Historia del Arte Contemporáneo

Historia del arte. Deutstcher Werkbund. Bauhaus. Hannes Meyer. Mies Van Der Rohe. Estilos artísticos. Art Decó

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DE DEUSTCHER WERKBUND A LA BAUHAUS (1907-1933)

Deutstcher Werkbund

Fue una asociación de artistas, escritores y artesanos que pretendía impulsar el arte propiamente alemán. Influyó en la adopción de un estilo nuevo de carácter más industrial. Se buscaba el desarrolló de un diseño adecuado a las necesidades del s.XX. Se configuró en 1907 como un grupo que pretendía provocar una alianza entre el arte y la industria. Uno de los factores que impulsó su creación fue la publicación en Alemania (1904-1905) del libro de Herman Muthesius “La casa inglesa”, que era una especie de informe basado en su estancia en Inglaterra donde había estudiado los logros arquitectónicos del movimiento Arts & Crafts. Lo que más le había llamado la atención fue la integración de la sencillez de la tradición arquitectónica autóctona con los servicios modernos de la industrialización y con la planificación racional. Para Muthesius este era el camino para conseguir una nueva estética adaptada a las nuevas necesidades del s.XX. En el libro destacaba sobretodo los aspectos más funcionales de la arquitectura del movimiento Arts & Crafts, centrándose sobretodo en la fabricación práctica y el empleo de los nuevos servicios, como la fontanería moderna y la luz eléctrica adaptados a su uso doméstico. En estos edificios observaba una estética sobria, sencilla, inspirada en lo propiamente inglés y que además resultaba adecuada con la nueva era industrial. Muthesius fue miembro fundador de Werkbund, junto con muchos empresarios entusiastas industriales, que tenían como objetivo animar a los compañeros al luso de un buen diseño que sirviera para educar al público en una estética funcional. Además se concebía el diseño como un elemento clave para la expansión de la economía alemana y para la recuperación de la cultura propia. Se trabajó para mejorar la calidad de los productos fabricados en Alemania y se realizaron conferencias y exposiciones que pretendían tener una utilidad didáctica.

Una de las figuras importantes y que tuvo una influencia significativa en el diseño del siglo XX fue Peter Behrens. Se le ha considerado como el primer asesor de diseño industrial y también como el primer creador de una imagen integral de una empresa (AEG). En sus primeros tiempos difundió la estética modernista en ilustraciones para revistas y carteles. Además estuvo asociado a la colonia de artistas Darmstadat y se había adherido a su filosofía, que continuaba los ideales del movimiento Arts & Crafts. Sin embargo, dio un giro radical a carrera cuando el director de la AEG le pidió que diseñara la imagen de esta firma, desarrollando un proyecto al que dio un carácter claramente industrial. Sus diseños incluían desde el edificio de la fábrica con un estética muy funcional, hasta el diseño de productos industriales de uso cotidiano. También diseño los catálogos de los productos y los carteles de promoción de la firma (cartel de mano con una bombilla). Se considera un claro ejemplo de diseñador que pasó del campo de las artes aplicadas al diseño industrial, cambiando además su estilo de uno más ornamental, a otro inspirado en la maquinaria y en la tecnología moderna (más funcional).

Exposición de 1914 en la Colonia (momento clave en este movimiento). Se produjo un debate entre Henry Van de Velde y Herman Munthesius. El primero se reafirmaba en su creencia modernista de que el diseñador es esencialmente un artista que aplica sus capacidades y conocimientos a los objetos que se producirán en serie. El segundo mantenía que el diseño para la producción industrial no era simplemente una cuestión de arte aplicado, sino el resultado de una comprensión más rigurosa de los principios que dominan el proceso. En este contexto de la exposición de Colonia, Walter Gropius y Adolf Meyer presentaron un modelo de fábrica con unas escaleras exteriores cubiertas de paneles de cristal. Esta obra, junto con una fábrica de zapatos de Fagus, se considera los primeros edificios europeos que expresaban exclusivamente a través de la estética de los nuevos materiales de producción industrial (acero y cristal).

Walter Gropius se convirtió en el principal promotor alemán de una arquitectura y un diseño integral adaptados a la era de la industrialización.

BAUHAUS (1919-1933)

CONTEXTO HISTÓRICO

  • República de ……………………… de Weimar régimen político alemán implantado después de la primer Guerra mundial.

  • Revolución que llevó a un gobierno provisional que eligió una asamblea constituyente que fue la que dotó de instituciones a la República, y se eligió un presidente: Ebert

  • 17 estados (República de Weimar), entre ellos del de Sajonia- Weimar.

  • Final de la Bauhaus coincide con el final de la República.

CRONOLOGÍA

  • Directores:

• Walter Gropius (1919- 1928)

• Mannes Meyer (1928- 1930)

• Mies Van de Rohe (1930- 1933)

  • Ciudades (sede):

• Weimar (1919- 1925)

• Dessau (1925- 1932)

• Berlín (1932- 1933)

  • Evolución:

• Etapa de creación (1919- 1923)

• Etapa de consolidación (1923- 1928)

• Etapa de desintegración (1928- 1933)

  • Interés de investición formal y de criterios estéticos:

• Aún subsiste un expresionismo tardío que se funde con ideales artesanales, que tiene su raíz en una idealización de la Edad Media (1919- 1923)

• Predomina la influencia del constructivismo (investigación con nuevos materiales llevada a todos los campos artísticos. Intención de hacer un arte úgil para la nueva sociedad creada por la Unión Soviética. Se basan en las formas geométricas puras e el uso sincero de los materiales) y una investigación para adecuarse con las formas a las exigencias concretas de la técnica y de la industria modernas (1923- 1933).

ETAPA DE CREACIÓN (1919- 1923)

  • Walter Gropius aceptó dirigir la Escuela Superior de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios de Weimar fundiéndolas en una entidad nueva que la llamó la “Bauhaus Estatal de Weimar”.

  • La arquitectura se debe realizar……………………………

  • Objetivos:

• Formar a los artistas en los oficios que conocieran los distintos materiales y su uso.

• Integración de los distintos géneros artísticos y los sectores artesanales bajo la dirección de la arquitectura.

• Se buscaba orientar la producción artística para que diera respuesta a las nuevas necesidades sociales.

• Convertir al artista en un técnico proyectista.

• Renovación en la enseñanza de las artes liberación del academicismo anterior formación más experimental.

• A partir de las investigaciones de la Bauhaus surgió el concepto moderno del Diseño.

• Los alumnos que allí se formaron se ganaron la forma de un modo de proyectar característico, basado sobre todo en la estética funcional y en el uso de geometrías puras.

  • Profesores:

• Lyonel Feininger.

• Gerhard Marcks.

• Johannes Itten.

  • Gerhard Marcks e Johannes Itten fueron los responsables del curso preliminar.

  • Antes de incorporarse a la escuela, Itten ya había impartido clases en Viena y su enseñanza se basaba en los grandes reformadores de la pedagogía moderna. Sus enseñanzas se basaban en lo práctico y en la experiencia directa, fomentando la educación a partir de los sentidos y el hecho de potenciar la creatividad individual. Le interesaba que los alumnos realizaran collages con distintos materiales. En el curso preliminar buscaba que los alumnos liberaran sus propias fuerzas creativas, que buscaran un modo de expresión original, propio. Quería que encontraran una relación de empatía con el mundo, que comprendieran la naturaleza física de los materiales y sus posibilidades, y como, a través de la experiencia directa, la percepción es más intensa y a partir de ahí se descubre cualidades intelectuales y respuestas emocionales.

  • Conferencias de Theo Van Doesburg, representante del Neoplasticismo ( De Stijl) abstracción geométrica.

Itten no estaba en nada de acuerdo con las ideas “constructivistas” de Theo, ya que él no buscaba un arte para nada funcional después de discusiones con Gropius, Itten decidió abandonar la Bauhaus.

MANIFIESTO FUNDAMENTAL DE LA BAUHAUS

  • 1919

  • Con el grabado “La Catedral” de Lyonel Feininger en madera (xilografía).

  • Formas quebradas, angulosas conectan con la estética expresionista.

  • La catedral simboliza un proyecto común donde se aglutinan diferentes actividades.

  • “construir es una actividad social, intelectual, que reconcilia las labores independientes de los oficios. El trabajo en común allana las diferencias sociales y acerca la labor de los artistas indiviuales a los distintos sectores de la sociedad” - Walter Gropius.

  • Rayos luminosos

  • Las 3 estrellas representan las artes mayores (arquitectura, pintura y escultura).

PRIMERA MARCA DE IMPRENTA DE LA BAUHAUS (1919- 1929)- Kart Meter Röhl

  • En la parte que no es todo texto se mezclan distintos elementos paganos:

• Pirámide símbolo de la construcción.

• Cruz gamada símbolo céltico.

  • “Ecuela Estatal Bauhaus de Weimar” letras en círculo.

DIBUJO DE UN CARDO- Gunta Stöltz

  • Para las clases de Itten.

  • Análisis de la naturaleza.

  • Formas angulosas en las espinas sobre el dibujo vuelca su emotividad Itten jugaba con el proceso de identificación.

