Drama romántico

EL DRAMA ROMÁNTICO

Podemos situar algunos estrenos como verdaderos hitos:

• 1834 La Conjuración de Venecia, de Martínez de la Rosa, se considera como el comienzo del romanticismo en España, tras este estreno se producen otros que abarcan toda una década y se denomina el periodo más representativo del romanticismo español. El teatro es el género de mayor repercusión en el público.

• 1835 Don Álvaro, Duque de Rivas.

• 1836 El Trovador, Antonio García Gutiérrez.

• 1837 Los amantes de Teruel, Hartzenbush.

• 1840 el zapatero y el rey, Zorrilla.

• 1844 Don Juan Tenorio, Zorrilla.

Una década que sirve para abarcar un género que nace y muere en los límites de estos 10 años.

En 1850 nos encontramos con Zorrilla que declara que los románticos son seres remotos que forman parte del pasado.

Hay que hablar en primer lugar de la espectacularidad del teatro a partir de la Conjuración de Venecia y la continuidad de la fórmula teatral de esta obra y las fórmulas teatrales más antiguas que siguen teniendo mucho éxito en la época del romanticismo.

El drama romántico español nunca se separa de ciertos elementos que son las que rigen las obras realistas: casamiento no deseado por las familias, por ejemplo: los amantes de Teruel.

El drama romántico recibe también elementos de otros movimientos de la época(nuevos o antiguos, tradición neoclásica).

Existe una fenomenología que se plasma en la representación de unos temas, podemos ver por ejemplo el personaje principal romántico, misterioso y muy repetido en diferentes obras:

Don Álvaro El Trovador

Misterios sobre un ser que desconoce

su nacimiento su origen

Otros clichés como el destino conduce al protagonista a los más desconocidos desenlaces; el amor conduce a la muerte.

Es un género de rebeldía contra cánones teatrales rígidos, no tardará en fijar su propio mecanismo.

Sin embargo es posible hablar de una ruptura con el panorama español en 1834, lo primero que hay que notar es la conciencia que toman los dramaturgos con su teatro, se empezará a alimentar con el discurso de Sleger sobre el teatro calderoniano. Discurso sobre el influjo que la década moderna sobre el teatro español, se hace una revaloración. El teatro español entra en decadencia como consecuencia de la aplicación de unos conceptos críticos enmarcados de la tradición clásica, que no se lleva bien con el sentimiento nacional. “Tenemos que llegar a un teatro nacional moderno” esto es lo que intentan los dramaturgos españoles. Hay un carácter visual y acústico, que ayudan al drama romántico a representar el teatro de una forma real.

Se trata de que el drama romántico contribuye de una manera inevitable a producir un desgaste en las formas teatrales introducidas por los románticos.

Mesonero romano se burla de las decoraciones que son siempre lo mismo, pero la verdad es que en la época que hemos señalado del teatro es una época de confusión.

Hay una conciencia de que se está produciendo un cambio radical movido por las ansias de novedad.

Hay un choque, una confrontación de oposiciones con las formas teatrales de esta época que lleva a una sensación de confusión entre los espectadores. Las obras representadas provocan el aplauso de un sector minoritario del público y por otro lado una sensación de extrañeza. Hay muchísimas obras teatrales extranjeras traducidas y adaptadas a los escenarios españoles.

El conde de Aranda, establece unas normas o un programa que estimula la traducción y adaptación de obras de otros idiomas. Sigue la tendencia a introducir obras teatrales que estaban al alcance de los empresarios teatrales españoles.

Todo esto lleva a los dramaturgos a la representación de grandes obras teatrales, esto permitió la convivencia del espectáculo teatral tanto de obras traducidas como de obras de los dramaturgos españoles.

Introdujeron temas y formas nuevas que sirvieron de introducción para la creación de obras en esa misma línea, por otra parte indujo a los autores a formarse para poder traducir las obras.

Larra, que hay que destacar sus artículos en los que se ceba en sus críticas, que mengua la productividad de los dramaturgos españoles y no escatima en elogios de los buenos traductores y el reconocimiento del trabajo del buen traductor.

Las salas que había en Madrid para la representación de las obras eran edificios envejecidos: el Príncipe de 1745 y de la Cruz en 1737. a partir de 1850 por una serie de innovaciones iba a empezar a llamarse el Teatro Español. El teatro de el Príncipe obedece a un principio de teatro nacional en el que se plasma los deseos para propulsar el funcionamiento del teatro, como había sido estructurado hasta el momento.

