Escultura contemporánea

Noclasicismo italiano. Eros y psique. Marshellesa; Rude. El pensador; Rodin. Los primeros fríos. Desconsuelo. El Gran Profeta. La cabeza de la Montserrat gritando. La mujer reclinada. Stabile móvil. Mutación; Chillida. Mistos

  • Enviado por: Vanessa Regueira Graña
  • Idioma: castellano
  • País: España España
  • 23 páginas
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EROS Y PSIQUE

  • OBRA ESCULTÓRICA

  • I.I.- Catalogación

    Eros y Psique de Antonio Cánova, representante del neoclasicismo italiano (definir).

    En la II mitad del siglo XVIII todavía se producía pintura barroca pero pronto se dará un cambio, y la escultura se dirigiría a imitar los modelos de la antigüedad clásica.

    Era un hombre de Venecia y a los 23 se marchó a Roma y allí conoció la obra de Verninni y sobretodo las colecciones de esculturas clásicas. Su obra es muy variada y contradictoria. Hace sobretodo retratos para Napoleón y para Paulina Bonaparte, hace monumentos funerarios entre los que destaca el de Clemente XVI, XIV y el de María Cristina de Austria. Realiza también obras mitológicas.

    I.2.- Análisis material

    Está hecha de mármol blanco. Es una escultura exente, un grupo escultórico, y la técnica es con un acabado fino y pálido.

    I.3.- Análisis formal

    • Comentario temático:

    • Iconografía:

    Es un tema mítico. Representa a Eros y Psique tal como los describe el escritor latino Apulerio, en el “Asno de Oro”. Según esta leyenda psique era una joven muy bella de la cual se enamoró Eros (personificación mitológica del amor). Prosepina le entregó un cántaro para que se lo llevara a Venus y le prohibió abrirlo. Pero la curiosidad de la joven hizo que lo abriera. Esta cántaro contenía la belleza y al abrirlo una nuve la envolvió y cayó en un sueño profundo. No despertó hasta que Eros la besó.

    Representa el momento en el que la pasión de Eros está a punto de llegar a la boca de Psique, la cual se empieza a despertar.

    • Iconología:

    Representa el símbolo del amor en toda se ternura y deseo carnal.

    • Composición:

    Es un grupo dominado por dos diagonales que forma un aspa, definida por las alas, su pierna derecha y el cuerpo de Psique. En el centro de la aspa se encuentra el espacio que separa las bocas a punto de juntarse. En ésta vemos que todavía hay influencias del barroco:

    • Utilización de la diagonal.

    • Escozo de figuras. Eros se inclina para coger por la cintura a Psique, mientras ésta se estira para envolver con sus brazos a Eros por el cuello.

    La composición es contradictoria: la diagonal y el escozo muestran dinamismo, y por otra parte es equilibrada porque la composición es cerrada. Los brazos forman un círculo en el centro que da equilibrio a la composición.

    La formas son de tipo clásico. Formas de líneas puras, claras y contornos precisos, bien acabadas. Cánova copia el arte de la antigüedad clásica, y está influencia se ve también en la representación de la figura desnuda: Eros está desnudo y Psique tiene un paño que cubre una parte. El desnudo le permite hacer un estudio de la belleza y ésta se conseguía con proporciones, equilibrios, y formas rítmicas.

    Cánova lleva una perfección formal. Las formas naturalistas se veía en el desnudo, en el cabello y en el paño de Psique.

    Las expresiones corresponden al mundo clásico. La cara de Eros es serena, dulce al igual que la de Psique. En el cuerpo muestran una tensión que se refleja en los escozos, en las posturas desequilibradas, y la postura de los brazos. Eros coge a Psique y le toca un pecho, mientras que ésta pasa las manos por la cabeza de Eros remarcando un carácter apasionado y erótico. La sensualidad también se expresa por los cuerpos desnudos y por el tratamiento de las carnes: cuerpos jóvenes.

    La luz es de influencia clásica, totalizadora, que da por igual a toda la escultura, dando n efecto plástico.

    I.4.- Aproximación histórica

    Cánova realiza estas obras para la nobleza y la alta burguesía pero también figuró la iglesia y los emperadores. La obra de él no parte sólo de la imitación del mundo clásico sino que también recoge la influencia de Berninni que es el escultor más importante del barroco, donde algunas de sus obras están cercanas al romanticismo. Otros escultores del neoclasicismo, son el francés Haudon y el danés Thorvandsen.

