Compositores rusos

Música clásica de Rusia. Escuela rusa. Nacionalismo. Modernismo. Postmodernismo. Rimsky-Korsakov. Borodin. Mussorgsky. Tchaikovsky. Rachmaninov

  • Enviado por: Margriet Berndt Ortiz Y Otros.
  • Idioma: castellano
  • País: Chile Chile
  • 37 páginas
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DUOC UC - VIÑA DEL MAR

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LENGUAJE DEL SONIDO

FECHA ENTREGA: 24/5/2000

COMPOSITORES MUSICA DOCTA RUSOS

INDICE

Que es Música Clásica 3

Breve Historia de la Música Clásica 3

Medieval 3

Renacimento 4

Barroco 4

Clásico 5

Primer Romántico 5

Segundo Romántico 6

Los Años de las Post-Guerra 7

Música Docta Rusa 7

Introducción 7

La Escuela Rusa 8

Nacionalitas 12

Compositores Nacionalistas Rusos 12

Los Cinco 14

Otros Nacionalistas 18

Musica Docta Rusa Del Siglo XX 24

Post Modernistas 24

Otros Modernistas 25

Otros Compositores Rusos del Siglo XX 28

Paralelo con el Folklore Ruso 29

Antecendentes del folklore ruso 29

Algunas Precisiones Musicales 32

Instrumentos Populares Rusos 32

Comparación 34

ANEXO - Categorías Musicales Clásicas 35

Bibliografía 37

¿Qué es Música Clásica?

El término música clásica tiene muchos significados: música de la época clásica (período de Mozart, Beethoven, etc.); música ancestral china antes de las influencas del mundo occidental: o el sinónimo de música artística, en contraste con la popular o folklórica. Esta última es la que llamamos música clásica o música docta, que comprende todos los períodos de la música (desde la Edad Media) hasta nuestros dias y es en la cual enfocaremos nuestro trabajo.

Compositores rusos
Breve Historia de la Música Clásica

Hemos visto como compositores a través de los años han escrito en una amplia variedad de estilos, y para una aún más grande variedad de instrumentos musicales y las combinaciones de ambos, para ser concretos. Pero, exactamente... ¿cómo esta montaña de material musical nació y cómo todo se relaciona? El siguiente resumen nos permite visualizar la hitoria de la música, desde sus comienzos con el canto Gregoriano, hasta hoy, nombrando también de paso, los más conocidos compositores de este tipo de música: la clásica o música docta.

  • Medieval (1150 - 1400)

Este es el primer período en que podemos conocer con exactitud la música de la época y cómo ésta sonaba. La primera música secular escrita se remonta a los trobadores del siglo XII, pero los manuscritos más notables emanaron de lugares de aprendizaje usualmente conectados de alguna forma con la iglesia, por ésto, inevitablemente la música medieval tiene bases religiosas.

Cantos Gregorianos y Melodías Planas, que son monofónicas (escritas como una línea musical) gradualmente se desarrollaron durante los siglo XI, XII y XIII hasta llegar al Organum (dos o tres lineas musicales moviéndose simultaneamente pero independientemente, por lo tanto casi innadvertidamente representando los inicios de la armonía musical). El Organum estaba, empero, inicialmente enmarcado por rígidas leyes de la melodía y el ritmo, que al final lo llevaron al muy renombrado período “Ars-Nova” (o arte nuevo) del siglo XIV, principalmente representado por compositores como De Vitry, Machaut y Landini.

  • Renacimiento (1400 - 1600)

El siglo XV fue testigo de una variedad creciente de libertades, particularmente en términos de lo que realmente se percibía de la “armonía” y la “polyfonía” (las tendecias simultaneas de movimiento de dos o tres partes interrelacionadas entre sí). Los compositores (aunque apenas se les percibía como tales) estaban aún casi enteramente devotos a escribir música coral, y pocas composiciones instrumentales han sobrevivido para, comunmente, crear la impresión (en muchos caso muy certera) de ser trabajos vocales en desgracia, pero sin las palabras.

Hay, obviamente, una variedad textural y de contraste, por eso, por ejemplo, una parte particular de la composición era subrayada por una parte vocal cayendo momentaneamente, sólo volviendo en momentos especiales para dar énfasis. Los cuatro más influyentes compositores del siglo XV eran: Dunstable, Ockeghem, Despres and Dufay.

La segunda parte del siglo XVI fue testigo de los comienzos de la tradición que muchos amantes de la música asocia con la percpción comun de la música “clásica”. Gradualmente, los compositores de alejaron del sistema armónico, que había predominado por más de 300 años (y todavía suena arcaico para algunos oídos modernos), hacia la organización de susu trabajos en mayores y menores escalas, impartiendo así la fuerte sensación de que cada pieza tenía un tono central definitivo o “llave”.

Este fue también una época dorada para la composición coral, en un fluir sin fin de la capela (sin acompañamiento), misas, motetos, himnos, salmos y madrigales que florecieron desde los lápices de los maestros de la época. En adición, la música instrumental nació como una sóla por primera vez, especialemte la música de teclado en formas de fantasías, variaciones y bailes movidos. Los compositores de notación particular incluyen a Dowland, Tallis, Byrd, Gibbons, Frescobaldi, Palestrina, Victoria, Lassus, Lobo, Cardoso and Gesualdo.

  • Barroco (1600 - 1750)

Durante el período Barroco, los logros obtenidos duraron 300 años después de expresión musical: la idea de la orquesta moderna nacía, en conjunto con la Opera (incluyendo la overtura, preludios, aria, recitativo y coros), el concierto, la sonata, etc. La delgada familia de las cuedas de violas del Renacimiento, gradualmente se conviertieron en violines más gruesos, violas y chelos, el arpa fue inventada, e importantes avances se hicieron en todos los grupos instrumentales.

Hasta el 1700, los viejos modos musicales se mostraban de vez en cuando al “colorear” ciertas lineas melódicas o progresiones vocales, pero desde el principio del siglo XVIII la moderna armónica basada en escalas altas y bajas se usaba en toda Europa. La música coral ya no dominaba, y a medida que los compositores cada vez escribían más trabajos instrumentales idiomáticos para semblanzas de creciente color y variedad, la llamada música “clásica” (en oposición con popular) gradualmente se hizo camino en la sociedad, siendo tocada al aire libre, en fiestas y funciones especiales, o como espectáculos en formas de ópera. En un nivel puramente doméstico, todas las damas de buen estatus tendrían a instrumento para tocar, y a las horas de comida las grandes y ricas mansiones contrataban músicos para tocar los que popularmente se llamaba “tafelmusik” (o música de mesa) en Alemania, entre los cuales Telemann fue quizás el compositor más famoso.

De los muchos compositores del siglo XVII que pasaron por esta explosión de la música docta, los siguientes fueron increíbles: Monteverdi, Corelli, Alessandro Scarlatti, Schutz, Buxtehude, Purcell y Lully. Aún, los compositores más populares de este período, aquellos que parecen definir por sus mismos nombres el verdadero sonido de la música barroca en su mayor colorido y sofisticación son: Johann Sebastian Bach, Handel, Telemann, Rameau, François Couperin, Domenico Scarlatti, y Vivaldi, todos ellos estubieron en su máxima expresión creativa durante la primera mitad del siglo XVIII.

  • Clásico (1750 - 1830)

La era Barroca, fue testigo de la creación de un número de géneros musicales que mantendrían una pauta en la composición en años aún por venir, es más, fue el período clásico quien vió la introdución de una forma musical que ha dominado la composición instrumental hasta la actualidad: la sonata. Con ella vino el desarrollo del concierto moderno, de la sinfonía, del trio y cuarteto a un nuevo nivel de estructuración y refinamiento expresivo. Si la música del Barroco es notable for su estructura intrínse, entonces el período Clásico se caracteriza por una casi obsesión por la claridad estructural.

La semillas de la era Clásica fueron plantadas por un npumero de compositores cuyos nombres ahora están largamente olvidados como Schobert y Honnauer (ambos alemanes que trabajaron en París), como también por nombres históricamente más respetados, incluyendo Gluck, Boccherini y los últimos tres hijos de Johann Sebastian Bach: Carl Phillip Emmanuel, Wilhelm Friedmann y Johann Christian (el llamado 'Londres' Bach). Ellos fueron representantes de un período que es variadamente describido como rococó, implicando un alejamiento gradual del artificio del Alto Barroco, el más tarde estilo novelezco basado en simetría y sensibilidad, que vino a dominar la música en la segunda mitad del siglo XVIII mediante dos compositores de significancia extraordinaria: Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart.

  • Primer Romántico (1830 - 1860)

A medida que la época clásica llegaba a su total desarrollo, se veía crecientemente claro (especialmente con los últimos trabajos de Beethoven y Schubert) que la cantidad y la intensidad de los compositores expresionistas que buscaban alcanzar ir más allá de lo clásicamente designado orquesta/piano, podrían posiblemente lograr. El siguiente período en la historia de la música entonces, encontró compositores tratando de balancear la expresividad y la formalidad de la música con una serie de aproximaciones que pudieron dejar a los compositores de cualquier época anterior disgustados. A medida que el “mapa” musical se habría, con escuelas nacionalistas comenzando a surgir, fue la búsqueda por originalidad e individulidad de expresión que comenzó aquí, y que luego sería una obsesión sobre-manejada en el siglo XX.

La era Romántica fue la edad dorada para el virtuoso, dónde la más dificultosa música sería performada con una facilidad increíble, y el tema más innocuo en composición sería desarrollado en gran escala para el disfrute de la aduladora audiencia. El rango emocional de la música durante este período fue aumentado, como lo fue su vocabulario armónico y el rango y número de instrumentos que eran considerandos para ser tocados. La música comunmente cuenta con un “programa” adjunto a ella, algunas veces de una naturaleza desvanecedora o trágica, ocasionalmente representando tal fenómeno natural como rios o caballos al galope. Los siguientes cien años encontrarían compositores acuñando con todo su corazón los ideales del romanticismo, o en alguna forma reaccionando en contra de ellos.

De los compositores del Romántico Temprano, dos nacionalistas merecen una mención especial, el ruso Glinka y el bohemio Smetana. De todas formas, los seis líderes de esta época fueron: Berlioz, Chopin, Mendelssohn, Schumann, Liszt y Verdi.

  • Segundo Romántico (c.1860 - c.1920)

Con las excepciones honorables de Brahms y Bruckner, los compositores de este período compartían la tendencia general hacia dejar su inspiración fluir naturalmente, libremente, a menudo marcando sus composiciones más en términos de contenido emocional y continuidad dramática que el crecimiento orgánico estructural. Esta fue una era alumbrada por la extraordinaria aparición rápidamente de las escuelas nacionalistas, y la supremacía operaria de Verdi y Wagner. El eventual término del Romanticismo vino con la fragmentación del estilo básico, los compositores pertenecientes a escuelas de composición, cada una de ellas con estilos que estuvieron de moda sólo por un corto período de tiempo.

