Clasicismo musical

Música clásica. Lenguaje musical. Ópera. Sinfonía. Compositores clásicos. Haydn. Wolfgang. Mozart. Beethoven. Schubert. Felip Pedrell. López Chavarri

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INTRODUCCIÓN

Clasicismo (música), lenguaje musical desarrollado por Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven, que se caracteriza por un perfecto equilibrio entre forma y contenido musical.

EL CLASICISMO, UN ESTILO UNIVERSAL

El término clásico se aplica a la música de Haydn y Mozart incluso desde los útimos años del siglo XVIII. Poco después de la muerte de Mozart en 1791, su primer biógrafo observó que sus óperas, conciertos, cuartetos y otras obras eran dignas de alabanza dado que podían escucharse una y otra vez sin que llegaran a cansar. Incluso antes de 1800 se reconocía ya que las obras de Mozart serían objeto de un estudio continuado, por analogía con las obras maestras del arte griego y romano. Durante el clasicismo, el objetivo era alcanzar la universalidad del lenguaje musical, tal como ya señaló el teórico Johann Joachim Quantz en 1752: "Una música que es aceptada y reconocida como buena no sólo por un país... sino por muchos pueblos... debe, dado que se basa tanto en la razón como en el sentimiento del sonido, ir más allá de toda discusión y ser considerada la mejor". Si bien el estilo clásico trascendió de forma efectiva los límites nacionales, sus más célebres exponentes estaban asociados al nombre de la ciudad de Viena.
Los autores contemporáneos han recalcado que esta música debería agradar a todo oyente sensible y estar libre de cualquier tipo de complicación técnica innecesaria. Pero, por su poder de conmover y estimular, debería llegar más allá del mero entretenimiento. Esta música es el reflejo de la emergencia de la clase media a una posición de influencia durante el Siglo de las Luces. La filosofía, la ciencia, la literatura y las bellas artes comenzaron entonces a tener en cuenta al público general, en lugar de a un selecto grupo de expertos. La música se vio afectada de un modo similar: a medida que iba desapareciendo el mecenazgo, éste iba siendo reemplazado por un público de melómanos. El compositor alemán Carl Philipp Emanuel Bach dedicó intencionadamente a un mercado de amateurs y connoisseurs el título de una de sus colecciones de música para teclado. En una carta al padre de Mozart, Haydn señala como cualidades complementarias y dignas de elogio el conocimiento musical y el buen gusto presentes en la música de su hijo.

GÉNESIS DEL CLASICISMO

Ya en 1814 el escritor Ernst Theodor Amadeus Hoffmann reconoció la originalidad e integridad del nuevo lenguaje y señaló que el nuevo arte de Haydn, Mozart y Beethoven tuvo sus orígenes a mediados del siglo XVIII. Hacia la década de 1720 apareció un nuevo estilo muy influyente, el rococó (o estilo galante), cultivado principalmente en Francia. El llamado estilo expresivo (empfindsamer Stil) surgió algo más tarde, y estuvo básicamente asociado a los compositores alemanes. Ambos estilos se desarrollaron a partir de la práctica difundida en el barroco de poner el mayor interés melódico en las voces superiores. La importancia de la voz del bajo disminuyó de forma radical, dado que su papel quedó relegado al de mero soporte de la línea melódica principal en la voz superior.

Rococó fue un termino utilizado, en un principio, para designar los elaborados ornamentos en materia de decoración e interiorismo empleados en Francia durante el periodo de la Regencia. Galante era el término popularmente utilizado para indicar lo moderno, elegante y sofisticado. En la música, el estilo del rococó estaba asociado a la aristocracia, mientras que el estilo expresivo pertenecía a la clase media y estaba fundado sobre los sentimientos individuales. Ambos lenguajes fueron absorbidos más adelante dentro del clasicismo.

