Escuchar la música

Proceso creativo. Melodía. Ritmo. Armonía. Timbre

  • Enviado por: Alejandro Bastida
  • Idioma: castellano
  • País: España España
  • 11 páginas

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Escuchar la música

EL PROCESO CREADOR EN LA MUSICA

COMO ESCUCHAR LA MUSICA

Segun Willian Schuman .haciendo una breve introduccion al libro, Aaron Copland intenta acercar al oyente lejano a escuchar la musica.

Willian destaca a Copland como un grandisimo compositor de la Epoca, lo llega a definir como el decano de los musicos.Tambien hace una separacion de la musica, destacando la musica compleja, que es la que el libro explica como debemos escucharla.

Como nota final hay que decir que este libro es unico pues esta escrito por un compositor y no por un critico musical.En Como escuchar la musica se nos muestra el camino para entender todo la m·sica e incluso la de nuestros dias, cuyos compositores estan en vida.

En el preliminar del libro, Copland es consciente de la dificultad de algunas personas para escuchar la musica, y pone como remedio que la mejor manera de escuchar la musica no es leer sobre ella sino escucharla. Aunque tambien afirma que hay gente que no ha nacido para ello y que no se puede hacer nada por ellos, algo en lo que difiere su amigo Schuman.

Introduciendonos en el libro de Copland divide las maneras de escuchar la m·sica en tres planos distintos:

1-. El primero es el de escuchar la m·sica como medio de relajacion, evasion. Es lo que normalmente hacemos, poner m·sica en ocasiones para distraernos. Ni siquiera la escuchamos pero crea un ambienta agradable.

2.- El segundo plano goza de mayor controversia, pues hay opiniones diferentes, es decir, lo que una cancion transmite no es igual para todos. Una cancion puede transmitir alegria pero al igual que hay diferentes tipos de alegria hay diferentes tipos de opiniones.

3.- En el plano musical, Copland critica al hombre de la calle porque solamente escucha la melodia y el ritmo de una obra y no se debe quedar una persona en estas dos cosas solamente, de ahi la publicacion de esta libro.

EL PROCESO CREADOR EN LA MUSICA

La musica que hace un compositor procede directamente de el mismo, ha nacido para ello, hay dias que tiene mas o menos ganas (inspiracion), es decir lleva innato el proceso musical.Cuando un compositor empieza una cancion se apoya directamente en la materia sonora.

Una pregunta que se hace mucha gente, es de donde surge el comienzo de la canci¾n. En verdadla cancion viene a la cabeza de forma extraña , como caida del cielo, compone las cosas que se ocurre.Una vez hecha la cancion la retoca a su gusto cambiando algunas cosas, e intenta que esa composicion transmita una sensacion.

Despues de haber compuesto la cancion, debe elegir el instrumento adecuado para cada parte, debe ajustar la armonia y el tratamiento ritmico de una manera adecuada. Copland distingue en el proceso creador de la m·sica tres clases distintas de compositores:El tipo mas comun es al de inspiracion espontanea, la musica brota de ellos. Tienen producciones musicales bastante abundantes. Normalmente trabajan pequeñas formas. Un representante de este tipo de compositores puede ser Schubert.Beethoven puede simbolizar otro ejemplo del segundo tipo.

El compositor aqui parte de un tema musical. Perfecciona los temas hasta el punto de que queden perfectos.

El tercer tipo de musico comprende el llamado tradicional. Bach pertenece a este grupo. Su concepcion de la musica es mejorar y perfeccionar un estilo de musica definido, normalmente el de su epoca.

Existe un cuarto tipo de compositor, es el llamado experimentalista. Busca aportar nuevas melodias y soluciones.Al margen de esto, nos centramos otra vez en el autor y su obra. Para aumentar su composicion, el autor puede alargar la obra, o bien, dar retoques al tema y cambiarlo.

La tarea mas dificil del compositor es hacer la fusion del conjunto y hacer que todo sea uno, que sea coherente, hace una distincion entre principio, intermedio y fin.

LOS CUATRO ELEMENTOS DE LA MUSICA

EL RITMO

La musica tiene cuatro elementos esenciales: el ritmo, la melodia, la armonia y el timbre. Un conocimiento a fondo de estos no es muy normal en la gente pero es necesario que los conozca si quiere entender la musica.Si la musica empezo, empezo con el ritmo, como pasa hoy en dia con los pueblos primitivos.

