto al movimiento, son figuras más sobrias y menos expresivas. A partir de ahora la mayoría de los cuadros utilizan estas figuras. Una vez más el rostro de la reina es de ascendencia nazarena, al igual que el blanco brillante de su traje.

8.LOS COMUNEROS

1860. Antonio Gisbert. 2'55 x 3'65 m. Palacio del Senado. Ha desparecido el agobio espacial, aunque están simétricos es una composición más natural.

Las caras son muy diferentes, son rostros diversificados, lo que nos muestra al avance hacia el realismo.

Es un cuadro muy revolucionario porque rompe con los convencionalismos de la época. Frente al horror bacui en este cuadro la composición es más holgada, lo que le da píe para representar el entorno de Villamar de una forma bastante creíble.

Los efectos atmosféricos son un poco infantiles, aunque empieza a preocuparse por ellos y hace unos primeros contrastes.

Bravo ha sido ajusticiado, Padilla espera el momento y Maldonado contempla lo que se le avecina.

Es una escena simétrica, aunque no hay la rigidez de cuadros anteriores. Hasta ahora todos los cuadros de historia eran rostros muy estereotipadas, aquí las caras están trabajadas individualmente, lo que no deja de ser un alarde realista.

Vemos alardes también en el color, hemos dejado el color uniforme en pro de un color diferenciado, aunque aún las gamas no son muy ricas.

El modelado sigue siendo rotundo. En cuanto a gestos hay dos opciones; personajes gestilocuentes en relación con el teatro (monjes), muy propias de la pintura de historia anterior. Sin embargo los comuneros son personajes más sobrios y templados, muy dignos, lo que nos muestra un incipiente realismo.

Este tema fue una forma de defender a España muy representado. Defendía la independencia de España frente al Imperio del emperador Carlos V.

El cuadro fue adquirido por Isabel II. Algunos quieren ver una crítica ala reina y su sistema. También una crítica a la iglesia solapada a los frailes que ayudan al sistema haciendo que se cumplan las condenas.

9.FERNANDO IV, EL EMPLAZADO

1860. Casado del Alisal (valenciano). 3'18 x 2'48 m. El rey Fernando IV ajustició a los hermanos Corrales, que le echaron una maldición prediciendo que moriría al mes siguiente. La escena representa a los hermanos con el reloj (paso del tiempo) y el otro señala al cielo como indicando que él será ajusticiado por Dios. El rey aparece agarrándose con fuerza a la almohada, como resistiéndose a morir. Este cuadro trata el tema de la justicia.

Vemos la influencia nazarena en el rostro del rey, con piel blanquecina y cierta idealización. Mientras que los hermanos tienen un modelado más duro y don tipo más populares (lo más vanguardista).

En el tratamiento de las telas vemos pliegues en “V” con cierta influencia nazarena, pero no es algo general.

Gestos enfáticos, sobre todo en la figura de Fernando IV, también en las de los hermanos Corrales, pero menos exagerado.

El tratamiento de la luz es caprichoso, resalta a los 3 personajes.

El dosel es de tipo goticista, influencia también de la pintura nazarena, al igual que las ropas de la cama.

Hay un gusto por la anécdota y el detalle exagerado, más típico de la primera etapa que del realismo.

10.CRISTÓBAL COLÓN DESEMBARCANDO EN AMÉRICA POR PRIMERA VEZ

1862. Dióscoro de la Puebla. 3'30 x 5'45 m. El tema desarrolla la conquista de América, y la posibilidad del imperio español. Pero también el paradigma y virtudes del hombre español, encarnado en la figura de Cristóbal Colón.

Es el momento del desembarco, cuando Cristóbal Colón clava la bandera. Los marineros aparecen cansados, lo que muestra la dureza de la travesía.

El error histórico es la aparición de los franciscanos, que no participaron en el primer viaje de Colón. Esto no tuvo críticas, porque era muy del agrado que España apareciera como país evangelizador. Fue comprado por Isabel II.

Hay otro detalle contradictorio en el viento que produce el movimiento del mar y de las banderas, pero que ni se quiera airea las ropas de los protagonistas.

El color empieza a diversificarse, con colores llamativos alrededor del protagonista. Aún hay pocos matices, lo que muestra un pequeño avance.

Los rostros son simples, algunos tienen aires de familia, y otros como el de Colón y el fraile más individualizados.

La luz es muy tenue, al pintor no le preocupan aún los efectos atmosféricos, algo muy propio del Romanticismo.

La composición sigue siendo simétrica en torno a Colón, aunque no es una simetría muy rígida.

La figura de Colón y la del fraile son figuras enfáticas e incluso los marineros que llegan en carrera desesperada.

11.LA RENDICIÓN DE BAILÉN

Casado del Alisal. 3'38 x 5 m. El cuadro tiene muchas influencias de la pintura francesa. El hecho de que el tema sea cercano en el tiempo (1808) indica un cambio notable a todo lo anterior.

Este pintor se tomó muchas licencias, como representar la rendición del ejército francés en el campo de batalla en vez de una puerta cerrada y en Bailén en vez de Andujar. El éxito del cuadro le llevó a ser comprado por la reina lo que le evitó las críticas de los expertos.

Es un cuadro inspirado en las lanzas de Velázquez. El cuadro aparece dividido en 2 mitades ocupadas por el ejército español y francés.

Los generales aparecen en el centro en el momento del saludo. Al fondo las huellas de la batalla, y las lanzas marcando las verticales. La profundidad es menor que la utilizada por Velázquez. La dignidad del general Castaño la muestra incluso al retratar con más dignidad a los franceses que a los españoles.

La luz es muy francesa, es más oscurecida que la de Velázquez, con más zonas en sombra.

Utiliza como 2 técnicas: pintura más suelta influencia por Velázquez y un avance hacia el Realismo; y una pintura más lineal que muestra los detalles.

Los rostros están individualizados, aunque no están demasiado bien modelados exceptuando los de los 3 franceses.

Muy vistoso el grupo francés, que muestra diferentes actitudes. Se ve cierta pintura suelta y también cierta pintura lineal. Esto demuestra que es un cuadro de transición.

12.EL TESTAMENTO DE ISABEL LA CATÓLICA

1864. Eduardo Rosales. Fue el cuadro que pintó en Roma durante su estancia como becario. Ha tenido mucha trascendencia tanto en pintores contemporáneos como en directores de cine del XX.

El tema que recrea es el dictamen del testamento de Isabel Católica en noviembre 1504. Hay un error histórico, ya que en el testamento sólo estaba presente el escribano, no tenía que haber testigos.

Rosales introduce a Fernando el Católico, Juana la Loca, el Cardenal Cisneros (azul) y su séquito; y al fondo los Marqueses de Moya (séquito más directo de los RRCC). Directo al éxito de este cuadro, no fue criticado en exceso (edad de Isabel y calvicie de Fernando).

El tema serían los RRCC como representantes de la unidad de España y modelos de valores ejemplares del pueblo español.

El cuadro tiene una influencia de Velázquez obvia, demostrando su conocimiento exhaustivo en la obra de este pintor. La composición es a base de verticales y horizontales (primer viaje de Velázquez a Italia), es una composición sobria, con un azul de la capa que destaca, al igual que le traje del paje, también de influencia velazqueña. Hay una doble diagonal en aspa desde los Marqueses de Moya a Juana la Loca y de la cabecera de la cama al Cardenal Cisneros.

También en muy velazqueño el grado de introspección psicológica de los personajes. Sobre todo la de Fernando el Católico, que siente el peso del imperio sobre él; la tristeza y resignación de Juana; la astucia del Cardenal Cisneros.

Muy velazqueña la técnica suelta, en primer término más desdibujada. Al igual que es espacio, en el sentido en que se advierte una tendencia a la búsqueda de profundidad, colocando personajes delante de la cama de forma escalonada (séquito-cardenal-cama-cortinaje-marqueses).

Después los efectos atmosféricos también son influencias de Velázquez. Es el primer cuadro en el que vuelven a imponerse el friso como organizador de la composición, son espacios libres arriba y abajo a favor de la búsqueda de la profundidad.

Los retratos están forzados, ya que los personajes son muy conocidos, teniéndose que limitar a sus retratos clásicos.

Pero sus personajes son mucho más sobrias que en su fase romántica. Es un cuadro revolucionario para su época.

13.EL GENERAL PRIM EN LA BATALLA DE TETUÁN

1865. Francisco Sans. Es un tema muy reciente (ocurrió en 1860), también representado por Rosales, Fortuny… En Prim se veía al español valeroso.

Es un cuadro totalmente realista excepto el formato, que es vertical (característico de todos los pintores catalanes, influencia de los nazarenos).

La influencia barroca es muy manifiesta en su composición. La pintura es suelta. El general Prim aparece en el centro con su caballo en corbeta, doblegando a los marroquíes. A un lado el batallón de Alba de Tormes y al otro los voluntarios catalanes con sus característicos gorros.

Los cuadros de batallas siguen el mismo tratamiento que los cuadros más tardíos. La figura principal está en el centro marcando el eje del cuadro. Aquí aparece Prim como general victorioso con la espada y el caballo.

14.LA DEMENCIA DE JUANA LA LOCA

1866. Lorenzo Vallés. 2'38 x 3'13 m. Es una historia especialmente triste. Por el tema de la locura, el amor… reunía muchas condiciones para ser objeto de atención de los pintores románticos.

Fue la tercera hija de los RRCC, estaba predestinada a casarse con el heredero de la Corona austriaca Felipe el Hermoso, pero las circunstancias le llevaron a reinar en Castilla.

Lo que se representa es uno de los episodios en los que tras la muerte de Felipe el Hermoso le cuenta a sus súbditos que había a que esperar que Felipe despertara, porque estaba dormido, no muerto.

Hay pocas figuras, con actitudes bastantes contenidas (nos dan la clave del sueño), colores sobrios.

Juana marca el eje, podríamos decir que todos marcan verticales al contrario que lecho y suelo que marcan la horizontal.

Las flores en el suelo son símbolo de amor, pero también de muerte (marchitas).

La técnica es de pintura suelta, que avanza hacia el realismo. Vemos claramente la influencia del cuadro de El Testamento.

15.EL SUICIDIO DE LUCRECIA

1871. Eduardo Rosales. 2'57 x 3'47 m. Es un cuadro que empezó en Roma en 1865, prueba de lo poco que disfrutaban los pintores de historia. Lo presentó a la Exposición Nacional de BBAA y consiguió la medalla de oro, lo que conseguiría dejar estela.

El tema es raro para ser del Realismo. Es un tema de la antigüedad clásica, con el fin de la monarquía romana y el comienzo de la República. Probablemente por la influencia romana del pintor, más propio del Neoclasicismo.