APORTACIONES DEL CLASICISMO

Los cambios en el lenguaje musical se centraron en los nuevos enfoques de la melodía y la armonía. Durante el periodo del barroco el carácter básico (Affekt) de un movimiento siempre era consistente. Tenía un único tema declarado al comienzo, y luego, en lugar de la cadencia habitual, era desarrollado y articulado por medio de la repetición secuencial de frases. Los compositores preclásicos mantuvieron la estructura basada en tonalidades relativas, pero comenzaron a introducir un grado mucho mayor de contraste dentro de los movimientos. La continuidad de los compositores del barroco fue reemplazada por frases más articuladas, que por primera vez crearon un nuevo problema de fluidez. El material melódico a menudo se basaba en acordes y se caracterizaba por una renovada simplicidad. Se rechazó el vocabulario armónico y tonal de los compositores del barroco y el ritmo armónico se hizo más lento: las progresiones convencionales a menudo soportaban una gran actividad dentro de la estructura.

Los nuevos lenguajes musicales permitieron la aparición de toda una gama de géneros musicales. En la música para teclado, el compositor francés François Couperin fue un ejemplo de estilo galante, y cultivó piezas de género descriptivo así como piezas para clavicordio llamadas ordres, cuyos movimientos de danza suelen tener títulos estrambóticos. De las muchas danzas del barroco, sólo el minué conservó su lugar en la música de cámara y en las composiciones para orquesta clásica. Era característico del rococó, con sus refinados pasos y gestos pequeños, pero demostró ser capaz de un desarrollo sofisticado a manos de Haydn y Mozart. El periodo del clasicismo fue testigo de un cambio radical en el papel de los instrumentos de teclado, a medida que iba desapareciendo de forma gradual la función del bajo continuo. Un hecho simbólico fue la decadencia de la sonata a trío, una de las formas instrumentales básicas del barroco. Ello dio pie al cuarteto de cuerda, cuya espectacular difusión fue uno los mayores logros de Haydn.

Durante el periodo barroco, los instrumentos de tecla sólo desempeñaron un papel importante en las sonatas para dos, tres o más instrumentos, pero en la primera mitad del siglo XVIII surgió la sonata para solista, que luego llegó a conquistar la importante posición que aún conserva. Uno de los compositores que más contribuyó a este género fue el italiano Domenico Scarlatti, cuyas sonatas virtuosas muestran un importante entendimiento del idioma musical y del enfoque experimental, tanto en las progresiones armónicas como en la estructura musical. A menudo introducía contrastes temáticos que podrían considerarse como un rasgo de modernidad.

Si la ligereza de sentimiento de Scarlatti lo conecta con el rococó, C. P. E. Bach es la quintaesencia del Empfindsamkeit (en alemán, 'sentimentalismo'). Fue él quien declaró que los objetivos principales de la música son los sentimientos y por ello era necesario que el músico tocase con el corazón y se viera comprometido emocionalmente. La expresión de Bach sobre las sutiles sombras de la emoción se asocia con el interés por la calidad vocal de sus sonatas y fantasías. La exteriorización de sentimientos y la propensión a las lágrimas y a los suspiros caracterizaron también al movimiento literario conocido como Sturm und Drang (tormenta e impulso), que tomó el nombre de una obra teatral de 1776 escrita por Friedrich Maximilian von Klinger. Este movimiento previo al romanticismo concedía una gran importancia a la libertad personal del artista que se tradujo en la música en una gran intensidad emocional y en un arranque de pasión que caracterizan algunas de las piezas para teclado del propio C. F. E. Bach. También afectó a una parte de la música instrumental y para orquesta del joven Haydn, quien reconoció libremente su deuda con el viejo compositor.

EL NACIMIENTO DE LA SINFONÍA

Italia era uno de los principales centros musicales en el periodo del clasicismo y fue allí donde brotaron las primeras semillas para el desarrollo de la sinfonía. La obertura de ópera se estableció en Italia alrededor de 1700, pero no fue hasta mucho más tarde cuando sus tres secciones fueron separadas del teatro para ser interpretadas aparte. Los primeros compositores italianos de sinfonías fueron Guiseppe Tartini y Giovanni Battista Sammartini. Sin embargo, pronto se impuso el predominio alemán en ese campo, especialmente en Mannheim, donde se hizo famosa la orquesta dirigida por Johann Stamitz bajo el patrocinio del elector Karl Theodor por su disciplinada precisión, que causó una gran impresión en Mozart. La escuela de Mannheim combinó el lirismo italianizante con la fuerza dramática de recursos instrumentales tales como el crescendo y el trémolo. El desarrollo de la orquesta clásica también debe mucho a los compositores austriacos Georg Matthias Monn y Georg Christoph Wagenseil, cuyo eclecticismo moderó la simplicidad del nuevo estilo y mantuvo los instintos de la experiencia contrapuntística. Las bien documentadas distinciones de los estilos nacionales a mediados del siglo XVII, dieron pie a una perspectiva verdaderamente internacional durante la época de Haydn y Mozart. Johann Christian Bach, hijo menor de Johann Sebastian Bach, tras estudiar en Alemania e Italia, comenzó con éxito una carrera como compositor e intérprete en Londres después de haber sido organista de la catedral de Milán. La gracia, elegancia y a veces melancolía de su lenguaje musical muestran la influencia inmediata del joven Mozart.