Es un período muy rico en nombres famosos de compositores, por ésto hemos decidido nombrar sólo los que nos conciernen a nosotras: los rusos.

Rusia

De todos los países que lograron reconocimiento internacional de composición durante el siglo XIX, ninguno se hacerca a la extrordinaria aparición de talentos como Rusia en la segunda mitad del siglo. Desde 1860 en adelante una rama de atractivos e inspiradoras composiciones fluyeron de los lápices de la escuela de San Petersburgo que incluía nombres como Alexander Borodin (1833-1887), Mily Balakirev (1837-1910) compositor de “Islamey” y lider del grupo conocido como 'Los Cinco', Nikolay Rimsky-Korsakov (1844-1908) el compositor de Sheherazade, y Modest Mussorgsky (1839-1881) famoso por “Cuadros en una exhibición” y “Noche en Monte Calvo”.

Pre-eminente, fue el moscovita Peter Tchaikovsky (1840-1893), posiblemente el más popular de los compositores románticos y responsable por tan amadas obras de arte como los balets “El Lago de los Cisnes”, “Cascanueces” y “La Bella Durmiente”, también como por sus overturas de 1812 y de Romeo y Julieta. La tradición de San Petersburgo fue luego principalmente sostenida por Alexander Glazunov (1865-1936), siguiendo la herencia de Tchaikovsky: Alexander Scriabin (1872-1915) en sus primeros años, y en particularel último de los grandes románticos, Sergey Rachmaninov (1873-1943).

  • Los Años de la Post Guerra (1920 hasta el presente)

El período desde la Primera Guerra Mundial es sin dudas en más alocado de todos, a medida que los compositores se separaron en varias y aparentemente contradictorias direcciones opuestas. Típico del dilema de los años entre las guerras, por ejmeplo, son los austríacos, Webern y Lehar, el primero estaba experimentando con grandes compresiones y formas avanzadas llamadas “estructura en serie”, mientras simultáneamente Lehar estaba aún trabajadno en un estilo de pequeña ópereta que no parecía fuera de lugar medio siglo después.

Tan diversoso son los estilos adoptados a lo largo del siglo XX que sólo por experimentación los escuchas podemos descubrir por nosotros mismos si ciertos compositores son a nuestro gusto particular o no.

MÚSICA DOCTA RUSA

Introducción

Ya que los instrumentos musicales estaba prohíbidos en los servicios religiosos Ortodoxos, la música rusa y consequentemente la opera estubieron retrasadas en su desarrollo como formas de arte hasta tiempos más recientes. Típicamente, los coros rusos cantaban sin acompañamiento excepto por el ocasional sonido de un tambor. La música vocal secular no se desarrolló hasta los 1800s. Desde entonces las operas rusas, las sinfonías, las composiciones instrumentales, y canciones artísticas en general, han florecido. La mayoría se basa en patrones melódicos y rítmicos de la música folklórica rusa y temas nacionalistas. Los últimos fueron particularmente demarcados durante el período Soviético.

El instrumento folklórico más ancestral era un tipo de zítara, el “gusli. Otros instrumentos de cuerda tradicionales son: la domra, gudok, y la balaika. Este último, triagular, con tres cuerdas , con un corto cuello y muy popular durante los 1800s en los salones de ciudad como en el campo. Los instrumentos de viento incluían la dudka y el suirel (ambos como flauta).

La música rusa maduró en 1836 con “Una Vida para el Czar” de Mikhail Glinka, luego llamada 'Ivan Susanin'. Glinka tambien produjo un cuento de hadas musical basado en el poema de Pushkin 'Ruslan and Lyudmila' (1842), pero las operas de Glinka's contienen muchos ejemplos de estilo italiano.

La escuela rusa nacionalista fue fundada por Modest Musorgski con la producción de la ópera 'Boris Godunov' (1869). Musorgski era uno del grupo que luego los críticos llamaron “Los Cinco” . Este grupo incluía a: Mili Balakirev, Nikolai Rimski-Korsakov, Aleksandr Borodin, y Cesar Cui. Balakirev se destacó por su música clásica de influencia floklórica. Rimski-Korsakov desarrolló el orientalismo a su perfección con sus óperas de cuentos de adas y en la brillante suite sinfónica 'Sheherazade'. Borodin siguió los mismos pasos en su ópera 'Principe Igor'. Cui compuso formas perqueñas.

No es miembro de “Los Cinco”, pero el compositor ruso más famaso es Peter Ilich Tchaikovsky, quien hizo la bien conocida “Overtura de 1812”, y muchos otros trabajos, incluyendo sinfonías, poemas simfónicos, operas, balets, conciertos, y piezas para piano. Indiscutiblemente ruso, con influencia Tchaikovscoviana, es el liricismo melancólico perpetuado por en la música de Sergei Rachmaninoff, el último de los compositores romásnticos rusos.

Compositores famosos rusos del siglo XX son: Igor Stravinsky, Sergei Prokofiev, Nikolai Miaskovsky, Nikolai Medtner, Aleksandr Scriabin y Dimitri Shostakovich. Stravinsky, empero, vivió en Francia y en los Estados Unidos en la mayor parte de su vida “creativa”. Prokofiev dejó Rusia en 1918 después de conducir su primera actuación en su ya conocido “Sinfonía Clásica”. No volvió ha quedarse en Rusia hasta 1932. Shostakovich compuso 15 sinfonías y dos óperas, alguna de las cuales recibieron una fuerte crítica por no seguir la linea del realismo socialista.

La Escuela Rusa

  • Primer periodo

Después de Pedro el Grande, todo el “arte erúdito”, “oficial”, estaba confiado a los extranjeros, italianos, alemanes y algunas veces franceses.

Esta xenofilia no concernía solamente a la música, sino también a las demás artes y al conjunto de la vida cultural del país, ya que, en la época romántica, Alexandr Pushkin, el máximo poeta ruso, confesará: “La lengua de Europa (es decir el francés) me es más familiar que la nuestra”.

El arte popular o de inspiración popular no tenía derecho de ciudadanía: es cierto que los señores disponían de capillas reclutadas entre sus siervos, que ejecutaban admirablemente los canto populares, pero se trataba de “amores culpables”: gustaban estos coros lo mismo que gustaba la música cíngara, como una diversión de poca categoría que no había que tomar en serio. Glinka debió de darse cuenta de ello cuando, después de haber hecho interpretar su primera ópera, Iván Susanín, en 1836, supo que se le reprochaba que “los cocheros no cantaban otra cosa en la calle......”.

Ciertamente, las guerras de Napoleón habían provocado un despertar del patriotismo, obligando a los rusos a volverse hacia el patrimonio nacional, y conduciendo a los propios extranjeros a utilizar temas folklóricos en sus composiciones; pero, según la expresión de un crítico de la época, se apresuraban a “mojar sus temas en una salsa a la moda italiana”. Ya que todavía no se le había ocurrido a nadie proclamar, como la hará más tarde Glinka: “Somos autores de arreglos al servicio del pueblo”, y la música rusa, en estas condiciones, tuvo muchas dificultades para sus títulos de nobleza.

Glinka es considerado generalmente como el padre de la música rusa.

En efecto, Glinka, con su Iván Susanin e incluso con Ruslán y Ludmila, sólo encontró verdaderos partidarios en algunos jóvenes y en la persona de Dargominski. Este último, por una parte, decidió también seguir el camino nacionalista trazado por Glinka; por otra, sin haberlo deseado expresamente, se convirtió en el polo de atracción, el confidente y el guía artístico de un grupo de audaces autodidactas compuesto por Balakirev, Cesar cui, Borodín, Musorgsky y Rimski-Korsakov: el célebre grupo de los “cinco”.

Glinka y Dargomijski han dominado el primer período de la escuela rusa, esencialmente colocada bajo el signo de una fórmula grata a Glinka: “Con los mismos lazos legítimos del matrimonio, quisiera poder unir el canto popular ruso con la vieja fuga de Occidente”. El segundo período será el del grupo de los “Cinco” y de Tchaikovsky.

  • Segundo Período

Los jóvenes rusos de 1860 se encuentran entre diversos fuegos. Por una parte existe el eterno conflicto, entre los “eslavófilos” y los “occidentalista”.

Unos están ligados al genio ruso, a la cultura autóctona; desconfían de las importaciones occidentales, que no responden a los aspectos del “alma eslava”, y juzgan que el patrimonio nacional, en todos los campos, es lo suficientemente rico para bastarse a sí mismo.

“Los occidentales”, apelan al deseo de civilización universal, a las tradiciones de Pedro el Grande y a su “ventana abierta sobre Europa”, y pretenden considerar a Rusia como un país de Europa occidental. Este conflicto aparecerá también en la música rusa.

Otra fuente de conflictos es la inquietud moral, social y política que reina en los senos de la joven generación. La Revolución francesa primero, la revuelta de los decabristas seguidamente han producido sus frutos: reina un espíritu liberal cada vez más intenso que terminará, el 19 de febrero de 1861, la abolición de la servidumbre. Muchos pequeños propietarios se arruinan de la noche a la mañana; se abre un abismo entre los “absolutistas” y los “ liberales”, que contribuye a incrementar las inquietudes de la juventud; algunos (como Dostoievski y Musorgski) prevén ya cierto trastornos singularmente profundos.

Finalmente, una “pregunta maldita” atormenta al ruso de 1860: la de la utilidad práctica y social de su propia existencia; no se trata de vivir para los placeres de la vida, sino de servir, a fin de no encontrarse entre la categoría de los “hombres en número excesivo”, de los Oblómov. “El hombre es un animal sociable, y no podría ser otra cosa” declara Musorgski: debe, pues, tratar de vivir en sociedad, de hacer de la sociedad el sólo objeto constante de todas sus preocupaciones. Salir de su concha y perfeccionarse para la mayor gloria de la suma humana, tal es el objetivo de una juventud que, antes de haber leído a Tolstói, se apasiona por Proudhon y por una novela “filantrópica” de Chernisheveski: ¿Qué Hacer?...

En resumen, idealistas y “materialistas populistas” se oponen, y este otro conflicto se reflejará en la literatura, en el arte, en la música...