A estos dos teatros se les unen otros teatros como por ejemplo el teatro de la Ópera, el Liceo, el teatro de Variedades sobre todo se representaban Zarzuelas.

Cada representación duraba unas 4 horas por que comenzaba con una sinfonía luego al final de la obra unos entremeses, un baile, unos comediantes...

Los actores.

Larra se dedicó conscientemente a señalar los defectos que cometían los actores, no cesaba en críticas. A partir de 1837 empiezan a notarse efectos positivos en la representación por parte de los actores.

Larra se queja de la mala pronunciación, de la mala preparación, con lo que en 1831 se crea el conservatorio de música y arte en el que los actores y actrices tiene que aprender declamación, ya que era tan deficiente su representación como conocimiento del idioma. Los actores cometían excesos en la actuación: chistes, improvisaciones, todo esto de su propia cosecha. Refiriéndonos a esto tenemos un artículo de Mesonero Romano. Además de todo esto, se junta un público con poca cultura y todo ello lleva al fracaso de un gran número de obras tanto en nuestro país como en otros países, como las bodas de Fígaro, obra de finales del siglo XVIII.

El teatro de Beaumarcháis, lleva el teatro a la clase burguesa, utiliza una serie de recursos ingeniosos y llenos de un espíritu independiente que basa sus fuerzas en un mensaje edificante, intenta apoyar a una clase social llena de posibilidades.

También debemos destacar el fracaso de 1838 de la representación de Macbeth de Shakespeare, a él de le vio como un autor turbulento, lleno de defectos, se le adjudicó sus dramas como violentos.

Incluso desde los medios de comunicación se presentan argumentos para aclarar el fracaso de Shakespeare.

Una cosa está clara y es que hay una necesidad en los años 30 de una reforma integral del teatro español, esto va a plasmarse en el nombramiento de una comisión para la reforma del teatro por orden real y cabe destacar tres personalidades: Quintana, Alberto Lista y Martínez de la Rosa. El decreto formulado en 1833 intenta reanudar el ritmo de representaciones en la época de Alfonso VII, con este rey llega la censura, por ejemplo: El sí de las niñas”.

Muy a finales de la época romántica(1847) se van a introducir una serie de reformas8orden de San Luis) para los derechos de los autores y también un reglamento para los empresarios por los enormes gastos que ocasionan las representaciones.

A partir del año 1837, año en el que muere larra, puede notarse un sensible cambio en la situación del teatro, en esto también intervienen la estabilidad política con la muerte del rey, pero también se puede señalar el hecho de que el público halla más pegado a las fórmulas teatrales que arrastra el romanticismo.

La obra Los Amantes de Teruel tiene un éxito enorme, los espectadores se implican más con el hecho teatral y se identifican con los autores, pero también hay que pensar que este cambio puede haberse producido por los artículos de Larra.

Todo esto que hemos visto hasta ahora ha enriquecido de una manera u otra el género teatral.

Comedias de Magia, una obra de Juan de Grimaldi. Se estableció por un tiempo en España. Su labor en el mundo teatral fue muy interesante y nos interesa sobretodo la puesta en escena de “pata de cabra” o “amor todo lo vence”; así se recupera la idea de la continuidad que existe entre el Drama romántico y los demás géneros dados en otros países.

En 1829 aún está vivo el género teatral, siempre con evoluciones y adaptaciones a los nuevos cánones de la comedia de magia, a lo largo del siglo XVIII se impone como género que se acentúa por la espectacularidad puesta en escena.

Al final del siglo XVIII y comienzos del siglo XIX hay un enfoque a la comedia burguesa, todo esto condiciona a la evolución del drama romántico.

Los autores del romanticismo prefieren circunscribir sus argumentos teatrales en la recreación del pasado que es siempre ofrecido desde un punto de vista social y político que lleva al poeta a ver todo esto pero desde el presente.

Para la caracterización del drama romántico nos referimos al artículo de crítica literaria de Martínez de la Rosa para acompañar La Conjuración de Venecia, que justifica sus propios dramas históricos. La fecha de edición es de 1830 en París, también hace mella de todas sus obras completas. Martínez de la Rosa es un autor de transición, está también en el enfoque de la defensa, siempre moderado y sensato.