LA ÓPERA

El desarrollo de la comedia tuvo una importante influencia en el terreno de la ópera a lo largo del siglo. Los intermedios cómicos, que se representaban entre los actos de las óperas serias, introdujeron personajes, intrigas y situaciones extraídas de la vida real. La opera buffa pronto se independizó en obras como La serva padrona (1733), de Giovanni Battista Pergolesi. El género comenzó a adquirir una enorme influencia, que no perdió hasta las tres colaboraciones de Mozart con el libretista Lorenzo da Ponte: Las bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni (1787) y Così fan tutte (1790).

Durante el clasicismo también se produjo un movimiento de reforma de la ópera seria que trajo consigo una reducción de la importancia del aria y un incremento de los valores dramáticos, de los recitativos acompañados y de los coros. Invocando la razón y el buen gusto, Christoph Willibald Gluck describió así el virtuosismo vocal o los ritornelli orquestales interminables: "... siempre me he esforzado en mi música por destacar el texto de una manera simple y natural por medio de la expresión y la declamación adecuadas". La insistencia de Gluck de que toda ópera debía poseer un significado moral y expresar las emociones humanas, le han convertido en una figura destacada del clasicismo. Pero, a finales del siglo XVIII, la enorme influencia de la ópera seria italiana decaería, y los últimos exponentes de su refinada elegancia fueron compositores como Johann Adolf Hasse y Niccolò Jommelli.

AUTORES

Franceses

GEORGES BIZET: (París 1838- Bougival, Illa de França 1875). Compositor francès. Estudià amb Antoine François Marmontel, Jacques François Halevy i Charles Gounot, el qual influí en les seves primeres obres com simfonia amb do major. Guanyà el premi de Roma amb la cantata Clovis et Clotilde. Compongué les Pêcheurs de Perles, relativament ben acollides, la Jolie Fille de Perth, no tan reixida i Djamileh. També compongué música d'escena d'ambient provençal. Morí pocs mesos després de l'estrena de Carmen, òpera acollida amb una certa fredor, bé que convertida en una de les més populars després de la mort de l'autor.

L'obra escogida és Carmen. Começa amb un “solo”, una veu femenina, i després entra tot el cor.

GABRIEL URBAIN FAURÉ: (Pàmies, Llenguadoc 1845- París 1924). Compositor llenguadocià. Estudià a l'escola Niedermeyer de París (1853-65), i fou organista i profesor de Rennes. Tornà a París, on fou professor del conservatori i titular d'orgue de l'església de la Madeleine. L'any 1903 aparegueren els primers símptomes d'una sordesa que s'anà agreujant. Les seves obres per a piano, la majoria pertanyents al repertori de música de saló, mostren un profund coneixement de les possibilitats tècniques i expressives d'aquest instrument; es destaquen els cinc darrers nocturns, les cinc últimes barcacoles i els nous preludis.

Réquiem Mass: L'obra és un “réquiem”. En l'obra hi toquen instruments de corda tots alhora,i un instrumebt de corda solista, en aquest cas el violí. Un cor canta.

