VIDA DEL PINTOR

Michelangelo Merisi nació el 28 de septiembre de 1571 en l (Italia). Ésta su ciudad natal fuel la que le dio nombre y así este pintor es conocido con el nombre de Caravaggio. Provenia de una acomodada familia, ya que su padre era un alto funcionariode la corte de Caravaggio, éste cuidaba el estado de diversos edificios del poderoso.

En 1576, estando en Milán una epidemia de peste provoco la muerte de su padre y la familia Merisi tuvo que volver de nuevo a Caravaggio.

Años más tarde, en 1584, Caravaggio regresa a Milán por su cuenta e ingresa como aprendiz en el taller de Simon Peterzano. Éste introduce a Caravaggio en los postulados de la reforma trentina y el estilo manierista, y consiguió trasmitir al joven algunos valores pictoricos de tradición Lomarda y veneciana, como son el color y la sensualidad de Venecia y el luminismo realista de Lombarda. Caravaggio aprendió también de su maestro el modoo de manejar la luz, el color y el sentido de la realidad. Pero Caravaggio nunca siguió las reglas que debían aplicarse a la pintura de su época y así, nunca acepto que el modelo artístico fuese el Renacimiento o la época clásica, ya que para él el verdadero modelo se encontraba en la naturaleza. Caravaggio consideraba de igual belleza a un cuadro de flores o frutas que a un cuadro sobre historias bíblicas.

Otra norma que existía en esta época y que Caravaggio no cumplió fue el decoro. El decoro es la norma según al cual sólo se eligen para ser representados aquellos elementos convenientes a la dignidad del tema, ciertos principios básicos que el pintor no podía pasar por alto. Sin embargo Caravaggio violó constantemente el principio del decoro, dibujando virgenes cuyos modelos eran prostitutas, ángeles chaperos, etc. Estos elementos hicieron que muchos de sus compradores, integrantes de la iglesia, rechazasen sus cuadros. Aún así coleccionistas romanos y extranjeros seguían disputándose sus obras.

Caravaggio intentó captar la atención del público pintando personajes en actitudes sorprendentes. Esto lo conseguía mediante “el moto”, que es el movimiento interno de las figuras, que traduce las pasiones y la psicolgía de los mismos.

A partir del año 1589 llega una etapa mala en la vida del pintor. Mientras vivia en Milán su madre se puso enferma y él se ve involucrado en un delito de agresiones que le lleva a la cárcel. Para salir de la carcél decide vender unas posesiones familiares y reparte las ganancias con su hermano. Con el poco dinerio que le sobra decide marchar a Roma para avanzar en su carrera como pintor.

A su llegada a Roma se aloja con el cardenal Pandolfo Pucci di Recanti. La relacion que mantuvo con este cardenal le permitió ponerse en contacto con la familia Aldobrandi. Posteriormente, trabajó en el taller de Antiveduto della Gramatica, donde realizaba cuadros de medias figuras.

Caravaggio siguió trabajando en distintos sitios y para distintas personas hasta ser contrtado por el Caballero de Arpino. Este poderoso personaje le proporcionó algunos de sus clientes más importantes y fue una persona que influyó notablemente en su pintura.Caravaggio aprendio de éste la manera de realizar

bodegones y fruteros. Mientras tanto, Caravaggio se asocia con el pintoresco Prosperino Orsi, también llamado Prosperino delle Grutesche.

Pero sin duda alguna, el personaje más influyente y el que supuso el gran empujón en su carrera fue el cardenal Francesco del Monte, representante del Gran Duque de Médici en la Santa Sede. Éste era un experto conocedor de la pintura, la música, científico, alquimista y seguidor de Galileo Galilei, que más tarde fue condenado a muerte por la Inquisición. El cardenal se convirtió en el protector de Caravaggio en el año 1595-1596 y vivió con el hasta el año 1600. El cardenal del Monte le puso en contacto con familias como los Giuliani, los Mattei y los Crescenza, y le consiguió sus primeros encargos públicos de importancia.