Pasaron años hasta que el hombre escribio esas canciones y empezo a incluir la voz en ellas. La musica medida se integra en Europa sobre el siglo XII. En aquel tiempo mucha de la musica era vocal y solo tenia funcion de acompañamiento. Los primeros ritmos tuvieron feliz Exito y pronto evolucion.

Podriamos comparar el ritmo como el sonido de los pasos, como una secuencia, pero podemos jugar con estos ritmos cambiando su compas y nos dara un resultado diferente.

El abuso de ritmos simples podria llevarnos a la monotonia.Hay un nuevo concepto a a±adir es el metro. El metro consistira en la acentuacion de un ritmo y el ritmo en si, seria la buena adaptacion , con sentido.

A fines del XIX se empezo a cambiar un poco ese esquema ritmico, y pasa de ser un ritmo invariable de UNO-dos, UNO-dos a una sinfonia mas compuesta. Tchaikovsky partio de un ritmo informal a cinco y no paso de mantenerlo rigurosamente todo el tiempo.A±adimos tambien un nuevo concepto, es el llamado poliritmico, que es la combinacion simultanea de dos o mas ritmos independientes.

La primera etapa poliritmica es muy sencilla y es la que utilizaban los primeros Compositores. Estos poliritmicos nos los podemos encontrar en la m·sica cubana, jazz, swinn, etc. No somos ajenos a ellos.

LA MELODIA

La melodia le sucede en importancia al ritmo. Asociamos ritmo a un movimiento, mientras que la melodia la asociamos a un sentimiento. Su efecto es cautivador y misterioso.

La melodia, para ser bella, debe tener buenas proporciones, debe ser larga con altibajos con un momento culminante y un fin, etc. Pero lo mas importante es que sea gustosa para el oido.

Se podria comparar una buena melodia incluso con palabras que transmitan algo, que concuerden entre si, eligiendo las palabras mas adecuadas en cada momento, dando tambien importancia a la parte final.

Añadimos a la melodia otro concepto: la escala.

Se trata de una disposicion de notas en la que esta incluida la melodia. Hubo cuatro sistemas de escalas: oriental, griego, eclesiastico y moderno.

Nuestra escala actual es la que todo el mundo conoce: DO-RE- MI- FA- SOL- LA- SI , esta escala recibe el nombre de escala diatonica de modo mayor.

Hay doce escalas del modo mayor y otras doce del modo menor. La clave que da la posicion de la escala se encuentra viendo la posicion del sonido. Los siete grados de la escala tienen determinadas relaciones entre si; estan gobernadas por el sonido 1 (conocido por tonica), normalmente los demas se agrupan en torno a ella.

El siguiente grado es el dominante y le siguen el subdominante y el sensible.A principios de este siglo los compositores aplicaron su concepto de lo que era unas buena melodia.

Cada uno compone la melodia de el modo que el cree conveniente. No se puede esperar de todos los compositores una misma clase de melodia.Normalmente la melodia va acompañada de un material, pero ese material no debe restar importancia a la melodia,y la debemos dejar bien clara para separarlas del resto en nuestra cabezas.

La capacidad para distinguir una buena melodia nos la dara la experiencia y la asimilaci¾n de cientos de melodias.

LA ARMONIA

La armonia es una innovacion respecto a los otros elementos, es el mas artificioso de los elementos. La armonia como tal no la conocemos antes del s.IX, entonces toda la musica estaba construida en una misma linea melodica (y asi la mantienen los pueblos orientales). El desarrollo armonico es uno de los efectos mas notables dentro de la historia musical.

La armonÍa nace en el siglo IX sus primeras formas son muy primitivas. Hay tres clases de escritura armonica conocidas:ORGANUM consiste en la repeticion de la melodia con intervalos de cuarta o quinta superior.DISCANTO eran dos melodias diferentes que se movian en direcciones opuestas.

Aqui se descubre uno de los principios basicos de la conduccion de voces.FAUX-BOURDON introdujo intervalos de terceras y sextas (saltos de notas), esta introduccion estaba prohibida, aumentaron mucho los recursos armonicos.

La produccion simultanea de varios sonidos genera los acordes. La armonia es el estudio de los acordes y sus relaciones. En este libro se nos da una ligera idea de lo que es la armonia, para distinguirla y saber lo que es, pero no para saber de armonia pues para eso necesitamos mucho tiempo.

La teoria armonica se basa en el supuesto de que todos los acordes estßn formados por una serie de intervalos de tercera. Un acorde estß siempre formado por tres o mßs sonidos diferentes (los de dos sonidos son demasiado ambiguos).