Catalanes

FELIP PEDRELL: Felip Pedrell y Sabaté era un compositor y musicólogo nacido en Tortosa el año 1841 y muerto en Barcelona el 1922. A los 22 años se estableció en Barcelona y, pensionado por las diputaciones de Tarragona y Gerona pudo ir a Roma y a Paris. Más tarde pasó a Madrid, donde el 1915 fue nombrado profesor del conservatorio.
    Pedrell estableció los primeros contactos con la musicología a nivel internacional y fue el fundador de los estudios musicólogos a los Países Catalanes y en el resto del Estado español. También destacó como editor de música culta y popular, así como de recopilación de artículos y trabajos diversos.
    Con su personalidad renovó el lenguaje musical y fue el iniciador de un teatro lírico nacional  hispánico. Sus discípulos más notables fueron Enric Granados, Manuel de Falla y Robert Gerhard.

AMADEU VIVES: Nació en Collbató, Barcelona, el 18 de Noviembre de 1871. Inició sus estudios musicales de armonía y composición en Barcelona con José Ribera. Se trasladó a Madrid donde trabajó algún tiempo de director de la banda de un asilo para regresar de nuevo a Barcelona para ocupar el cargo de maestro de capilla de las Religiosas de Loreto. Funda en 1891 en colaboración con Luis Millet el Orfeó Catalá para el cual armonizó diversas canciones populares catalanas y compuso alguna de excepcional inspiración como L'Emigrant. Con 14 años ya había compuesto algunas Sonatas. En 1895 comienza su producción lírica con el estreno de la ópera Arthus en el Teatro Novedades de Barcelona. La obra de Vives se caracteriza por una inspiración melódica fresca y fácil, no vulgar, elegante, noble e impregnada del espíritu español, tan pronto andaluz como castellano, catalán o gallego y por una harmonización rica y luminosa y por una orquestación robusta, transparente y de estructura magistral. Es de destacar que no siguió ninguna escuela ni estilo, sencillamente cultivó el suyo propio, lo que le llevaría a ganarse un puesto por méritos propios entre los grandes compositores españoles.

Valencianos

EDUARDO LOPEZ CHAVARRI: Nació en Valencia en 1871, y murió en la misma ciudad en 1970. Su gran cultura y su faceta autodidacta le permitieron dedicarse a variadas actividades, siempre relacionadas con la música: fue compositor, director de teatro y orquesta, musicólogo, crítico musical y profesor de conservatorio en Valencia.

Es uno de los representantes españoles del nacionalismo musical, como manifiestan los títulos de alunas de sus obras más importantes: “Acuarelas Valencianas”, “Sinfonía hispánica”, “Rapsodia valenciana”...

MANUEL PALAU: Nació en Alfara del Patriarca, en 1893, y murió en Valencia en 1967. Se formó en el Conservatorio de Valencia para luego ir a París, donde recibió consejos de Ravel y de otros importantes músicos del momento. Como López-Chavarri se extendió por el gran abanico de posibilidades que le ofrecía la música. En la composición aportó algo muy personal a la música del momento: su raíz folclórica-levantina durante el impresionismo que le llevó a la poli tonalidad.

Wolfgang Amadeus Mozart

Compositor austriaco del periodo clásico. Uno de los más influyentes en la historia de la música occidental. Nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo, y lo bautizaron con el nombre de Johannes Chrysostomus Wolfgang Amadeus Mozart. Estudió con Leopold Mozart, su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo.

A los seis años Mozart era ya interprete avanzado de instrumentos de tecla y eficaz violinista, a la vez que hacía gala de una extraordinaria capacidad para la improvisación y la lectura de partituras. A la edad de veintiún años Mozart buscaba en las cortes europeas un puesto mejor remunerado y más satisfactorio, pero sus deseos no se cumplieron. Marchó a Mannheim, capital musical de Europa por aquel entonces, con la idea de conseguir un empleo en su orquesta, y allí se enamoró de Aloysia Weber. Leopold envió a su esposa e hijo a París. La muerte de su madre en la capital francesa en 1778, el rechazo de Weber y el desprecio de los aristócratas para quienes trabajaba hicieron que los dos años transcurridos entre su llegada a París y su regreso a Salzburgo en 1779 fueran un periodo negro en su vida. Ya en su ciudad natal, Mozart compuso dos misas y un buen número de sonatas, sinfonías y conciertos. Estas obras revelan por primera vez un estilo propio y una madurez musical extraordinaria. Desde 1787 hasta la creación de Così fan tutte (1790, también con libreto de Da Ponte), Wolfgang no recibió nuevos encargos de óperas.