    El Neoclasicismo fue un estilo artístico que se identificó más claramente con los ideales de la Ilustración, sobretodo porque hombres ilustrados criticaron el gusto rococó (exageración del Barroco) al considerarlo un arte sensual y frívolo, expresión de la decadencia moral y vital de la aristocracia. El arte para los ilustrados ha de contribuir a cambiar el mundo, reflejando modelos de conducta, exaltando virtudes como la abnegación, el sacrificio, la nobleza de sentimientos, la fidelidad a las propias ideas. El neoclasicismo conecta con los ideales de la revolución americana y francesa, expresados en las respectivas Declaraciones de derechos del hombre. Por esto, no es de extrañar que sea en la Francia napoleónica y en los E.E.U.U. de América, donde la arquitectura neoclásica tiene una influencia más importante.

    Varios arquitectos comprometidos en las empresas napoleónicas para eternizar la gloria terrenal del emperador. Se trata de varios arcos de triunfo que vuelven a poner de moda la vieja costumbre romana. El más importante es el gigantesco de la Estrella, de una solo vano, es el más grande del mundo, obra de Chalgrin.

    LA MARSHELLESA

  • OBRA ESCULTÓRICA

  • I.I.- Catalogación

    La Marshellesa de François Rude (1784-1855) es del romanticismo (definir) y fue hecha en 1792. Se la conoce también con La partida o la Marcha de los voluntarios.

    I.2.- Análisis material

    Es un alto relieve del arco de la estrella en París.

    I.3.- Análisis formal

    • Comentario temático:

    • Iconografía:

    En la parte superior, destaca la figura de Velona, diosa romana de la guerra, con los brazos estirados y las piernas en fuerte movimiento. Abanza decididamente incitando con el grito de la marshellesa a un grupo de guerreros voluntarios colocados debajo de ella. Estas figuras están inspiradas en la escultura helenística (definir). El guerrero del centro recuerda a la figura de Zeus. Los otros soldados están esculpidos comolos ejércitos de la antigüedad.

    • Iconología:

    Simbolizan unos de los momentos de la Revolución Francesa. Todas las figuras llevan los símbolos de la guerra. Velona lleva las águilas, como una victoria alada. Se representa los momentos claves de la Revolución francesa, que pasaron en 792, donde un grupo de revolucionarios, voluntarios entorno a la figura de la Marshellesa, quieren a la Francia revolucionaria de la invasión de los ejércitos europeos del antiguo régimen. La diosa Velona es el símbolo de la patria que agita a los voluntarios para defender la nación invadida. Simbolizan también a cualquier pueblo que lucha por su independencia, lo que la ha convertido en un valor universal.

    • Composición:

    Es asimétrica, y hay una inconexión. Es una conjunto de figuras entrelazadas en una compleja superposición. Aunque se ve que arriba está la diosa y abajo los soldados. Es una composición recargada.

    Las formas tienen influencia clásica pero de la época barroca, y de la escuela de Pérgamo del helenismo. Son formas recargadas y movidas, con diagonales, definidas por brazos y piernas de la diosa y del guerrero del centro. Dan sensación de movimiento y captan un espacio. Este barroquismo se acentúa con los escozos, el tratamiento de los cabellos, barbas, en los pliegues de los vestidos de la diosa Velona que son lanzados por el viento dando movimiento. Todo ello conduce a una energía que refleja el entusiasmo de estos guerreros por la liberación de su patria. Este entusiasmo que sienten, da al conjunto una sensación de in creixendo que hace que las clasifiquemos en el romanicismo.

    Rude usa desnudos para llevar a cabo un estudio de la anatomía a la manera clásica, cuerpos fuertes con musculatura en tensión, que acentúan la idea de energía y de tensión. Las expresiones son agitadas indicando una carga subjetiva que sienten los personajes. Está dentro de la estética del romanticismo.

    La luz. El recargamiento de la composición hace que dominen los efectos pictóricos, creando contrastes de claro-oscuro que acentúa el dinamismo y el sentimeinto.