Salvo esto, todo lo demás es propiamente realista: pocas figuras, representa un momento violento (Lucrecia violada por el hijo del emperador y cuando llega el marido y su padre se suicida por la culpabilidad del hecho y como modelo de castidad).

Es un momento especialmente dramático y tenso, lo que hace a los personajes participar de la acción.

A la derecha aparece Bruto, que jura venganza con el cuchillo en alto, lo que nos da el comienzo de la sucesión de episodios.

Al lado izquierdo del grupo principal una figura que aparece horrorizada por lo que está ocurriendo.

Esto frente al cuadro anterior sería un ensalzamiento de la castidad.

Las figuras son rotundas en sí mismas, pero no por un dibujo lineal, sino porque se inspiran en modelos clásicos.

16.LAS HIJAS DEL CID

1871. Dióscoro de la Puebla. 2'31 x 3'08 m. Es un tema de la literatura medieval, inspirado en el romancero. Doña Sol y Doña Elvira nada más casarse son abandonadas en medio del robledal bufándose de ellas. Al fondo vemos a los esposos alejándose.

Modelado absolutamente rígido y duro. Influencia nazarena en el colorido brillante. Los rostros son arquetípicos, son idealizados y poco trabajados. E incluso la compostura, a pesar de lo traumático del hecho, todo está excesivamente en calma.

Las telas calmadas, con pliegues en “V”, típicos también de las influencias nazarenas.

Todo esto nos muestra el anacronismo. Lo único propiamente realista sería el escaso número de personajes y la técnica suelta del fondo-derecha.

17.DOÑA JUANA LA LOCA

1877. Pradilla. 3'40 x 5 m. Lo pinta en Roma, éste era el cuadro que entregaba como motivo de la beca, lo presentó a la exposición de 1888. tras el éxito a la exposición internacional de París un año después; y 4 años después a la exposición de Viena, consiguiendo así su tercera medalla de oro.

El tema es sucesivo al de Vallés. Aquí vemos su llegada Torquemada, cuando Juana prohibido meter a su esposa en un convento de monjas, volviendo a mostrar sus celos patológicos, amor no correspondido, locura y según alguno incluso necrofilia.

La composición se organiza mediante grupos que se retranquean hacia el fondo.

Los efectos atmosféricos los vemos en los pelajes de invierno, los efectos de las hogueras y el viento que hace que todo ondee.

El colorido es bastante sobrio, una de las características de la pintura realista,

La técnica es muy suelta en cada uno de los detalles, algo también muy sintomático del realismo.

Los críticos no encontraron ningún defecto histórico, todos los escudos, las armas y vestimentas encajan perfectamente con la época.

Representa magníficamente los estados de ánimo, se denota la tristeza de Juana, que se ve acentuada con la melancolía de su embarazo.

Juana marca el eje; y el sepulcro junto con la arquitectura conventual y humo de las hogueras marcan las dos diagonales en aspa. Es una composición, a pesar de ser muy numerosa, execelentemente planificada.

18.ORIGEN DE LA REPUBLICA ROMANA

1867. Casto Plasencia. 4'28 x 6'90 m. Enlaza con el cuadro de la muerte de Lucrecia de Rosales. También es pintado en Roma. Aparece la figura de Lucrecia muerta. Bruto arengando al pueblo, y éste dispuesto a sublevarse contra la monarquía.

El espacio es totalmente distinto, aquí se sitúa la escena en n exterior con las columnatas y símbolos propios del mundo romano.

Hay detalles típicamente realistas, el friso que ordena a las figuras de la dercha.

El tema clásico es más neoclásico que realista. Por un lado volvemos a la castidad de Lucrecia, pero también es una arenga a los gobernantes.

19.LA LEYENDA DEL REY MONJE O LA CAMPAÑA DE HUESCA

1880. Casado del Alisal. 3'56 x 4'74 m. También pintado en Roma cuando era director de la Academia. Es un tema de la Edad Media que vuelve a relacionar pintura y literatura (novela en 1854 de Cánovas del Castillo).

El rey Ramiro de Aragón decidió construir una campana muy grande que se oyera en todos sus territorios para llamar al orden. Como los nobles levantiscos eran los más sublevados los decapitó, y creó un boceto de campana con las cabezas de estos. Llamó al resto de los nobles para enseñarles lo ocurrido y darles una lección.

Consta documentalmente que el pintor contó con cabezas de cadáveres para pintar con total realismo la escena, traídas desde el Hospital de Roma.

El tema es el rey impartiendo justicia.

El afán por el realismo no sólo se ve en las representaciones anatómicas y las telas, sino también en las representaciones arquitectónicas, con perfectas molduras y capiteles románicos del XII.

Todas las caras son diferentes, con una tendencia clara a la individualización.

La luz está muy bien conseguida, con una gradación bastante plausible, con zonas en sombra y el resto iluminada.

Actitud enfática en la figura del rey, reacción exigida por el hecho que se representa, al igual que las actitudes aterrorizadas de los nobles, que además se sienten amenazados por el perro que aparece sujetado por el rey.

La composición no es la tradicional con el protagonista en el centro. Aquí aparece vacío, verticalizado por la columna y compensado por los 2 grupos a izquierda y derecha.

20.MUERTE DE JAIME I EL CONQUISTADOR

1881. Ignacio Pinazo. 3 x 4'97 m. La escuela valenciana se convierte en el último cuarto del XIX en la escuela más importante. Tendrán una pintura suelta hasta límites insospechados.

Es un tema muy valenciano, que es el germen de la unidad de España antes de la Reconquista.

Pinazo está muy influenciado por el Testamento de Rosales, también aparece el rey en su lecho de muerte. Lo presenta como un rey anciano, haciendo más creíble su crepitad. Está arengando a que siga su empresa a su hijo Pedro. Es nuevamente un modelo de rey ejemplar.

Tiene muchas más figuras que Rosales, pero con un gran vacío central. Todas las figuras siguen también la composición rectangular con vació superior e inferior.

Los efectos atmosféricos están perfectamente conseguidos, es una característica clara de la escuela valenciana. La luz se gradúa dependiendo de la zona.

21.LOS RRCC EN GRANADA

1878-1882. Pradilla. 3'30 x 5'50 m. Encargo del Gobierno español. Se caracterizó por su perfecto rigor histórico, el gran número de figuras y sus efectos atmosféricos.

La composición general es muy abigarrada, con demasiadas figuras, todas representadas con mucho detallismo.

Es un cuadro muy rico en color, son colores muy diferenciados.

Como todos los cuadros de rendición se inspira en el cuadro de las Lanzas, aunque en menor medida. Hace 2 bloques, el de los españoles, más grande que el de los nazaritas; marca verticales con ramas y cruces pero no tan numerosas como en el de Velázquez.

Busca la profundidad escalonando los bloques, con efectos de rodada, para dejar al fondo Granada.

Los efectos atmosféricos están perfectamente representados, como el frío y la neblina que puedo hacer el 2 de enero de 1492.

Hay un error en desproporción del macero que aparece en primer plano, que es de un tamaño excesivo. No se encontró ningún defecto histórico, porque todos los elementos (espadas, casullas…) fueron copiadas de los originales.

La técnica es muy suelta, sobre todo en las figuras del fondo y paisaje.

El tema vuelve a ser España como país unido y su unidad religiosa: reyes ejemplares.

22.LOS AMANTES DE TERUEL

1884. Muñoz de Greún. Museo del Prado. 3'30 x 5'15 m. Es su único cuadro de historia, ya que su género eran los paisajes. Fue un cuadro que gustó mucho, y eclipsó el resto de su producción.

Sigue la línea de la importancia de las novelas de historia escrita por Hantzenbusch. Los amantes son Isabel de Segura y Diego de Mansilla. La poca fortuna de él hace que el padre la prohíba casarse con él, es por eso que decide marchar 5 años para hacer fortuna y cuando vuelva casarse con Isabel. Al no volver, ella se casa con otro, y justo aparece él. Al no besarle muere y cuando ella va a la capilla ardiente a despedirse le da un beso y muere.

Trata el tema del amor incluso más allá de la muerte, y el tema de la propia muerte.

La figura de Isabel y la cabeza de Diego están bastante bien definidas, pero el resto está muy abocetado, utiliza una técnica muy suelta.

En el cuadro aparecen velas apagadas, que simbolizan una muerte inminente o que ya se ha producido.

Hay referencias medievales que le dan el cuadro cierto rigor histórico. Aunque hay un error más que evidente, la desproporción desmesurada de la espalda de Isabel. Esto fue comentado por los críticos, pero de soslayo, porque el cuadro le encantó.

23.DOS DE MAYO

1884. Sorolla. 4 x 5'80 m. Es su cuadro de ingreso en la Academia de BBAA de San Fernando. Es un episodio de la guerra de la independencia. Fue un tema próximo en el tiempo.

Magníficamente representados los efectos atmosféricos, con un humo bélico que rellena todo el cuadro.

Usa una técnica suelta, aunque menos suelta que lo que solían realizar en la escuela valenciana.

Muy bien representada la acción y el dramatismo. Esto último lleva a algunos errores en posturas inverosímiles (cadáver izquierda).

24.LA MUERTE DE ALFONSO XII

1887. Benllure Gil. 3 x 4 m. Finalizada inmediatamente después de la muerte de Alfonso XII. Muy influenciado por la Enfermedad de Fernando VII de Madrazo.

A la cabeza la reina María Cristina de Austria embarazada y sus hijas pequeñas al lado.

El tratamiento lumínico es muy contrastado, también copiado de Madrazo.

La técnica es bastante suelta.

Lo que más rechina es la mala representación tanto en fisonomía como en expresión de las niñas, que ni siquiera aparecen tristes.

Las flores en el suelo vuelven a ser símbolo de muerte.

25.FUSILAMIENTO DE TORRIJOS EN LA PLAYA DE MÁLAGA

1888. Gisbert. Museo del Prado. Se sigue dejando influenciar por la pintura histórica francesa en su técnica lineal. Es el cuadro más representativo de la pintura de historia.

Fue un encargo del partido liberal de Sagasti. Es el cuadro más representativo de la pintura realista, aunque su técnica es muy lineal, lo que se pone en relación con la pintura de historia francesa.

Torrijos prepara un golpe de Estado, el cual no llegaron ni a intentar, puesto que cuando desembarcan en la playa de Málaga les están esperando militares adeptos a Fernando VII y los fusilan.

La composición de los personajes vuelve a ser en friso (igual que en el neoclasicismo). La paleta es sobria y fría. Los rostros son individualizados, diversificando los rasgos.

Es muy interesante la parte inferior, donde los ajusticiados tienen encuadres casuales, en los que aparecen cortados, algo muy clásico del Realismo.