A pesar de su corta vida y malograda carrera, Mozart se encuentra entre los grandes genios de la música. Su inmensa producción (más de 600 obras), muestra a una persona que, ya desde niño, dominaba la técnica de la composición a la vez que poseía una imaginación desbordante. Sus obras instrumentales incluyen sinfonías, divertimentos, sonatas, música de cámara para distintas combinaciones de instrumentos, y conciertos; sus obras vocales son, básicamente, óperas y música de iglesia. Sus manuscritos muestran cómo, salvo cuando hacía borradores de pasajes especialmente difíciles, primero pensaba la obra entera y luego la escribía. Su producción lírica pone de manifiesto nueva unidad entre la parte vocal y la instrumental, con una delicada caracterización y el uso del estilo sinfónico propio de los grandes grupos instrumentales.

Ludwig van Beethoven

Beethoven fue un compositor alemán que fue considerado uno de los más grandes de la cultura occidental. Nació en Bonn el 16 de diciembre de 1770. Se formó en un ambiente propicio para el desarrollo de sus facultades aunque excesivamente rígido. El talento musical fue dirigido de forma tiránica por la disciplina de su padre, que era tenor en la capilla de la corte y que maltrataba a Beethoven de tal manera que lo dejo sordo para el resto de su vida. Beethoven empezó de músico en la corte para mantener a su familia. Beethoven marchó a Viena en el año 1792 para estudiar con el compositor austríaco Joseph Haydn.

En Viena, Beethoven deslumbró a la aristocracia con sus improvisaciones pianísticas, a la vez que llegó a acuerdos bastante beneficiosos con los editores de música de la ciudad. El creciente mercado de publicaciones musicales le permitió trabajar como compositor independiente, algo que Mozart intentó en la década anterior sin conseguirlo.

De su producción podemos destacar sus 9 sinfonías, las 32 sonatas para piano, los 17 cuartetos, los 5 conciertos para piano, el de violín, la opera de Fidelio, la missa solemnis, el oratorio Cristo en el monte de los olivos, etcétera...

Joseph Haydn

Nació el 31 de marzo de 1732 en Rohrau an der Keitha, cerca de Viena. Con ocho años entró en la escuela coral de la Catedral de San Esteban, en Viena, donde recibió su única formación académica. A los 17 años abandonó el coro y pasó varios años trabajando como músico independiente. Estudió los tratados de contrapunto y recibió algunas lecciones del prestigioso maestro de canto y compositor italiano Nicola Porpora. Haydn cambió en 1761, año en que fue nombrado director musical adjunto del príncipe Pál Antal Esterházy; en 1762 fue nombrado maestro de capilla. Trabajó para tres príncipes de la familia Esterházy. El segundo de ellos, el príncipe Miklós József Esterházy, fue un gran amante de la música. En Esterházy (Hungría), su lugar de veraneo, Miklós poseía una fundación musical importante, que fue dirigida por Haydn. Además de las sinfonías, óperas, operetas de títeres, misas, obras de cámara y música de danza que el príncipe le encargaba, también hizo que ensayara y dirigiera sus propias obras, así como las de otros compositores. Murió en 1809 después de fracasar en su matrimonio con María Anna Keller.

EN RESUMEN.

Durante el clasicismo, el objetivo era la universalidad del lenguaje musical.

El periodo del clasicismo fue testigo de un cambio radical en el papel de los instrumentos de teclado.

Títulos básicos publicados acerca del Clasicismo (música):

1. Beethoven, Ludwig van. Beethoven en cartas y documentos. Madrid: Editorial Tecnos, 1970. Recopilación de cartas y documentos escritos por Beethoven a través de los cuales nos acercamos a su modo de pensar y de sentir.

2. Berlioz, Hector. Beethoven. Madrid: Espasa-Calpe4ª ed., 1979. . Estudio de la obra de Beethoven en el cual se analizan en profundidad sus sonatas, la ópera Fidelio y sus sinfonías.