    I.4.- Aproximación histórica

    Inspirada en La libertad guiando al pueblo de Delacroix, realizado pocos años antes a raíz de los hechos de julio y ambas responden al entusiasmo y esperanzas que despiertaen la sociedad francesa la Revolución. Rude se entrega a un exceso de apasionamiento puesto que su padre formó parte de os voluntarios.

    Otros escultores fueron Louis Borye, Augusto Preault, que abandonaron la influencia clásica.

    EL PENSADOR

  • OBRA ESCULTÓRICA

  • I.I.- Catalogación

    El Pensador es una obra de Augusto Rudin (1840-1917). Es un escultor francés que pertenece al impresionismo (definir). Va a ser lo que en pintura Manet. Hace su obra en mármol y bronce y les da sensación de inacabado. Se ve impresionado por esculturas de Miguel Angel. Sus primeros años fueron difíciles porque la crítica no aceptó su obra. Pero a raíz de una exposición consiguió el éxito.

    Realizó otras obras como Los burgueses de Canais y el Retrato de Balzac. Ha sido un escultor que tendrá influencia en la escultura del siglo XX, tanto en la variedad de sus formas como en su expresividad.

    I.2.- Análisis material

    Es una escultura exenta, sentada y hecha de bronce.

    I.3.- Análisis formal

    • Comentario temático:

    • Iconografía:

    Es un hombre maduro en actitud pensativa. Fue una figura diseñada para un encargo del gobierno francés en 1880. Se le encargó que realizara unas puertas para el Museo de Artes Decorativas de París, y como tema eligió un pasaje de Dante, titulándolas Las Puertas del Infierno.

    El Pensador tenía que ir colocada en el umbral, pero finalmente la hizo más grande de lo que él pensaba, y representaría al poeta italiano Dante. Esta imagen no tenía parecido con él porque aquí Rodin presenta a un hombre corpulento, de manos y pies desmesurados que sostiene con la mano derecha la cabeza. Dante físicamente no era así.

    La figura se inspira en una obra de Miguel Ángel para las tumbas funerarias, en la figura de Lorenzo de Menichi, que, reflejaba el principio de la vida contemplativa.

    • Iconología:

    Las figuras de Rodin se convierten en símbolo, y ésta simboliza el acto más trascendental al hombre que piensa por toda la humanidad. El acto de pensar eleva al hombre por encima de su condición animal. Por lo tanto significa la luz del primer pensamiento.

    • Composición:

    Es cerrada en si misma. Cierra con una mano que sostiene la barbilla, y con la otra mano puesta en la rodilla. En la composición hay modernidad ya que hace la figura para ser contemplada desde diferentes puntos de vista, de tal manera que el espectador ya no puede ser estático sino que se ve obligado a girar. El espectador se mete en la obra. Este hecho lo había cogido de Bernini.

    Las formas son impresionistas por dos hechos:

    1º) Por la utilización de superficies rugosas.

    2º) La manera de cómo concibe el efecto del juego de luces hace que al incidir en éstas superficies resalte un aspecto de erosión, que cogió de Miguel Ángel.

    Las expresiones. El Pensador está en actitud mental pero de una manera tensa, que se puede ver en cada parte del cuerpo al no estar relajada: el brazo izquierdo sostiene la cabeza y el otro levanta el hombro; la espalda gira una parte y va hacia arriba; la pierna derecha se levanta. A pesar de estar sentada y quieta aparentemente hay una tensión física que se ve en que los dos brazos descansan sobre la misma pierna, en la perspectiva de la espalda, en los dedos del pie, en los músculos y en lo inacabado de la obra (superficie rugosa). Esta actitud representa a la figura humana pensando, represenatada anteriormente por Miguel Ángel en Lorenzo de Medichi y Goya en su grabado en El sueño de la razón produce monstruos. Pero la diferencia es que la figura está tensa y las otras no.

    La luz. Rodin capta los va y bienes de luz y sombra. Le interesa mucho la luz porque según él con la luz es con lo único que se puede obtener la profundidad en la escultura. Descubre que una escultura debe ser estudiada en función de la luz y al dejar superficies rugosas, contra las que se tropieza la luz, se produce una serie de sombras, creando en la materia un espíritu inquieto.