Situación Musical

No era brillante, si juzgamos por el testimonio de Antón Rubinstein, músico cortesano y no sospechosos de parcialidad: “La ópera rusa tenía entonces, y tuvo todavía durante bastante tiempo, muy mala prensa. Yo escribí mis óperas en italiano y en alemán precisamente porque el teatro ruso era refractario a la ópera y porque la elite de la sociedad no tenía ninguna cultura musical. Había muchos aficionados cuyos juicios sobre la música eran totalmente estrechos y falsos. No se pedía a las artes, y particularmente a la música, más que cosas capaces de adular el gusto por la trivialidad. Las melodías de las obras que estaban de moda, de Piccini, Rossini, Bellini y Tutti quanti, pasaban por modelos incomparables de gracia, de belleza, de profundidad. Se era incapaz de comprender otras bellezas que las melodías simples y fáciles de esas obras. No quería reconocer a la música una misión seria...”

No había conservatorio en Rusia, por falta de “clientela”: a los nobles les repugnaba transformarse en “historiadores”, y, en cuanto a los demás... nadie se preocupaba de ellos. Aparte de que, para adquirir un mínimo de conocimientos teóricos, había que ir a estudiar a Europa, como Glinka. Por la fuerza de las cosas, los jóvenes rusos a los que atraía la composición tenían que ser autodidactas, y éste fue el caso de Dargomijski, el primero de los “grandes empíricos” rusos, precursor de tantos otros, empezando por los miembros del grupo de los “Cinco”.

Dos Clanes Rivales

Por una coincidencia singular, durante el mismo año 1862 fueron fundados el grupo de los “Cinco” y el primer conservatorio ruso, el de San Petersburgo, dirigido por Antón Rubinstein.

Desde el principio, la enseñanza que se practicaba en este conservatorio provocó una autentica revuelta por parte de los “nacionalista eslavofilos”. De todos modos, no dejaban de tener razón. Ciertamente era difícil recomendar otros manuales que los tratados de Marx o de Bellermann, pero la enseñanza, en sí, podía tener en cuenta la existencia de una escuela rusa. Ahora bien, la composición estaba confiada a Zaremba, un alemán rusificado pero que seguía siendo alemán de pies a cabeza, una especie de predicador capaz de inflamar a sus alumnos, pero muy mediocre como pedagogo. Además, para Zaremba, la historia de la música terminaba con Mendelsshon: Schumann ya no existía, y en cuanto a Glinka y a los demás rusos, no eran otra cosa que “salvajes”. Al hacerse campeón de esta escuela, Antón Rubinstein fundó toda una red de conservatorios, empezando por el de Moscú, cuya dirección confió a su hermano Nikolái, gran pianista. Tchaikoski fue uno de los primeros productos del conservatorio de San Petesburgo, antes de convertirse en profesor del de Moscú.

Frente a estos “académicos” se erigía el grupo dinámico de los autodidactas, conducidos por Balakirev y por Vladimir Stásov. Éste había tenido la idea de bautizarlo como “El poderoso grupito”; los del Conservatorio trataban desdeñosamente de “vocingleros” a sus miembros.

  • Tercer Periodo

Precediendo la aparición de Stravinski y Prokófiev, este periodo debe ser considerado como una síntesis.

Los “Cinco” y Tchaicovsky acaban de imponer la existencia de una joven escuela musical rusa. Terminada la época de las batallas espectaculares, con todo lo que pudo haber comportado de excesivo por parte de los Balakirev, los Musorgski, los Stásov, “exhaustivos” íntegros e integrales, románticos en la vida más todavía que en su música. El fanatismo no tiene ya salida, pues, antes de embarcarse en nuevas corrientes las mismas que serán descubiertas por Stravinski. Prokófiev-, conviene hacer una pausa y consolidar las posiciones adquiridas. Todo un grupo de jóvenes se esforzará en demostrar que la música rusa puede existir como “música simplemente”. No se trata ya de los autodidactas apasionados, sino de profesionales serios formados en el conservatorio de San Petersburgo o de Moscú, sirviendo la amistad de Rimski-Korsakov y de Tchaivkosky como lazo de unión entre las dos escuelas.

Cada una de ellas conserva su personalidad. Los moscovitas, alumnos de Tchaivskosky y de Serguei Taneiev, son más “occidentales” en sus gustos, y, lo quieran o no, sufren la influencia del romanticismo retrasado de sus maestros. Los petersburgeses, formados bajo la dirección de Rimski- Korsakov y de Liádoy, conservan un fondo nacionalista y folclórico, aman lo fantástico en música. Dos músicos representan perfectamente y encarnan estas dos escuelas: del lado petersburgués, Alexandr Glazunov, que condujo la empresa de los “Cinco” al culto del clasicismo; frente a él, Alexandr Scriabin, que, después de haber admirado a Chopin, descubre los poemas sinfónicos de tendencias filosófica de Richard Strauss y quiere sublimar sus partituras hasta el punto de hacerles expresar un mensaje teosófico.

Estos dos, el prudente y el innovador, aparecen como los campeones de una escuela donde- bastante arbitrariamente, como siempre que se produce a una clasificación- podrían reunirse, por una parte, Liádov, Grecháninov, Nikolái Cherepnín, Soloviev; y por la otra parte (del lado moscovita), Tanéiev, Arenski, Rachmáninov, Medtner, Kalínnikov, Liápunov, los Conus, Vasilenko...

Nacionalistas Rusos

En rusia, la música nacionalista comenzó con Mikhail Glinka, quien es recordado por la opera 'Una Vida Para el Czar'. Glinka y Aleksandr Dargomyzhski inspiraron a un grupo de compositores a juntarse y más tarde ser conocidos como “Los Cinco” para crear música basada en la cultura rusa. La ópera de Dargomyzhski “El Convidado de Piedra” fue como una biblia para la nueva escuela.

De los cinco compositores, Cesar Cui y Mili Balakirev—los únicos músicos profesionales del grupo—son poco conocidos hoy. Un tercero, Aleksandr Borodin, es recordado fugazmente por su poema orquestal “En las Estepas de Asia Central” y por “Bailes Polovtsian” de su ópera 'Principe Igor'.

El cuarto compositor, quien fue el que más se hacercó a crear una verdera música de origen ruso, fue Modest Musorgski. Ritmos floklóricos y escalas inusuales de música de la iglesia ortodoxa rusa caracterizan sus piezas. Sus trabajos incluyen una pieza para orquesta titulada “Noche en Monte Calvo”, y “Cuadros en una Exhibición”, un set de dos piezas de piano que fueron más tarde arregladas para orquesta por el compositor impresionista francés Maurice Ravel.

El quinto miembro del grupo, Nikolai Rimski-Korsakov, escribió composiciones dramáticas de fuerza rítmica y color orquestral vívido. El es recordado por su ópera “El Gallo De Oro” y su suite orquestal “Scheherazade”. En su poderosa overtura “Gran Pascua Rusa” el uso temas de la iglesia rusa.

Peter Ilich Tchaikovsky fue otro de los compositores rusos que usaban una brillante tono y color. Su sexta sinfonía (“Pathetique”) es muy conocida, y realizó, también la música de tres famosos balets: “El Cascanueces”, “La Bella Durmiente” y “El Lago de los Cisnes”. La overtura de 1812, la “Marcha Slava”, Y “Capricho Italiano” han sido programadas tan a menudo que se consideran “Caballos de Guerra”

COMPOSITORES NACIONALISTAS RUSOS

  • Glinka, Mikhail Ivanovich (1804 - 1857)

Glinka es comunmente recordado como el fundador de la música nacionalista rusa. Sus influencias en Balakirev, quien se autodenominó lider del grupo de cinco compositores nacionalistas, fueron considerables. De niño tomó lecciones de piano de un pianista irlandés, John Field, pero en aquel entonces su relación con la música se mantubo puramente a nivel amateur, hasta su visita a Italia y en 1833 a Berlin, las cuales permitieron que concentrara sus estudios y consecuentemente un grado mayor de seguridad en sus composiciones, las cuales ganaron una real atención en su país como en en extranjero.

Sus operas rusas ofrecían una síntesis de la manera de operar del occidente pero con melodía rusa, mientras que su música orquestal, con una instrumentación excelente, ofrecía una combinación de lo tradicional y lo exótico. Glinka murió en Berlin en 1857.

Operas

Su primera opera “Una Vida para el Tzar” fue muy bien recibida en su debut en 1836. Su segunda opera completa “Ruslan y Lyudmila” con un libreto de Pushkin, porvó menor acceptación en su debut en San Petersburgo en 1842. La overturas para estas operas fueron extraordinarias.

Música Orquestal

Viajar fuera de su país inspiró su influencia española de la Jota Aragonesa, un “Capricho Brillante” también conocida como “La Primera Overtura Española”. La segunda serie se expandió desde “Recuerdos de Castilla” hasta “Souvenir d'une nuit d'été à Madrid” (Memorias de una Noche de Verano en Madrid). “Kamarinskaya” escrita en Varsovia, usa material temático slavo.

  • Dargomyzhski, Alexandr (1813 - 1969)

Muy ligado a los principios de su predecesor, Dargomyzhski se distinguió de él por sus gustps en materia de música extranjera. Glinka prefería loa alemanes y los italianos y sus dioses eran Beethoven y Bellini; Dargomyzhski se inclinaba gustosamente hacia los franceses , hiacoa Auber, Halévy e incluso Adolphe Adam, por lo menos en sus comienzos. Después de emprender la composición de una gran opera, “Esmeralda”, según “Nuestra Señora de París”, apareció grandilocuente “Triunfo de Baco”; después aparece de pronto una obra maestra lírica “Rusalka” (1853), de Pushkin; y finalmente el notable “Convidado de Piedra”, su ópera póstuma terminada por Rimsky-Korsakov, en la que se encuantran numerosísimas páginas que se anticipan a Boris Gudonov.

Por lo demás, Mosorgski consideraba a Dargomyzhski como el verdadero padre del realismo en música: “quiero la verdad; quiero que el sonido exprese directamente la palabra”, preconizaba Dargomyzhski. Ha aplicado este principio en melodías realistas como “La Lombriz”, “El Viejo Cabo”, “El Consejero Titular”, cuya influencia sobre las de Musorgski fue inmenza (quizás inclusolas han suscitado); y en “Rusalka” y sobre todo en “El Convidado de Piedra”.

Glinka componía su música antes que las palabras, obligando al libretista a plegarse a sus ritmos verbales. En cambio, Dargomyzski es “Rusalka” y En “El Convidado de Piedra”, no ha cambiado ni una coma del texto de Pushkin. De este modo, paralelamente a los de Glinka, a trazado un tercer camino a la música rusa: el de la melodía motivada por el significado. En los rusos, ha inspirado “El Casamiento”, “Boris Godunov” y “Jovanchina” de Musorgski, “Mozart” y “Salieri” de Rimsky Korsakov, “Mavra” de Stravinsky, todas las operas de Prokoviev, desde “El Jugador” hasta “La Historia de un Hombre Auténtico”, “Katherina Izmailova” de Shostakoviv. En el extranjero, se encuentran prolongaciones en la obra de Debussy, Ravel y en la mayor parte de los músicos de la nueva escuela (romántica).