El pelaje atmosférico es plomizo, muy bien conseguido y matizado.

También son frailes los que preparan a los ajusticiados, al igual que en el cuadro de Los Comuneros. Con ello se quiere criticar el pensamiento absolutista de la iglesia y su apoyo al régimen de Fernando VII.

Las actitudes de los personajes son comedidas, aceptan su final próximo, son actitudes propias del Realismo, es el triunfo de la serenidad realista.

26.EXPULSIÓN DE LOS JUDIOS DE ESPAÑA

1889. Emilio Sala. Aparecen los RRCC, el escribano y el representante de los judíos que ofrece 30000 reales para evitar la expulsión. Es en ese momento cuando aparece Torquemada y recuerda a los RRCC que Cristo fue traicionado por 30 monedas (paralelismo de las cifras). Esta argumentación hace que finalmente los judíos sean expulsados de España.

La técnica es propiamente realista, más deshilachada. Los rostros son expresivos, Fernando el Católico aparece impresionado, mientras que la reina está representada fría y distante. El judío parece retroceder asustado y el personaje central sobresaltado, actitud que resalta con el gesto de su mano.

27.BARCELONA 1902

1903. Ramón Casas (escultor modernista catalán). Inmediatez en el tiempo, algo tan característico del Realismo queda perfectamente representado con esta huelga general.

La pintura de historia del primer tercio del XIX está a cargo de las diputaciones provinciales que para dar becas seguían pidiendo cuadros de historia.

Al fondo toda la muchedumbre con una técnica muy suelta y abocetada. La clave la da el guardia a caballo que oprime a uno de los huelguistas.

La paleta es sobria, rica en matices, pero sin colorido estridente. El pelaje atmosférico es rojizo y polvoriento, producido por el atardecer y las fogatas.

Al fondo Santa María del Mar, con un factura muy suelta. Con ella intenta que se identifique la ciudad sin ningún tipo de dudas.

TEMA 4: LA PINTURA DE PAISAJE

En España o había tradición de paisajes (Velázquez y algunos más en cuadros de Murillo y Ribera, pero que palidecen al lado de los primeros). Será más un género importante en Inglaterra, Francia (paisajes inventados), Holanda y en Italia.

El paisaje español es esencialmente romántico, ya que anteriormente no había prácticamente nada. El antecedente más cercano son las pinturas de vistas y fondos de Goya a mediados del XVIII, cuando Goya da protagonismo a los fondos donde recorta sus personajes. La influencia del extranjero viene del paisaje flamenco, muy bien representado en el Prado; o el paisaje holandés, además de los paisajes ingleses motivados por los viajeros ingleses que se asentaron en Andalucía.

Isabel II será una reina que compre pintura de paisajes, siendo un claro ejemplo del gusto burgués de la sociedad española del momento.

La rápida difusión de los cuadros de paisaje tiene que ver con las publicaciones de la época. Aunque sigue siendo un género menor hasta 1885, fecha hasta la que su evolución y difusión fue lenta.

♦GENARO PÉREZ VILLAMIL♦

1807-1854. Ferrol. Se inicia en el taller de su padre, el cual lo mandará a Madrid. Encarcelado en Cádiz desde 1823 a 1830 por sus ideas liberales en contra del régimen de Fernando VII. Al ser liberado se marcha a Puerto Rico entre 1830-1833. Regresa tras la muerte de Fernando VII, cuando se afincará en Madrid. En 1834 se convoca la I Cátedra de Paisaje en la Academia de San Fernando, la cual gana. Desde este año es profesor dicha Academia.

En su carrera se distinguen dos etapas:

-1823-1833: pocas obras. Predominio de una paleta fría de azules. La técnica es más lineal. Emplea la acuarela.

-1833-1854: plenamente romántico. La paleta es de tonos más dorados con una técnica suelta, tremendamente lineal para los personajes. Magnifica la naturaleza abrupta.

Los temas se clasifican en 3 grandes bloques:

-Orientalistas: con templetes y pagodas

-Abruptos: paisajes escarpados

-Arquitectónicos: arquitecturas grandiosas y gigantescas, con un gusto por la arquitectura medieval. Tiene cuadros ambientados en el interior de los edificios.

En los paisajes románticos de Pérez Villamil son muy típicos los tipos populares. Los paisajes que escogen son los más abruptos, idealizándose a favor de la grandiosidad y efectismo del cuadro. Siempre la naturaleza o la arquitectura son grandiosas, frente a la escala diminuta del personaje, que parece estar en manos de la naturaleza.

La factura del paisaje es en la línea abocetada de Turner, mientras que las figuras son más lineales y minuciosas en sus detalles.

1.PAISAJE

Primera etapa. Museo del Prado. Es el gusto por las ruinas. Es un paisaje idealizado. Se aprecia la característica de figuras empequeñecidas frente al entorno.

En la paleta dominan los azules. Aún su técnica es bastante lineal, comparada con lo que luego abocetará.

La composición es en diagonal, todo repartido de una forma muy tópica, escalando todos sus elementos arquitectónicos importantes.

2.PAISAJE

Primera etapa. Es un paisaje de naturaleza escarpada, grandiosa, monumental. Aparece una procesión de personajes en la parte inferior derecha, tremendamente pequeña, en comparación con el paisaje.

La paleta adquiere tintes pardos en la parte inferior; pero siguen dominando los tonos fríos (azules y verdes).

Siguen los convencionalismos compositivos, utilizando las diagonales para contrastar los colores.

3.DESCANSO DE UNA CACERÍA

1834. Es un paseo de María Cristina de Nápoles. Es muy relevante el hecho de que la reina regente encargue este tipo de cuadros de pequeño formato, tan contrario a los gustos de Fernando VII.

La paleta no es aún la paleta dorada clara, pero han abandonado los colores fríos de la gama de azules. Tiene un predominio claro del marrón.

Las masas boscosas no son tan lineales. Tiene una técnica que tiende al desdibujamiento.

El tamaño de la naturaleza domina al ser humano que se convierte en un juguete en manos del paisaje.

Se ve el juego de la doble técnica, donde juega con el desdibujamiento del fondo, frente a la línea y minuciosidad de la representación de la reina y sus acompañantes.

A penas un años después de la muerte del rey, ya estaba con el Duque de Riansares, con el que tuvo 10 hijos sin que trascendiera a la opinión pública.

4.LA ISALA DEL LAGO DE LA ALAMEDA DE OSUNA

1835. La paleta es ya dorada y clara. Por primera vez vemos la técnica empastada (uniforme) que hace confundir el pelaje con el agua, aunque todo es muy abocetado. Sólo tendrán una técnica más dibujística las figuras y los patos.

Sigue con las composiciones en diagonales en torno al eje del cuadro.

5.EL PALACIO DE LA ALAMEDA DE OSUNA

1835. Es de la misma serie. Tiene que ver con la sociedad burguesa. La técnica es menos empastada que la anterior. La referencia arquitectónica está al fondo y las figuras humanas con tamaño diminuto y una técnica lineal están colocados en el camino con el que busca la perspectiva.

6.GARGANTA DE LAS ALPUJARRAS

1848. La técnica es muy suelta y desdibujada para el paisaje y la orografía, mientras que utiliza una mucho más lineal en las figuras.

Tiene una influencia muy clara de la pintura costumbrista por la figura del bandolero, símbolo de la libertad y de lucha contra el sistema.

A la derecha una especie de caravana que arca una de las diagonales en dirección del espectador.

Volvemos a ver los detalles de las ruinas. Este paisaje está sacado de las Alpujarras, pero está totalmente idealizado y modificado.

Nuevamente utiliza las diagonales que estriban en el centro para abrir la composición en los laterales.

7.PROCESIÓN EN COVADONGA

1851. Se mezclan paisaje y las pinturas de historia. Covadonga es el inicio de la Reconquista, y por lo tanto de la unidad de España, que son valores muy inculcados en la sociedad española.

Aparecen los peregrinos con trajes populares, influencia de los cuadros costumbristas es la variación de posturas de los personajes para mostrar los trajes en todos sus ángulos.

Las figuras aparecen empequeñecidos frente a la grandiosidad del paisaje, que tiene una técnica empastada que hace confundir la niebla con los efectos lumínicos de la gruta.

La paleta es ya la paleta de dorados claros de su segunda etapa.

♦ANTONIO DE BRUGADA♦

1804-1863. Estudia en Madrid entre 1818-1821. En 1821 se establece en Burdeos, donde acompañó a Goya en los últimos años de su vida; aunque ni a nivel de temática, ni de técnica se perciben influencias.

Aún había grandes especialistas de pintura de marinas, como Gudin, con el que estudia. La obra de Gudin determina la trayectoria de Brugada, con su tratamiento de la luz contrastado y selectivo. Potencia el dramatismo en los cuadros. Tiene una técnica muy lineal en los detalles secundarios. Esto lo argumentaba que era para favorecer la captación de los detalles por parte del público. Por un lado representó cuadros que recreaba grandes batallas navales; la otra parte son escenas portuarias de todo tipo. Coincidiendo con la obra de Pérez Villamil, es que las figuras de Gudin son de escala muy reducida, normalmente vestidas con trajes populares. Las influencias vienen de Turner a la hora de representar incendios, de la pintura holandesa de Van Goyen con gran importancia del pelaje atmosférico.

Antonio de Brugada estuvo favorecido por los encargos del Conde de Santamarca, que tenía predilección por los paisajes flamencos del XVII, lo que hace a Brugada adaptarse a estos paisajes plenamente románticos.

Hizo algunos de batallas navales y también episodios cercanos a puertos conocidos mediante referencias arquitectónicas; aunque también tiene puertos inventados.

Utiliza una técnica muy lineal, especialmente en detalles y personajes. La luz es dramática y contrastada, en concomitancia con la pintura de historia (batallas navales) y costumbrista (personajes). Su gusto por la Edad Media lo muestra en las arquitecturas góticas decorativas que representa en sus cuadros.

1.EL BALEAR EN EL PUERTO DE BARCELONA

1838. La paleta es fría, con muchos grises y azules. Técnica lineal que se percibe tanto en los barcos como en el fondo arquitectónico, como en las olas y el pelaje.

El tema del mar embravecido, es como una amenaza que impone dramatismo.

Tiene un gusto por la anécdota, como vemos en las banderas, los elementos que cuelgan de los cascos de los barcos…

Tiene relación con la pintura de historia porque este barco hacía la trayectoria Mallorca-Barcelona, y aquí estaría dando testimonio de uno de estos viajes.

2.VISTA DE BURDEOS

Hacia 1840. El pelaje gana terreno a las referencias marinas. Se sigue recurriendo a los ecos diagonales para buscar la profundidad.