    I.4.- Aproximación histórica

    (Aproximación histórica del impresionismo en pintura)

    Otros escultores contemporáneos fueron Rosso y Aristeles Mayol, que esculpió esculturas femeninas de sensualidad muy delicada con un cierto aire de melancolía y desencanto como en La mediterránea.

    LOS PRIMEROS FRÍOS

  • OBRA ESCULTÓRICA

  • I.I.- Catalogación

    Es una obra realista (definir) de Miguel Blai y Fábregas. Este escultor pertenece a la generación de escultores de la segunda mitad del siglo XIX que se mueve entre la tradición y la introducción del movimiento de vanguardia. Se le encuadra dentro de la escultura realista pero tiene el deseo de superar el realismo meramente descriptivo. Su primera etapa es Olot y después viaja a Roma y París, y en 1892 se hace famoso por la obra Los primeros fríos. Poco a poco su obra fue evolucionando y aproximándose al simbolismo (Persiguiendo la ilusión 1903) y al modernismo bajo la cual ejecuta el grupo alegórico de la música popular que está en el Palau de la música catalana.

    I.2.- Análisis material

    Está hecha en mármol. Es exenta y representa un grupo escultórico sedente. La técnica es cuidada ya que labra la piel con calidades muy realistas y finas.

    I.3.- Análisis formal

    • Comentario temático:

    • Iconografía:

    Representa a dos figuras humanas desnudas: la de un viejo y una niña. El anciano, con las manos entrecruzadas, mira al frente. La niña tiene una postura de escozo inclinándose en el anciano, cogiéndole del brazo. Están captadas con mucho realismo.

    • Iconología:

    Simbolizan la vejez, el ocaso de la vida, y la adolescencia. Ambas están sometidas a los problemas de la vida.

    • Composición:

    Están inscritas en un triángulo rectángulo, cuya hipotenusa está marcada por la cabeza del anciano y el cuerpo de la niña, mostrando el punto de mayor emotividad de la niña que se abraza al anciano para protegerse.

    Muestra una obra tratada en todo su conjunto.

    Las formas son suaves, tranquilas y sosegadas. El anciano parece mostrar una resignación Mientras que la niña encoge su cuerpo helado desencadenando una gran expresividad. Son formas realistas que se muestran en los músculos que palpitan, y en las pieles arrugadas del anciano. El cuerpo de éste son carnes erosionadas por el paso del tiempo. Los cabellos y la barba están tratados de una manera realista. Las dos caras tranquilas tienen una expresión entre la resignancia y la tranquilidad.

    La luz ilumina a toda la figura por igual. Solo deja algunas zonas de sombra en el cuello del anciano, en el pecho de a joven y en las piernas que acentúan el expresionismo.

    I.4.- Aproximación histórica

    (Aproximación histórica del realismo en pintura)

    Dentro de la corriente modernista destacan otros escultores catalanes como Enric Clarasó y Josep Llimona.

    EL DESCONSUELO

  • OBRA ESCULTÓRICA

  • I.I.- Catalogación

    El Desconsueloes una obra de Josep Llimona, del año 1907, y actualmente está en el Museo de Arte Moderno de Cataluña. Pertenece a la escultura realista (explicar).

    I.2.- Análisis material

    Está hecha en mármol y está unida al bloque del que sale. La técnica es muy pulida, lisa y fina.

    I.3.- Análisis formal

    • Comentario temático:

    • Iconografía:

    Es un desnudo femenino de largos cabellos. Arrodillada y con la cabeza abatida entre los brazos, de tal manera que la larga cabellera esconde el rostro.

    • Iconología:

    Esta figura toma un sentimiento alegórico del abatimiento y del desconsuelo. Esto se consigue al inclinar la cabeza hacia abajo y dejar al aire la cabellera. Muestra un cuerpo en escozo, inquieto que demuestra que la figura está en tensión.

    • Composición:

    La figura es cerrada que permanece al bloque de piedra. El cuerpo se adapta a la estructura escalonada del bloque de piedra mostrándonos tres planos: plano de las piernas, del tronco, y cabeza y brazos.