En estos apuntes explica que la historia esta siempre en el teatro. Habla del beneficio de transponer el teatro por la historia, es un ilustrado llamado siempre al cambio, hacia el romanticismo. Para Martínez de la Rosa la historia en el teatro es una característica inherente al propio teatro español, por esto forma parte de la defensa del teatro nacional.

“la historia interesa y atrae a un pueblo emprendedor, aventurero...”

Martínez de la Rosa.

Señala también la falta de tiempo del teatro histórico, es decir que no hay tiempo para representarlo bien documentado capaz de conseguir ese principio fundamental de verosimilitud.

El drama romántico no es una tragedia, lo que el dramaturgo puede añadir es mucho más. Un drama romántico está concebido para conmover el corazón y debe ofrecer vivo el sentimiento. Martínez de la Rosa, señala los siguientes elementos característicos:

• La consideración de la índole histórica de esa forma teatral.

• Disponer de una forma ordenada que cada elemento ocupe su lugar en el conjunto.

• Estos elementos deberán tener siempre un sentido de unidad.

Para que se cumpla todo esto el autor deberá enfrentarse con una mayor libertad a las reglas tradicionales del teatro occidental. Para Martínez de la Rosa la verosimilitud no se cumplirá si los cambios del decorado son derivados en un mismo ámbito.

La unidad de tiempo es algo fundamental para lograr la verosimilitud, por último se refiere al estilo y al lenguaje, habla de la necesidad de observar un decoro entre el lenguaje y la clase de personaje que se encuentran en el drama, es capaz de descender a un orden cotidiano.

Navas Ruiz, señala el carácter social que tiene el teatro, él lo entiende como un teatro comprometido con el concepto de su tiempo.

Los temas son siempre relacionados con la preocupación del hombre, se dramatiza la lucha del individuo frente a la tiranía. El hombre romántico defiende la libertad del individuo frente a la tiranía, en este sentido tenemos obras como La Conjuración de Venecia y otras obras de Martínez de la Rosa.

Podemos destacar también la obra Don Álvaro en la que está presente la lucha de clases, tenemos otra obra El Trovador en la que hay una exaltación del individuo sobre los códigos morales de la sociedad, también nos sirve el Macías de Larra. Hay también un continúo tratamiento de la historia nacional, es el marco preferido de los temas del drama romántico, que a veces se enfoca desde un punto de vista político y religioso.

Quieren ofrecer la imagen ideal del pasado como nobleza, caballerosidad, etc. la mayor parte de las obras del teatro español se acoge al drama histórico.

Desde un punto de vista formal podemos destacar como primordial:

• El drama romántico es una reacción contra el rigor formal que regía la tragedia neoclásica.

• El drama romántico supone la prioridad de un principio artístico fundamentado en la libertad.

• Es una forma híbrida de tragedia y comedia.

• Se sigue aspirando a la verosimilitud, hay que aspirar a la verdad, se adhiere lo grotesco.

• Mezcla entre prosa y verso.

Se rompen las unidades clásicas de acción y tiempo, los personajes están envueltos en situaciones cambiantes.

El número de los actos varía de unas obras a otras, oscila entre 3 y 5 en el que se constituye la acción dramática, se refiere a estos actos como jornadas.

Son importantísimos los personajes, corresponden a estereotipos fijados, destacan ante todo quienes son los héroes y las heroínas.

Se caracterizan por su ideal de libertad, que se hace compatible con el amor. Nunca se ve complacido, se mueve entre extremos muy opuestos, personaje que ama la vida y se siente avocado por el dolor y la muerte.

Los demás personajes están como testigos frente a la muerte de los protagonistas, o sino contribuyen a ello. Hay una somatización por los buenos o por los malos.

Frente a esto el héroe o heroína se presentan con una individualidad enorme. Cada héroe tiene sus propias circunstancias que dependen de la conceptualización espacio-tiempo.

El amor es concebido siempre como un elemento de tragedia, aspiran a dramatizar la unión perfecta y total de los amantes.

Martínez de la Rosa. La Conjuración de Venecia

Escritor y político español. Nació en granada y falleció en Madrid. De familia acomodada de comerciantes. Se graduó en leyes y fue nombrado catedrático de la Universidad de Granada. Asistió a las cortes de Cádiz y fue encarcelado al abolirse la Constitución. Huyó a Francia donde conoció las novedades románticas. Típico autor de transición, evolucionó desde una posición neoclásica hacia el romanticismo. Su teatro clasicista comprende una comedia minoritaria titulada La viuda de Padilla, es una tragedia al estilo de las de Alfieri y Quintana. Inició el teatro romántico en España con dos dramas: la Conjuración de Venecia y Abén Humeya.