EL GRUPO “LOS CINCO”

  • Cui, César (1835 - 1918)

César Cui, miembro del grupo nacionalista ruso de compositores “los Cinco”, hijo de un oficial francés que se quedó en Rusia después de la retirada de Napoleón en 1812. En común con otros compositores de su generación e historia, tenía una carrera a parte de la música, en su caso era profesor de la Academia de Ingeniería Militar, experto en fortificaciones. Esto no lo detubo en sus ambisiosas actividades como compositor y una importante carrera como crítico, generalmente muy duro e intolerable en sus judgamentos. Se le conoce por sus piezas para piano cortas y coloridas.

Operas

Su primera opera “Un Prisionero en el Caucaso”, con un libreto basado en Pushkin. Particularmente saltisfactoria para sus amigos y seguidores fue la opera “William Ratciff”, basada en una obra de Heine. Otras operas siguieron, con mucho éxito, seguidas por cuatro operas para niños.

Música Orquestal

En sus cuatro suites orquestales, Cui demuestra sus habilidades en el manejo de pequeñas y lindas piezas, en contraste con acusaciones en la época de no tener habilidades en la orquestación. La Suite No. 4 ofrece areglos orquestales para piezas de piano escritas originalemnte por su patrona Belga, la Condesa de Mercy-Argenteau. La Suite para violín y orquesta hace una inusual adición al repertorio del violín solista.

Música de Cámara

Su música de cámara incluye varias piezas cortas para violín y piano, o chelo y piano, notablemente dos sets de Miniaturas par violín y piano, como también quartetos de tres cuerdas. En su música de piano, Cui muestra nuevamente sus cualidades como miniaturista, exhibiendo una gran cantidad de piezas cortas muy atractivas.

Música Coral y Vocal

Cui dice que el estaba predispuesto, en general, en sus operas, evitar temas de caracter ruso, ya que él era de hecho mitad francés y mitad lituano. Sus canciones, por supuesto, si tratan temas rusos e incluyen reseñas de Pushkin, Nekrasov y A.K. Tolstoy, mientras que en su música coral está en general en una escala más mabisiosa.

  • Balakirev, Mily Alexeyevich (1837 - 1910)

Balakirev fue el lider del grupo “Los Cinco”, un grupo de compositores nacionalistas rusos durante la segunda mitad del siglo XIX, que incluye a César Cui, Mussorgsky, Borodin y Rimsky-Korsakov.

Su propio éxito como compositor fue eminente, largamente debido a sus exentricidades de caracter y su tendencia a hacer enemigos por su puro entusiamo devastador e intolerancia de otras ideas. Él estaba particularmente opuesto a lo establecido en conservatorios de música en Rusia por los hermanos Rubinstein y fue acusado por ésto mismo de ser un amateur.

Música de Piano

El trabajo más conocido de Balakiev hoy es su fantasía oriental “Islamey”

  • Borodin, Alexander Porfir'yevich (1833 - 1887)

Los Cinco, tan renombrados por los críticos rusos y el escritor Vladimir Stasov, fueron los principales compositores nacionalistas del siglo XIX en Rusia, siguiendo el ejemplo de Glinka, su precursor. Borodin, como otros colegas músicos, tambipen tubo otra profesión aparte de la música, ganado distinción como profesor de química. Su trabajo fue limitado a la cantidad de atención que pudo dedicarle a la composición y a la hora de su muerte dejó un número de composiciones sin terminar, que luego fueron terminadas por su amigo Rimsky-Korsakov y otros.

Operas

La opera más famosa de Borodin “Principe Igor” fue terminada por Rimsky-Korsakov y Glazunov. Incluye las famosas danzas corales “Las Danzas Polovtsianas” con las cuales el Príncipe cautivo es entretenido por Khan Konchak.

Música Orquestal

El mejorejemplo de la música orquestal de Borodin es “En Las Estepas de Asia Central”, una vívida evocación de una región exótica. La segunda de sus tres sinfonías, la última sin terminar, lo ocupó intermitentemente por siete años, y es un trabajo muy atractivo y muy ruso. Las tres forman una importante adición al repertorio sinfónico nacionalista.

  • Mussorgsky, Modest Petrovich (1839 - 1881)

Mussorgsky fue otro compositor nacionalista ruso miembro del grupo “Los Cinco”, toscamente agrupado bajo la influencia del poco fiable Balakirev. Inicialmente un oficial de la armada, intermitentemente, un servidor civil, Mussorgsky dejó mucho sin terminar a la hora de morir en 1881, de todas maneras su influencia en compositores como Janácek fue considerable. Rimsky-Korsakov, un músico que había adquirdo una técnica convencional de orquestación y composición, revisó y completó un número de los trabajos de Mussorgsky, versiones que no parecen inferiores a las originales e innovadoras composiciones que Mussorgsky concivió.

Operas

La más grande de las creaciones de Mussorgsky's fue la opera “Boris Godunov”, basada en Pushkin y Karamazin, con un tema histórico ruso. El completo la primera versión en 1869 y la segunda en los 1870, pero la versión de Rimsky-Korsakov fue la que fue performada fuera de Rusia. Otras operas de Mussorgsky incluyen: “Khovanshchina”, completada y orquestada por Rimsky-Korsakov. Una versión más nueva de Shostakovich restaura la mayor parte del texto original. La opera “Hada Sorochintsy”, después “Gogol”, terminada por Lyadov y otros, incluyen la recordada orquestación “Noche en Monte Calvo”.

Música Orquestal

La suite de Mussorgsky de 1874 “Cuadros en una Exhibición”, un tributo a la versatilidad del artista Hartman, ha demostrado ser la más popular de los trabajos de todos los compositores, ya sea en sus versiones originales para piano y coloridas versiones orquestales, de las cuales la versión de Maurice Ravel ha sido la más aceptada por la audiencia. Mussorgsky representa en la música una colección variada de interpretaciones de arte, desde el “Mercado de Limones” y las “Catacumbas” hasta la final “Gran Perta de Kiev”, un monumento en la traducción a música de un diseño arquitectónico para un arco triunfal.

Música Vocal

Mussorgsky escribió un número de trabajos y canciones, mucho de las últimas de interés considerable, incluyendo el grupo “La Enfermería”. “ la Canción de la Mosca”, basada en un trabajo de Goethe, es una favorita.

  • Rimsky-Korsakov, Nikolay Andreyevich (1844 - 1908)

Nació el 18 de marzo de 1844, en Tkhvin, al este San Peterburgo. En 1856 entró la academia naval en San Peterburgo, siguiendo la tradición de su familia, y se graduó de ella en 1862. Tomó lecciones de piano y se hizo amigo de Mili Balakirev, quien lo convenció de estudiar música y componer. Durante un viaje de tres años, Rimski-Korsakov compuso la mayor parte de su “Primera Sinfonía”, la cual fue tocada a su regreso en 1865, cuando él tenía sólo 21 años. La pieza fue bien recibida como la primera gran sinfonía de un compositor ruso. En 1871 fue nombrado profesor de composición y orquestación en el Conservatorio de San Petersburgo, aunque él no se consideraba calificado para aquel trabajo, por lo que no abandonó su carrera naval hasta 1873.

Uno de los cinco, el grupo líder de los compositores rusos del siglo XIX. El fue un maestro orquestador y se dedicó a editar y suavisar algunas de las aparentes asperezas de los trabajos de sus amigos compositores, completando y revisando trabajos como la opera “Príncipe Igor” de Borodin y la mayoría de la supuesta escritura “no pareja” de Mussorsky.

Fue respetado como profesor, sus pupilos incluyeron, entre otros al joven Igor Stravinsky. Generalmente es conocido por sus composiciones orquestales, Rimsky-Korsakov escribió canciones y música coral, música de cámara y trabajos para piano. Su libro de orquestaciones a sido muy, y no siempre bien, utilizado. También trabajó como conductor.

Operas

De las quince operas de este autor, debemos mencionar “La Soltera Nieves” “La Criada de Pskov” (1868-72), 'Noche de Mayo' (1880), 'Sadko' (1898), y “El Gallo Dorado” (1909).

Orquestal

Sus piezas más famosas son: 'Overtura en Temas Rusos' (1866), 'Capriccio espagnol' (1887), 'Scheherazade' (1888), y 'Czar Saltan' (1903), que incluye la muy nombrada 'Vuelo de la Abeja'.

Otros

'Canción de India', de 'Sadko', se convirtió en música bailable popular en Rusia. El también escribió música de cámara, vocal y para piano.

OTROS NACIONALISTAS

  • Tchaikovsky, Pyotr Il'yich (1840 - 1893)

Tchaikovsky nació el 7 de mayo de 1840, en Votkinsk en las Montañas Urales. Empezó a tomar lecciones de piano a los siete años. Cuando la familia se trasladó a San Petersburgo en 1850, el joven Tchaikovsky se inscribió en la Escuela de Leyes. En 1859 se graduó y se conviertió en un clérigo en el Ministerio de Justicia. Tchaikovsky fue uno de los primeros estudiantes del conservatorio de San Petersburgo establecido por Anton Rubinstein, una vez completados sus estudios allí se conviertió en uno de los profesores en una institución similar establecida en Moscú por el hermano de Anton Rubinstein, Nikolay. Un hombre tímido, expresaba sus emociones en la música. El pudo retirarse como profesor cuando una millonaria viuda, Nadezhda von Meck, le ofreció ayuda finaciera la cual continuó por la mayor parte de su vida, aunque, en acuerdo con las condiciones originales de la pensión, ellos nunca se conocieron. Tchaikovsky era un hombre de defidencia neurótica, su inseguridad se acrecentó con su homosexualidad. Ahora se sugiere que un escándalo causó que él tomara su propia vida en tiempos en que se encontraba en la cúspide de sus poderes como compositor. Su música es enteramente rusa en caracter, pero, aunque fue influenciador de Balakirev y sus ideales llegó a “Los Cinco”, perteneció a una escuela algo más internacional de composición apoyado por los conservatorios que el mismo Balakirev criticó tanto. Tchaikovsky murió el 6 de Noviembre de 1893.

Operas

Dos, más que otras, de la operas de Tchaikovsky se han mantenido a nivel de reportorio internacional: “Eugene Onegin”, basada en un trabajo de Pushkin, fue escrita en 1877, el año en que el compositor trató (desastrosamente) casarse. El volvió a Pushkin en 1890 con su poderosa opera “La reina de Espadas”.