EJERCICIO DE CONTRASTACIÓN- M. Mirkin

  • Buscando diferentes materiales, hacer un ejercicio de composición donde hubiera contrastes de texturas, colores…

  • A partir de está composición se harán dibujos.

  • Irregularidad del taco de madera, vetas, nudos.

  • Elementos mecánicos industriales (sierra).

  • Itten dejaba mucha libertada de evaluación a los alumnos este ejercicio fue escogido por los alumnos.

  • Contraste del cristal con el hierro y la madera contraste e lo irregular con lo regular.

LA CASA DE SOMMERFELD

  • Primera gran obra conjunta de la Bauhaus.

  • Proyecto de Gropius y Adolf Meyer en el trabajaron también profesores y alumnos.

  • Se realizó porque el comerciante de madera Sommerfeld les regaló una carga de madera teca de un barco que había naufragado idea de reciclaje.

  • Horizontalidad hay un recuerdo de las casa de la pradera de Wright.

  • En la entrada se juega con los planos geométricos.

  • Formas con ángulos rectos cortados.

  • Madera con geometría aserrada a sus lados chapas metálicas para cubrir las calefacciones.

  • Juega con formas geométricas rectangulares.

  • Relieve de las escaleras diseñados por J. Smits referencia a los ciudades donde Sommerfeld tenía establecimientos.

  • Cortinas que siguen la misma estética rectilíneo.

ILUSTRACIÓN PARA LA REVISTA “EL MECANO”

  • El mismo que hizo la marca de imprenta de la Bauhaus.

  • Figura humana tratada linealmente.

  • En función del Neoplasticismo.

  • Tiene un cardo en la mano un ser humano que medita observando el cardo, intentando alcanzar la luz del conocimiento (el sol que está detrás)

  • Contraposición del ser humano orgánico que espera alcanzar la luz del conocimiento frente al ser humano construido, geométrico, que pretende reflejar los valores de un arte universal que defendía Theo.

  • Tratado irónicamente.

  • Dos formas de entender el arte Itten y Theo.

SILLA ROJA Y AZUL- Rietveld

  • Concebida para ser producida artesanalmente.

  • Se busca una adaptación de la estructura de la silla a la figura humana.

  • Cortes limpios.

  • Elemento tridimensional de los cuadros de Montdriá.

  • Contraposición de colores vivos a todo el mundo le gustará.

  • Aplicación plástica de los principios del Neoplasticismo.

QUIOSCO CON PUBLICIDAD- Herber Bayer (trabajo de alumno)

  • Han calado los principios del Neoplasticismo en los trabajos de los alumnos de la Bauhaus.

  • Geometría y colores limpios amarillo, rojo y azul.

  • Tratamiento expresivo de las tipografías solución antiacadémica de las tipografías de la publicidad (sentido de escritura).

  • La flecha marca la dirección.

  • La figura marca la escala humana.

  • Rejilla incorporación de materiales industriales.

Las autoridades quieren ver resultados de la inversión que hicieron, por ello, Gropius “convocará” una exposición con trabajos de alumnos. Su objetivo será hacer ver su innovación y su progreso hacer productos que se pudiesen realizar industrialmente.

CARTEL PARA LA EXPOSICIÓN- Herber Bayer

  • Sin imágenes, sólo tipografía

  • Juega con el blanco, el negro y el rojo.

  • Letras de gran pureza geométrica.

CARTEL PARA LA EXPOSICIÓN- Joost Schmidt

  • Juega con elementos tipográficos y tintas planas.

  • Basada en ritmos diagonales y ritmos de letras contrapuestos.

  • Integrada la marca de imprenta que diseñó Oscar Schlemmer.

  • Parecen herramientas ritmo dinámico.

  • Ojo que capta todo.

MARCA DE IMPRENTA- Oscar Schlemmer

  • Clave geométrica.

  • El ser humano era el centro de toda la actividad.

  • El hombre aparece de perfil, con líneas rectas.

PROYECTO DE DECORACIÓN MURAL DE LAS ZONAS DE LOS TALLERES- Oscar Schlemmer

  • Simplificación en clave geométrica de figuras humanas.

  • Bajos relieves

  • También se expondría en esa exposición

CASA AM HORN (“Casa experimental”)

  • Tenía mucha importancia porque estaba concebida para una economización de los costes de su producción.

  • Dentro de una estética rigurosamente geométrica planta: un cuadrado dentro de otro.

  • Las soluciones utilitarias quedan vistas (calefacción, tubos de fontanería) idea de la máquina para habitar.

  • Articulada en función de un núcleo central: el salón.

  • Diseño de los muebles para la habitación de invitados.

  • Concebida como una máquina para habitar.

  • Escaleras que dan al sótano.

  • Salón núcleo central de la casa, rodeado de todas las demás estancias.

• Muebles muy rectilíneos diseñados por Marcel Bruer.

• Iluminación alta lateral.

• Idea de la esencialidad.

• Alfombra con ritmos geométricos

• Unidad estética tomado como referencia en todos los elementos el módulo cúbico: planta, alzados, incluso los muebles.

  • Cocina muy innovadora por el rigor rectilíneo y todo perfectamente clasificado:

• Grifería vista

• Todo está diseñado para ella.

• La luz inundaría la estancia color blanco.

  • Lámpara de pie estructura muy limpia.

REJA DECORATIVA- Josef Albers

  • Inspiración en el pintor Paul Klee.

  • Trama geométrica

  • Trabaja con diferentes colores y texturas.

LÁMPARA DE SOBREMESA- Juncker y Wegenfel

  • 1923/1924

  • Se basa en el uso sincero de los materiales industriales: cristal y metal.

  • Armonía geométrica de las distintas formas.

  • Pantalla media esfera.

  • Soporte cilindro que deja ver el recorrido del cable.

  • Base disco de cristal.

  • Se ha convertido en un clásico del diseño.

JUEGO DE TÉ DE PLATA- Marianne Brandt

  • Media esfera de la tetera.

  • Base dos planos cruzados.

  • Formas limpias y sobrias.

CENICERO DE LATÓN NIQUELADO- Mariane Brandt

  • 1924

  • Formas muy limpias.

  • Tiene el sello de la Bauhaus

  • La base es igual que la obra anterior.

JUGUETES- Alma Buscher

  • Quería crear jueguetes atractivos y que despertaran la imaginación de los niños.

  • Piezas de gran rigor geométrico, pero con gran colorido.

  • Fueron ralizados para la casa Fröbel-Pestalozi. (empresa)

COLGADOR DE COLADORES DE TÉ- OTTO Rittweger y Wolfgang Tümpel

CARTEL (para la promoción de un ajedrez)- Joost schmidt

  • Primero fue alumno de la Bauhaus, después se convirtió en un joven maestro.

  • Cartel para la promoción de un ajedrez sus piezas tenían una gran peculiaridad: en sus superficies tiene un “dibujo” que explica como se mueven.

  • Claramente tipográfico.

  • Basado en las geometrías puras.

  • Anti-academicista tipografía dispuesta en vertical.

  • Utiliza solo dos tintas: rojo y negro, sobre el soporte blanco del papel.

  • El las piezas del ajedrez fue realizado por José Marwitg y la mesa para el ajedrez por Henz Nösself. La mesa disponía de un cenicero y un lugar para guardar las piezas.

DESPACHO DEL DIRECTOR EN LA BAUHAUS- Weimar Gropius

  • Aparecen planos de antepecho de un balcón.

  • La composición de la lámpara nos recuerda al movimiento Stijl. Lo que se buscaba en el mobiliario era un carácter más funcional.

  • El mobiliario es muy de la época, se busca que los objetos sean hermosos por sí mismo.

  • Se busca que la iluminación inunde el interior importancia de la luminotecnia.

  • Este edificio, proyectado por Van de Velde, ya contenía bastante iluminación, a la que se le añade la luz artificial.

  • El tapiz y la alfombra están hechas por Gunta Stalde Stölz, que se pasa a unos motivos más modernos y más geométricos consigue una compacidad en toda la estancia, ya que mantiene unas características en común

El traslado se produce por las elecciones al Parlamento Regional (febrero 1924) estas elecciones hicieron que ganaran el estado de Weimar los representantes de los conservadores. Lo que supuso para la Bauhaus que los medios que se les asignaban fueran recortados. Tanto que, el 31 de Marzo de 1935, se plantease su disolución. En este momento sale alcalde social-demócrata de Dessau, Fritz Hesse, que les invitó a que se establecieran en esa ciudad concediéndoles terrenos y avalándolos económicamente. El edificio fue proyectado por W. Gropius.

En este periodo (1925-1932) se llevará a cabo un trabajo continuo y sistemático, incluso más organizado que el desarrollado en Weimar, prácticamente todos se trasladaron a Dessau y se integraron como maestros los alumnos de la escuela. El hecho de tener un edificio nuevo planificado en función de las ideas de la escuela, incrementa el optimismo para crear nuevas ideas relacionadas con la sociedad. Esta consolidación es en el que se abandona las tendencias expresionistas de creación individual, porque en los talleres desempeñará un papel clave, los jóvenes maestros ya citados anteriormente.