Los nubarrones nos indican la cercanía de la mar, y a la vez el peligro de tormenta.

La luz es totalmente selectiva, consiguiendo gran dramatismo.

La técnica lineal es muy clara en el primer término y en el pelaje. Lo menos evidente es el fondo de la ciudad de Burdeos, que se pierde en la línea del horizonte.

3.PUERTO FANTÁSTICO

1841. Es uno de los puertos fantásticos, lo que nos hace entender que este tipo de cuadros se vendían bien. Introduce tipos populares en primer término, para Arias Anglés son tipos valencianos. En el fondo, arquitecturas goticistas muy ornamentales.

Sigue con la paleta fría a base de azules. La técnica es muy lineal en los personajes, detalles, pelaje y agua.

4.PAISAJE CON CACERÍA

1845. Para el Conde de Santamarca. Tiene muchas influencias de los paisajes flamencos, muy del gusto del promotor.

Coloca el árbol marcando el eje axial para destacar las diagonales laterales con un tronco (derecha) y las lavanderas (izquierda). Al fondo también con técnica muy lineal se vislumbra la cacería a la que alude el titulo.

5.ESCENA SEÑORIAL

1845. Para el Conde de Santamarca. Tiene también influencias flamencas, pero menos evidentes. Un gusto más marcado por la anécdota.

Las diagonales las busca con el camino y los árboles que dirigen la atención hacia el fondo.

El fondo, al igual que la comitiva, con una técnica muy lineal se vislumbra un puerto en miniatura.

♦CARLOS DE HAES♦

Nace en Bélgica en 1826 en el seno de una familia de comerciantes que caerá en la bancarrota. Su padre decide trasladarse a Málaga, donde trascurre la adolescencia del pintor y se forma junto a Luis de la Cruz (especialista en retratos de técnica lineal y dura, con colorido sin matices).

En 1850 vuelve a Bélgica durante 5 años para estudiar pintura de paisaje, asiste al estudio de Joseph Quinaux.

En 1855 regresa a España donde le retuvieron diferentes encargos de particulares para los que pintó diversos paisajes.

En 1856 conoce al propietario del Monasterio de Piedra, Federico de Moncada, espacio que l maravillará, y al que hará protagonista de muchos de sus cuadros.

Cuando gana la Cátedra de Paisaje de la Academia de BBAA de San Fernando se afinca definitivamente en España, trascurre el año 1857.

El paisaje de Haes hasta el final mantiene un interés por la anécdota de ascendente romántica. Finalmente en 1862 se inicia como grabador.

ETAPAS

  • Etapa de elementos Románticos (1855- f. 1860s): son paisajes de atardeceres que potencian una luz dorada y una paleta amarillenta. Son vistas muy lejanas y perspectivas muy amplias. Tiene un gusto por la anécdota. La técnica es bastante lineal, más académica.

  • Segunda Etapa (f. 1860s-1875): la luz es de mediodía, lo que conlleva una luz más clara. La paleta es más brillante, con un colorido más claro. Abunda el formato vertical. Las perspectivas se acortan. Los elementos más representativos son rocas, acercándose cada vez más el objeto a representar y dejando las perspectivas lejanas. Este requiere más minuciosidad. Sigue habiendo gusto por la anécdota. La pincelada es más vibrante y empastada. El final de esta etapa está marcado por un drama personal, cuando su mujer fallece junto con su hija en el momento de dar a luz.

  • Tercera Etapa (1875-1885): cambia su paleta a tonos grisáceos. Es cuando más representa las marinas. Gusta de representar escenas atmosféricas cambiantes. La pincelada es más enérgica y vibrante.

  • A partir de 1885: deja de pintar al aire libre y se centra en su faceta de profesor.

  • 1.PAISAJE

    1854. Es el cuadro más antiguo que conocemos. Se sirve del camino para encajar forzosamente la mirada al espectador en una panorámica amplia. Utiliza el amarillo intenso, con un colorido más brillante.

    Es un paisaje de planicie, lo característico de los PPBB. En un primer término dominan los tintes dorados y amarillentos. Los árboles son los que marcan las diagonales y encajonan nuestra mirada.

    El celaje está muy bien trabajado con la gradación de las nubes algonodosas. Los efectos de sombra aparecen magníficamente representados en primer término.

    Como obra de la primera etapa vemos un montón de figuras de pastores con rebaños, lo que nos muestra su gusto por el detalle, que se ve reforzado por la aparición de la cosa.

    2.PAISAJE

    1855. A pesar de ser de su primera etapa muestra en un primer plano ladeado una escena de marinas.

    En este caso coloca los árboles en el centro, marcando inflexiones que abren nuestra mirada a las diagonales.

    El celaje es cambiante, magníficamente representado. El mismo detalle utiliza para las rugosidades de los troncos y el suelo.

    Utiliza nuevamente una luz contrastada. En las zonas de sombra dominan los tonos pardos; y en la zona iluminada los dorados.

    La vista ha empezado ha reducirse, un cambio más que nos habla de su evolución.

    Volvemos a ver el gusto por la anécdota que nos muestra con el pastor que cuida a sus vacas.

    3.VISTA DEL PALACIO REAL DESDE LA CASA DE CAMPO

    1857. Con este cuadro gana la Cátedra de Paisaje de la Academia de BBAA de San Fernando. Con las bases les piden un paisaje de un lugar concreto, lo que hace ver un cambio hacia el paisaje realista.

    El planteamiento con un punto de vista bajo que hace más grandilocuentes la arquitectura romántica.

    El tratamiento lumínico es nuevamente contrastado. Las zonas en sombra corresponden a matorrales y arbolado, mientras el sol del atardecer ilumina el Palacio Real.

    El gusto por la anécdota es muy reducido, cada vez aparecen menos figuras, en este caso sólo 2 pescadores en un primer plano en el río.

    Perfectamente representado el efecto espejo del puente sobre el agua, elementos que se cruza con la diagonal marcada por el camino y que dirigen nuestra mirada.

    Magníficamente representada la neblina, al parecer de influencia velazqueña, los efectos atmosféricos tiran hacia el Realismo. La técnica comienza a ser más suelta.

    4.EL MONASTERIO DE PIEDRA

    Finales de 1850. En 1856 conoció a Federico Moncada, dueño del Monasterio de Piedra, este hecho fue clave para la permanencia de Haes en España. Este lugar será muy recurrente en su producción tanto en la primera como en la segunda etapa, ya que queda fascinado por la geomorfología.

    La luz es una luz de atardecer, el celaje es diferente a los visto hasta ahora (que amenazaban tormenta). La luz es contrastada.

    Las figuras que avanzan al fondo marcan una de las diagonales, la otra es marcada por el camino que lleva hasta el propio monasterio.

    5.PAISAJE

    Hacia 1860. En la línea de sus primeros paisajes, es quizá menos realista. Hay inflexiones en su evolución.

    El gusto por la anécdota adquiere una mayor importancia dentro de este cuadro. El fondo grandioso de la montaña deja el toque romántico ene l cuadro. El color es brillante, el característico de su primera etapa.

    Los efectos del celaje son más pobres, con menos valor estético que los anteriores.

    6.INMEDIACIONES DE TORREMOLINOS

    1859-1860. Por esta época estaba por esa zona de Málaga, para él no concretó el lugar. Marcó las diagonales con los bloques del lado izquierdo que encajonan nuestra mirada hasta perderla en el horizonte.

    Sigue con el efecto lumínico contrastado. Se vale de las sombras para dar profundidad. En un primer término las anécdotas de pastores y cabras que se confunden con las rocas.

    El detallismo lo vemos en los contrastes entre los hierbajos de primer plano, con el pastizal del fondo, algo que hubiera pasado desapercibido para los pintores románticos.

    7.PAISAJE

    Vemos nuevamente contrastes lumínicos que junto con la paleta de color y las diferentes texturas marcan las diagonales.

    En un primer término las pastorcilla agachada con su rebaño. La luz es de atardecer que potencia los dorados.

    8.PAISAJE

    1865. Corresponde a la fase frontera entre la primera y la segunda etapa. La perspectiva es aún bastante amplia (primera etapa); pero ya no tiene una paleta dorada, sino que cambia a verdes y pardos para representar con gran detallismo el roquedo.

    La horizontal la marca el riachuelo, delante una pastorcilla que marca la anécdota, junto con las vacas que van a beber agua al río.

    En la ribera, poblada de árboles, hay fabulosos juegos de luces que sombras.

    9.PAISAJE

    1865. En el entorno del Monasterio de Piedra. Es un paisaje plenamente realista de formato vertical, ha renunciado a la perspectiva amplia para centrarse en un riachuelo encajado entre las rocas (en un cuadre muy cercano y casual). Pero también mantiene cosas del romanticismo, como la alternancia de luz-sombra-luz; la paleta sigue siendo bastante dorada; y la figura agachada en un primer plano nos muestra su gusto por la anécdota.

    10.PAISAJE CON LEÑADORES

    1872. La luz es más clara, más diáfana y más nítida, lo que hace cambiar la paleta hacia una gama más fría. La técnica es cada vez más suelta y empastada.

    La perspectiva es más concreta, trato de reflejar una parte del bosque, cada vez más obsesionado por representar minuciosamente la vegetación y la geomorfología. Pierde importancia el cielo. De éste hay una versión de este mismo cuadro, pero de un paisaje nevado.

    El formato es vertical, típico de la segunda época. El encuadre es cercano, a pesar de su apertura hacia el fondo. Al ser otoñal, aún vemos tintes pardos y dorados en las hojas de los árboles. La luz es más fría, sigue utilizando los contrastes lumínico, aunque no tan pronunciados. Los árboles dispuestos en diagonal dirigen nuestra mirada hacia la apertura de la colina donde han caído las primeras nieves.

    Los leñadores recogen las ramas que han sido taladas y constituyen el pasaje anecdótico del cuadro.

    11.PAISAJE DE ASTURIAS

    1872. El encuadre es reducido con una orografía espectacular. Los tonos dorados han desaparecido casi por completo a favor de los grises, azules y verdes, una gama mucho más fría.

    El tema es pastoril, donde un pastor corteja a una pastora, tema típico del Romanticismo.

    Magníficamente representado los detalles de árboles y roca, algo habitual del Realismo. Maestría en efectos atmosféricos, típico también del paisaje realista.

    Las figuras son muy evidentes, con un mayor peso en el cuadro. Se da la condición de la naturaleza como algo grandioso que tiene a su merced a los personajes.

    12.LA CANAL DE MANCORBO

    1874. Mediaciones de los Picos de Europa. Es un encuadre plenamente fotográfico, con un aspecto mucho más casual. Hace una excursión con alumnos suyos, uno de ellos, Aureliano de Beruete, que llevó una especie de diario con el que se ha documentado.