    Las formas son clásicas. Es una escultura influenciada por Gauguin. Las formas son elegantes y Llimona para no caer en formas descriptivas oculta el rostro de tal manera que el único elemento expresivo es la gestualidad del cuerpo. La expresividad de las formas se consigue por el escozo: piernas y tronco girados a la vez, la cabeza cae liberada de toda tensión, mientras que los brazos se alargan formando un círculo descansando enel bloque de piedra, y las manos se entrecruzan mostrando el punto de máxima tensión.

    Estas formas crean espacios vacíos entre las manos y el cuerpo y el bloque. Estose adelanta a la escultura de los años veinte.

    La luz. Hay zonas muy luminosas (brazos, cabeza, cabellera), mientras que el tronco, una parte de las piernas, y los brazos son zonas pictóricas.

    A Llimona se le puede considerar el precursor de Josep Clarà que era un escultor que vuelve a las formas clásicas. Se preocupó por el desnudo femenino y por la figura de la mujer catalana.

    I.4.- Aproximación histórica

    (Aproximación histórica de pintura realista)

    EL GRAN PROFETA

  • OBRA ESCULTÓRICA

  • I.I.- Catalogación

    Hay unos escultores como Pau Gargallo, Julio Gonzalo que habían iniciado sus esculturas dentro de la corriente Noucentista, pero poco a poco van evolucionando hacia la escultura de vanguardia como Pau Gargallo (1881.1934) Era Aragonés pero trabajó en Barcelona. Entra en contacto con Picasso y se deja influenciar por el cubismo (definir) como se puede ver en El Gran Profeta.

    I.2.- Análisis material

    Es exenta, de pie y está hecha con planchas de metal cortadas. Utilizó el bronce y el hierro.

    I.3.- Análisis formal

    • Comentario temático:

    • Iconografía:

    Representa a un hombre en tensión absoluta, que levanta el brazo con un gesto desafiador. Lleva en la otra mano un callac y el cuerpo lo lleva recubierto con una piel.

    • Iconología:

    Representa un profeta.

    • Composición:

    Ha perdido la simetría, y Gargallo para conseguirlo la ha colocado en contraposto para dar sensación de movimiento. Es abierta.

    Las formas son más ligeras que la escultura anterior. Frente al concepto de masa y volumen de escultura clásica, ahora se desarrolla el vacío, de tal manera que el aire pasa a formar parte de la escultura. El vacío permite jugar con formas cóncavas y convexas, con curvas y contracurvas, creando espacios cambiantes. Vacíos y dinámicos a medida que el espectador gira. El contraste de vacío/lleno hace que se adquiera gran expresividad e impacto emocional.

    Siguiendo los pasos del cubismo de Picasso, hay una superposición de planos creando formas subjetivas sobretodo en la cara. Vemos algunas planchas que parecen dentadas, lo que le da un aspecto de mayor tensión y de mayor dinamismo.

    La luz. El juego de formas cóncavas/convexas acentúa los contrastes de luz/sombra formándose lo que Gargallo llama volumen virtual. En sus obras la sensación de volúmenes vacíos y luces, invitan a que el espectador se vea obligado a meterse en la obra para entenderla y sentir placer estético.

    I.4.- Aproximación histórica

    (Aprox. Histórica del cubismo en pintura)

    LA CABEZA DE LA MONTSERRAT GRITANDO

  • OBRA ESCULTÓRICA

  • I.I.- Catalogación

    Julio González (1876-1942) se encuentra unido al cubismo y al surrealismo. Nació en Barcelona, donde la corriente de orcebrería y aprende el trabajo de los metales. En 1900 abre un camino nuevo trabajando el hierro. Se inspira en la escultura celta y trabaja a través de chapas.

    En 1942 hace La cabeza de la Montserrat gritando.

    I.2.- Análisis material

    Es exenta y está hecha de hierro, lo que le da más dramatismo a la obra.

    I.3.- Análisis formal

    • Comentario temático:

    • Iconografía:

    Se trata de una cabeza de una mujer campesina, que grita con un gran dolor y angustia.

    El tema de la mujer campesina había sido tratada por la corriente noucentista de los años 1920, y tenía el compromiso de remarcar la unidad entre cultura catalana y la tierra. Julio González hizo varias figuras de la Montserrat.

    • Iconología:

    Simboliza los retos de la vida en el campo, por el duro trabajo y las malas condiciones agrabadas por las consecuencias de la Guerra Civil de 1936 y el despotismo del régimen franquista.