La escuela se acaba incluyendo en tareas propias de la industria. Las fábricas demandan diseños a la Bauhaus. Estendirización y producción en serie se convierte, en esta etapa de la Consolidación, un objetivo de la Bauhaus. Estas mismas ideas habían sido defendidas por Muthesius en el contexto del Werkebund.

Se busca dar respuesta a las necesidades sociales de un momento concreto con el uso de la tecnología más avanzada y con soluciones estéticas, utilitarias a la vez.

En esta época se producen muchos objetos en el taller del metal dirigido por Lazlo Moholy Nagy, que estuvo en la escuela desde el 1923 hasta 1928 buscando que la proridad fuera lo funcional.

Publicaron una tira de fotomontajes que hablaba de la evolución de su mobiliario “una película de la Bauhaus en 5 años”, donde vemos la ligereza progresiva fue publicada en la revista de la Bauhaus del año 1926. Habla de la idea de un diseño práctico, útil con pureza de formas y materiales vistos, sin disfrazar.

EDIFICIO DE LA BAUHAUS

MARCEL BREUER

  • Uno de los talleres más eficaces y activos era el de ebanistería que a partir de 1925 se llamó "taller del mueble".

  • Tiene influencia del movimiento Stijl.

  • Muebles más ligeros que respondan a una producción industrial, una producción masiva, abaratando costes.

  • Proyectó sillas y sillones con estructura de acero que buscaba por un lado, la reducción de volumen, y por otro, reducción de peso se mantienen valorados por Rietveld, inclinación del respaldo y asiento.

SILLA TUBULAR

  • Se busca un mueble austéro y serio.

  • De formas muy geométricas.

  • Se busca un mueble austero y serio.

  • La funcionalidad está también en su propio uso que se adapte a diferentes tipos de interiores, muy polivalente.

  • Sus materiales son la tela y el acero tubular.

LÁMPARA TALLER DE METAL

  • Dirigido por Moholy Nagy.

  • Se busca la máxima sencillez media esfera con elementos sustentantes superpuestos.

  • Es como darle la vuelta a una lámpara de mesa porque se puede ver una especie de soporte similar.

CARTEL PUBLICITARIO DE LA FONFERENCIA DE HERBER BAYER

  • Es exclusivamente tipográfico.

  • Se busca una estética muy constructiva, se coloca un fotoco rojo (punto, que crea un foco de atención).

  • Los datos de la fecha parece unos datos propios de una calendario de taco.

  • Basa la estructura del cartel de una forma rectangular.

  • Las propias letras marcan la dirección de lectura su jerarquía.

  • Se busca que lo rectilíneo prime letras de palo seco.

  • Homogeneidad.

CARTEL DEL ALFABETO DE LETRAS MINÚSCULAS

  • Herbert Bayer fue provesor después en la escuela, a él se le encargaba todo lo tipográfica de la Bauhaus.

  • Busca una pareza estética, que mantenga un modelo.

  • Quedan soluciones un tanto curiosa, como el efecto espejo de varias letras, como es el caso de la “pq” o de la “bd”…

  • Algunas resultan más pesadas.

  • Es una tipografía de palo seco muy popular.

PORTADA DE LA REVOLUCIÓN DE LA BAUHAUS (1926)

  • H. Bayer (1926)

  • Se basa en las geometrías puras esfera: juego geométrico donde representa los objetos o instrumentos.

  • Texto como campo de acción.

  • Busca tensión y dinamismo dentro de una monocromía.

CASA DEL MAESTRO GROPIUS

  • El alcalde destinó una serie de casas para los profesores de la escuela, con una situación cercana a la misma.

  • En ésta, Gropius ejecutó la proyección de tres casas para los profesores, cada una de ellas contaba con dos viviendas y varios talleres y una cuarta vivienda destinada al director.

  • En 1923 realiza una vivienda inspirada en el modelo cúbico de la casa Am Horn.

  • Ensambló sistemas cuadrados en ángulos de 90, demostrando que se podía trabajar con elementos prefabricados para abaratar los costes.

  • La casa del director es la que se mostraba en las visitas a la Bauhaus.

  • Es muy limpia formalmente, busca la luminosidad y la racionalidad.

  • En este momento, entenciendo la situación de la Alemania, tener una vivienda propia era un lujo, por ello estas casas que estaban pagadas por el ayuntamiento y de pequeño coste adquirieron gran importancia.

  • Slemmer vió las casas como símbolo de lujo y una casa muy abierta.

  • Se trata de que los árboles se introduzcan en la arquitectura al reflejarse en las ventanas manteniendo un rigor geométrico, la naturaleza participa en la obra.

  • Por medio del color se le da una personalidad diferente a cada dependencia.

  • Aparece un mobiliario de gran rigor geométrico funcional, pero en ese momento aquel rigor parecería un lujo más tarde será lo esencial “hoy todavía son lujo muchas cosas que pasado serán normales”

COLONIA TORTEM- DESSAU

  • Se somete a presentarse a la construcción de viviendas dignas y baratas, piensa que este barrio formará parte de un desarrollo urbano que a largo plazo se extenderá a las ciudades de Aalemania.

  • Teniendo en cuenta la financiación, la reglamentación jurídica, las necesidades de equitación de medios de transporte y las infraestructuras, las previsiones de agua, gas y electricidad, aunque otros equipamientos en un primer momento no se realizaron.

  • Le preocupaba la definición de las casas tipo, producidas por las nuevas técnicas de trabajo en serie y los materiales más disponibles.

  • En Tortem- Nassau había mucha grava suficiente, por ello la realización de los bloques se realiza in situ.

  • Al no haber una producción masiva no consigue un gran ahorro, pero resultaban tan baratas que los obreros podían adquirirlas.

  • Quería hacer una planificación muy rigurosa en la construcción donde todo estuviese muy controlado: trabajo, calidad, tiempo…

  • La primera fase se construyó en 1026 por un trabajo planeado por Gropius y se realizaron 60 casas independientes. Unos de los fallos más destacados era que era sólo una colonia de viviendas sin otros servicios necesario y que en el propio diseño las ventanas estaban muy altas.

  • La segunda fase (1927). Los talleres de la Bauhaus construyeron en la colonia una vivienda modelo en la que aparecía el mobiliario considerado adecuado para estos interiores. Por supuesto este mobiliario podía ser compardo en la Bauhaus.

Se plantea que el salón pueda desempeñar funciones de la Bauhaus, parte del suelo y pared está cubierto con steras, que es más barato que el tapiz. El tradicional aparador se sustituye por un mueble más geométrico e innovador, de composición asimétrica, combinado diagonalmente, es decir, otro tipo de composición.

CUBIERTA DEL FOLLETO DE PRODUCCIÓN DE LA ESCUELA BAUHAUS- Herbert Bayer

  • Diseñó este catálogo de promoción.

  • Recoge una imagen en contrapicado de la parte de los balcones de las viviendas de los profesores de la Bauhaus.

  • Recoge la idea de los constructivistas “lo nuevo hay que percibirlo con ojos nuevos”.

  • Es una composición muy radical de formas limpias, las letras están integradas, de caja baja, situadas sobre fondo azul claro.

  • Aquí se anunciaba que se impartirían los estudios de arquitectura.

En 1928 se considera que Gropius había gastado mucho en los trabajos organizativos, además los conservadores de Dessau lo criticaban, por todo ello decide irse a Berlín donde establecer un taller de arquitectura privado. Cuando decide abandonar la escuela, ésta se encontraba en un momento de fama, con gran valor en los prototipos de producción industrial, el edificio estaba recién estrenado .Como aportaciones últimas la idea del proyecto global en el que la escuela debía de participar en la transformación global del entorno. En este momento se define la escuela como "el laboratorio de búsquedas", se dedicaban a la conversión de los técnicos a técnicos proyectistas lo que ya había llegado, se especializan en lo práctico. Lo artístico se queda en talleres y cursos independientes como la pintura al aire libre.

Gropius pensaba que debía dedicarse a la construcción y que le venía bien cambiar de aires, tanto a el como a la escuela. Cuando él se fue se fueron también otros artistas, Moholy Nagy, Breuer, Bayer.

Se dice que en este momento la Bauhaus tenía problemas financieros así como problemas internos derivados de la especialización técnica.

Fase de desintegración. Es una de las etapas más prácticas y más productivas de la escuela. Aunque hay mucha polarización de ideas (1928-1933).

Gropius pidió a Hannes Meyer, arquitecto suizo, que le sustituyese en el cargo de director, a pesar de su posicionamiento claramente marxista. Pretende un diseño comprendido socialmente.

ETAPA DE HANNES MEYER (1919- 1923)

  • Director desde 1928

  • Gropius lo designó para que le sucediera en el cargo de director a pesar de su posición claramente marxista idea del diseño comprometido socialmente.

  • Basó sus clases de arquitectura en un entendimiento amplio de la construcción proceso elemental que debía de tener en cuenta una serie de componentes, respondiendo a las necesidades biológicas, intelectuales y corporales.

  • La arquitectura debería hacer posible el hecho de vivir, por eso era necesario valorar la existencia humana objetivo general: el bienestar popular.