    El formato es vertical. Contrapone efectos de celaje diferente, efectos de luz y neblina. Advertimos en mayor medida su obsesión por un extremo detallismo en la orografía y vegetación, con una técnica ágil y bastante empastada.

    El gusto por la anécdota desaparece la gama de color es fría, de pardos y azulados.

    13.LA TEJERÍA DE LA MONTAÑA DE PRÍNCIPE PÍO

    1872. Es un elemento de la ruina lo que ocupa el centro del cuadro, lo que es algo muy romántico. Pero la luz diáfana de mediodía, es fría y brillante.

    Aquí la arquitectura copa todo el cuadro, algo muy poco utilizado por Carlos de Haes, pero sí por sus alumnos. Esto es la novedad del cuadro.

    Se aprecia una técnica empastada en la línea de los cuadros anteriores.

    14.LA PLAYA DE VILLERVILLE

    1877-1884. Durante estos años visita varias veces esta zona. Ha cambiado la composición del cuadro, con una línea horizontal divide el cuadro y marca la perspectiva en 3 planos (rompeolas-velero-horizonte).

    La técnica es suelta, pero muy empastada; técnica conseguida con una gran agilidad y pericia.

    Coloca los restos de un embarcadero que hace que dirijamos nuestra mirada al fondo, donde nos encontramos con un velero en medio de un mar en clama.

    Con este embarcadero vuelve a tocar el tema de la ruina, tan típico de los románticos.

    En el celaje se supera con los efectos de cambios atmosféricos.

    15.LA LAGUNA DE ABCOUDE

    Tercera etapa. Nuevamente el celaje ocupa casi la mitad del cuadro. Dirige nuestra mirada hacia el fondo mediante las diagonales conseguidas por el agua y las vegetaciones.

    La técnica es muy empastada, con ella consigue matices perfectos en las plantas y hojarascas.

    El cielo es muy cambiante, hay zonas más oscuras y otras más claras y algodonosas.

    16. LA PLAYA DE QUETHARY

    Tercera etapa. El celaje marca una fuerte línea horizontal. Hay un gran interés por las rocas y las marinas.

    La perspectiva es muy amplia, pero la zona es pequeña, porque él en lo que se centra es en el roquedo.

    El mar en calma es contrario a la sensación de amenaza tan típica del Romanticismo.

    17.PAISAJE EN LAS CERCANÍAS DE VRIESLAND

    Tercera etapa. Es durante uno de los viajes a los PPBB. El cuadro vuelve a tener rota su horizontalidad, los árboles entran en el espacio del celaje. Los matorrales confluyen en dos perpendiculares hacia el fondo. También se piensa en una composición triangular que marcarían las riberas del lago.

    En el medio del lago una barcaza abandonada; nuevamente se utiliza esta referencia a las ruinas para además añadir el elemento anecdótico de las aves posadas sobre ella.

    La paleta es muy triste y dramática, llena de grises (matorrales, aguas…). El cielo en cambio se compone de colores muy brillantes, con efectos blancos y muy algodonosos.

    TEMA 5; EL COSTUMBRISMO

    El Costumbrismo es el género romántico que se da desde 1830 hasta 1860. no hay costumbrismo, porque el costumbrismo es la representación de la alegría de vivir, no tiene un carácter de denuncia (pintura social).

    El Costumbrismo es muy cercano en el tiempo a los orígenes del Romanticismo en España. En Andalucía se agarran rápidamente a este género. En Madrid los pintores costumbristas cogen influencias de la pintura de Goya, aunque sólo exteriormente en la representación de sus personajes, dejando de lado su tono crítico.

    El Costumbrismo es una defensa de lo autóctono, de lo español, mucho mejor defendido por la burguesía. Es un tema conservador. Es una visión sesgada, ya que el torero es el prototipo del español, al igual que las bailaoras son el prototipo de mujer española. Hay una relación entre pintura y literatura costumbrista. También con la música, las zarzuelas cuenan historias de tipo populares.

    La escuela andaluza tiene 3 focos: Sevilla, Cádiz y Granada. La madrileña el foco de la capital. Son radicalmente opuestos en técnica y temática (excepto en los toros), colorido, fondos e incluso en los significados. La escultura madrileña tiende al drama y la crítica; y la escultura andaluza muestra la alegría de vivir.

    Son cuadros de pequeño formato, comprados en un principio por viajeros extranjeros, que más tarde se pusieron de moda entre la burguesía y la aristocracia.

    Antes de 1850 se representan cuadros de escenas urbanas y campestres. A partir de 1830, prácticamente sólo se representan escenas rurales (campo).

    La luz madrileña es claroscurista, mientras que la andaluza es diáfana. La paleta madrileña es sórdida, la andaluza tiene un colorido vibrante. Los temas andaluces son alegres y en Madrid buscan el dramatismo.

    El costumbrismo andaluz se concibe enlazado a un marco arquitectónico, normalmente de la ciudad de Sevilla, que también se identifica con España. El la escuela madrileña el fondo es neutro, oscuro y sin referencias arquitectónicas.

    Los fondos de paisaje de la escultura madrileña son casi inexistentes. El fondo en esta escultura no busca la profundidad o los matices, busca enmarcar a los personajes.

    En los cuadros tanto madrileños como andaluces se representa un colectivo de figuras numerosas. Los trajes están tratados con mucha minuciosidad, al contrario que los rostros. Esto simboliza la representación del pueblo, no de un individuo en concreto.

    COSTUMBRISMO ANDALUZ

    Hay dos temas estrellas el toreo y la feria. El torero se convierte en el prototipo del español, y la bailaora de la mujer española. Hay muchas representaciones de las fiestas: romerías, bailes, corridas de toros, y por supuesto, la Feria de Abril… Otro tema muy utilizado son las procesiones, en las que además de representar al pueblo se representar el fervor religioso.

    Otros con menos presencia son el tema de los mendigos y los pilluelos por las calles de Sevilla; las lavanderas y las cigarreras; el mendigo ciego que canta; el buñolero que se dedica a la venta ambulante; o el tema del bandolero como un amenaza contra el orden establecido.

    La técnica del costumbrismo sevillano es muy lineal; con un colorido brillante y un gusto extremo por el detallismo; además de un denodado optimismo al reflejar el tema popular.

    1.CORRIDA EN LAS MAESTRANZA

    1855. Joaquín Domínguez Bécquer. Gran difusor de la pintura costumbrista. Es el cuadro más representativo del costumbrismo andaluz.

    El tema es la corrida de toro como algo perteneciente a la esencia española. Aparece la referencia arquitectónica tanto de la propia plaza como la de la torre de la Catedral de Sevilla, la Giralda. Tomada la vista desde el tendido de sombra.

    La técnica es lineal, con mucho detalle.

    El celaje es bastante excepcional, se da poco entre el resto de pintores andaluces. Es una luz fría y diáfana, propia de Bécquer.

    Los graderíos abarrotados de gente, algo muy característico del costumbrismo sevillano, que buscaba representar a la colectividad.

    No tiene demasiados matices coloristas, algo también típico del costumbrismo andaluz.

    Este cuadro es de pequeño formato, lo que tiene que ver con la clientela, que solían ser viajeros extranjeros, burgueses y latifundistas.

    ♦VALERIANO DOMÍNGUEZ BÉCQUER♦

    Hijo del iniciador de la saga, Jose Domingo Bécquer. Se forma con el primo de éste, Joaquín. Estudia en la Academia de BBAA de Sevilla el costumbrismo andaluz.

    En 1860 entra en el proyecto de representar a las provincias españolas a través de tipos populares.

    1.EL BAILE

    Representa tipos sorianos. Los trajes son más sobrios y severos que los trajes andaluces, lo que hace que el cuadro sea menos vistoso; a pesar de ser sobrio, tiene algunas notas destacadas.

    El baile como tema es clásico del costumbrismo andaluz.

    Coloca figuras de diferentes edades y posturas para ver desde todos los puntos de vistas los trajes.

    El gusto por la anécdota lo vemos claramente en primer término: animales, hachas, útiles de campo…

    Aparecen muchas figuras en el cuadro en busca de esa población, del gentío en general. Busca representar a Soria mediante su pueblo.

    2.LA FUENTE DE LA ERMITA DE SONSOLES

    1860. Representa a la provincia de Ávila. El cielo y la luz hacen del cuadro un paisaje diáfano. No es una escena de baile, pero está dentro del tono amable del costumbrismo sevillano.

    Perfila los detalles de trajes, tocados, bordados con su técnica lineal, lo que nos muestra el gusto por la anécdota. Esto que no demuestra en sus rostros, muy arquetípicos.

    ♦MANUEL CABRAL BEJARANO♦

    1837-1891. Se dedica básicamente al costumbrismo, aunque también realiza algunos retratos. Estudia en la escuela de BBAA de Sevilla.

    1.PROCESIÓN DEL CORPUS EN SEVILLA

    1850s. El tema trata tanto del fervor religioso del pueblo sevillano como de las procesiones como algo típico español.

    Tratado muy en detalle y enmarcado arquitectónicamente en la ciudad de Sevilla, como vemos por su Catedral.

    El poco celaje que percibimos es claro y diáfano. Aunque vemos muchos claroscuros, algo raro en el costumbrismo andaluz.

    Una técnica muy lineal para representar a su multitud de personajes, que muestran una gran religiosidad por sus posturas y gestos.

    Aparecen los “seises” que son niños con gran importancia en las celebraciones religiosas de la Catedral de Sevilla. También aparece la caballería y los Duques de Montparsier, en cierta manera en relación con la pintura de historia en su representación de figuras contemporáneas.

    ♦MANUEL RODRIGUEZ GUZMÁN♦

    1818-1867. Se forma en la escuela de Sevilla con los Bécquer. Se afinca en Madrid y pinta escenas costumbristas intentando adaptarse a la técnica y temas madrileños.

    1.ROMERÍA A LA ERMITA DEL PUERTO

    La luz no es una luz de día, es más oscurecida, tratando de aproximarse al costumbrismo madrileño. La técnica es muy lineal, con un gusto por la anécdota exagerado, siendo fiel al costumbrismo sevillano.

    COSTUMBRISMO MADRILEÑO

    Segundo tercio del XIX. Coincide con el sevillano en su visión tópica de lo que es la España- el pueblo y su conservadurismo atesora un pensamiento tradicional, con clichés. Muestra una huella manifiesta de la herencia de Goya, sobre toda su anécdota, recargándolo y exagerando la crítica e hilaridad, perdiendo la crítica y la mesura para perderse en el detalle.

    Hay temas de toros (igual que en Sevilla), pero partiendo de la tauromaquia de Goya y lo dramático (las cogidas, los toreros heridos…).