3. Grout, Donald Jay y Palisca, Claude V. Historia de la música occidental. 2 vols. Madrid: Alianza Editorial2ª ed., 1995. . Amplia obra escrita por una de las máximas autoridades en la materia, asequible a lectores con conocimientos elementales de música.

4. Herriot, Edouard. Vida de Beethoven. Barcelona: Aguilar, 1988. Amena biografía ilustrada sobre la vida de Beethoven que lo sitúa dentro del contexto histórico-artístico de su época.

5. Poggi, Amedeo y Vallora, Edgar. Beethoven. Repertorio completo. Madrid: Ediciones Cátedra, 1995. Obra musical de Beethoven ordenada según su número de catálogo con información técnica e histórica.

6. Sadie, Stanley y otros. The New Grove Dictionary of Music and Musicians. 20 vols. Londres: Macmillan Publishers Limited6ª de., 1980. . Se trata de la obra enciclopédica más completa que existe en el mercado. Contiene más de 22.500 entradas escritas por 2.300 colaboradores.

Los compositores más importantes son:

  • Haydin

  • Mozart

  • Beethoven

  • Schubert

Las obras más importantes son:

Mozart.

Concierto para troma nº4.

A diferencia de los conciertos barrocos en los que se alternan la parte solista y la orquestal, en los conciertos del compositor austriaco Wolfgang Amadeus Mozart se combinan ambas partes para formar un todo. Sus cuatro conciertos para trompa fueron decisivos para la aceptación de ésta como instrumento solista.

Così fan tutte, k5BB

La ópera del compositor austriaco Wolfgang Amadeus Mozart Così fan tutte (1790) fue escrita por encargo del emperador José II. Se estrenó en Frankfurt y Leipzig en 1791, pero el éxito no llegó hasta después de la muerte del compositor.

Beethoven

Cuarteto en sol mayor para cuerda.

para cuerda (1801) del compositor alemán Ludwig van Beethoven revela un estilo individualista, modulaciones poco convencionales y motivos expresivos característicos. Este fragmento del allegro está dominado por un ambiente animado con diferentes variaciones sobre los motivos del movimiento.

Sonata para piano nº32

La última sonata para piano del compositor alemán Ludwig van Beethoven tiene un primer movimiento rápido y vibrante, y un segundo formado por una serie de variaciones de gran serenidad. En este fragmento se escucha el tema que se va deshaciendo en notas cada vez mas breves.

Haydn

Cuarteto de cuerda nº3, El emperador.

El compositor austriaco Joseph Haydn compuso 83 cuartetos de cuerda en 40 años. Este movimiento del Cuarteto de cuerda opus 76 está basado en cuatro variaciones de El himno del emperador (1797).

Sinfonía de los adioses.

La Abschiedssymphonie o Sinfonía de los adioses (1772) es el nombre por el que se conoce a la Sinfonía nº 45 en fa sostenido menor del compositor austriaco Joseph Haydn. El título procede del adagio con el que termina la obra durante el cual todos los instrumentos, excepto dos violines, van acallando su música de forma progresiva hasta el silencio final.

Schubert.

Quinteto de cuerda en do mayor, D 956

En los intervalos en los que gozó de salud, en su último año de vida (1828), Franz Schubert continuó componiendo a gran velocidad: tres sonatas para piano, una misa, varios lieder, y este quinteto. El lirismo e intimidad de esta obra, junto con la serenidad que transmite, sorprenden a pesar de las circunstancias de pobreza y enfermedad en que fue escrita.

Sinfonía inacabada.

En el momento de su fallecimiento a la edad de 31 años, Franz Schubert había compuesto, entre otras, 9 sinfonías, 22 sonatas para piano, 35 obras de cámara y más de 600 lieder (canciones). Su octava sinfonía, llamada Inacabada por constar solamente de dos movimientos, está considerada como la primera sinfonía romántica.

También hay una obra muy importante de Gluck, llamada Eco y Narciso.

El compositor alemán Christoph Willibald Gluck (1714-1787) comenzó el proceso de reforma de la ópera que dominaría el estilo de composición de los siglos XVII y XVIII. Aunque sus primeras óperas son de estilo italiano, las posteriores se vieron influidas por las ideas mas radicales y los movimientos reformistas de su época. La ópera Eco y Narciso se estrenó en 1779 en París.