  • En el aprendizaje de la construcción, que duraba cuatro semestres, se impartían asignaturas teóricas y técnicas, se trataban los materiales, las infraestructuras, los condicionantes climáticos (horas de luz solar), también se impartían clases de dibujo técnico y de técnica de la edificación

  • Se abarcaban tanto cuestiones generales de la arquitectura como problemas concretos. Por eso se trataban de forma organizada problemas de construcción pequeños y concretos participación a través de células cooperativas en proyectos importantes.

  • Los proyectos más importantes dentro de esta etapa de la Bauhaus fueron la construcción de la 3ª fase de la Colonia Törten y el edificio de la ADBB (Unión General Federal Alemana de sindicatos).

  • Otras actividades eran la elaboración de tesinas, trabajos de campo, etc.

  • Para Hannes Meyer, la arquitectura se enseñaba de un modo natural y era el resultado de un cuidadoso análisis.

  • Daba prioridad a los aspectos prácticos sobre los estéticos.

  • Decía que “construir es sólo cuestión de organización”, social, técnica, económica y psíquica.

  • Hizo partícipes a los estudiantes de los contratos proporcionados por la ciudad y por empresas privadas.

  • La Bauhaus se orienta hacia el compromiso social y político, y se muestra contrario a todo esteticismo de carácter superfluo se centró en dar respuestas a las necesidades que era contemporáneas (materiales baratos y producción en masa) y orientó la producción hacia un programa más responsable socialmente, más sencillo y más económico.

Quería responder a las exigencias de alojamiento popular barato mediante la aplicación de sistemática de la estandarización.

  • En esta época se produjeron muchos más diseños que en las etapas anteriores, aunque fue criticado por otros profesores porque descuidaba los aspectos estéticos y primaban más los aspectos sociales

  • Organizó la Bauhaus en 4 departamentos principales: arquitectura, publicidad, acabado y tejidos.

  • El taller de publicidad tuvo mucha importancia después de la marcha de Herbert Bayer, cuando se hizo cargo de este taller Joos Schmidt, que fue uno de los pedagogos más importantes de la escuela y centró sus clases en los problemas de representación de los objetos en el espacio y en la superficie uno de los ejercicios que mandaba era representar espacios con letras (1929, ejercicio de un alumno: configurando las letras y números en diferentes planos).

  • Muchos profesores no pudieron seguir con ese ritmo puramente objetivo y eficiente, porque consideraban que no sólo lo estético quedaba en segundo plano, sino también la educación, por la “obsesión” en la producción.

  • En 1929 se va Oscar Schlemmer de la Bauhaus.

  • Influyó en la ida de Hanes Meyer la radicalización comunista de los alumnos las autoridades le echaron la culpa.

  • En esa etapa tuvo mucha importancia la fotografía como práctica independiente Figura importante: Walter Meter Hans, que enseñaba a los alumnos como hacer fotografías técnicamente perfectas. Componía cuidadosamente las fotografías, se preocupaba por captar con la cámara las diferentes texturas y utilizaba de un modo muy expresivo las sombras.

ARMARIO PARA SOLTEROS- Josef Pohl

  • Contrachapado barato.

  • Con ruedas

  • Estantes regulables en altura

  • Se hace y fabrica en la Bauhaus

SILLA Y MESA PLEGABLES

  • Fácilmente transportable y plegable para ocupar poco sitio.

  • Principios de mobiliario portátil a los principio de la comodidad.

PAPELES PINTADOS- Durt Stolp

  • Renovación en el campo de papeles pintados.

  • Se basa en dos o tres tonos en motivos geométricos.

  • Motivos pequeños.

  • Máxima simplificación.

  • Mayor sensación de amplitud.

  • Uno de los grandes logros de la Bauhaus.

CUBIERTA DEL CATÁLOGO DE LOS PAPELES PINTADOS- Joost Schmidt (alumno de la Bauhaus)

  • Colores discretos.

LÁMPARA- Marianne Brandt (en colaboración con alumnos)

  • Simplificación absoluta abarata los costes.

  • La parte de la pantalla se puede girar

ESCUELA FEDERAL PARA LA UNIÓN DE SINDICATOS- Hannes y Wittwer

  • 1928, en Bernau (Alemania).

  • Construida en una zona con un pinar y un lago.

  • Se planteaba como un conjunto de edificios que debían dar respuesta a unas necesidades formación (para cursos) y también lugar donde se pudiera descansar.

  • Estructurado en una serie de módulos con vistas a la naturaleza.

  • Complejo que recuerda a la estética de las fábricas “industria de la enseñanza”.

  • Materiales baratos y todo justificado por la necesidad de habitar.

  • Espacios de comunicación amplios, muy bien iluminados con luz natural los corredores tienen muros cortina de cristal espacio que invitará a la comunicación, no únicamente será de paso.

  • El gimnasio es un espacio muy amplio.

  • El mobiliario lo hicieron los alumnos de la Bauhaus.

  • En las habitaciones una mesa con caballetes con cajón y la silla de Thonet (de madera prensada).

ETAPA DE MIES VAN DER ROHE 1930

  • Llamarán las autoridades de la ciudad de Dessau para que frene la radicalización comunista de la escuela.

  • Cuando llegó a la Bauhaus ya había trabajado con Meter Berhens y además había realizado proyectos de carácter futurista en cristal.

PABELLÓN BARCELONA

  • 1929

  • Él eligió el emplazamiento con forma muy horizontal

  • Se diseñó para la Exposición Universal.

  • Articulado en función de planos formados con materiales muy caros.

  • Estructura de pilares de metal.

  • Todo es muy transparente mamparas de muros cortinas de cristal.

  • En el interior, un panel de vidrio mate iluminado con luz artificial.

  • Pureza extrema de líneas.

  • 2 estanques, uno en el interior y otro en el exterior apoyan la horizontalidad.

CLASES DE ARQUITECTURA EN LA FASE DE MIES VAN DER ROHE

  • En el primer nivel las clases de arquitectura seguían la misma línea que las de Hannes Meyer se impartían conocimientos técnicos de carácter básico: legislación, matemáticas, física, instalaciones…

  • En el 2º nivel, las clases estaban a cargo del arquitecto y urbanista Ludwig Hilberseimer las clases se planteaban de una forma sistemática problemas de construcción de colonias de viviendas.

Para estos proyectos se seguía una serie de principios:

• Orientación: de este a oeste, para tener sol por la mañana y por la tarde.

• Principio de la alternancia: se debía jugar con la yuxtaposición de distintos niveles de edificios en colonias grandes para evitar la monotonía (principios de urbanización mixta).

• Diversidad: se buscaba una variación en las tipologías y en las plantas de los edificios. Muchos de los proyectos planteados trataban la relación entre el nº de habitantes y la densidad de la construcción.

• Infraestructura: las nuevas colonias tenían que contar con una infraestructura adecuada, en la que estuvieran integradas las vías de comunicación.

  • En el 5º y 6º semestre se trabajaba sólo bajo la dirección de Mies Van der Rohe.

  • Para él la clave del proyecto era el dibujo frente a los rigurosos cálculos que habían caracterizado la forma de trabaja de Hannes Meyer.

  • Se considera que los proyectos que realizaba Mies y sus alumnos plantean una búsqueda de formas ideales y el resultado es que aparecen obras de arte para exponer.

  • Mies buscaba en sus alumnos una profundidad analítica en el tratamiento de los espacios. También quería que los alumnos desarrollaran una gran habilidad manual, por eso en el curso preparatorio de Josef Alber se insistía en los ejercicios realizados a mano alzada (por expreso deseo del director).

  • Uno de los ejercicios que Mies planteaba de un modo continuo era proyectar una casa de u solo piso, con techo plano y con patio. Mantenía que quien era capaz de diseñar una casa así, era capaz de resolver cualquier problema de construcción. Los alumnos tenían que solucionar además el problema de la integración de espacio exterior con el interior, y la relación entre la vida común y la vida privada.

  • Era muy exigente con los proyectos en cuanto a las relaciones de los materiales empleados, con las proporciones y con el espacio Defendía una armonía y fusión rítmica entre todos estos elementos los espacios tienen que fluir de una forma libre y sin una compartimentación excesiva.

PROYECTO IDEAL PARA UNA CASA CON PATIO- Alumno de de Mies

  • Integra los propios muebles de Mies Van der Rohe.

- Copia de los proyectos de éste.

COLONIA JUNKERS

  • Proyectada por un equipo de alumnos en 1932, como un ejercicio para la clase de Hilberseimer.

  • Se considera una de las planificaciones más importante de la etapa de Mies Van der Rohe.

  • El ejercicio se había planteado, como una colonia ficticia para 7 alumnos. Algunos miembros del equipo pertenecían al partido comunista se le da mucha importancia en el proyecto a los servicios comunes.

  • Para los cálculos de densidad de construcción utilizaron como referencia la población obrera de la ciudad de Dessau. La mayor parte de los habitantes vivirían en apartamenos situados en la zona sur de la colonia y dispuestos en bloques paralelos que se agrupan en una serie de calles distribuidas en función de un ritmo diagonal cerca de estas viviendas estaban los servicios básicos (guarderías).