    La crítica a la iglesia, también apareció en Goya, pero aquí más que criticarla, la ridiculiza. Hay temas de la Inquisición, inspirados en Goya también, pero visto como un tópico español.

    Aparecen también contrabandistas (similares a los bandoleros). Hay tintes de pintura social en los que aparecen nuevamente la iglesia (Ayensa). Hay también escenas de majas, pero son majas goyescas, no bailaoras, buscando representar la esencia de mujer española.

    Hay una concomitancia muy estrecha con la pintura de paisajes de Villamil, donde el hombre queda dominado por su entorno (Eugenio Lucas).

    ♦EUGENIO LUCAS♦

    1817-1870. Eugenio Lucas tuvo una producción prolífica. Muchos de sus cuadros están en colecciones privadas. En vida de Eugenio Lucas se puso uno de ellos a la venta como si fuera de Goya. Tiene un hijo, Eugenio Lucas Villaamil, que seguirá su estilo.

    Toca todos los temas del costumbrismo madrileño. Tiene muchos cuadros de meninas en busca de la esencia de la mujer española; otros cuadros que buscan la esencia de Velázquez (El Cazador).

    1.EL CAZADOR

    Esencia de Velázquez, aunque la expresión es un poco dramática. La pintura es totalmente suelta. El celaje es más oscuro que la de Velázquez.

    El gusto por la anécdota se ve en el primer plano, recargando el cuadro. La paleta es mucho más sórdida que la del costumbrismo sevillano, con marrones, ocres…

    2.MAJAS EN EL BALCÓN

    La referencia a Goya es forzada en cuanto a la indumentaria y enfoque. La luz claroscurista es de ascendencia madrileña. La técnica es suelta, igual que Goya. Intenta imitar en las plantas y mantillas los toques de brillo goyesco. Sería la representación de la esencia de la mujer española. La paleta es bastante sórdida, aunque hay muchos toques de color en los trajes.

    3.LA MAJA

    Es una escena de cortejo. Vuelve a ser una maja y la esencia de la mujer española. La luz es claroscurista, con un fondo ensombrecido. Toques de luz brillantes en el traje. Aparecen tonos rosas y verdes, con una tendencia a imitar los de Goya.

    4.LA LAVATIVA

    Entra dentro de la crítica a la iglesia. El sacerdote, inclinando e identificado por un bonete que aparece en el suelo, es acompañado por brujas.

    La técnica totalmente desdibujada y una luz claroscurista tan clásica del Goya de la época negra.

    Aparece un rojo-anaranjado (un color muy goyesco) y el azul (intentando imitar el azul-verdoso de Goya).

    5.CONDENADOS DE LA INQUISICIÓN

    Es una escena de gentío que acude en masa a presencia un ejecución. Vemos el gusto por la anécdota en primer término en los gestos de los niños.

    La imagen del pueblo es anónima, sin rostros trabajados. La luz es claroscurista. La pintura es plenamente suelta. Introduce tipos populares con la indumentaria más al uso.

    6.CONDENADOS POR LA INQUISICIÓN

    Aquí aparecen ya los ajusticiados y los que esperan el ajusticiamiento. No hay referencia arquitectónica que nos permitan identificar el lugar.

    La luz es a contraluz, típica del costumbrismo madrileño. Los rostros están pocos trabajados, anodinos a pesar de lo dramático del momento.

    La paleta es sórdida, sin ningún toque de color y luz brillante.

    7.EL AJUSTICIADO

    Entra más dentro de los temas de Ayensa, más que en los de Eugenio Lucas. El protagonismo recae sobre la figura principal, que es una especie de cliché, sin rasgos personales.

    La paleta es sórdida, con gama de marrones negruzcos. No hay referencias espaciales.

    8.EL CONTRABANDISTA

    Irían en la línea de los bandoleros andaluces. Las figuras de los contrabandistas están empequeñecidas en comparación con el marco natural que lo rodea (igual que Villamil). No copia a Villaamil en la luz dorada.

    9.CAPEA

    Era un tema muy goyesco, Lucas pareció ser un gran seguidor de este pintor, llegando a partir sus composiciones del pintor aragones.

    No hay referencia arquitectónica, ni hay interés por individualizar el entorno. El momento es dramático. La técnica es muy suelta. La luz es claroscurista que incide en el ruedo. Los personajes se individualizan. Hay ligeros toques de color más brillante, pero siempre escuetos. Hay un gran número de personajes y gran gusto pr la anécdota.

    10.LA SUERTE DE VARAS

    La escena principal en un primer término, el resto nos muestra el gusto por la anécdota. La técnica es suelta, mientras que la luz es mucho más clara que la anterior. Vuelven a aparecer los toques de color brillante. Gran número de figuras en plena acción, todos abocetados, sin personalización.

    11.CORRIDA DE PUEBLO

    Excepcionalmente aparecen referencias arquitectónicas, aunque muy tópicas. Laluz es de ascendencia claroscurista. La muchedumbre siempre en acción. Hay toques de azules y rojos que se salen de la paleta de marrones y parduzcos.

    12.LA COGIDA DEL TORERO

    Hay una igual en la obra de Goya, aunque la de Goya resalta mucho más la escena de la cogida y prescinde de las figuras que intentan socorrer al torero y el tendido que representan Lucas.

    Técnica extremadamente suelta. Paleta de pardos y marrones con los típicos tonos brillantes.

    13.INTERIOR DE IGLESIA

    En este cuadro sigue la esencia de Villaamil. La mayor diferencia es que a Villaamil especifica la iglesia, mientras que Lucas pinta iglesias tópicas, sin concretar el lugar.

    Las figuras aparecen empequeñecidas (igual que las de Villaamil) ante el marco arquitectónico. La técnica es suelta (Villaamil hacía personajes más personalizados) y un gusto por la anécdota.

    14.PAISAJE

    Aparecen construcciones fantásticas y elementos orientalistas de la arquitectura árabe y a veces de la arquitectura gótica. Introduce muchos más personajes que Villaamil, varían actitudes y posturas, lo que nos muestra su gusto por la anécdota. Compone por diagonales, buscando la profundidad.

    15.PAISAJE

    Aparece una arquitectura inventada con elementos orientales, un arco de herradura muy cerrado. Hay un gran número de figuras con diferentes actitudes que nos muestra su gusto por la anécdota.

    La luz es contrastada. La técnica es muy suelta.

    ♦LEONARDO ALENZA♦

    1807-1845. Fue sin duda un pintor menos anecdótico que Lucas, hace un costumbrismo más ascético. Eclipsado por la figura de Eugenio Lucas.

    Fue costumbrista, retratista, pintor religioso y pintor de cuadros de historia.

    1.EL BORRACHO

    Tiene planteamientos similares a los del ajusticiado de Lucas en cuanto al planteamiento individual.

    En la temática es manifiesta el estado de abandono y completa dejadez, tanto por el estado de sus zapatos como de su vestimenta.

    La paleta es sórdida de marrones, grises, pardos… La técnica es muy abocetada. El lugar vuelve a ser anónimo, sin ningún enmarque que nos detalle su entorno. La luz no es la prototípica del costumbrismo madrileño, aunque hay un cierto contraste.

    2.LA SOPA BOBA

    Dentro de las escenas populares trata el tema de la iglesia. Sería el papel de la iglesia interesándose por las clases humildes e intentando mejorar su tradición.

    Aparecen figuras de corte popular, con diferentes edades. Domina la sensación de representar al pueblo, frente a lo individual.

    La técnica es suelta. La paleta es de marrones. La luz busca el contraste, más cercano a los cánones del costumbrismo madrileño.

    3.EL DIÁTICO

    Es la escena que por un lado se refería a la iglesia y el pueblo; y por otro lado el pueblo que se mantiene fiel a la tradición religiosa.

    El tratamiento de luz es claramente claroscurista, con un personaje a contraluz que sostienen el foco.

    Pese a ser una escena severa, se mantiene el gusto por la anécdota en las diferentes edades de los personajes, que aún son anónimos.

    La técnica es extremadamente suelta. El escenario es neutro, con un gran vacío en la parte superior que empequeñece las figuras (igual que Villaamil).

    ♦PAULINO DE LA LINDE♦

    Pintor andaluz afincado en Madrid, su luz es muy sevillana.

    Nace en Granada en 1837. cuando se afinca en Madrid se dedica a la pintura de género.

    1.ROMERÍA EN LA ERMITA DE SAN ISIDRO

    Década de 1850. Es un lugar concreto. Gran gusto por la anécdota. El gentío se reparte por todo el cuadro, con pequeños grupos que se concentran en el medio del cuadro.

    El colorido es de paleta sórdida, con mayor zona de color vibrante que el costumbrismo madrileño, aunque muy lejos de las vibrantes andaluzas.

    La luz difiere tanto del costumbrismo andaluz, como del madrileño, aunque se acerca más a ésta por los contrastes.

    Se mezclan con la tradición con el fervor del pueblo.

    ♦DIONISIOS PIERROS♦

    1827-1894. Durante una de sus estancias en Galicia. La luz es contrastada, muy madrileña; a pesar de la apertura al celaje del fondo.

    El tema de la romería es más andaluz, con numerosos personajes colocados en diferentes posturas (igual que Bécquer).

    La técnica es lineal, menos lineal que los sevillanos; pero a años luz de la pintura suelta del costumbrismo madrileño.

    1.ROMERÍA EN LAS CERCANÍAS DE SANTIAGO

    1860s. Durante una de sus estancias en Galicia. La luz es contrastada, muy madrileña; a pesar de la apertura al celaje del fondo.

    El tema de la romería es más andaluza. Numerosas figuras colocadas en diferentes posturas (igual que Bécquer).

    La técnica es lineal, menos lineal que los sevillanos; pero a años luz de la pintura suelta del costumbrismo madrileño.

    TEMA 6: EL REALISMO

    La aparición del Realismo se vincula a la Revolución de 1868, cuando la reina se exilia a París; el Reinado de Amadeo I; la I República; y la Restauración monárquica en la persona de Alfonso XII.

    El Realismo se da en el último tercio del XIX. Huye de las idealizaciones, sus retratos son serenos y sobrios. Sobriedad y austeridad que también se ve en el colorido, es una paleta muy ascética. Se persigue la naturalidad los fondos son neutros. La técnica extremadamente suelta, aunque en el retrato, en manos del cliente, tienen avances y retrocesos.

    Dentro del Realismo existen dos tipos diferentes:

    1-El Retrato Realista por excelencia es un retrato sobrio, en el que el personaje aparece ataviado con trajes sobrios en colores oscuros. La paleta es muy ascética. En las manos suele poner objetos (cigarros, sombreros…) para evitar la rigidez.