-Abén Humeya, escrito primeramente en Francés. Fue estrenado en París y más tarde en España. Su asunto se refiere a la sublevación de los moriscos en la Alpujarra y su estilo se encuentra avanzado hacia el romanticismo, ya que aún mantiene las unidades de acción y tiempo.

-La Conjuración de Venecia, se estrena en 1834, drama histórico. Se basa en un tema extendido de la historia, se basa en la historicidad. Hay una mayor ligereza, una mayor distancia en el hecho tratado. Su tema es la Edad Media, hay una suma de elementos románticos.

Protagonista Rugieno

Mezcla de temática política e ideológica, el protagonista se ve implicado en una historia sentimental. Se enamora de Laura, sobrina de su enemigo. Tenemos un acto de rebeldía política y trama amoroso, complicada además por que descubre al final que su enemigo es su padre, descubre su verdadera identidad. Se resuelve tan solo al final. Existe un cruce entre lo político y sentimental en torno a un personaje típico romántico, heroico, victima del estado al cual se ha enfrentado.

Martínez de la Rosa hace que su trama sea un estudio político que plantea lo que podíamos decir la revolución. Se plantean varias cuestiones:

• No es contra el estado ni las leyes, sino contra el tirano que abusa del poder que oprime al pueblo.

• El peligro que tiene cualquier revolución para los nobles.

• Idea de que la rebelión finalmente va a fracasar, que el poder se impondrá sobre el individuo. Individualidad por luchar.

Son románticos. Obedecen a ese típico romántico tanto en los vestuarios, los decorados como la elección de determinadas situaciones que con el tiempo van a quedar como estereotipos.

Conjuración de Venecia Recinto del cementerio

Hay una acumulación de elementos horribles, terribles que se presentan como visión de la tortura, una vez que son capturados.

En el drama romántico participa en gran medida de lo espectacular, juega con una serie de elementos visibles y sonoros que están llamados a llamar la atención del público.

Conjuración de Venecia situar la acción en el

carnaval

Románticos son Laura y Rugieno, pareja romántica, su amor sucumbirá, al mismo tiempo que su libertad. Es muy llamativa la escena del acto 5 en la que se descubre la verdadera identidad. Por lo demás, los personajes de este drama están cargados de fuerza, pasión y muy bien conseguidos, son trágicos. Hay una mezcla de influencias (tragedia neoclásica) que incorpora elementos melodramáticos.

Conjuración de Venecia modelo romántico con

elementos melodramáticos.

Esta obra está en su totalidad escrita en prosa. Para Vicente Llorelsh, Martínez de la Rosa es un autor de transición, para él lo demuestra la esencia acompañándolo por los apuntes que dejó Martínez de la Rosa en los que justifica la obra.

Mariano José de Larra. Macías.

Nace en Madrid en 1809, pero se traslada a Francia poco después. En 1818 regresa a España, estudia derecho en Valladolid y Medicina en Valencia. A los 19 años abandona los estudios para dedicarse al periodismo.

Se casa con Josefina Wetoret en 1829, este matrimonio dura poco y se separan pocos años después. Es elegido diputado por Ávila. Larra se suicida en 1837 muy poco después de escribir un articulo “ La nochebuena de 1836”. Un posible motivo del suicidio puede ser el desespero que sentía Larra frente al fracaso de las ideas liberales en el ámbito político de la época.

Macías. Obra de 1834. Obra de transición. Drama histórico que se divide en 4 actos, obra en verso.

Cuenta la historia de un poeta (trovador) que es objeto de otras obras teatrales. Larra da un enfoque nuevo a lo que habían hecho sus predecesores, intenta dar un drama histórico a través de la historia y la leyenda.

Cuenta la historia de amor del trovador, ella se casa con su rival Fernán Pérez, por una serie de abatares que lleva a su unión matrimonial, una unión antinatural, por que no hay amor. Esta unión de la dama con el rival se sucede y cuando Macías y ella se pretenden casar.

Es un conflicto amoroso que se mezcla por la venganza del amor. Doña Elvira se casa con Fernán por que este lo tenía pactado con su padre y por que pasa el tiempo de un año para Macías para poder hacer fortuna para poder casarse con su hija.

Los espectadores ven avanzar el tiempo sin poder detenerlo. Larra se adelanta en este sentido.