  • Internados y escuelas de diferentes niveles zona norte de la colonia, cerca de una zona ajardinada.

  • Plaza deportiva, piscina, auditorio y cine.

  • Centro de la colonia zona de esparcimiento y ocio (auditorio, cafertería…)

  • Las cocinas de los apartamentos no son muy brandes habrá comedores comunes.

  • Apartamentos para solteros.

  • Trafico separado de las zonas peatonales crear circunvalaciones y carriles de acceso a la colonia para liberar de tráfico las zonas centrales de las viviendas.

  • Viviendas baratas para trabajadores con zonas verdes y zonas para el ocio.

MODELO DE APARTAMENTO (diapositiva)

FOLLETO PARA PROMOCIONAR LA CIUDAD DE DESSAU- Josef Smith

  • Lenguaje moderno de fotomontaje.

  • Se habla de la industria, de la zona verde, de la arquitectura clásica.

  • Vista aérea combinada con otros puntos de vista

  • Letras de plantilla y en diagonal.

CONTRASTES ENTRE LA ETAPA DE MEYER Y DE MIES

  • Meyer siempre hablaba de la construcción en términos técnicos Mies en términos artísticos.

  • Meyer defendía el trabajo en equipo frente a la figura individual del arquitecto.

  • Con Meyer los estudiantes aprendieron a empezar los proyectos por el análisis de las necesidades humanas, por eso sus proyectos estaban llenos de cálculos de diagramas que justificaban sus conclusiones.

  • En los proyectos de Mies ves unos dibujos bonitos con unas pocas anotaciones En sus proyectos se tratan de resolver problemas ideales dados con pocas líneas orientativas.

  • Con la enseñanza de Mies se perdió uno de los ejes más importantes de la formación de la Bauhaus: la integración entre la teoría y la práctica con él predomina la teoría.

ART DECÓ

  • Exposición en 1925 de artes decorativas en París se intentaba promocionar un nuevo estilo en la arquitectura y en las artes decorativas.

  • El nombre se ha convertido en un sello.

  • Momento de mayor auge: mediados años 20- finales años 30.

  • Diversidad de corrientes dentro del Art Decó muestra la variedad de tendencias y de influencias que se desarrollaron en este arte.

INFLUENCIAS

  • Igual que el Modernismo, los artífices de este estilo tenían sus preferencias en cuanto a formas y colores (dependiendo de los países) gusto especial por los rojos brillantes, rosas chillones, tonos metálicos (plateados, dorados y bronces).

  • Inspiración en los colores utilizados por los Fauvistas (no son los colores de la realidad, colores muy fuertes) y en el descubrimiento de la tumba de Tutankamon gusto por las geometrías puras, tonos “antiguos” (dorados más metálicos y tonos melocotón, colores turquesa de los esmaltes de orfebrería), solemnidad y refinamiento en las obras.

Combinaciones llamativas de los tonos “antiguos” para decorar interiores, telas, muebles…

  • Inspiración también en el arte africano y en el oceánico.

  • Utilización de los motivos de los pueblos autóctonos de Sudamérica.

  • Referencia en los ballet rusos de Diaghilev y en los diseños de moda de Paul Poiret también inspirados en lo oriental.

  • Formas limpias y geométricas de la arquitectura de Le Corbusier que hizo un pabellón para esa exposición, “L'espirit nouveau” (nombre del pabellón).

  • Francia se crearon piezas de carácter muy innovador. Muy elaboradas, para una clientela de lujo.

  • Inglaterra se aplicó a los objetos producidos en serie. Darán esa riqueza a un público más “llano”. Materiales de más baja calidad que en Francia.

  • EE.UU. versión más libre e imaginativa, extravagante, se identificará con el estilo sofisticado de Hollywood de los años 20 y 30. Interiores espectaculares.

FRANCIA

  • Años 20 y 30, París vivió un dinamismo artístico que originó muchos movimientos, tendencias vanguardistas, de las que se nutre el Art Decó.

  • Gustos sofisticados en el campo de la moda y del diseño de interiores.

  • Exposición de 1925 sirve de escaparate profesional para los trabajos franceses.

  • Se manifestará en las artes gráficas, mobiliario, arquitectura, pintura.

  • Elección de animales potencialmente fuertes (leopardos, gacelas…) y de formas muy puras.

  • La estilización del Art Decó, en cuanto a línea y color, afectó a un amplia gama de composiciones decorativas realizadas en distintos soportes (lienzo, papel…)

  • Combinaban enérgicas líneas: zigzag, angulosas y abstractas.

  • Arte muy vital.

  • Escenas cotidianas, personajes contemporáneos (reconocibles) habla de un estilo de vida sofisticado.

  • Inspiración en temas imaginarios circo y teatro (fantasía).

  • Elegancia de los casinos, la noche, bares de cócteles.

TAMARA LEMPICKA

DAMA CON GUANTE VERDE

  • Inspiración en el cubismo.

  • La figura participa en el fondo.

  • Dibujo muy nítido las figuras se recortan.

  • Figuras muy robustas y atléticas.

  • Aire de sofisticación y elegancia la postura, el color…

  • Mujeres “poderosas” miradas que retan, idea de seducción.

SAIN MORITZ

  • Da la vuelta a las obras de las mujeres santas mirada al cielo.

  • Mujer muy moderna y bella vestida en la nieve.

  • Rojo intenso.

RETRATO DE UNA DAMA DE LA ALTA SOCIDAD

  • Representaría a Marjorie Ferry.

  • Telas que parecen metálicas.

  • Mujer sofisticada, en un mundo de avances tecnológicos.

EL IDILIO

  • 1931

  • Personaje masculino de perfil, con una presencia femenina idealizada.

  • Mezcla un aspecto de escultura clásica (nariz recta, clave geométrica, ojos grandes) y de moda.

  • Cabello rubio parecen cintas metálicas doradas.

  • Juego de seducción.

  • Postura de las manos del hombre muy ambiciosa recuerda las obras manieristas.

  • Las manos se cogen por detrás de su cuello.

  • Referencia en él a Gabriela D'Aninzio (escritor italiano).

  • Indumentaria azul mitad elegante- mitad traje de marinero.

  • En el fondo aparece, en el barco del hombre, el nombre de Lempicka.

  • Se supone que es un autorretrato idealizado.

  • Quería ser una pintora de la “jet-set”, era su principal objetivo.

ARTE URBANO

El Art Decó se integró mucho en el arte urbano, en las fachadas…

RELIEVE DECORATIVO EN LAS CALLES DE LISBOA- Anónimo

  • Figuras más robustas y atletas, frente al modernismo.

  • Tendencia a la síntesis.

  • Contrastes muy fuertes de colores es una obra muy luminosa.

  • Figura de un adulto y una niña (cuya postura nos recuerda a la de una bailarina).

  • Se trata lo corporal de forma geométrica líneas rectas que “deberían” ser curvas.

  • Reinterpretación de lo clásico, lo grecolatino.

  • Hojas tratadas de forma idealizada.

MUJER CON NIÑO- Anónimo

  • Relieve decorativo en las calles de Lisboa.

  • Presenta unas características muy similares al anterior.

  • Trata el tema de la fertilidad.

  • Mujer atlética con un niño muy proporcionada.

  • Clave purista, líneas rectas.

“SAN JORGE Y EL DRAGÓN”- Anónimo

  • Detalle decorativo en una fachada de Lisboa.

  • En barro cocido, con unos detalles muy cuidados.

  • Clave geométrica.

  • Juego de curvas y contracurvas muy definido.

  • Estructuras de las figuras muy integradas unas con otra.

  • Líneas puras.

  • Ecos orientales, de lo exótico.

“DIANA CAZADORA”

  • Artemisa griega de las fieras.

  • Simplificación de lo más significativo de la escena arco, corzo…

  • Su anatomía es muy robusta y muy musculada, pero tratada de un modo muy cubista.

BAJO RELIEVE INTEGRADO EN UN MIRO ARQUITECTÓNICO

  • Lisboa.

  • Formas geometrizadas que nos recuerdan al cubismo.

  • Muy claro de formas, anatomías robustas.

  • Se juega con formas geométricas puras y ritmos estables.

  • Ha una referencia a los paisajes exóticos (pero en un segundo plano).

  • Aparecen diversas referencias a la naturaleza (un conejo, un pájaro…).

  • Hay detalles que nos recuerdan a las esculturas clásicas y también pequeñas referencias al arte egipcio.

RELIEVE DECORATIVO DE UN MURAL “Santificación de la familia”

  • Resuelto en clave rectilínea.

  • Telas muy acartonadas, angulosas, en zigzag.

  • Los elementos orgánicos de la naturaleza aparecen en un segundo plano, tratados de una forma muy simplificada.

  • Las hojas y las flores repiten un mismo esquema a lo largo de la composición.

  • A la curva le sacan partido pero es más conciso, más claro de formas, más simétricos menos sinuosas y ondulantes como el modernismo.

PLACA DE RELIEVE DECORATIVO

  • La forma de la chica y los pájaros se amoldan al encuadre rectangular de la placa.

  • Mismas características que los anteriores.