    2-El retrato que busca la instantánea se sirve de primeros planos de los personajes que muestran perfectamente sus características físicas; con un fondo tremendamente desdibujado; y paleta más colorista, con amarillos, sienas, ocres…

    ♦EDUARDO ROSALES♦

    1836-1873. Estudia en la Academia de San Fernando. Consigue una beca para Roma, cuando pinta El Testamento de Isabel la Católica. Tiene una gran influencia de Velázquez en las matizaciones de los negros. Hacía retratos psicológicos en sus personajes. Sus retratos son sobrios, con pintura suelta.

    1.LA ESPOSA DEL PINTOR

    1860s. Contemporáneo al de Gertrudis Gómez de Avellaneda de Madrazo. El punto de vista del pintor es más alto que la propia figura, lo que da a la figura un aspecto hundido, quitándole aí la tendencia a una elegancia exagerada.

    El retrato es sobrio, sobre fondo neutro. De busto largo. El modelado es muy blando, la pintura suelta. La mirada es expresiva, profunda aunque más escueta y ascética que las miradas especialmente dulces del retrato femenino de época románica.

    El traje es muy sobrio, en un tono azul-verdoso, pero nada estridente.

    2.MARQUESA SANTOVENIA

    1871. Es un retrato mucho más velazqueño que el anterior. Recuerda también a la primera época de Manet, sobre todo en el detalle de la capa.

    El fondo de paisaje es extremadamente suelta, con magníficos efectos de celaje.

    El traje es gris y rosa, con los brillos velazqueñoz, aunque la técnica es más lineal que los que utilizaba Velázquez.

    También vemos la influencia del pintor en la postura de la Marquesa, que enlazaría con la serie de bufones que colocaba sobre un suelo neutro.

    Rosales coloca la cabeza de perfil, lo que contribuye a quitarle rigidez, a favor del naturalismo.

    La indumentaria es artificiosa, seguramente impuesta por el cliente; al igual la técnica lineal, probablemente para destacar todo el lujo.

    La figura es ascética y sobria, algo característico del retrato realista.

    3.CINELLI

    1870. Este violinista afincado en Madrid está representado sobre un fondo neutro. La paleta es extremadamente ascética (negros y grises). La figura está colocada de perfil que vuelve la cabeza hacia el espectador, lo que le da la característica de instantánea.

    El modelo extremadamente blando, el característico del Realismo; conseguido gracias a la amistad que les unía.

    La mirada es muy melancólica, con gran importancia del sombreado que contribuye a que la figura parezca más dramática, al igual que la fragilidad desprendida por su extrema delgadez que vemos en su retrato de tres cuartos.

    ♦RAIMUNDO DE MADRAZO♦

    1841-1920. Es un pintor por un lado con una influencia muy estrecha con el estilo II imperio de la Academia francesa, en cierta manera un poco más idealista que el Realismo español es la elegancia que le daba a sus personajes.

    También se admite la influencia del retrato inglés, que seguía con la influencia de Van Dyck.

    1.RAMÓN ERRAZU

    La paleta es ascética de grises y negros con muchos matices en el tratamiento del color. El rostro está representado con un gran Realismo, que llama la atención la fuerza de la expresión, y la mirada ensombrecida. Es una mirada severa, pero profunda. La figura posa con una elegancia innata, que le da un porte distinguido. La técnica es suelta, pero más académica que se admite por influencia francesa.

    2.MARQUESA MONTELLANO

    Es más académico que el anterior, con más influencia francesa. El fondo es neutro artificial, un papel pintado con cortinaje, más recargado de lo habitual. El traje es artificioso que embara a la figura. La técnica es más suelta que en el anterior.

    La expresión es de amabilidad, es una figura más cercana. Colocada de tres cuartos mirando al frente. Es una figura atemperada.

    3.PIERETTA

    Entra dentro de la variante minoritaria en la que presenta al personaje en acción.

    La paleta es mucho más vivaz en la que destacan las rosas y colores claros, en los que se quieren ver la influencia de Velázquez.

    El fondo es neutro. El modelado es blando, las manos aparecen aún idealizadas, aunque menos que las de su padre.

    4.ALINE MASSO

    Es un retrato de busto largo que da sentido de inmediatez. El personaje se recorta sobre un fondo vegetal.

    El colorido es ascético, aunque con ruptura en los detalles del tocado. La técnica es muy suelta. Lo que hace muy realista es la expresión, es una figura con mucha compostura, con una elegancia muy natural que es un poco idealizante.

    ♦MARIANO FORTUNY♦

    Estudia en una Academia provincial, influencia nazarena como buen pintor catalán, tiene que hacer cuadros de historia. Cuando llega a Roma se aparta de esta dictadura y empieza a pintar con una técnica suelta de pinceladas cortas, de luz brillante. Entró en la moda de la pintura de casacón por ser los cuadros que más se vendían, por lo que entra en relación con Goupil Marçal.

    Nace en Reus en 1838 y muere en Roma en 1874. Fue el primer pintor español famoso en el extranjero, con una obra cotizadísima.

    Su formación está a cargo de Doménech Soberano en los primeros años. En 1852 se instala en Barcelona, y en 1853 acude a la Academia de BBAA de Lonja, donde permanecerá 5 años. Allí tiene como maestros al paisajista romántico Luis Rigalt y a Claudio Lorenzale. Cuando concluye sus estudios es becado para ir a Roma con el cuadro de Berenguer III colocando la insignia en el Castillo de Foix.

    Se establece en Roma, donde se vincula de la dictadura de la pintura de historia, aunque aún hizo dos cuadros; La corrida de la pólvora y La Batalla de Wad al Ras.

    Sus obras empiezan a tener una luz vibrante e intensa, consigue el sentido de la inmediatez fotográfica.

    También pinta pequeños paisajes y vistas, además de figuras populares que andaban por las campiñas de Roma. Eran tipos populares pero actuales, busca representar al pueblo de ese momento.

    Inmediatamente empieza a pintar cuadros del norte de África, son escenas de vendedores de callejuelas… la técnica es ya extremadamente suelta, con pinceladas muy cortas y un colorido y luz vibrantes. Tiene muchos cuadros con figuras aisladas que refuerzan la idea de la soledad, la pobreza…

    Aunque su especialidad será la pintura de casacón. Este es un subgénero de la pintura de historia nacido en Francia. Es de formato más reducido y se inspiran en los temas elegantes y seductores de los artistas rococós franceses, olvidados y rechazados en su época. Fortuna recae en este subgénero de casacón gracias a su relación artístico-comercial con el marchante Goupil Marçal, al que quedó económica y laboralmente atado.

    Un año más tarde, 1857, contrae matrimonio con Cecilia, la hija de Federico de Madrazo, el cual mostró adoración por su yerno. Tras la boda regresa a Roma.

    En 1868 pinta “La Vicaría”, el cual vende por una cifra astronómica en la época, 70000 francos.

    A finales de la década de 1860 realiza los cuadros que más recuerdan al costumbrismo sevillano (bailaoras, toreros, toros…), pero su técnica es muy suelta, tiene menos gusto por la anécdota.

    Entre 1870-2 estuvo en Granada, porque era una ciudad donde no había actos sociales, porque le atraían sus entornos y tipos populares, y su comercio de arte hispanomusulmán. Va acompañado del círculo del fortunismo, entre los que se encontraba el hijo de Federico de Madrazo. Es una época en la tiende a pintar figuras aisladas (El Marroquí). Los representa con una técnica muy suelta, con toda su crudeza, sin idealizar. Tiene también pintura de literatura, lo que nos sigue mostrando la unión pintura-literatura. Su fuente la leyenda de los Abencerrajes. Son cuadros de pequeño formato.

    Finalmente volvió a Roma para seguir haciendo pintura de casacón debido a su contrato con Goupil Marçal, será en esta época cuando fallece, quedando interrumpida su obra, pero dejando una gran estela en los artistas posteriores.

    1.LA ODALISCA

    1861-2. Como parte de su beca le encargan ejercicios de cuadros académicos de desnudos. Este cuadro está realizado tras su primer viaje al norte de África. En 1859, la Diputación le encarga unos cuadros que reflejan a los voluntarios catalanes en las guerras de África. Cuando llegó allí tomó apuntes y prestó mucha atención a tipos y ambientaciones orientalistas, como vemos en este cuadro.

    Escoge un tema tradicional en la historia de la pintura, interpretado en clave orientalista. Coge un tópico que teníamos en occidente, como un mundo más sensual, hedonista y voluptuoso. Para representarlo elige un desnudo femenino, con un carácter sensual y erótico que si fuera una mujer occidental.

    Habría que tener en cuenta la influencia de la Odalisca de Ingres o la Mujer Dormida de Eduardo Rosales (1859).

    2.LA ODALISCA II

    1861-2. Hace varias versiones de estos desnudos dentro de esos encargos académicos que había aceptado a la hora de aceptar su pensión. Aquí la vemos girada hacia un espejo.

    A finales de 1859 se traslada al norte de África, donde toma apuntes y empieza a esbozar ambientes de batalla. A principio de 1860 vuelve a París para seguir aprendiendo con los cuadros de historia. En 1862 viaja de nuevo a Tánger para continuar con sus cuadros de voluntarios catalanes en la guerra entre españoles y norte africanos.

    1.LA BATALLA DE WAD AL RAS

    1860-1. Sólo conservamos el boceto. Represnta el combate en sí mismo, pero e pierden los propios ejércitos. Otra de las cosas que pierde el cuadro de historia clásico. Es que no diferencia a las figuras principales.

    Pone de manifiesto su tendencia a la pintura suelta y los efectos lumínicos, con una luz vibrante y fuerte.

    Es un cuadro con muchos escorzos violentos, tanto personajes como animales, lo que contribuye a la sensación de drama.

    2.LA CORRIDA DE LA PÓLVORA

    1863. Es un cuadro de formato más reducido, también se comprometió a entregarlo cuando le concedieron la beca. Representa al ejército avanzando de derecha a izquierda, y también desde el centro del cuadro hacia un primer término.

    Excelente el tratamiento de la luz y el levantamiento de la polvareda que provocan los caballos a su paso, pierde la idea de la batalla a favor del detallismo.

    3.TRES TIENDAS ÁRABES

    1862. Acuarela. Aparece una visión tópica del norte de África que existía en Europa. Confluye por un lado un asunto estereotipado con el tema orientalista de tipos que e topó en sus viajes.

    Se aprecia su técnica más propia, con una pintura extremadamente suelta, con manchas abocetadas.

    Es un cuadro aún con anécdotas. Da la idea de instantánea, con figuras al margen del espectador.