En estos primeros años en Roma, Caravaggio se dedicó fundamentalmente a una pintura de género. Preparaba para cada cliente escenas de difícil lectura, llenas de claves que guardaban varios significados. Convertía un simple lienzo en una sofisticada y sutil exposición de ideas y pensamientos. Este tipo de pintura mezcla un realismo con un trasfondo alegórico. En muchas obras de Caravaggio podemos observar distintos elementos que quieren decir algo más que el simple hecho de que están ahí pintados, tienen un trasfondo. Así pues, en algunos cuadros de Caravaggio se puede apreciar ciertos elementos que indican sus tendencias homosexuales, y también su gusto por la música.

La primera variación en el estilo de Caravaggio se dio cuando recibió el encargo de la CapillaContarelli. Este encargo, que fue conseguido por el cardenal del Monte para Caravaggio, resultó trascendental, ya que sus pinturas iban a estar expuestas al público en la capilla de la iglesia de San Luis de los Franceses. Además, se consideró que este encargo pudiése tener algunos aspectos políticos, ya que en 1593 Enrique IV de Francia se había convertido del protestantismo al catolicismo. Caravaggio consiguió con este encargo una fama inmediata que propició siguientes encargos públicos, como dos lienzos para Santa María del Popolo.

En sus primeras pinturas, Caravaggio pintaba los elementos imprescindibles para organizar la escena, sin mostrar el fondo ni el contexto donde tiene lugar, y sin narración. Pero este encargo supuso, como ya he dicho antes, un cambio en el estilo de Caravaggio. Debía evolucionar de sus escenas esenciales a una pintura histórica. La pintura histórica consiste en relatar una historia, y para esto es necesario un mayor número de personajes, su contextualización en un etorno y acciones más generales. Así debía concentrar la historia en un momento cumbre y para ello prescindia de fondos y aplicaba un gran contraste luminoso, lleno de claroscuros, que ensalzaba a los personajes En ocasiones Caravaggio recurrió a un término medio, con figuras extraordinariamente versistas y monumentales, que llenaban de solemnidad el lienzo.

De aquí en adelante, Caravaggio tuvo algún encargo más pero poco a poco éstos se paralizaron. Esto fue debido a sus faltas contra el decoro que la iglesia y los canales oficiales no podían aceptar. Aun así Caravaggio siguió vendiendo sus cuadros a extranjeros.

• Problemas con la justicia

De 1599 a 1606, viviendo Caravaggio en Roma, comienza una etapa en su vida llena de escandalos y pasiones encontradas. Durante estos años Caravaggio tuvo múltiples problemas con la justicia provocados por peleas o agresiones debidas a su carácter conflictivo. Así, en 1601, Caravaggio hirió de espada en una pelea a Flavio Canonico,un antiguo sargento del castillo de Sant´Angelo, y fue encarcelado. Caravaggio fue excarcelado debido a la intervención del embajador de Francia. Poco después, en 1602, Caravaggio tuvo grandes disputas con su biógrafo Giovanni, entre las que se sucedieron demandas por ambas partes. Baglione le demandó por líbelo, más tarde por frecuenter chaperos, y Caravaggio repartió poemas satíricos ridiculizando a Baglione.

Entre 1604 y 1605 los encarcelamientos y las agresiones se sucedieron a gran ritmo, siendo ayudado por su protector, el cardenal del Monte. El hecho más destacado en este período es el intento de asesinato al notario Mariano Pasqualone. Éste le acusaba de vivir con Lena, una prostituta que posaba para él.

Finalmente, el hecho más grave fue el asesinato de Tomassoni. Sus protectores no pudieron hacer nada esta vez y sobre Caravaggio cayó un sentencia de decapitación que le obligó a huir de Roma. Caravaggio estaba jugando a la pelota con Tomassoni y los dos se enzarzaron en una pelea en la que Caravaggo acabó por asestarle una puñalda a Tomassoni que le causó la muerte.

• Sus últimos años

Después de la sentencia de decapitación que había sobre él y de huir de Roma Caravaggio se refugia en los Colli Albani, durante el verano de 1606. Allí contó con la protección de los Colonna. La pintura de Caravaggio cambia en esta época, él es un proscrito y su pintura se vuelve mas realista y arenúa los colores. Pero allí su carrera como pintor de éxito no podía avanzar y decide marchar a Nápoles. Allí no tiene que preocuparse por la sentencia de decapitación, ya que s virreinato español, ajeno a la jurisdicción romana. En Nápoles recibió importanates encargos, como las siete Obras de Misericordia o La Madona del Rosario.