  • Aire de robustez.

  • Búsqueda de lo clásico.

PLACA DE RELIEVE DECORATIVO “PEZ”

  • Forma de la naturaleza simplificada.

  • Influencias de lo oriental ojo muy redondeado, escamas que se repiten en cuanto a forma. También se repiten las ondas del mar en el que lo sitúan.

“PECES”

  • Sigue casi un eje de simetría.

  • Algas simplificadas al máximo robustas pero planistas.

  • Peces con escamas muy planas.

“MUJER YACIENTE”, “MUJER RECOSTADA”

  • Dentro de una serie de relieves situados encima de los portales de las calles de Lisboa.

  • Podemos hablar casi de escultura tiene partes exentas.

  • Tiene varios ritmos quebrados.

  • Está encajada entre un dintel y una entre plana, dando sensación de agobio lo trata de resolver con un engaño visual: colocación de telas que caen por el dintel, potenciando a su vez el volumen.

  • Figura de anatomía robusta propio del Art Decó.

MUJER RECOSTADA

  • En el portal de al lado.

  • De las mismas características.

“SIRENA”

  • También en la misma posición que las anteriores.

  • Muy volumétrica, tratada con formas geométricas simples casi todo formado por círculos.

  • Ritmos repetidos, como las escamas de los peces.

OTRA “MUJER RECOSTADA”

  • Anatomía robusta, musculatura muy marcada define hasta los tendones.

  • Interés por los ritmos diagonales que en medio del estatismo de las figuras les otorga cierto impulso.

OTRA “MUJER RECOSTADA”

  • Como suspendida en el aire.

RELIEVE DE UN FLAUTISTA Y UN VIOLINISTA

  • Relieve de barro cocido.

  • Nos recuerda en ciertos aspectos a las escenas arcaicas poco tratamiento de las telas.

  • De características similares a las de “San Jorge y el dragón”.

MUJER ECHADA

  • Con mayor dinamismo que todas las anteriores.

  • La anatomía es más robusta y tosca.

  • Nos transmite mayor dinamismo, como un impulso energético.

RELIEVE DE UN TRITÓN CON SU TRIDENTE Y UN CABALLO

“PALOMAS”

MOBILIARO EN EL ART DECÓ

Existen dos tendencias:

1º- “Estilo tocador” o “estilo Boudoir”.

2º- “Corriente racionalisa”. Se da a partir de 1930, refleja el enfoque del movimiento moderno (Le Corbusier y sus nuevas formas y nuevos materiales) manteniendo unos valores estéticos.

Pero estas dos tendencias no son excluyentes, pues hay diversos autores que pasan de una tendencia a otra.

ESTILO BOUDOIR

  • Inspiración tanto en los vestuarios de los ballets rusos como en el arte egipcio.

  • Uso de materiales ricos y búsqueda de la comodidad.

  • Realización de interiores y mobiliario lujoso.

  • Tipo de proyectos dirigido a clientela refinada y con mucha capacidad adquisitiva.

  • Moda de las imitaciones orientales esto llevó a un concepto de interior abundantemente decorado.

  • En las telas se buscaban diseño contrastantes con colores brillantes, cojines con borlas…

  • Sofás muy cómodos y lujosamente tapizados telas resistentes y bonitas.

  • Sillas y sillones con formas cuadradas o de medio cilindro y preferentemente bajos misma línea que el resto de mobiliario de las habitaciones, en los que siempre se busca la accesibilidad y la comodidad.

  • Reinterpretación de los estilos del pasado.

  • Intención de innovar, un estilo original.

  • Materiales exóticos, nueva y muy amplia gama (ej. Caoba cubana, nogal espinosa, ébano y olivo) se buscan los contrases de colores y los efectos del veteado y el grano de muchas maderas como recurso decorativo.

  • También se aplicaba incrustaciones en las superficies de marfil o de nácar, en las que aparecían motivos figurativos como ramos de flores, o motivos geométricos más sencillos, o algunos de referencia historicista, como volutas.

  • Llegaban a utilizar piel de tiburón teñido de verde, que se conocía con el nombre de Chagrin, para tapicerías, decorar paneles de muebles y otros accesorios gustos excéntricos.

  • Experimentó un gran desarrollo la laca, de origen oriental, sobre todo en los años 20 para buscar efectos de contraste.

PAUL IRIBE (1883-1935)

  • En 1910 empezó a trabajar en el campo de las artes gráficas (dibujante caricaturista) en revisas: “El Grito de París”, “La Risa”.

  • Su lanzamiento en el campo de la moza se produjo cuando ilustró una edición limitada de un catálogo que se titulaba “Los vestidos de Paul Poiret” (un diseñador de moda).

  • Abrió un estudio propio con Pierre Legrain, donde diseñó todo tipo de productos: joyas, papeles pintados, telas…

Diseño un motivo muy esquemático de carácter geométrico que se convirtió en su sello personal: la Rosa Iribe.

  • Empleó los materiales típicos del Art Decó palo de rosa, ébano y la zapa (piel pulida para que se vea el grano, que dará apariencia floral, se realza su textura).

  • El proyecto de interiorismo más complejo fue el apartamento del diseñador de moda Jacques Doucet.

  • Diseñó sillones y sofás góndola, que amracarán una tendencia en otros diseñadores posteriores.

  • Le importa crear un clima que transmita sensación de refinamiento y lujo y llamará la atención a los que lo vieron.

  • También buscaba la originalidad.

  • 1914 trabajó en Hollywood.

  • Diseñó joyas para Channel.

ARMARIO BAJO

  • 1913/1914.

  • Remite a formas Rococó.

  • Materiales: marfil y zapa.

  • Contraste entre las airosas y curvadas patas y el cuerpo más robusto y prismático.

  • Aristas con perfil curvado.

  • Estructura de cajones, pero sobre ellos se superpone el motivo decorativo.

  • Se convertirá, como otros, en mobiliario de autor, como una joya.

POLTRONA GÓNDOLA

  • Se busca la comodidad y el lujo de los materiales tapicería de seda y estructura de palisandro (esculpido).

  • Círculos concéntricos en los bajos brazos, que están a la altura del cojín.

  • Barnizados en su color.

  • Patas muy bajas el respaldo es muy alto, muy envolvente.

  • Acolchado con estructura de abanico esquema decorativo del Art Decó.

EMILLE - JACQUES RUHLMANN (1879- 1933)

  • Fue uno de los diseñadores más famosos y competentes creó muchas de las piezas mas espectaculares del mobiliario Art Decó de los años 20

  • Destacó por la construcción de aparadores, mesas y mesillas, sofás cama y mobiliario de despacho.

  • Se inspiraba en formas tradicionales, pero las hacía destacar con los acabados refinados y con la riqueza de los detalles decorativos.

  • Utilizaba incrustaciones de marfil.

  • Diseñaba con formas originales los accesorios (pomos, pies del mobiliario, escudetes de las cerraduras). Para ellos utilizaba bronce y planchas plateadas. Además de las maderas ricas y exóticas utilizaba, como punto de inspiración, formas y moteados de las conchas de tortugas.

  • Buscaba fuertes contrastes de color madera oscura- marfil, nácar.

  • A partir de 1929, todo su mobiliario fue adquiriendo mayor monumentalidad. En los años 30 sus formas acabarán siendo más sencillas, modernas y funcionales.

  • Mantiene el uso de metales plateados y utiliza los metales cromados.

  • A partir del 30 aceptó importantes encargos salones de té del trasatlántico “île de France” y varios interiores para el Palacio del Eliseo en París.

  • El mobiliario para los interiores se caracteriza por la horizontalidad, por la combinación de diferentes tipos de materiales y por un diseño muy exquisito.

SILLA DEFENSES

  • 1920

  • Estructura tensa.

  • Formas rebuscadas.

  • Cuerpo bajo, con estructura envolvente. Se juega con una continuidad lineal desde los costados hasta las patas, que formará el copete.

  • Juego cóncavo- convexo.

  • El asiento es muy rectilíneo.

  • Patas traseras sin ningún tipo de decoración.

  • Refinado, exquisito y lujoso.

MUEBLE CON ESTRUCTURA RINCONERA

  • Barnizada en su color potenciando que los nudos y las vetas adquieran un valor decorativo.

  • Forma estructural de triángulo.

  • Decoración adaptada a un esquema elíptico.

  • Elementos vegetales en clave muy planista esquema de jarrón simplificado al máximo.

  • Estilo vital, despreocupado.

BUFÉ LACADO CON TIRADORES METÁLICOS

  • Horizontalidad en su estructura.

  • Laca que da la tonalidad oscura.

  • Crea tensión en la estabilidad base más estrecha que la parte superior.

EILLEN GRAY (1878-1971)

  • Diseñadora de origen irlandés.

  • Combinó en su producción el exotismo del Art Decó con las tendencias del movimiento moderno de los años 30.

  • Se hizo famosa por los interiores que diseñó en París en 1932, para la modista Suzanne Talbor. El atractivo que presentaban estos interiores se debía al uso de baldosas de cristal plateado y a la abundancia de muebles lacados.