El tema principal es una vez más la lucha de los sentimientos del individuo contra la sociedad, teniendo en cuenta que la unión de Doña Elvira y Fernán es un pacto entre nobles y por tanto una operación regida por el poder de la sociedad.

Ya el título de la obra nos presenta al personaje como eje central. Su historia trágica se nos presenta vertebradamente y nos deja ver toda la trama.

Macías participa plenamente del romanticismo, es un personaje de una humanidad plena que es la que quiere llamar toda la atención de los espectadores.

A pesar de que hay historia también está la intención de aportar elementos históricos que permitan la verosimilitud de la construcción ambiental de la obra, acción propia del siglo XV.

Los personajes que Larra despliega presentan todos ellos rasgos psicológicos del siglo XIX. Macías en su defensa de su pasión en su muerte y su venganza en todo momento se muestra como un liberal del siglo XIX. Por eso resulta difícil clasificar el drama de Larra dentro del teatro de su tiempo (no es una tragedia ni melodrama romántico sino drama).

Larra ante todo intentó plasmar la vida íntima de un hombre muy semejante a él, ya que hay una conexión entre ellos. Hay aspectos en la obra que ayudan a clasificarla hacia el romanticismo. El autor al tratar la historia y el contraste de esos personajes se produce el efecto de una temporalidad exacta, nada real, no es una obra histórica sino cercana a la tragedia neoclásica, es un tratamiento de la historicidad. Son diferentes escenarios, todos correspondientes al mismo lugar y se representa la unidad de espacio.

Duque de Rivas. Lanuza. Don Álvaro.

Poeta y dramaturgo español romántico, llamado Ángel Saavedra, más conocido como Duque de Rivas. Pertenecía a una familia aristocrática cordobesa. Realizó sus estudios en el seminario de Nobles de Madrid y después ejerció en el ejercito. Fue condenado a muerte por Fernando VII pero pudo huir a Inglaterra, de donde pasó a Malta luego a Francia y por último regresó a España tras diez años de destierro que le conocieron para conocer el romanticismo europeo. Hereda el título de duque y dirige la real Academia. Inicia su carrera literaria dentro del neoclasicismo, como acreditan unas poesías y varis piezas teatrales.

Lanuza, 1822. tragedia histórica de 5 actos escrita en verso, la compone en Córdoba(periodo del trienio liberal). Aprovecha las posibilidades que le da un personaje real de la historia, personaje de Aragón del siglo XVI, el hecho se refiere a cuando Juan de Lanuza es nombrado justicia mayor de Aragón en el conflicto de Felipe II de Aragón. Antonio Pérez se refugia en el reino de León y propone a Lanuza y a otros personajes a utilizar los cañones para que no entren las tropas de Felipe II en Aragón, estos se oponen y es decapitado.

Lo que el duque de Rivas quiere reflejar es el símbolo de la tiranía, es lo que resalta y sirve para dar unidad a la obra, no importa que la obra no incurra en ciertas inexactitudes históricas, ya que no se pretendía hacer un estudio objetivo de la obra sino captar un hecho, hay una condena de un hecho histórico.

La obra quiere ser un estudio político que denuncia la opresión moral que conduce la tiranía a través de la presentación, es todo el pueblo enfrentado con esa tiranía.

Si hay un elemento que esté presente en el Duque de Rivas es el fervor patriótico, aunque este sentimiento esté sujeto por una evolución al trascurso de la obra. No es el mismo sentimiento del Duque de Rivas en esta obra que en otras siguientes.

Se trata de una obra imperfecta en comparación con otras obras por que los personajes aún no están cargados de contenido, son personajes de una sola pieza, los demás personajes no tienen contenido, son demasiado simples.

Algo muy diferente ocurre con Don Álvaro.

Don Álvaro obra compuesta en su exilio en el año 1831, compuesta también de 5 actos en que mezcla la prosa con el verso. Obra muy moderna que lleva a transgredir una indicación tradicionalmente aceptada: Verso + prosa.

La trama de Don Álvaro se enfoca principalmente en el destino. En este sentido la crítica actual lo ha querido ver como “las tragedias del destino”, utiliza también elementos costumbristas.

Trama: personaje romántico, cristiano acaba de desembarcar en Sevilla procedente de las indias, cuyo pasado se desconoce. Su identidad es desvelada en la 3 escena.