En 1607 se enteró de las obras para constriur la protocatedral de San Juan de Valetta, en Malta y se trasladó allí en busca de encargos. Allí recibió la protección y el asilo de de la Orden de los Caballeros de Malta, y en especial la de su gran Maestre, Adolf de Wignacourt. En Malta recuperó de nuevo el renombre como artista y le nombraron caballero de la orden. Sin embargo, una nueva pelea, con uno de los nobles caballeros le llevó a la desgracia de nuevo y tuvo que huir de nuevo esta vez a Sicilia.

Durante 1608 y 1609 estuvo trabajando en Sicilia, Siradusa y Messina, pero sigue creando problemas y en Octubre de1609 se refugia en Palermo donde recibe una paliza que eldeja desfigurado, los agresores eran presumiblemente emisarios del caballero de Malta.

La pintura de estos últimos mese es agónica, cubierta por un velo de luz difusa que confunde los personajes. En estos momentos realiza el David, considerada su última obra y una petición de perdón al papa.

Finalmente, Caravaggio muere el 18 de Julio de 1610 en la playa de Porto Ercole de disentería o pulmonía, después de haber pérdido un barco de regreso por estar detenido.

SU OBRA

La pintura de Caravaggio está claramente marcada por el tratamiento de la luz. En sus cuadros se puede observar la gran maestria con la que maneja la luz, emplea la técnica del tenebrismo creando grandes contrastes entre luces y sombras. Caravaggio utiliza la luz para llenar de realismmo la escena y consigue destacar violentamente las partes iluminadas sobre las que no lo están. Utiliza luz artificial para construir la forma, introduce un foco de luz que, normalmente, atraviesa el cuadro diagonalmente, con esto consigue resaltar los personajes de la escena y, en muchas ocasiones, prescindir de fondos.

Caravaggio utiliza personajes reales, sacados de la vida diaria, tanto para representar temas religiosos como mitológicos. Así, los santos y apostoles son en realidad campesinos y taberneros. De igual manera, viste a los santos y a Cristo con ropas actuales y no con las túnicas habituales. Estos elementos hicieron que la pintura de Caravaggio fuese rechazada por integrantes de la iglesia.

La pintura de Caravaggio es dramática y violenta, rechaza el mundo clásico, ya que lo considera que está alejado de la realidad. Su obra está dirigida hacia el realismo y la verdad.

La idea de la murte es dominante en toda su obra.Abre el camino a al pintura de género, especialmente a la naturaleza muerta.

En la obra de Caravaggio podemos distinguir dos fases:

• La fase juvenil; hasta 1597. Su pintura está llena de luz y fondos claros. Está hecha de una gran calidad cromatica y trasparencia de las sombras, a base de claros toques de color y sombras trasparentes. A este período corresponden: “Descanso en la huida a Egipto”, “ Magdalena y “Baco joven”.

• A partir de 1597; su obra concentra el aspecto coloristico y plástico. Configura plenamente el tenebrismo, utiliza un único foco de luz para resaltar lo que más le interesa. Logra con esta luz loos mejores efectos espirituales. Obras de esta etapa: “La crucifixión de San Pedro” “ La conversación de San Pablo”, “La muerte de la virgen” y “ El entierro de Cristo”.

COMENTARIO DE OBRAS

“La Madona de los parafreneros”

El cuadro representa a una madre con su hujo tratando de matar a una serpiente, pisándole la cabeza. En la parte derecha del cuadro, también aparece una señora mayor observándo la esecena.

La cara del niño expresa dolor y asco por la situación. Sin embargo, la cara de la madre expresa una gran tranquilidad.

Caravaggio utilizaba los contrastes de luces y sombras para conseguir un mayor realismo y tenebrismo. En este cuadro, la luz se introduce por la parte superior izquierda atravesando el lienzo diagonalmente, esto consigue realzar a los personajes sobre el fondo.