Los acordes se denominan:Acorde de septima, de novena, de oncena, de trecena.La aceptacion de estos acordes fue poco a poco. Los acordes pueden sufrir grandes variaciones y tener varios aspectos.

En la historia y evolucion del desarrollo armonico, nuestros oidos se han ido adaptando hacia formas mas complejas, nuestra Epoca se caracteriza no por ampliar las formas viejas sino por crear algo totalmente nuevo.

Nuestro sistema admitia la hegemonia de una nota principal dentro de la escala, otras tonalidades eran secundarias, volviendo siempre a la tonalidad principal.

Schenberg abandono por completo el principio de tonalidad, su tipo de armonia suele denominarse atonalidad, con el tiempo se dio cuenta que era un sistema totalmente anarquico y comenzo la canostruccion de un sistema diferente.Debussy le precedio en el derribo del antiguo sistema, aunque menos radical que Schoenberg. En Debussy los analistas encontraron acordes que ya no se podian explicar segun la vieja armonia. Puso a su oido como juez de lo que estaba bien armonicamente.

Su obra inauguro una nueva era de libertad armonica.Estos nuevos conceptos fueron acusados de disonancia, pero tenemos que tener en cuenta que la disonancia es muy relativa pues cambia mucho a lo largo de la historia.

Otra innovacion armonica realmente importante se produjo antes de la primera Guerra Mundial, al principio se la asociaba con la atonalidad no contenta con una sola atonalidad introducia la idea de hacer sonar dos o mas tonalidades distintas. Esta procedimiento fue conocido como politonalidad.

La revolucion armonica de la primera mitad del siglo XX ha llegado a su fin, pero al final de la segunda guerra mundial hay un ciertointeres por el metodo de los doce tonos de Schoenberg, sobre todoen los paises donde su influencia era menor. A pesar de las innovaciones armonicas, gran parte de nuestra musica pemanece basicamente diatonica y tonal.

EL TIMBRE

Decir timbre es como decir color sonoro, es un elemento con ilimitadas posibilidades futuras. Su definicion: es la cualidad del sonido producido por un determinado agente sonoro.

Distinguir los distintos tipos de timbre es como distinguir los colores, y es muy dificil que una persona no pueda distinguir la voz de una soprano y la de un bajo.

En relacion con el timbre hay que tener unos objetivos principales: aguzar su conciencia a los distintos instrumentos y de sus caracteristicas y adquirir una mayor percepcion de los propositos del compositor cuando utiliza algun instrumento o combinacion de instrumentos.

Un compositor se pregunta muchas veces que instrumento es el adecuado pa ra cada cancion, y eso lo determina el significado que expresa cada instrumento. Sera el sentido expesivo el que diga que instrumento se ha de utilizar en cada caso. Seria como poner un decorado detarminado o unos trajes apropiados en una pelicula. Lo mismo le ocurre al compositor: tiene que vestir un tema musical.

Tambien asociamos la idea de un color a un instrumento determinado, pero esa idea es relativamente moderna. Hoy en dia asociamos unos instrumentos determinados a unas composiciones determinadas de forma que un violin nunca podra ser sustituido por un oboe.

Solamente de un modo gradual penetraron en la musica los timbres de que se puede disponer el compositor, esa penetracion abarco tres etapas: primero se invento el instrumento, la segunda fue su perfeccionamiento y la tercera es alcanzar el dominio del instrumento.

Cada instrumento tiene sus limitaciones, unos son mas graves y otros mas agudos, eso nos lleva a decir que los compositores no tienen libertad absoluta para elegir los timbres. Afortunadamente hoy en diahay menos limitaciones, hay nuevos materiales y nuevos instrumentos cada vez mßs perfeccionados.

Hoy en dia hay que explorar las mejores cualidades de cada instrumento.Los instrumentos de orquesta se dividen en cuatro grupos fundamentales. El primero es el de cuerda, el segundo de maderas, el tercero de metales y el cuarto de percusion.Dentro de los de cuerda nos podemos encontrar con el violin, la viola, el vilonchelo,etc.

Otro grupo dentro de los timbres orquestales son los de las maderas y aqui nos encontramos el oboe, la flauta, el flautin , el fargot, dentro de los metalicos nos encontramos con la trompeta , la tuba, el trompon, el corno, etc, En la percusion los mas conocidos son los tambores, la celesta, las campanas, etc, en su mayoria todos ritmicos.En los timbres mixtos hay un gran numero de combinaciones posibles, son normalmente asociaciones de instrumentos.

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