Don Álvaro se enamora de Doña Leonor pero su padre no quiere el matrimonio. Sin querer en una disputa se le dispara y mata a su padre, él huye a Italia con otro nombre y ella se va al convento de Córdoba.

Casualmente se encuentra a don Carlos, y en un enfrentamiento mata a don Carlos, hermano de su amada.

Tiempo más tarde su otro hermano Don Alfonso se encuentra con Don Álvaro y se baten a duelo, al escuchar los gritos aparece Doña Leonor y al creer su hermano que estaban juntos, la mata y el luego Don Álvaro se arroja matándose.

Don Álvaro se puede considerar como una confluencia de elementos de distintas tendencias.

Los hermanos se marcan el objetivo de matar a quien le ha dado muerte a su padre: van a todos lados en su busca.

El destino no se plantea como eje, pero si es fundamental, es implacable, absurdo, caprichoso, irracional.

Da una dimensión trágica a la obra y al mismo tiempo una profundidad romántica, esta combinación del azar y necesidad más un elemento irracional y la afirmación de que la motividad del hombre viene llamada por cosas absurdas, todo esto concede a la obra un aliento trágico y romántico.

Es una tragedia no sólo por la muerte de todos sino por que se deriva una idea trágica de la vida.

Está presente la idea de Calderón de que el mero hecho de hacer al hombre, es ya una forma de destinarlo a la tragedia.

En el caso de Don Álvaro este destino se multiplica por el hecho de que al nacer trae una serie de factores que lo llevan a ser una víctima de factores: mestizo, no pureza racional, la sociedad...

El destino no puede sino ser trágico por la sociedad.

En este destino el drama de Rivas ejemplifica el choque, la colisión del personaje y la sociedad y los valores morales que rigen esa sociedad.

Don Álvaro interviene decidiendo su propia muerte, interrumpiendo así el orden de la obra.

El desenlace de Don Álvaro fue por ese motivo incomprendido ya que los católicos no podían dar fe a su acción, “no formaba parte de sus creencias”.

Lo de lanzarse al vacío es una acción positiva ya que se antepone la libertad individual.

El héroe de autodestruye y con eso destruye la vida que le fue dada sin haberla pedido, se revela frente a la sociedad injusta y hacía un destino injusto y dañino. Esto confiere al personaje de una complicidad, un ser misterioso, ser afirmativo, angélico pero a la vez diabólico ya que se identifica con el demonio.

Su suicidio se separa del teatro antiguo español según la crítica. Toda la crítica del momento critica y afirma la novedad que marca el comienzo de un teatro inédito en España. Esta novedad se concreta en el tratamiento claramente trasgresor de la obra cuando se reproduce en sitios tan diferentes como Sevilla, Italia...

Importante es también el tiempo, se ha llegado a contar hasta 6 años de duración de la trama.

Hay elementos costumbristas, se puede decir que un elemento romántico es la combinación de elementos sombríos y grotescos, a veces, muy populares.

Se combinan y se entremezclan elementos de tragedia y comedia.

Es interesante la utilización de prosa y verso, no existe una clara diferenciación.

Son personajes perfectamente perfilados, sobre todo Don Álvaro y Doña Leonor, son la típica pareja romántica. Ella es la típica mujer enamorada que vive y muere por amor.

Acción rápida, rapidez de vértigo que impide la reflexión de los sentimientos.

Final espectacular, se tira por un precipicio junto con los elementos de la naturaleza y la música(los monjes que van a ver lo ocurrido cantan).

Hartzenbush, Los amantes de Teruel.

Hijo de un alemán, nació en Madrid, de origen humilde. Fue un notable erudito y consiguió dar a sus obras una corrección formal de la que carecen otras producciones del momento.

Los amantes de Teruel, obra de 1837, drama histórico que recrea elementos más bien de leyenda que de historia.

En Teruel había dos tumbas que se entiende que eran los dos jóvenes: Diego de Marsilla e Isabel de Segura. Esta leyenda arraigó en los españoles. Hartzenbush rodeó esta historia de una serie de elementos propiamente románticos, respetando los elementos de la leyenda: desenlace y el final. Después de la muerte se seguirán amando.

Argumento:

Dos enamorados Diego de Marsilla(sin nombre y sin fortuna) e Isabel de Segura, el padre de ella exige a Diego antes de la unión que se marche durante 6 años a ganar dinero y un nombre(sucede todo esto antes de la obra).