Balets

Tchaikovsky, un maestro en las formas de miniaturas necesarias para el balet, triunfó en subir la calidad de música dada por un arte que se había desarrollado técnicamente en el siglo XIX en rusia bajo la supervisión de un coreográfo francés llamado Marius Petipa. El primero de los balets de Tchaikovsky “El lago de los Cisnes”, fue completado en 1876, seguido en 1889 por “La Bella Durmiente”. Y su último balet, basado en la historia de Hoffmann, fue el “El Cascanuecesr”, por primera vez presentada en San Petersburgo en Diciembre de1892.

Música Orquestal

Sinfonías

Tchaikovsky escribió seis sinfonías. La primera, conocida como “Sueños de Invierno”, fue terminada en su primera versión en 1866 pero luego revisada. La segunda, llamada “Pequeño Ruso” fue compuesta en 1872 pero revisada ocho años después. De la otras sinfonías, la quinta, con su tema motor y su movimiento de vals en el lugar de un scherzo fue escrita en 1888, mientras que la última sinfonía completada, conocida como "Pathétique", fue por primera vez performada bajo la dirección de Tchaikovsky's poco antes de su muerte en 1893.

Overturas de Fantasía y Otros

Su primera Overtura de Fantasía basado en Shakespeare “Romeo y Julieta”, fue escrita en 1869 y luego revisada dos veces. “Bunya” es una fantasía sinfónica inspirada en “La Tempestad” y la última de las overturas Shakespeareanas, Hamlet, fue escrita en 1888. “Francesca da Rimini” translada a términos musicales el amor ilícito de Francesca y Paolo, como sale en la obra de Dante “Infierno y Manfred”, escrita en 1885. La “Voyevoda” es descrita como la balada sinfónica y se basa en un poema de Mickiewicz. Otras, composiciones orquestales de menor escala incluyen “Serenada” para cuerdas, la italiana popular “Capricho”, menos conocida, cuatro suites orquestales. Tchaikovsky pensó poco de su “Overtura de 1812”, con su patriótica celebración de victoria contra Napoleon setenta años antes, mientras que la “Marcha Slava” tenía un propósito patriotico corriente. “Recuerdo de Florencia”, originalmente un sexteto de cuerdas, fue completada en 1892 en su versión final.

Concertos

El primero de Tchaikovsky's de los conciertos para tres pianos se ha convertido en el más popular de todos los conciertos románticos de piano. El segundo, es menos conocido, mientras que el tercero, comenzado en 1893, consiste de un movimiento único en Allegro de concierto. El concierto de Tchaikovsky para Violín, fue rechazado por los líderes violinistas de rusia por ser encontrado muy dificultoso. Para chelo solista, Tchaikovsky escribió las “Variaciones Rococo” y el “Pezzo Crapichoso”. Piezas más cortas para violín y orquesta incluyen: “Serenata Melancólica” y el “Valse-scherzo”. “Souvenir d'un lieu cher”, escrita como expresión de gratitud por la hospitalidad de “Madame von Meck”, era originalmente para violín y piano.

Música de Cámara

Esta música en Tchaikovsky incluye tres cuartetos para cuerdas. El lento movimiento de la primera de las tres provó ser muy popular en su forma original como en un arreglo por el compositor para chelo y orquesta de cuerdas. “El Andante Fúnebre” del trecer quarteto existe en un areglo del compositor para violín y piano.

Música de Piano

Tchaikovsky proveyó con una gran catidad de música para piano, particularmente en la forma de cortas piezas adecuadas para un mercado amateur lucrativo. Colecciones de piezas publicadas por el compositor incluyen: “Las Estaciones”, un set de doce piezas, una para cada mes, y un número de sets de piezas de distintas dificultad.

Vocal Music

Tchaikovsky escribió una cantidad considerable de canciones y duetos.

  • Rachmaninov, Sergey (1873 - 1943)

Nació el 1 de abril de 1873, en Oneg, cerca de Semyonovo, Rusia. Su talento musical se manifestó tempranamente, y fue enviado a Muscú a estudiar piano con Nikolai Zverev. Se graduó del conservatorio de Moscú a la edad de 19. Muchos compositores de la primera parte del siglo XX trataron de desarrollar nuevos idiomas musicales, pero las composiciones de Rachmaninoff, por el contrario, están firmemente basadas en los trabajos románticos del siglo XIX, y como los trabajos de Peter Ilich Tchaikovsky, son exuberantemente melódicos. En esta respecto Rachmaninoff representa la culminación del período ruso tradicional romántico.

Luego de estudiar en los conservatoris de San Petersburgo y Moscú, Sergey Rachmaninov se embarcó en una carrera en rusia como compositor, pianista y conductor. Exiliado de su país luego de la Revolución Comunista de 1917 forzó e incrementó su concentración en la ejecución, como uno de los pianistas más distinguidos de la época, actividad que le ayudó a mantener a su familia pero le dejó menos tiempo para trabajar como compositor. Por razones prácticas él se estableció en los Estados Unidos, mientras mantuvo una casita en Suiza. Murió en Beverly Hills en marzo 28 de 1943.

Música Orquestal

El segundo concierto para cuatro pianos mantiene una posición inalcanzable entre los trabajos de los románticos de este tipo, su popularidad cercanamente es rical de “Rapsodia” tema de Paganini, para piano y orquesta. Mientras que las “Danzas Sinfónicas” de 1940 disfrutan de alguna popularidad, como también el poema sinfónico “La Roca” y la “Isla de la Muerte”, con su recurrente motivo de la misa latina Requiem, la segunda de sus tres numeradas sinfonías es la más familiar.

Música para Piano

El Preludio en C menor de Rachmaninov ganó temprana popularidad que largamente contrapesó sus méritos. Otros trabajos para piano incluyen “Etudes-tableaux de 1911 y 1916-17”, dos sonatas, sets de Preludios y Momentos Musicales, transcripciones, incluyendo incluyendo las dos piezas de Kreisle Liebesleid y Liebesfreud, y las dos impresionantes variaciones del tema de Corelli, su última composición original para piano solista, compuesta en 1931 y basada en la popular danza barroca llamada “La Follia”, también usada por Corelli en sonata para violín.

  • Rubinstein, Anton (1829 -1894)

No debe ser confundido con el gran pianista Artur Rubinstein, nacido en 1887, Anton Rubinstein, un compositor más grandioso en su época y un claro rival de Liszt y otros grandes pianistas del siglo XIX, tuvo un marcado efecto en el desarrollo de la música en rusia, estableciendo el primer sistema de entrenamiento musical profesional en el conservatario de San Petersburg en 1862. Su hermano Nikolay puso una institución similar en Moscú. Los conservatorios no fueron bien recibidos por los compositores nacionalistas, quienes los vieron como una intrusión alemana, Aunque los Rubinstein eran rusos, y de extracción Alemana-Judía. Como compositor, Anton Rubinstein fue prolífico, escribiendo, como su hermano lo sugirió, más que suficiente música para ambos. Sus facilidades técnicas lo delataron ya que a la hora de su muerte, su trabajo no fue apropiadamente valorado por sus partidarios de la música nacionalista rusa.

Operas

Rubinstein escribió diesiciete operas. Esta no son parte del repertorio general, pero extractos de la fantástica opera “El Demonio” y la opera “Feramors” pueden ser escuchadas ocacionalmente de extractos de conciertos.

Música Orquestal

Las composiciones orquestales de Rubinstein incluyen seis sinfonías, de las cuales la segunda, "Oceano", es la más conocida. Escribió cinco conciertos para piano y otros trabajos para piano y orquesta, además de conciertos para violín y para chelo.

Música de Cámara

Prolífico aquí también, Rubinstein escribió un número de quartetos para cuerdas, tres sonatas para violín y dos sonatas para chelo, en adición a otros trabajos de cámara, no muy escuchados, exepto por posiblemente la sonata para viola y piano, una útil adición a useful addition a lo de otra manera exiguo repertorio para la viola.

Música para Piano

Rubinstein, como un líder virtuoso en este instrumento, escribió una cantidad de música para piano. De todas las sonatas, suites, serenatas y otras piezas, la “Melodía en F” se mantiene la más notoria en su popularidad.

  • Ippolitov-Ivanov, Mikhail Mikhaylovich (1859 - 1935)

Después de entrenamiento musical en el conservatorio de Moscú, Ippolitov-Ivanov fue elegido director del conservatorio de Tbilisi en Georgia. En 1905 volvió a Moscú a enseñar en el conservatorio, dónde trabajo hasta su muerte en 1935. El sirvió como consuctor y continuó la tradición nacionalista impuesta por “Los Cinco”, con las bases más técnicas proporcionadas por el conservatorio. Compartió con Rimsky-Korsakov y Balakirev un interés en la relativamente exótica, an interest in the relatively exotic, realzada por su experiencia de la vida musical en Georgia.

Música Orquestal

“Trazos Caucásicos”, escrito en 1894, seguida de la “Rapsodia Armenia” e “Iveriya”, son evidencia del interés de Ippolitov-Ivanov en la música de los distintos grupos étnicos que conformaban el imperio ruso, en los cuales ejemplos posteriores se encuentran en “Las Estepas de Turkmenistan” y “Cuadros Musicales de Uzbekistan”.

  • Arensky, Anton Stepanovich (1861 - 1906)

Compositor, consuctor y pianista ruso, Arensky fue pupilo de Rimsky-Korsakov en el conservatorio de San Petersburgo y luego enseñando en el conservatorio de Moscú, dónde sus pupilos incluyen a Rachmaninov y Scriabin. Sus composiciones comunmente reflejan la influencia de otros compositores, más particularmente la de Tchaikovsky. Fue director musical de la Capilla Imperial en San Petersburgo desde 1895 hasta 1901 y luego continuó su carrera como compositor, pianista y consuctor, viajando ampliamente entre las dos últimas facilidadesd. Murió en 1906.

Música Orquestal

Arensky escribió dos sinfonías y un concierto para violín, así como un set de variaciones para cuerdas en un tema de Tchaikovsky, un trabajo originalmente para un quarteto de cuerdas.

Música de Cámara

La composición de Arensky más conocida para piano “Trio en D Menor”, el primero de dos de este tipo de trabajos. Esta fue escrita en 1894 y muestra algo de la influencia de Mendelssohn.

  • Glazunov, Alexander Konstantinovich (1865 - 1936)

Glazunov, pupilo de Rimsky-Korsakov, recibió ánimo también de Belyayev, un patrocinador influencial y publicador, cuyas actividades superaron y reemplazaron los tempranos esfuerzos de Balakirev para inspirar la creación de la música nacionalista rusa. Se sumó a los profesores del conservatorio de San Petersburgo en 1899 y luego de las protestas estudiantiles y desturbios de 1905 fue elegido como director, posición que conservó hasta 1930, aunque desde 1928 había vivido en el extranjero, mayormente en Paris, dónde murió en 1936. Su música muestra la síntesis entre los rusos y los llamados alemanes, una certeza técnica introducida por los hermanos Rubinstein en los conservatorios de San Petersburgo y Moscú en la mitas del siglo.