    • Composición:

    Las formas son figurativas porque los años anteriores había trabajado la abstracción. Al final renuncia a esta y vuelve a la figuración. La cara está encuadrada por un pañuelo compuesto por formas geométricas, es alargada y destaca un enorme boca abierta. Estas formas vienen acentuadas por la boca y porque resalta los bordes de las mejillas. Este alargamiento también se acentúa con una nariz marcada y alargada.

    Las formas son geométricas: los ojos están limitados por dos círculos y miran al infinito. Todas estas formas no hacen nada más que acentuar la sensación de grito desgarrador que sale de la boca, cuya tensión viene acentuada por la inclinación de la cabeza atrás. Es el grito del dolor, de la impotencia que siente un pueblo sometido a una situación social, económica y política provocada por la Guerra Civil, de la que no se puede liberar.

    Al colocar solo la cabeza se aumenta el dramatismo ya que nos quiere a dar entender que esta mujer ha sido amputada en su dignidad. Concentra en la cara todo el dolor del cuerpo. La cara y las facciones están deformadas por la acción de gritar, por la tensión que supone el grito.

    La luz provoca el acento de la tragedia, porque al incidir sobre la rugosidad de la cara crea fuertes contrastes. En la parte de la boca, los labios han sido deformados por la potencia del grito.

    I.4.- Aproximación histórica

    ( aproximación de vanguardias)

    LA MUJER RECLINADA

  • OBRA ESCULTÓRICA

  • I.I.- Catalogación

    La mujer reclinada es una obra de la II mitad siglo XX, del británico Henry More (1898-1986).

    I.2.- Análisis material

    Está hecha en piedra, y es exenta. Es una escultura trabajada en gran escala porque eran esculturas que eran para situarlas en la calle.

    I.3.- Análisis formal

    • Comentario temático:

    • Iconografía:

    Representa a una mujer estirada, apoyándose sobre los codos y los glúteos, y las piernas están encogidas.

    Es una figura femenina que se realizó inspirándose en una estatua maya llamada Chac-Mol que significaba el espíritu de la lluvia. Henry copia esta figura femenina. A él lo que le interesa es la figura humana, y los principios de la forma y del ritmo los ha encontrado en el estudio de la naturaleza como árboles, piedras, plantas y huesos.

    Él se influencia por la escultura egipcia y precolobina, por el carácter mítico que no separaba la historia de la humanidad de las fuerzas cósmicas.

    • Iconología:

    Esta figura femenina se convierte en una figura arquetípica de la madre en la que se personifica la tierra fecunda y la mujer como fuente de vida, en la cual se resaltan los pechos.

    • Composición:

    Es una nueva manera de componer, donde rompe los conceptos de simetría, orden y canon. Va evolucionando a la abstracción y estilización.

    Las formas son planas, convexas y cóncavas que alternan con vacíos. A la síntesis entre madre natura incorpora el vacío. De aquí que el centro sea un enorme vacío rodeado de volúmenes salidos. En sus esculturas distingue entre masa (forma inerte) y el vacío (forma viva).

    Henry fue uno de los primeros escultores que incorporó el vacío. Según sus palabras se puede llegar a la escultura aérea. La piedra rodea el vacío que es la forma preferida. En estas obras se ve un carácter biomórfico. Por ejemplo hay formas que nos recuerdan a bloques, guijarros, rocas erosionadas, huesos,... Incluso deja muchas formas inacabadas, erosionadas para ganar en expresividad. El juego de volúmenes y espacios que crea, le une a la arquitectura orgánica por las curvas y las contracurvas que define la infinitud de la naturaleza. Toda la escultura raya la abstracción.

    La luz crea contrastes entre los volúmenes y los vacíos, y proyecta sombra en el vacío del centro. El vacío es luz y el volumen sombra.

    I.4.- Aproximación histórica

    (Aproximación histórica de las vanguardias)

    STABILE MOBIL

  • OBRA ESCULTÓRICA

  • I.I.- Catalogación

    El Stabile móvil fue construido por Alexander Calder (1898-1976), conocido por sus móviles, esculturas que se mueven por el viento. Las formas biomórficas de Miró influyeron de manera determinante en este artista, hasta el punto que sus obras se parecen a las pinturas de Miró convertidas en esculturas. Esta escultura pertenece a las primeras vanguardias del siglo XX.