La obra comienza cuando solo quedan 6 días para que pueda tener acceso al amor de su hija. El hecho más importante de la obra es cuando la suerte del protagonista se tuerce, él había ido cumpliendo todos los requisitos exigidos pero al llegar a Valencia es hecho preso de los moros y Zulima se enamora locamente de él y este amor es uno de los más grandes impedimentos para llegar a Isabel. Le impide que vuelva a Teruel para casarse con ella. Mientras tanto Isabel había prometido esperar a Diego pero la existencia de un noble Rodrigo Azagra. Rodrigo utiliza el chantaje por que existen unas cartas muy deshonradas de su madre con un amante suyo así que la presiona para que se case con él. Tiene que decidir o por el amor de Marsilla o por el de la madre.

Os hechos van avanzando lentamente por que Zulima manda un mensajero a Teruel con la falsa noticia de que Diego ha muerto, de esta forma cuando Marsilla por fin llega a Teruel se oyen las campanadas de la boda de su amada y Rodrigo, ya se ha producido la ceremonia, aquí tenemos a Diego contra la sociedad de un hecho consumado.

Los dos personajes se parecen en que se revelan contra los lazos sagrados del matrimonio.

Se produce un encuentro, ella lo desprecia y eso se vuelve contra él, en ese momento cae un rayo y muere. Isabel a ver a su amado cae también fulminada en ese mismo instante, esta pasión no fue concebida por la crítica.

El tema de Hartzenbush es un sentimiento puro, un amor casto con origen celestial por que ellos afirman que nacieron con él.

El amor contra la sociedad; la sociedad siempre se mantiene, el amor de los personajes perece.

Es una versión romántica de la vieja leyenda, se puede remontar a otras antiguas leyendas a través de este amor purificador, uso personajes que mueren por él, en este mundo material e imperfecto, frente a ese amor perfecto e infinito.

El hombre es presentado como un ser superior, hombre bueno no puede vivir en un mundo malo que lo rodea y se presenta como un ángel bueno. No hay que olvidar que el conflicto no sólo presenta una visión individual sino desde una perspectiva de lo social.

Individuo Sociedad Amor

Se une a todo esto la fatalidad, dentro de convierte todo en trágico, un final trágico.

La leyenda a pesar de mantener las líneas esenciales o permanentes se somete a un cambio que lleva a incorporar al autor hechos como: el adulterio de la madre.

También aparecen otros elementos nuevos como son el exotismo de muchas escenas: los motivos orientales...

Elementos costumbristas: el episodio del acto 4 cuando marsilla está llegando a Teruel cuando es atacado y atado por unos bandoleros

Por otra parte representan una estructura más equilibrada que otras obras sobre el mismo tema, y esta mejor estructuración se debe a la forma que Hartzenbush lleva la concentración del tiempo y espacio. El dramatismo es llevado sobretodo por esta concentración.

El plazo es un elemento inherente en la obra pero Hartzenbush hace darle al tiempo otra visión, el plazo o el tiempo funciona como otro personaje más, tienen la misma presencia que en el Duque de Rivas, en el que el destino es un personaje físico. Es el tiempo la principal amenaza de la vida, esta función es absolutamente esencial y la consigue por la variación estructural de la presentación del tiempo.

Se produce una gradación perfecta en el tiempo:

Los demás elementos que convergen en el drama se dan en el romanticismo de la obra:

• recurso de polimetría

• mezcla prosa / verso

Hartzenbush hace una lectura de la leyenda que es contraria a la de Tirso. Son diferentes en:

• el concepto de autoridad paterna

• el tratamiento del honor

• Interpretación de los lazos del individuo con la sociedad.

La última edición tiene muchos cambios para conseguir una visión más clásica y menos romántica. Tiene 5 actos resumidos en 4 actos. Hay una eliminación de lo sublime y lo grotesco.

Antonio García Gutiérrez. El Trovador.

Nació en Chiclana, Cádiz. Abandonó los estudios de medicina y se dirigió a Madrid. El éxito que le produce el estreno de El Trovador le hace dedicarse completamente al teatro. Viaja luego por América y Europa y ocupa la dirección del museo arqueológico nacional. En este autor podemos observar el paso del primer romanticismo, violento, a una posición más moderada. Se entrega por completo a la creación teatral.

La crítica suele ponerle acento en dos de sus obras:

• Venganza catalana, obra de 1864. El asunto gira en torno a la venganza de los almogávares contra los griegos a consecuencia del asesinato de su jefe. Toda la obra esta llena de aliento épico y de emoción patriótica; esta basada en una falsedad histórica.