Música Orquestal

En adición a sus nueve sinfonías y una variedad de otros trabajos, Glazunov escribió un “Concierto para Violín”, terminado en 1904, cuando estab en su mejor momento como compositor. Las sinfonías han ganado menor popularidad, pero en poema sinfónico de “Stenka Razin”, escrito en 1885, retiene su lugar en los repertorios rusos nacionales.

Balets

Los balets de Glazunov incluyen “Raymonda”, por primera vez llevada al escenario en San Petersburgo en 1898,con una coreografía por Marius Petipa. “Les ruses d'amour”, y “Las Estaciones” sigieron a “Raymonda” en 1900. El orquestó música de Chopin para “Les sylphides”. El coreografo Fokin también hizo uso en “Stenka Razin” para un balet del mismo nombre.

  • Gliere, Reyngol'd Moritsevich (1875 - 1956)

Pupilo en el conservatorio de Moscú de Hrimaly y Taneyev, Arensky, Konyus y Ippolitov-Ivanov, Glière continuó la tradición romántica rusa, ganando inmenza popularidad por sus balets soviéticos “La Amapola Roja” y “El Jinete de Bronze”, dónde también pudo demostrar su interés en una más amplia tradición musical eslovaca.

MUSICA DOCTA RUSA DEL SIGLO XX -

LA CONTINUACION DE LA TRADICION ROMANTICA

POST MODERNISTAS

  • Stravinsky, Igor (1882 - 1971)

Nació el 17 de junio de, 1882, en Oranienbaum, cerca de San Petersburgo.

Hijo de un distinguido cantante ruso, Stravinsky vivió sus primeros años en Rusia, ya se en San Petersburgo o en el verano en el campo con sus parientes. Estudió música brevemente con Rimsky-Korsakov, pero creo su propio nombre en Paris con comisiones del empresario Dyagilev, para quien escribió una serie de balets. Pasó los años de la revolución rusa de 1917 en Europa Occidental y en 1939 se fue alos Estados Unidos. Un compositor versatil en cambios de estilos, se puede ver como la parte musical del pintor Picasso.

El recobró el pulso ondeante esencial para el balet; fue meticuloso sobre los grados de articulación y énfasis; creó un sonido “limpio”. Escribió para distintas agrupaciones instrumentales y creó un sonido distinto en cada trabajo; Revivió las formas musicales de su pasado e hizo una contribución duradera a la serial p música de doce tonos.

Trabajos de Escenarios

Stravinsky hizo una inmediata impresión en Paris con su trabajo para L'oiseau de feu “El Pájaro de Fuego”, para los balets rusos de Dyagilev. Luego siguieron Petrushka rusas, y el succès de scandale de Le sacre du printemps “El bien de la Primavera”. Otros trabajos más tarde fueron a menor escala durnte tiempos de guerra, Stravinsky volvió a hacer balet para Dyagilev en Pulcinella, basado en la música erroneamente atribuída a Pergolesi. Otros balets incluyen: “Apollon Musagète”, “Le Baiser de la fée”, “Jeu de cartes” y “Agon”. El operatorio latino, con el texto traducido desde Cocteau, “Oedipus Rex” fue puesto en escen apor primera vez en 1928, mientras la opera “El Rastro del Progreso”, dde forma neo-clasica y basada en los gravados de Hogarth, con un libreto de Auden y Chester Kallman, fue llevada al escenario en Venecia en 1951.

Música Orquestal

La música orquestal de Stravinsky incluye sinfonías, suites para algunos de los balets, y dos suites suites aregladas de sets de piezas de piano. Conciertos de variados tipos incluyen un “Concierto de 1936” para piano, viento y bases dobles, un “El Concierto del Ebano” para una banda de jazz y un concierto de violín.

Música de Cámara

La música de cámara de Stravinsky incluye algunos areglos orquestales, en particular dos versiones de Pulcinella, una para violín y piano y una segunda para chelo y piano, bajo el título de “Suite italienne”.

OTROS MODERNISTAS

  • Prokofiev, Sergey (1891 - 1953)

Traviesos brincos en la melodía, inesperados cambios de llaves, y los burlones sonidos de instrumentos de caña son típicos de la música de Sergei Prokofiev, uno de los grnades compositores de la Unión Sovietica. Sus cuentos de adas musicales escritos para los niños en 1936 “Pedro y el lobo”, es frecuentemente usado para introsucir a la gente joven en los sonidos diversos de los instrumentos orquestales.

Sergei Sergeevich Prokofiev nació el 23 de abril de 1891 en Sontsovka, Ukrania. A temprana edad fue enseñado a tocar el piano por su madre. Era un niño lleno de bendiciones y cualidades musicales, a los seis años ya componía música.

Sergey Prokofiev, entró en el conservatorio de música de San Petersburgo en 1904, tiempo en que había escrito ya mucha de su música. En el conservatorio, anonadó al director más conservador, Glazunov, pero aprendió mucho más de un estudiante que llevaba ya cierto timepo en el conservatorio, el compositor Myaskovsky, se graduó del conservatorio en 1914. Después de la revolución se le dió permiso para viajar al extranjero y permanecia intermitentemente en Rusia, América y Paris, hasta que finalmente retornó a Rusia en 1936. En casa, en contacto denuevo con la raíz de su inspiración, se encontró sin apoyo de las autoridades y en 1948 se le aplicó a sus trabajos censura. Cabe señalar que el compositor ganó premios Stalin por su trabajo. En 1945 tuvo un ataque cardíaco. Sus actividades fueron limitadas después, pero continuó escribiend. En su cumpleaños número 60 fue públicamente honorado. Murió en Moscú el 5 de marzo de 1953. Su merte en 1953, en el mismo dia que Stalin, lo impidió de gozar la más tardía relajación en la censura musical que tomó lugar. Su estilo es irónico, escribiendo en un estilo de música que es a menudo acérbico.

Música de Escenario

Prokofiev intentó escribir una opera por primera vez a los nueve años. Sus operas incluyen “El Amor para las Tres Naranjas”, escrita en 1919 para Chicago, “El Angel Feroz” y “Guerra y Paz”, la última basada en la novela de Tolstoy. Un balet para Dyagilev fue rechazado, pero otros balest, una vez rechazados como no bailables, incluyen a “Romeo y Julieta”, y en 1944 “Cenicienta”.

Música Orquestal

Sinfonías

Escribió siete sinfonías. De éstas “La Sinfonía Clásica”, escrita entre 1916-1917 con el trabajo de Haydn en mente, es la mejor concida. “La Quinta Sinfonía” de 1944 es un trabajo a escala mucho más grande.

Conciertos

De sus cinco conciertos, el tercero es el más conocido, escrita en el lenguaje musical instantanemente reconocible del compositor. Más románticos son los dos conciertos para violines.

Música Coral y Vocal

En adición a una vasta variedad de éstos tranajos, que incluyen una versión de concierto de una película para Alexander Nevsky, Prokofiev escribió muchos otros trabajos sin tanta importancia, muchos de los cuales de importancia política.

Música de Cámara

Incluye dos sonatas para violín y piano, la segunda originalmente para flauta y piano y revisada por el compositor, con la ayuda del violinista David Oistrakh. Completó su “Sonata en C Mayor para Chelo” en 1949 pero una segunda sonata para el instrumento fue dejada sin terminar a la hora de sus muerte. Las cinco melodías para violín y piano, basado en canciones anteriores, estan igualmente en el repertorio general.

Música para Piano

Prokofiev, un pianista formidable, completó nueve sonatas para piano de once projectadas. Su música para piano también incluyen versiones de los balets “Romeo y Julieta” y “Cenicienta”.

Música para Niños

Una de las más conocidas composiciones de Prokofiev es su cuento para niños “Pedro y el Lobo”.

  • Shostakovich, Dmitry (1906 - 1975)

Nació el 25 de septiembre de 1906 en San Petersburgo. Dmitry Shostakovich pertenece a la generación de compositores entrenados después de la Revolución Comunista de 1917. Se graduó del conservatorio de San Petersburg como pianista y compositor, su “Primera Sinfonía” fue un inmediato éxito. Su subsigiente carrera en rusia varió con el clima político. El éxito inicial de su opera “Lady Macbeth del distrito de Mtsensk”, basada en Leskov, y luego revisada al tiempo en que Katerina Ismailova, fue seguida por condena oficial, emanando aparentemente por el mismo Stalin. La quinta sinfonía del compositor, en 1937, trajo una rehabilitación parcial, mientras que los años de guerra ofrecían propaganda en la sinfonía de Leningrado, performada en la ciudad bajo dominio alemán. Sintió una libertad relativa seguida de la muerte de Stalin en 1953. Información póstuma sugiere que Shostakovich siguió muy crítico de la ditaduras Stalinistas, particularmente en cuanto a la música y las artes. El ocupa una posición significante en el siglo XX como sinfonista y compositor de música de cámara, escribiendo en estilosque aunque distintos en textura pero simpre accesible como una extención del lenguaje de la música tonal. Muere en Moscú el 9 de agosto de 1975.

Música de Escenario

Katerina Ismailova aún es la principal opera de Shostakovich, con la más temprana opera “La Nariz”, basada en Gogol, y el ballet “La Edad Dorada”. Música incidental para teatro incluye pieza para Hamlet y para el Rey Lear.

Música Orquestal

Sinfonías

La quince simfonías de Shostakovich van desde “La Primera Sinfonía” de 1925, una composición gradual a “La Catorce”, que contiene pedazos de varios poemas y que se escribió dos años antes que la “Quince” de 1971, la última. La “Quinta”, la post-guerra “Bueve” t la “Diez” de 1953 son escuchadas a menudo. Mientras que la “Dos” y la “tres” con la “Once” y la “Doce” tiene sugerencias más patrioticas.

Conciertos

Shostakovich escribió im concierto para piano, trompeta y cuerdas, y un segundo concierto para piano dedicado a su hijo Maxim, en 1957. Escribió dos conciertos para violín y dos para chelos.

Música Coral y Vocal

Trabajos corales de Shostakovich incluyen, entre otras, “La Ejecución” de Stepan Razin. Sus canciones solistas son más sobre política.

Música de Cámara

Los quince “Cuartetos de Cuerdas” son un trabajo remarcable, textura lúcida, comunmente moviendo un motivo musical. La intensa sonata “Viola Sonata” de 1975 es la tercera de sus sonatas de duos, precedidas por la de 1934 para Chelo y Violín y la de 1968 para violines. A éstas podemos adherir en segundo trio para pianos y un quinteto en G Menor para piano escrito en 1944.