  • En general, en sus proyectos se acentuaba el color con la combinación de diferentes materiales búsqueda del contrtaste-

  • Estructuras puramente funcionales, como el acero tubular, cubriéndolas con pieles de leopardo contraste entre materiales industriales y las pieles exóticas.

  • Se dice que sus diseños presentan un aire sofisticado, elegante y atemporal.

  • Estudió en Londres (1898-1920) en una escuela de arte y allí se inició en el lacado de muebles. Después visitó París y entre 1902 y 1905 realizó distintos cursos de formación artística y perfeccionó la técnica del lacado con el especialista japonés Sugawara. Se afincó en Francia hacia 1910, donde diseñó paneles y motivos decorativos para su aplicación en interiores. En 1913 participó con sus obras en el Salón de los Artistas Decoradores, donde sus diseños llamaron la atención del modista Jacques Ducet, que se convirtió desde entonces en su cliente principal.

  • El trabajo de Eillen Gray se vio interrumpido por la 1ª Guerra Mundial, y tras un periodo en el que se trasladó a Londres con Sugawara, regresó a París después de dos años, donde recibirá el encargo de la configuración de los interiores del apartamento de la Sra. Mathieu Lévy, para el que diseñó sus famosas pantallas de bloques lacados:

• Servirán para separar diferentes ambientes.

• Estructura modular sencilla.

• Movimiento de los módulos juego de planos.

• La laca le dará el carácter exquisito a la obra.

  • Influencia de los futuristas en sus diseños juega con el movimiento.

  • Hacia 1922, realizó una serie e encargos exclusivos en estilo Art Decó y abrió un establecimiento propio clientela muy adinerada.

  • Expuso en Amsterdan (1922), donde entró en contacto con el movimiento De Stijl allí la sobriedad de sus fromas llamarán la atención del arquitecto holandés del movimiento De Stijl Jan Wils.

  • Cada vez depurará más sus formas.

  • Estudiará cursos de arquitectura y durante un viaje, acompañada por Jean Badovici, conocerá la arquitectura moderna europea.

  • Diseño su propia casa entre 1926 y 1929, para la que diseño muebles de estética racional, como la silla Transat:

• Realizada en metal tubular y piel.

• Se parece al mobiliario de Le Corbusier contraste de colores, juego rectilíneo y prismático, colores negro, plateado y piel.

  • Entre 1930 y 1931 diseñó el interior del apartamento de Jean Badovici y en el 34 una casa para uso propio.

  • En 1937 expuso en el pabellón de Le Corbusier que se llamaba “El pabellón de los nuevos tiempos”.

  • Uno de sus últimos proyectos importantes (no realizado) fue el de una ciudad de vacaciones.

  • La obra de Eillen Gray, durante un tiempo quedó relegada a un 2º plano, hasta que en 1970, Robert Walter, comenzó a comprar y coleccionar sus diseños, por lo que se reavivó el interés por su obra y evolución como artista.

BIOMBO “DESEO”

  • 1914.

  • Lo realizó para el modista Jacques Ducet.

  • Dos caras.

  • 1ª figuras en negro, perfiladas en blanco sobre fondo rojo.

recuerda a las figuras pictóricas de las cerámicas griegas.

siluetas con tintas planas, recuerda a las de Autrey Beardsley.

  • 2ª más abstracto.

juega con ritmos dinámicos recuerdan a las experiencias de los futuristas y al cubismo órfico de Sonia y Robert Delawnay.

BUTACA TUBULAR O SILLA BIBENDUM

  • 1929

  • Soporte de acero cromado.

  • Para el mismo diseño hizo variantes en cuero y lona.

  • La zona del soporte resulta ligera más claramente industrial.

  • La zona de asiento es más pesada opticamente.

  • Estructura envolvente y cómoda.

  • Zona del respaldo, en un material distinto y dimensiones exageradas recuerda a la estructura tubular de acero.

LA LACA (como estilo)

  • Tiene mucha importancia en el mobiliario Art Decó.

  • Años 20 y 30, se revivió en París la técnica oriental del lacado, que se convirtió en un recurso importante para los diseñadores de interiores y mobiliario Art Decó, empleándose en distintos equipamientos (puertas, paneles, muebles, biombos…) y en una variedad de tonalidades (negros, pardos y rojos).

  • Sensación de lujo y compactos.

  • Se incorporaban a la laca escenas pintadas o tallados.

JEAN DUNAND

  • Uno de los laquistas más importantes del Art Decó francés.

  • Recibía muchos encargos de proyectos de interiores.

  • Sus paneles de madera de laca demuestran un gran virtuosismo técnico, por como mezclaba los colores y por como incorpora los detalles.

  • Motivos con un desarrollo importante figuras de mujeres estilzadas inspirados en una reinterpretación imaginativa del arte del antiguo Egipto y del Japón.

  • Desarrolló composiciones abstractas, donde cada plano incorpora una superficie de color y una textura juega con el contraste.

  • Recurso técnico incorporar cáscara que da textura de craquelado (“técnica del huevo”).

PAUL VERA

“DIANA”

  • Tratamiento estilístico y formas similares a las de Dunand.

  • En madera dorada, tallada y lacada.

  • Diana cabalgando composición robusta, a la vez lo deportivo y lo exótico depurado al máximo.

  • Estilización de formas.

  • Clave de silueta simplificación.

  • Texturas diferentes, trabajando los dorados.

  • Vegetación clave de silueta abstracta.

  • Color dorado ambiente sobrenatural.

CRISTAL

  • El diseño de las piezas de cristal Art Decó se convirtió en un campo de experimentación en el que se realizaron muchos objetos, tanto utilitarios como suntuarios.

  • En este campo, los cristaleros franceses, demostraron una gran imaginación y dominio de la técnica.

  • Aplican nuevas técnicas industriales para la producción de objetos en serie.

RENE LALIQUE (1860-1945)

  • El que más destacó.

  • Evolucionó del Art Nouveau al Art Decó.

  • De joven trabajó como aprendiz de un orfebre en Paris.

  • Recibió clases en la escuela de artes decorativas de París.

  • Se fue dos años a Inglaterra, donde completó sus estudios artísticos y técnicas. A su vuelta a París (1880) volvió a trabajar en el campo de la joyería, antes de abrir su propio establecimiento, donde diseñó joyas para firmas muy importantes (Cartier, Boucheran, Destape, Aucoc).

  • Estudió escultura y diseñaba telas y papeles pintados.

  • Era muy bueno en el campo de los negocios.

  • En el 94 sus piezas se exponían regularmente en los Salones de París.

  • En la última década del s. XIX diseño piezas de joyería para la actriz de teatro Sarah Bernhardt.

  • Poco después comenzó a experimentar con el cristal grabado transparente y de color. Mostró sus obras en la Exposición Universal de París de 1990, donde obtuvo un importante éxito de crítica.

  • En 1902 abrió un taller de vidrio y cinco años después, François Coty le encargó el diseño de varios frascos de perfume se hizo famoso en este campo.

PERFUMES

1º- Frasco de cristal en forma de “corazón” cristal transparente ligeramente teñido de pardo. Crea una pieza de aspecto escultórico.

2º- Rectangular con un medallón elíptico contraste entre zonas transparentes y zonas opacas. Con figuras femeninas desnudas sujetando motivos vegetales (entorno idílico).

3º- “Le Jade” (verde intenso) aparecen formas puntiagudas inspiradas en los motivos decorativos chinos. Aves y motivos vegetales estilizados.

4º- Estructura inspirada en las formas de las cerámicas griegas. Cristal sin color. Tapón escultura exenta de aire clásico.

5º- “Poesie d'Orsay” con aires griegos.

6º- “Anfititre” (nombre clásico) parte del cuerpo deriva de la concha del caracol. Tapón escultura femenina Art Decó. Cristal opaco.

7º- parece un camafeo, tiene una parte más oscura. Lenguaje de orfebrería clásica. Presenta, con las espirales, unas figuras femeninas desnudas. Pretende convertir el continente en una coya.

FRASCO

  • Círculos muy claros.

  • Decoración que recuerda a lo chino, tratado de una forma muy concisa y lineal.

LÁMPARA

  • Mujer como pájaro de fueto.

  • El pedestal tiene una decoración a base de insectos.

  • La parte superior tiene un tratamiento muy cuidado y muy preciso.

COLGANTE

  • Su estructura recuerda a las esculturas precolombinas.

  • El bajo relieve recuerda al a escultura del mundo sudamericano.

M. MARINOT

- Sus piezas tienen importancia porque intercalaba lo opaco dentro de lo transparente.

- Pigmentación opaca, creando un moteado dentro del vidrio.

- Sus formas estructurales son muy robustas, con pareces gruesas y con un aspecto de decoración interna con burbujas atrapadas.

HERMANOS DAUM

- Realizaron piezas de cristal al ácido.

- Realizaron lámparas y objetos de lujo.

- Son piezas muy geométricas reducen las formas a lo esencial.

ESCULTURA DE PEQUEÑO FORMATO

DEMETRE CHIPARUS

  • Gusto marcado por los exótico.

  • Del Rococó.

  • Realizados con material de alta calidad en muchas ocasiones en porcelana.