    4.EL CAMELLERO

    1865. Acuarela. Es uno de sus cuadros problemáticos en cuanto a firma y datación, porque lo firma en “Tánger, 1865”. Actualmente se cree que lo abocetó en 1862 cuando estuvo en Tánger y que lo terminó 3 años después en su estudio.

    Sería una escena habitual en la que no busca un estereotipo, sino una instantánea de la ciudad.

    Parece que silueteó otras figuras que al final no representó. La única figura humana es el camellero, de espaldas sobre un camello, al margen del espectador.

    El tratamiento de la luz es potente, una luz blanca fuerte. La pintura nuevamente es extremadamente suelta.

    5.FANTASÍA ÁRABE

    1866. Hay dos versiones con pequeñas variantes, lo que obedece al éxito de sus diferentes cuadros entre los coleccionistas. Lo concluye en Roma.

    Es un cuadro que parece más anecdótico que el anterior. Parece que asistió a algún acto de este tipo en el que los bailarines danzan al son de sus propios disparos. Las figuras que danzan serían añadidos en Roma desde algunos bocetos tomados al parecer en su segundo viaje; pero se cree que el fondo es tomado del natural, en el que más tarde introduce anécdotas.

    El tratamiento de la luz es contrastado, de la luz blanca a la oscuridad del fondo del cuadro.

    Predomina el colorismo, es un color más diversificado, que en cierta manera recarga el cuadro.

    Este cuadro tiene pasmosamente representada la instantaneidad de la escena.

    6.PLAYA AFRICANA

    1867. Evoluciona a una paleta más ascética. Aparecen 3 árabes sentados y un cabileño armado que avanza a caballo. Hay un detalle de ensoñación en la que 3 caballos, sólo con un jinete se adentran en el mar.

    La pintura es extraordinariamente suelta, con muchas manchas. La paleta es armónica, sin ningún color brillante (Realismo), Todos colores dorados.

    7.CALLE DE TÁNGER

    1869. La gama de colores es de marrones, arenas, sienas, aunque con algún toque brillante.

    El encuadre es muy utilizado por Fortuna, ya que le permite contrastar efectos lumínicos, fuerte en primer término, oscuros en el callejón; y dar efectos de perspectiva.

    La pintura es extraordinariamente suelta, aunque consigue representar elementos muy preciosistas.

    Consigue dar la sensación fotográfica, con acciones creíbles, puesto que los personajes están en quietud, lo que le da toques de realismo.

    8.BAZAR DE TÁNGER

    1869. Representa una escena habitual del zoco de Tánger, algo exótico para el mundo occidental. Se abre a modo de ventanal, que permite exhibir la mercancía.

    Pintura extremadamente suelta, pero que aún nos permite diferenciar los diseños de los tapices y detalles de texturas.

    La luz también es contrastada entre el interior de la tienda en penumbra y la luz blanca tan característica de Fortuny.

    9.HERRADOR MARROQUÍ

    1863-1870. Hay dos versiones, cada una de dos años diferentes. La diferencia de fechas tan grande es algo extraño., porque las copias suelen ser en el mismo año.

    Es similar a la playa africana, con paleta a base de pardos y arenas, con muchas matizaciones en los tonos; y unos efectos lumínicos claros.

    Sensación de fotografía, instantaneidad nada brusca, hay cierto movimiento, pero muy calmado.

    En esta segunda versión añade las gallináceas que resta importancia a la escena principal u le quita dureza, además de mostrar su gusto por el preciosismo a través de una técnica muy suelta.

    Las figuras abocetadas del fondo, al igual que los caballos en la playa, compensan la composición.

    10.EL MARROQUÍ

    1869. Es el primer cuadro de figuras aisladas, es un preludio de los cuadros de personajes aislados del periodo granadino. Marca ese periodo de ascetismo que sufre la pintura de Fortuny en la década de 1860.

    Siempre son personajes sobre un fondo neutro, ya sea claroscurista o de luz tamizada. Serán obras muy copiadas.

    La paleta es armónica de negros y blancos, sin ningún matiz de colores brillantes que refuercen la sensación de aislamiento.

    Fuerte luminismo en la parte inferior, que se va matizando según asciende. Son personajes comedidos, el rostro está individualizado, su expresión es patética.

    11.ANCIANO AL SOL

    Etapa granadina. Los estudiosos lo incluyen en pintura de género, considerándolo que representa tipos andaluces. En influencia se remonta a las figuras de Ribera.

    Al anciano semi-desnudo lo coloca sobre un fondo oscuro, sin referencias espaciales.

    La postura está en un ligero escorzo que busca la profundidad, planteamiento también adquirido de la pintura del Siglo de Oro.

    La figura es muy realista, su expresión es dramática, que se refuerza por su soledad.

    En esos años se obsesionó por reflejar la luz intensa sobre la piel descubierta.

    Es una cuadro muy imitado en muchas versiones.

    12.LEYENDA DE LOS ABENCERRAJES

    1871. Es el único cuadro que se le conoce dentro de los cuadros de literatura. Es un cuadro de pequeño formato, por lo que se aparta de la estricta pintura de historia. Mezcla la historia, con literatura y temas orientalistas.

    Se basa en los “Cuentos de la Alambra” de W.Irving. El episodio es dramático. La familia de los Cebríes arde un plan para acabar con la familia de los Abencerrajes y que el poder dinástico recaiga sobre ellos.

    La arquitectura obedece a la configuración de la sala de los Abencerrajes, lo que demuestra su rigor histórico.

    Introduce al fondo un cuadro o un tapiz con pintura muy suelta sobre los que pinta los cadáveres de la familia de los Abencerrajes (niño y mayores). A la derecha la mas que contempla la escena.

    La paleta es armónica, con algún tono vibrante. La luz se dirige desde abajo hacia arriba.

    13.EL TORERO

    1869. Es una versión más de cliché y estereotipada que las anteriores. Temáticamente coincide con temas predilectos en sus días en Granada.

    La postura es clavada a una figura de sus cuadros de casacón, Il Contino, pintada previamente.

    Tiene técnica suelta, pero de las más minuciosas de Fortuny. El tratamiento lumínico es radicalmente diferente. Tiene luz henchida en el suelo, menos uniforme, irradia hacia arriba, peor no unifica todo el cuadro.

    14.EL CORRAL

    Es muestra de la dictadura de los clientes de Goupil. Es un cuadro de género menor anecdótico.

    Es una técnica absolutamente suelta y abocetado. Con una luz claroscurista, en penumbra. Es una obra muy conocida, que se sale de las técnicas habituales.

    15.LA SEÑORITA CASTILLO EN SU LECHO DE MUERTE

    1871. Es un preludio de la pintura social. La situación es especialmente dramática. Fue un encargo del dueño del hostal donde vivió los primeros meses en su estancia granadina.

    El virtuosismo lo vemos en la cantidad de matices que da al blanco y el gris.

    16.ALMUERZO EN LA ALHAMBRA

    1872. Es un cuadro con muchísimos detalles. Los dos niños son los hijos del pintor. El hombre tumbado sobre el césped de Martín Rico y su esposa la figura de rojo.

    Es un cuadro que fue tremendamente expresa la inmediatez, con un tema rara vez tratado por Fortuny, un tema que redunda alegría y amabilidad; atípico optimismo.

    La técnica es extraordinariamente suelta. El marco se recorta nuevamente sobre un paredón blanco (igual que el Marroquí).

    17.AYUNTAMIENTO VIEJO DE GRANADA

    1872. Con el optimismo de estos cuadros quieren ver la felicidad por la que pasaba por la vida de Fortuny en estos años. Hará algunos añadidos en Roma años después, ya que en 1872 es presentado como un cuadro de representaciones arquitectónicas urbanas.

    Da la sensación de instantánea fotográfica, de escena plausible, con gran gusto por la anécdota.

    Paleta dorada y clara con algún toque brillante. La luz es magnífica, contrasta la luz con encuadres de callejuelas que además marca la profundidad.

    18.LA VICARÍA

    MNAC. Es su obra más conocida. Goupil pagó 20000 francos a Fortuny para 2 ó 3 días después venderlo por 70000 francos.

    Hasta 1919 el cuadro pasó diferentes subastas por cantidades astronómicas, pero finalmente se consiguió traer a España por la Diputación de Barcelona.

    Cayó en la tentación de pintar pintura de casacón. Comenzó a pintarlo en 1868, lo terminará en 1869. cuando viaja a París le hace algún retoque antes de entregárselo a Goupil en 1870.

    Es un cuadro de casacón en calve goyesca, en clave española. Cuando pinta este cuadro acababa de casarse, lo que le permite entrar con libertad al Prado, y empieza a mostrar su influencia goyesca.

    Fortuny configura un lugar religioso, una sacristía que no obedece a un lugar concreto. Introduce los grupos dentro de los tópicos costumbristas, el de la derecha (influencia del cuadro del lagartijo, pintado un año antes) que esperan su turno, muy goyescos. Desacraliza la escena y el rito del matrimonio, dándole el toque de instantánea fotográfica.

    Hay tonos con pinceladas llenas de luz. La pincelada es sumamente suelta, pero que consigue detallar todos los elementos, consiguiendo casi efectos preciosistas.

    Al parecer con motivo de su boda fue lo que le inspiró este cuadro. Volvió a la vicaría de San Sebastián, donde se casó, para tomar unos apuntes, de los que más tarde en Roma sacaría este cuadro. Para no perder el carácter español utilizó libros de Moratín y ciertos detalles que le enviaba Federico de Madrazo.

    Con este cuadro critica a las clases populares por intentar imitar en indumentaria y acciones a la clase burguesa.

    Hizo 3 versiones de este cuadro, con ligeras variantes en fondo y personajes.

    19.LA MASCARADA

    1870. Es un cuadro de casacón a la moda francesa. Es un cuadro de formato pequeño: 45 x 63 cm. Representa una escena en un jardín, estanque y cisnes en el que sitúa un arlequín que interpreta una pieza, mientras delante de él y sus acompañantes una mujer exhibe su pecho.

    Las indumentarias recuerdan a las de finales del XVIII. El colorido recuerda a Tiépolo, al colorido veneciano del XVIII. Mezclando así el asunto veneciano con los trajes de Bartoc.

    Busca la profundidad con las diagonales hacia el XVIII.

    20. PASATIEMPOS DE HIJOSDALVOS

    1871. También conocido como lección de esgrima, que aparece a la izquierda. Pintado en Granada. Es un cuadro básicamente de arquitectura y que para contentar a Goupil introduce las figuras, que tienen un tono de divertimento, buscando una visión amable. Excepcionalmente con indumentarias del siglo XVI, en vez del XVIII.

    La fuente es del patio de la Lindaraja, que al igual que las arquitecturas, pertenecen a la Alhambra.

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