Los pliegues en las ropas de la madre y en la cara de la señora aportan un mayor realismo al cuadro.

Por otra parte, también es importante la viveza de los colores empleados en las prendas de los personajes del cuadro.

“ Judith y Holofernes”

Este cuadro represeta una escena de gran tensión en la que la luz es utilizada de nuevo para causar un mayor realismo y tenebrismo. En la escena, Judith está degollando a Holofernes mientras una vieja sirvienta contempla la escena con regocijo. La cara de la sirvienta, llena de asco y repugnancia, está cargada de expresividad, y las arrugas y el gesto que mantiene aportan al cuadro el tenebrismo que también es conseguido por la luz.

La cara de Judith se contrapone totalmente a la de la sirvienta. Judith tiene un gesto de dolor y miedo ante la situación. El artista contrapone en estos dos personajes, no solo la expresión de sus caras, sino la belleza y la frialdad, la miseria y la riqueza de la joven.

Por otra parte, la cara de Holofernes está, también, llena de expresividad, representa el dolor, el sufrimiento, la agonía.

Otro elemento importante y que cabe destacar es la gran belleza y realismo con la que Caravaggio pinta los pliegues de la ropa.

“David y Goliat”

El relato bíblico que narra la disputa entre David y Goliat es representado en el cuadro. En la escena,aparece el joven David sujetando la cabeza cortada de Goliat.

Caravaggio se retrata a si mismo en la cabeza de Goliat. Esto demuestra los grandes tormentos que pasó el pintor.

Como en todas sus obras, la luz tiene un papel esancial en el conjunto de la obra. Los contrastes entre luces y sombras convierten la obra en una escena tenebrosa.

En la cara de Goliat se puede observar el gran sufrimiento y dolor que intenta trasmitir el autor.

El cuadro es de tipo naturalista y consigue un realismo perfecto.

Cabe destacar de nuevo la facilidad de Caravaggio para pintar los pliegues de las ropas

La obra fue pintada entre 1605 y 1606, en los últimos años en que vivió Caravaggio en Roma, de la que huyó debido a que caía sobre él una condena de decapitación por asesinato.

“El sacrificio de Isaac”

Como en muchos de los cuadros de Caravaggio, el tema que se representa es bíblico. En este caso, es el sacrificio de Isaac. Abraham ofrece su hijo Isaac a Jahvé demostrándole así su fe. En el cuadro aparece Abraham con un cuchillo disponiédose a sacrificar a su hijo. A la izquierda, se encuentra un ángel.

El contraste de sombras y luces en este cuadro es exagerado ya que sólo existe un foco de luz, artificial, que ilunima desde una esquina superior y atraviesa el cuadro diagonalmente. Esto realza violentamente a los personajes de la escena.

Una vez más, los pliegues de las ropas son dignos de admirar, la túnica de Abraham está llena de estos.

S igue el gran realismo de sus obras y su naturalismo.

“San Jerónimo”

En este cuadro aparece San Jerónimo escribiendo encima de una mesa con una calavera encima de la mesa.

La luz vuelve en este cuadro a resalzar al personaje sobre un fondo oscuro no iluminado.

Los pliegues en la ropa están como siempre muy bién marcados y dan un gran realismo a la obra.

La escena que no es sólo la beleza de lo pintado tiene dobles signifcados y todos los elementos quieren decir algo, la calavera ...

Es un cuadro de tipo naturalsta y con un gran realismo en todos sus elementos y figuras.

“Los Músicos”

En el cuadro se representan tres jóvenes músicos con una guitarra. Estos jóvenes tienen un aspecto afeminado, una ambigüedad sexual. Los jóvenes podían ser castrti dado a su aspecto afeminado. Este elemeto y algunos otros reflejaban la posibles tendencias homosexuales de Caravaggio.

En el cuadro, el modelo se repite en los personajes, algo que solía hacer Caravaggio.

Las ropas de los músicos están llenas de pliegues tratados perfectamente por Caravaggio.

El manejo de las luces y sombras, aunque no se contrastan violentamente como en otros cuadros, sigue siendo muy importante.

Naturalista y realista este cuadro de Caracaggio es como casi todos una fotografia de la realidad.