  • Representaba bailarinas, realizadas en bronce dorado y marfil (criselefantinas).

  • Se representa la mujer idealizada: atlética y elegante como las bailarinas, con posturas gráciles, vestimenta exótica y elegante.

  • Se hicieron muy famosas en los hogares burguese.

  • Reservaba para las zonas de la piel, el marfil; el bronce para los cuerpos; bronce dorado para las vestimentas.

  • Tuvo muchos seguidores y fue muy imitado. Uno de sus imitadores es Paull Philippe (“Bailarina con turbante”).

METALURGIA DECORATIVA

  • La metalurgia decorativa se convirtió en una especialidad importante para los artesanos Art Decó, que crearon toda una imaginativa gama de objetos y accesorios de hierro, bronce, playa y cobre.

  • Jugaban con que las superficies estuvieran muy pulidas y brillantes y en muchos casos les incorporaban también esmaltes de colores vivos.

  • Ponían también incrustaciones de piedras semipreciosas en los metales, o aplicaciones de otros metales, aunque también buscaban el contrates con la incorporación de la madera o el cristal.

  • Destacó en el campo del metal, Jean Dunan, diseñando lámparas y paneles decorativos. También trabajó en el campo de la laca.

EE.UU.

  • En los años 20 y 30 Nueva York se convirió en el centro internacional del arte y de la vanguardia intentan competir en cuanto a lujo y elegancia, con las capitales europeas, sobre todo París.

  • En Nueva York aparece una mezcla de creatividad, lujo y sofistificación, que se van a manifestar en la primera literatura y en las artes escénicas.

  • Toda esta renovación estética viene de la mano de una sociedad bastante estilista ricos mecenas asociados con “gente de mundo” (poetas, productores, actores y actrices, que serán el espejo del mundo, se convertirán en los nuevos ideales).

  • Una serie de escritores que se reunían en el hotel Algonquin, que se les llamó “Algonquinos” en sus novelas aparecerá el ritmo rápido de la vida norteamericana, el mito de que se trata de una tierra llena de oportunidades (novelas de Anita Loos, Scot Fitzgeral, o las canciones de Cole Porter).

Se defiende el mundo del ingenio, del encanto personal y también la fantasía. Se empezarán a desarrollar grandes musicales con escenarios de aire clásico.

Películas de los hermanos Marx humor surrealista.

  • En Norteamérica también se adoptaron las tendencias exóticas (como las desarrolladas en Europa) gusto por lo egipcio, lo oriental (lo japonés= y referencias al arte precolombino.

  • Se impondrá en las decoraciones interiores, tanto en grandes edificios como en el ámbito doméstico.

  • En la joyería y en los accesorios frascos de colonia, encendedores…

  • Habrá toda una clientela que demanda estas piezas porque quiere sentirse identificada con este gusto refinado y moderno. Una serie de objetos que se pondrán de moda en las casas acomodadas barras y muebles bares, que se convertirá en un signo de distinción de un buen anfitrión.

Con estos elementos aparece toda una serie de objetos a juego con ellos : cocteleras, vasos con forma aerodinámica.

  • Los escenarios de Hollywood se convertirán en lugar de difusión de esta estética.

  • La estética Art Decó influyó también en la estética de los grandes edificios: “Chrysler”, el “Radio City Center”, el “Empire State”, los interiores del edificio “Chanin”. Todos estos edificios buscaban un contraste con otras estructuras más sobrias que estaban cercanas a estos edificios.

PUERTA DE LOS ASCENSORES DEL EDIFICIO “CHRYSLER”

  • Esquema claramente simétrico.

  • Combinación de materiales nobles maderas con recerco de metal.

  • Se potencian las texturas y colores naturales.

  • Decoración inspirada en la antigüedad, en lo egipcio reinterpretación que se queda con lo más sencillo: Simplificación.

  • Transmitir una sensación de sofisticación, lujo, refinamiento en el fondo tiene una nota artística: para un público con cierta cultura.

REJILLA PARA EL EDIFICIO “CHANIN”

  • Rejilla radiador.

  • Se potencia el material metálico con los propios brillos que aporta.

  • En la zona central se juega con la idea del rascacielos escalonado.

  • En los laterales serie de rayos diagonales y espirales entrecruzadas.

  • Sensación de dinamismo, movimiento.

PAPEL PINTADO “NICOTINA”- Donald Deskey

  • para el servicio de caballeros del “Radio City Center”.

  • Referencias exóticas.

  • Motivos figurativos simplificados y geometrizacos dinámicos y muy angulosos.

  • Colores marrones.

INTERIOR DEL BAÑO DEL EDIFICIO “CHANIN”- Jacques Delamarre

  • Se busca la funcionalidad unida al lujo y se juega con la veriedad de motivos decorativos inspirados en lo geométrico.

  • El cristal de la mampara de la bañera tiene grabado al ácido el mismo motivo decorativo que aparece en los azulejos.

  • Para las paredes gama de colores cálida y luminosa a la vez.

  • Zócalo ­ tiene tonalidades oscuras (verdes).

  • Forma de abanico en la parte superior de la mampara típico del Art Decó.

DONALD DESKEY

  • Trabajaba siempre con artesanos independientes-

  • Escoció para sus obras materiales ricos y materiales de producción industrial (aluminio, bakelita, cuero y pieles de lujo), que combinaba con corcho y con espejos.

  • Prestaba especial atención a los detalles.

  • Encartó diseños originales para completar sus interiores, como básculas verticales en forma de rascacielos, murales a veces un tánto tópicos, como el de la “histeria de la cosmética” para un aseo de señoras.

“RADIO CITY MUSIC HALL”

  • Del Rockefeller Center.

  • Transmitir la sensación de amplitud con grandes barandillas metálicas con esquemas geométricos, en los que se va alternando la disposición de los cuadrados.

  • Las lámparas presentan una estructura cilíndrica y están rematadas en esfera.

  • Las cortinas enlazan verticalmente, los paneles decorativos y los espejos.

  • paneles decorativos de Ezra Winter referencias exóticas de inspiración oriental recuerdan a los decorados de los ballet rusos de Diaghilv.

  • Búsqueda del contraste tratamiento inspirado en un rigor geométrico de las barandillas y la escalinata decoración pictórica muy refinada y lujosa.

ASEO DE SEÑORAS

  • En el Radio City Music Hall.

  • Amplitud del espacio.

  • Decoración pictórica del japonés de Yasuo Kuniyoshi a base de formas vegetales a gran escala, muy exuberante.

  • Aspecto de cueva techo muy curvado, sin aristas vivas apariencia orgánica.

  • Empleo de tonalidades de gama cálida más acogedor y lujoso.

  • Mesa del centro y espejos se juega con el círculo.

  • Lámpara con una serie de círculos concéntricos de cristal mate.

  • Crear interiores impresionantes, lujosos…

GRAN BRETAÑA

  • En los años 20, el diseño de interiores británico, en un principio siguió muy anclado en las tradiciones del pasado, mostrando más parecido con los estilos del s. XVII y XVIII, que con las tendencias exóticas reinterpretadas que planteaba el Art Decó en el resto de Europa (sobre todo Francia).

En el interior del pabellón británico de la exposición de artes decorativas de París de 1925, parecía un catálogo de elementos y formas Neo (revevals).

  • 1929, se fue haciendo más importante la influencia del movimiento moderno y el empleo de los materiales industriales, como el acero combinado con otros tradicionales lujosos como el cuero y los cromados, combinadas con espejos de marcos pintados y las planchas metálicas recortadas.

  • la organización de los colores en los interiores se organizaba en dos tendencias extremas: o se coordinaban tonalidades brillantes, o se usaban colores blancos y metálicos apagados.

  • Se consiguió que la ciudad de Londres, aunque no contaba con rascacielos que se habían convertido en emblemas de NY, presentaran también edificios modernos que resultaran interesantes.

  • Combinaban materiales que dieran una apariencia moderna.

  • En las estructuras se buscaba la conexión con lo aerodinámico.

  • A parte de ciertos encargos de carácter privado, los mejores interiores Art Decó aún conservados, se crearon para hoteles.

HOTEL SABOY

  • Basado en una sobriedad estructural y en un gusto por el lujo que queda evidenciado con los mármoles ricos, con los metales, con las molduras y con las labores realizadas en estuco.

  • Vestíbulo

• Amplitud del arco.

• Propio veteado de los mármoles como recurso estético.

• Zonas intermedias: tonalidades intermedias (tierras, ocres…).

• Zonas altas: colores más cálidos.

• Radiadores en forma de abanico (parecido a las puertas de ascensores neoyorquinos.

  • El auditorio del hotel también era muy lujoso, con paneles y molduras revestidas de pan de plata y detalles de pan de oro en algunas zonas.

ENTRADA DE FÁBRICAS

  • Como la Fairestone y la Hover con la misma estética Art Decó.

  • Parece que el acceso a esa fabrica es la entrada hacia un espectáculo.

  • Formas en abanico, con motivos egipcios.

CADENA DE CINES “ODEON”

  • En Londres y sus alrededores.

  • Tenían interiores muy espectaculares.

  • Molduras con formas geométricas terminadas en formas curvas.