Música para Piano

Testa incluye, en adición a dos sonatas para piano, un ingenioso set de 24 preludios y fugas, como también un set previo de 24 preludios.

  • Khachaturian, Aram Il'yich (1903 - 1978)

Khachaturian, un compositor soviético de origen americano, fue entrenado en el conservatorio de Moscú, dónde estudió composición con Myaskovsky. Luego asumió importantes posiciones en la unión de compositores soviéticos y continuó la implementación de un aspecto de la póliza de cultura oficial en uso de material regional Armenio.

Trabajos de Escenario

El balet de 1942 “Gayane” contiene los trabajos más populare de Khachaturian, y “La Danza Sabre”. El balet “Spartaco” de 1954 contiene un bien conocido Adagio de Espartaco y Phrygia. Hay suites de conciertos para ambos balets.

Música Orquestal

El “Concierto de Violín” de Khachaturian, escrito en 1940, es un trabajo característico y ha sido transcribido para solos de flauta por el flautista francés Jean-Pierre Rampal. El compositor escribió en “Concierto para Piano” en 1936 y diez años después un efectivo “Concierto para Chelo”.

OTROS COMPOSITORES RUSOS DEL SIGLO XX

  • Miaskovsky, Nikolai Yakovlevich (1881- 1950)

Miaskovsky, amigo y mentor del joven Prokofiev en el Conservatorio de San Petersburgo, dónde él fue enseñado por Liadov y Rimsky-Korsakov, luego de obtener lecciones privadas de Glière. Sus 27 sinfonías, dentro de un período desde 1908 a 1950, tratba de mostrar y expresar las variadas fortunas de Rusia y la Unión Sovietica. Otro aspecto de su trabajo se escuha en sus sonatas para nueve pianos.

  • Scriabin, Alexander (1872 - 1915)

Amigo y estudiante de Rachmaninov en Moscú, el compositor ruso Alexander Scriabin disfrutó de una carrera diferente y mucho más corta , primero como concertista de piano, con el apoyo de Belyayev, quien publicó sus primeras composiciones. Su interés en filosofía y teorías teofísicas de Madame Blavatsky lo influenciaron en su última forma de componer, particularmente los grandes trabajos orquestales, mientras que su música de piano exploraba un nuevo territorio musical. Su vida fue vitalizada por su absorción introspectiva y exentricidades en sus creencias.

Música Orquestal

Scriabin gozó de un temprano suceso con su comcierto para piano de 1896. De major significancia, son sus trabajos posteriores, la “Sinfonía No. 3”, "Le divin poème", “poème de l'éxtase y Prométhée”, “Le poème du feu”.

Música para Piano

Su primera música para piano fue escrita mientras era estudiante en el conservatorio de Moscú, llevandolo a una serie de cinco sonatas que partieron en 1911. Las otras siete sonatas fueron escritas durante los años 1886 y 1907. Otras piezas cortas de piano incluyen estudios m preludios, etc. en un estilo que se desarrolló de la influencia de Chopin a un idioma distinto enteramente propio.

  • Medtner, Nikolai Karlovich (1880 - 1951)

Medtner estudió en el conservatorio de Moscú, dónde luego enseñó piano intermitentemente, antes de dejar Rusia en 1921 para establecerse en Paris y luego, en 1935, en Inglanterra, dónde se quedó hasta su muerte. La mayoría de las composiciones de Medtner son para piano, aparte de un gran número de canciones para textos rusos y una pequeña cantidad de trabajos de cámara. Particularmente notable son sus sonatas para piano, alguna de las cuales, como la “Sonata-Skazka” (La Sonata de Cuentos de Hadas) y la “Sonata-Idilio” tienen títulos explicables.En estilo su música es generalmente comparada con la de Rachmaninov, aunque él escribe con un lenguaje musical distintivo que se reconoce por ser de él, único.

PARALELO CON EL FOLKLORE RUSO

ANTECEDENTES DEL FOLKLORE RUSO

Los eslavos - más tarde los rusos- son esencialmente, y casi exclusivamente, agricultores. Esta actividad es la determinante del carácter primordial de los cantos populares y el de las prácticas paganas de las que han surgido(estas han sobrevivido a la conversión al cristianismo transformadas en tradiciones, fiestas o ritos; el ultimo testimonio, absolutamente verídico, de esta evolución, es la del musicólogo y folklorista Yacushin, que pudo comprobarlo en 1849). Bastante rudimentarios, el olimpo de los eslavos se funda en la adoración del sol y de la tierra.

De estas creencias nace un pateismo prodigiosamente poético y musical. El bosque, la llanura, el río, el mismo quijarro, tienen un alma. De estos sentimientos poéticos y agrícolas, surge todo el calendario de cantos estacionales tan exactos que, después de la conversión al cristianismo, las autoridades se ven obligadas a tenerlo en cuenta y a tratar de hacer coincidir las fiestas de la iglesia con las tradiciones paganas.

El ciclo de los cantos empieza en la noche siguiente del equinoccio de invierno, la del 24 y 25 de diciembre(convertida luego en la noche de Navidad). La tradición asegura que, en esta noche, el sol se vuelve hacia el verano y es prudente ganar su benevolencia. En los pueblos (esta costumbre se mantiene todavía en Ucrania), grupos de gente joven van de casa en casa, recibiendo regalos y cantando las Kolida, de una gran belleza (palabra de origen romana).

Le siguen las grandes fiestas del equinoccio de primavera con los cantos del carnaval, luego los sortilegios y rondas primaverales, que Stravinski ha sabido evocar con tanta maestría en la consagración de la primavera. Las rondas de primavera, contrariamente a lo que se cree, son lentas y graves: se trata de un rito de gran importancia para la comunidad. Paralelamente a ella, existe una pintoresca tradición; habiendo percibido que la llegada de la primavera coincide con la de los pájaros, o bien -si falta la harina- los modelan en barro, lanzándolos después hacia el cielo mientras cantan y bailan, provocando de este modo la llegada de los pájaros.

Las fiestas del carnaval(la futura tercera semana de cuaresma) son fiestas móviles y comienzan ocho semanas antes de la primera luna llena de primavera. Se trata en ellas de echar al invierno, y para ello, un gran espantapájaros que lo simboliza es arrojado al fuego con gran pompa, en medio de danzas y cantos.

Siete semanas después de la primera luna llena de primavera se celebra la Russalia(día de la rosa); mas tarde, esta fiesta coincide con la de pentecostés. Se trata, según la creencia del pueblo, de vaciar los bosques de Russalkí y de genios maléficos que puedan atrapar a los pascantes en esta bella estación.

El equinoccio de verano(el 24 de junio se convierte más tarde en la fiesta de san Juan) esta consagrado a Kupalo. Ligado al antiguo culto del fuego, da a lugar a grandes festejos públicos, cantos rituales que proceden a los importantes trabajos de la siega.

Conjuntamente con estos cantos estacionales existen los que van ligados a los ritos familiares. Los eslavos practican un culto ferviente a los antepasados, que, según creencias, no mueren sino que permanecen en el seno de la familia. Durante las comidas, se bebe a su salud y se canta para ellos; durante la Russalia - también en pentecostés- se reúnen en los cementerios, organizan verdaderos festines sobre sus tumbas; algunas veces se lamentan, pero con notable preferencia, ejecutan cantos irresistiblemente alegres y danzas para distracción del difunto. La presencia de los antepasados es tan viva que cuando una joven se casa se despide de sus padres y de todos sus antepasados.

Por otra parte una boda da lugar a un rito musical extremadamente complejo; veintiún números de música vocal proceden la bendición nupcial. Se canta y se baila largamente; pero la novia - por muy enamorada que este de su prometido- debe lamentarse. Los dos personajes obligados de este aparato escénico(ya que de esto se trata, perfectamente inmutable, y el pueblo aprecia una boda según la calidad de éste) son la novia(secundada por una plañidera, que la dobla en algunos episodio), el casa mentero, la casamentera, la dama de honor del novio y las amigas de la futura esposa. Empiezan los esponsales; la casamentera se arregla con los padres sin consultar siquiera con la principal interesada. Luego el pretendiente es recibido solemnemente, se enciende un cirio delante de los iconos, se dan las manos en señal de asentimiento, y la prometida canta su primer lamento.

Al día siguiente se reúnen para la bendición del noviazgo, y la prometida se lamenta aún en dos ocasiones(la segunda vez, las quejas duran unos cuarenta minutos). Siguen - siempre cantando- las visitas a los padres, a la futura suegra, a los amigos y la recepción del novio en la casa, a la que se deleitaba al modo dorico y frigio; las reuniones con las amigas, donde se canta, se bailan rondas, etc.

He aquí los elementos más pintorescos del montaje escénico. En la víspera del gran día la joven es conducida al baño con gran pompa. Antes de la salida, canta para sus amigas; luego la bañista le acoge con una bella y larga cantinela, a la que la cliente responde con una canción corta y lírica. Y, en el camino de vuelta, se para delante de la isba de sus padres y ejecutan un nuevo lamento.

A estos veintiún números de música prenupcial suceden las fiestas de la boda, en el curso de las cuales se destaca la vena popular, sin olvidar el carrillon de la iglesia que suena sin parar mientras el cortejo se dirige a la casa y dura festín. Resumiendo, Stravinski en sus bodas ¡no ha inventado nada!

ALGUNAS PRECISIONES MUSICALES

¿Qué podemos decir sobre estos cantos populares desde un punto de vista musical? La mayoría de las veces su línea melódica, muy simple, se movía en los limites de las terceras, cuartas y excepcionalmente de las quintas. Nacía de una célula por lo general breve, como una señal, y probablemente derivada de formas cabalísticas o de hechizos de los primeros ritos paganos. En los cantos de las mujeres observamos con frecuencia una escala petantonica por tonos enteros aproximativos.

De echo la línea melódica en los cantos más antiguos se reduce a veces a simples interjecciones, a exclamaciones, alrededor gira la frase rudimentaria. Para que esta se ordene y desarrolle, hará falta la influencia de los chantres originarios de la ciudades que introducirán también el concepto de nota sensible, que, sorprendentemente, es llamada en Rusia la nota azul desde el siglo XIX.

Los cantos populares rusos no conocen ni mayor, ni menor, ni tónica, ni dominante: utilizan tres escalas de cuatro tonos, que pueden superponerse en siete grados con intervalos rigurosamente diatónicos.

En terreno del ritmo reina una anarquía total, ya que la prosodia popular, muy libre, no se adapta a ningún sistema; y la melodía, al hacerlo, adquiere la, misma libertad. Resultado de ello son los cambios frecuentes de compás en un solo fragmento, así como un culto a los impares.