• Juan Lorenzo obra de 1865. A pesar de ser un fracaso, es la obra que más apreciaba el autor. Está escrita en un estilo sencillo y combina una trama amorosa con un tema histórico. Hay un intento de caracterización psicológica, como lo demuestra la figura del protagonista.

Pero de todas formas la producción de García Gutiérrez se destaca por El Trovador. El propio García Gutiérrez hizo una parodia de El Trovador en su estancia en México y Cuba en 1846: Los Hijos del Trío Tronero.

Hay una serie de elementos constantes que el autor no pierde nunca es característico en su teatro la utilización de situaciones límites que lo conduce a la muerte.

Trata a la mujer como un ser pasivo, puesto al servicio del enamorado, su heroína se presenta siempre como un héroe con gran voluntad. Al autor le obsesionan dos temas principalmente: la revolución del individuo-sociedad y la venganza como elemento fundamental de la conducta humana.

El Trovador, esta dividida en cinco jornadas o actos, que a su vez se subdividen en varios cuadros. Cada una de las jornadas lleva un título que nos guía sobre el contenido de las mismas. Los doce cuadros nos sitúan en lugares muy diversos. La diversidad se rige también cuanto a los registros sociales que van desde el salón de un palacio real a la cabaña de una gitana. Esta diversidad es tipicamente romántica, hay un respeto por las unidades de acción, de tiempo y de lugar. El tiempo es también muy libre. Entre la primera y la segunda jornada a transcurrido un año. El drama alterna con habilidad los momentos de especial tensión dramática con los de una relajación mas lirica, alcanzándose un romántico equilibrio entre el reposo y la acción. Se pasa de una escena de calma a otra de gran agitacion. Este elemento es uno de los recursos habituales de García Gutiérrez que utiliza para dar variedad a su trama y para crear un clima de equilibrio-desequilibrio que mantiene al espectador en vilo. Otra característica es como están construidos los finales de cada jornada. El autor nos ofrece en todos ellos una secuencia de gran dinamismo y de violencia en los que encierra una dosis nada desdeñable de suspense.

La estructura teatral de la obra se asienta además sobre los dos grandes temas que dominan el drama: el amor y la venganza. El amor era tema obligado en una obra perteneciente al nuevo teatro, pero la venganza jamás había estado tan ferozmente marcada como ahora en esa lucha tan esencialmente teatral, entre amor y venganza. El tema del amor domina las dos primeras jornadas; el conflicto es claro, dos hombres enamorados de una misma mujer que luchan por ella. Lo enrevesado del drama es que los dos rivales son hermanos sin saberlo. Naturalmente la heroína, Leonor, ama al mejor de ellos, al que es más valiente, más sensible y también más misterioso y desvalido. El amor de Manrique y Leonor tiende a conjugar pasión erótica y anhelo espiritual.

La mujer representaba no solo la satisfacción de los sentidos sino también la de la inteligencia y aun otra cualidad que está presente en El Trovador: el sentimiento religioso.

Pero además de estos dos grandes temas la obra nos ofrecen otros que contribuyen a enriquecer su universo dramático, como el suicidio, el honor y la guerra civil. El tema de las guerras civiles es habitual en García Gutiérrez.

El otro tema interesante que se suscita en la obra es el conflicto que se establece entre las distintas clases sociales. Estas diferencias de clases sirven también para poner aprueba el amor de la heroína. Manrique le acaba confesando que es hijo de gitana, Leonor, como es de esperar reacciona no importándole la extracción social del hombre al que ama.

Argumento

El Trovador Manrique hijo de la gitana Azucena, ama a Leonor, a quien también pretende el Conde de Luna (Don Nuño de Atal), en una disputa entre estos dos personajes masculinos dan por muerto a Manrique. Al creer que a muerto Leonor ingresa en un convento. Manrique se entera y va a buscarla. Al llegar allí deciden huir pero el Conde que también va en busca de Leonor los encuentra y los apresa. Manrique es condenado a muerte y al oír la noticia Leonor se suicida. Azucena, (que al intentar vengar la muerte de su madre rapta al hermano de Don Nuño y lo quema vivo; pero lo que nadie sabe que a quien quemó en verdad fue a su propio hijo y que Manrique era el hermano de Don Nuño) intenta detener el suplicio pero no lo consigue y en ese momento confiesa que El Trovador era hermano suyo.