    I.2.- Análisis material

    Es una escultura que utiliza materiales tal como los crea la industria (alambres, chapas,...)

    I.3.- Análisis formal

    • Comentario temático:

    • Iconografía:

    Estructura colgada en la que un conjunto de barras de hierro unen unas placas de hierro de formas geométricas.

    • Iconología:

    No intenta transmitir simbolismo ni mensaje. Solo quiere divertirse fabricando estos ingenios, con la finalidad de divertir.

    • Composición:

    Son formas aerodinámicas y sus movimientos nace de un sistema perfecto de palancas, contrapesos y puntos de apoyo.

    Una corriente de aire basta para provocar el movimiento rítmico que se extiende por todos los elementos y que más tarde se van parando lentamente. Se pretende un equilibrio inestable que después vuelve por si solo a la normalidad. La mayoría de veces se requiere ayuda del espectador, porque este al tocar cualquier elemento pone en movimiento todos los demás.

    El movimiento no tiene nada de mecánico sino que es recuperación natural del equilibrio momentáneamente alterado, y por lo tanto la única fuerza es la inercia. Estos móviles cuando se mueven crean un ruido formando un espacio acústico que con el espacio visual hacen que la obra no solo se vea sino que también se sienta. Estos móviles recuerdan a las formas de Miró, pero mientras que en Miró tenían simbolismo en Calder tienen un ritmo dinámico que hacen referencia al ajetreo de la vida moderna.

    I.4.- Aproximación histórica

    (Aproximación histórica de las vanguardias)

    MUTACIÓN

  • OBRA ESCULTÓRICA

  • I.I.- Catalogación

    Eduardo Chillida fue un escultor famoso del siglo XX. Sufre un influencia del arte griego a principio de su obra, y también de Henry More. A partir de 1951 se aparta de la figuración y se centra en las esculturas abstractas (definir). En esta etapa hizo Mutación.

    I.2.- Análisis material

    Está hecha en hierro.

    I.3.- Análisis formal

    Es una escultura de gran escala, con formas simples que se entrecruzan creando espacios vacíos. Son esculturas monumentales que reflejan un cierto primitivismo, de formas geométricas. Va uniendo formas que se lanzan al aire o cierra el espacio vacío. Iban puestas en un paisaje y reflejaban la tensión de la fuerzas de la naturaleza.

    I.4.- Aproximación histórica

    (Aproximación histórica de las vanguardias)

    También se puede ver en Peines al viento.

    MISTOS

  • OBRA ESCULTÓRICA

  • I.I.- Catalogación

    Mistos pertenece a la escultura pop (definir), y fue construida por Claes Oldenburg. Nace en Estocolmo per se traslada en 1956 a Nueva York y sufre una influencia del dadaismo y del surrealismo. Del dadaismo coge la idea del objeto descontextualizado, y de los surrealistas sigue la idea de analizar a Freud. Emplea la técnica del psicoanálisis con el objetivo de conseguir objetos interesantes para el arte.

    Una de las facetas más importantes es que fue el creador de las piezas monumentales como La pinza de ropa y Los Mistos, construido en 1992 que fue encargada con el motivo de la renovación urbanística en Barcelona con las Olimpiadas de 1992 en la zona del Valle Bront.

    I.2.- Análisis material

    Son grandes láminas de materiales de la industria, pintados de rojo, amarillo y azul, dentro de una estética totalmente pop.

    I.3.- Análisis formal

    • Comentario temático:

    • Iconografía:

    Representa un estuche de cerillas abierto

    • Composición:

    Su contenido adoptan diferentes formas. Se inclinan a ambos lados de la caja excepto una que queda vertical y está encendida. Mientras otras se han esparcido por los bordes.

    Utiliza la técnica de la descontextualización del objeto y da a las cerillas un carácter solemne porque intenta criticar toda aquella solemnización que se hace de las cosas banales.

    Lleva al arte los objetos fabricados por la industria per sin la intención de hacer arte. Dice que imita los objetos cotidianos porque quiere que la gente se acostumbre a reconocer el poder de estos objetos.

    I.4.- Aproximación histórica

    (Aproximación histórica de las vanguardias)

    Otros escultores son George Segal.

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