La enorme variedad de los ritmos populares ha dado lugar a estudios substanciales. Por lo general los cantos populares utilizan versos asontonados, cada verso conteniendo dos o tres grupos silábicos.

INSTRUMENTOS POPULARES RUSOS

El instrumento más viejo (el más antiguo, ya que el "kantele" mencionado en el "Kalevala" le debe su origen), es la guzla (deberíamos decir "los guslis"; en ruso esta palabra es plural). Consiste en una tabla de madera, con preferencia de abedul o plátano, sobre la que se tensan siete u ocho cuerdas afinadas en "dos" mayor sin grados cromáticos; con el tiempo, el número de cuerdas llega a setenta y seis. El tocador de "guzla" acompaña su canto mientras desgrana arpegios con sus dedos, uñas o un plectro.

Prácticamente es imposible poder ejecutar una melodía.

A partir del siglo XII, importado de Bizancio, aparece un modelo de "gusli salterio", réplica perfecta del salterio. Bajo su influencia los "gulis" se perfeccionan: la madera es vaciada, se pulsan las cuerdas con macillos grandes: nace de este modo el "cymbalum" (utilizado acertadamente por Stravinski en su arcaico "Renard").

Otro instrumento de cuerda han hecho su aparición posteriormente: la "domra", la "balalaika", la "cobza", la "bandura", el "torban", luego la guitarra.

La domra era una especie de laúd importado de Asia por los kirguises, los mongoles y los persas. Al ser ser adoptada por el pueblo se convirtió en balalaika": en efecto, los"violeros" pueblerinos, al hallar dificultades para fabricar cajas de resonancia ovaladas, las sustituyeron con otras triangulares, al tiempo que reducian el número de cuerdas. La balalaika era el instrumento nórdico por excelencia, fabricado en madera de abeto. En el Mediodía, y sobre todo en Ucrania, se prefería la "cobza", usada por los polovitsianos y tártaro, y la "bandura"de importación occidental (cf. la "bandurria" española). Ambos instrumentos recordaban, por una parte, la guitarra española, y por la otra la "biwa" china; tenían de siete a veinticuatro cuerdas.

El torban, venido de Polonia, era una derivación de la tiorba pudiendo llegar hasta sesenta el número de sus cuerdas. A estos instrumentos añadiremos la "lira" ( una viella con tres cuerdas y once teclas) y el "gudok" (viola con tres cuerdas, de origen tártaro; se utilizaba un arco curvado; las dos primeras cuerdas emitían al unisono un sonido fijo que hacía de bajo continuo).

Los instrumentos de viento eran claramente los mismos que en Europa occidental: desde el siglo XIII existían orquestas en las que había hasta sesenta trompetas. Tenían además el caramillo, "jaleika" (especie de siringa utilizada en los entierros:["jalnik"- que ha dado lugar a "jalet", conpadecer- designando una tumba en viejo idioma eslavo] ), las flautas con cañas, las dobles faltas con cañas (diatónicas), la flauta de pan, la flauta bretona, la zurna, especie de oboe rudimentario, de origen tártaro.

Otros instrumentos de percusión: los "nacres", vasijas de tierra conocida recubiertas con pergamino, golpeadas con bastones o con bolas atadas a correas; las "cucharas" piezas de madera, después de cobre, imitando la forma de una gran cuchara, adornada con campanitas en sus extremos; se golpeaban unas contra otras.

COMPARACION

La música clásica rusa, al igual que la folklórica, tienen raíces basadas en la naturaleza, en lo pagano. La música folklórica, nace de la naturaleza, de la admiración que tiene el pueblo por la fuerza del medio ambiente, es de origen pagano; y así también lo han tomado los compositores de música docta rusa, especialmente los nacionalistas, que por supuesto admiraban las costumbres y la historia de su país. Luego los compositores rusos del siglo XX (que tenían una fuerte influencia nacionalistas de sus escuelas y conservatorios) también basan la música en la naturaleza, un claro ejemplo de ésto es “Consagración de la naturaleza” de Stravinsky.

Ejemplos de compositores nacionalistas que basaron obras en temas de la naturaleza son, por ejemplo, “En las Estapas de Asia Central” de Borodin, “Las Estaciones” de Tchaivskosky, “Oceano” de Rubenstein, “Las Estepas de Turkmenistan” de Ippolitov-Ivanov, entre otros.

Los compositores rusos eran muy apegados a sus raíces, uno más que otros, mucho más “Los Cinco”, cuyo director, Balakirev, estaba totalmente encontra de cualquier influencia no rusa en la música y en las enseñanzas en los conservatorios.

La historia del país, muy importante también, se ve reflejada en el folklore y en la música docta, por ejemplo, el folklore nació poco a poco entorno a la admiración de los fenómenos climáticos y en el cosmos, que luego fueron adaptadas sus celebraciones y creencias paganas con la llegada del cristianismo. La música docta basa su escencia misma en esto también, en los cambios que vivió rusia, no sólo en cuanto a religión, sino también en cuanto a política. “La Overtura de 1812” es el más claro ejemplo de ésto, o la represión de muchos compositores durante el gobierno de Stalin, muchos de los cuales se vieron obligados a abandonar su patria.

La iglesia ha tenido una influencia fundamental en toda la música rusa, ya sea ésta: folklore, clásica, popular, etc... la iglesia desde que se instaló en rusia en la época de la llegada del cristianismo, a controlado la expresión musical, y es más, la expresión artística en general, junto a muchos otros aspectos de la vida cotideana. La iglesia ortodoxa acuñó las fiestas paganas y las “transformó” en las propias, por estar éstas cerca de fechas importantes religiosas. La iglesia, también, prohibió el uso de instrumentos músicales, es por esto que la música no se desarrolló plenamente en Rusia hasta el siglo XIX, dónde encontramos los primeros exponentes de música docta.

El folklore es aún muy popular en Rusia, tiene una fuerte influencia y forma parte fundamental de las vidas de estas personas soviéticas, que son, en general, muy tradicionalistas. Los instrumentos musicales folklóricos se usan incluso en interpretaciones de composiciones “clásicas”.

Por último cabe señalar una gran diferencia entre estos dos tipos de música. Esta diferencia es la estructuración musical, el folklore, a difencia de lo clásico, es de una escritura anárquica, sin rigidez; en cambio, la música docta, sigue un estilo y una composición de ciertos parámetros, a excepción de algunos compositores (como Stravisky, considerado “El Picasso” de la música), pero en general, sobre todo los nacionalistas, siguieron entre sí ciertas normas en la elaboración de sus composiciones.

ANEXO

Categorías Musicales Clásicas

En los últimos mil años la música clásica ha estado compuesta por una variedad de géneros. Cualesquiera sea la forma o descripción de una pieza musical determinada, cae siempre en una de éstas categorías: orquestal, de cámara, instrumental, coral y opera.

  • Orquestal

La típica orquesta como la conocemos hoy, puede ser remontada hasta la mitad del siglo XVII, pero no fue hasta mediados del siglo XIX que finalmente la orquesta se estableció como una patrón regular y básico de cuerdas, instrumentos de viento, acero y percución, con la adición de varios instrumentos “exóticos” de tiempo en tiempo.

Los distintos tipos de música orquestal son:

Sinfonía

Comunmente en cuatro, pero ocasionalmente en tres, movimientos contrastantes, Los de afuera comunmente de caracter vivaz, con un movimiento de reflección más lenta y contrastando con el minuet.

Poema Sinfónico

Un trabajo de un movimiento durante el siglo XIX, con un “programa” detallado por el compositor.

Overtura

Usualmente sólo el orquestal levantamiento de cortina durante una ópera, que comunmente se usa para abrir conciertos. Estubo muy de moda durante el siglo XIX componer overturas independiantes, con títulos pinturescos.

Concierto

Evolucionado de varias formas de trabajos musicales utilizando instrumentos solistas durante el Barroco y a fines del siglo XVIII denotaban tres movimientos (rápido, lento, rápido). Fue diseñado para mostrar la viertuosidad de un solista.

Balet

Evolucionó de pasajes de música danzable, usualmente en contexto a lo popular, muy de la era romántica (Tchaikovsky, Stravinsky y más).

Música Incidental

Compuesta en secciones cortas, con temas recurrentes, para una opuesta en escena.

Suite

Una selección de movimientos cortos tomados de un balet o música incidental, algunas veces orquestaciones o trabajos de otros compositores, aunque comunmente originales.

  • Música de Cámara

Comprendida como un tipo de música para pequeñas semblanzas de aproximadamente dos a quince músicos. Grupos más grandes sería comprendidos como orquestada.

El tipo más básico de música para acompañamiento de teclado. Los Duetos existen en este tipo de música para instrumentos de la misma familia musical.

Otros de estas composiciones son para: trios de cuerdas (violín, viola, chelo), piano trio (piano, violín, chelo), quarteto de cuerdas (2 violines, viola, chelo), quarteto de piano (piano, violín, viola, chelo), etc...

  • Música Instrumental Solista

En esta categoría cabe cualquier música compuesta para un sólo instrumento sin acompañamiento. Aunque hay muchos ejemplos de los distintos trabajos solistas, los más comunes son para: órganos, guitarra, etc.

  • Música Vocal

Es el tipo más antiguo, la voz humana viene desde el desarrollo vocal del hombre.

En su forma simple era una única, línea monodica (canto gregoriano). Luego vinieron los coros, catos, baladas, melodías, etc...

  • Opera

De invención italiana, nació al principio de la era barroca y auqnue ha cambiado desde aquel entonces, su concepción central se ha mantenido increíblemente consistente.

La opera típica abrirá con una overtura o preludio, la acción se esegmente en escemas y actos y dentro de éstos están los principales vehículos de expresión (a) el solo aria, dueto, trios, etc. Para los principales; (b) el coro, para grupos más grandes que comentan la acción (c) recitativo, una técnica formal similar a la conversación cantada.

BIBLIOGRAFIA

Sitio Web http://www.hnh.com/qcomp.htm

“The Classical Music Website”

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Editorial: Colección Austral

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Música Folklórica y Tradicionales Bruno Netli

De los Continentes Occidentales Editorial: Alianza Música

Pág. 94-103

Los Grandes Maestros de la M.D. Calvocoressi, Gerald Abraham

Música Rusa Editorial: Schapire

Pág. 51-59

Los Cinco Músicos Nacionalistas Carmen Monell

Rusos Editorial: SAETA

Pág. 51-35, 97-148, 152-190

Enciclopedia Interactiva Compton Edición 1997, inglés.

La Música, Los Hombres, Los Michel Rostislaw Hofman

Instrumentos y las Obras Tomos 3 y 4

Pág. 91-99, 261-279

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