Arte contemporáneo

Vanguardias artísticas. Pintura. Arquitectura. Escultura. Siglo XX. Organicismo. Surrealimos. Arte abstracto. Expresionimo. Cubismo

  • Enviado por: Txali
  • Idioma: castellano
  • País: España España
  • 28 páginas

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Índice:

  • Arte del siglo XX: las vanguardias históricas.....................................2

  • Arquitectura...............................................................................................3

  • Introducción.........................................................................................3

  • El racionalismo y el movimiento moderno.......................................3

  • El organicismo......................................................................................4

  • Extensión del movimiento y arquitectos más destacados..........5

  • Los rascacielos.....................................................................................8

  • La Bahuaus...........................................................................................10

  • Pintura.........................................................................................................12

  • Cubismo ................................................................................................12

  • Pinturas naíf y metafísica.................................................................15

  • El futurismo..........................................................................................16

  • Dadá ......................................................................................................17

  • El surrealismo.......................................................................................18

  • El arte abstracto.................................................................................20

  • Rayonismo..................................................................................21

  • Suprematismo...........................................................................21

  • Neoplasticismo.........................................................................22

  • Expresionismo abstracto.......................................................22

  • Informalismo............................................................................22

  • Op-art........................................................................................22

  • El fovismo..............................................................................................23

  • El expresionismo..................................................................................24

  • La escultura................................................................................................26

  • Escultura humanista...........................................................................26

  • Escultura expresionista.....................................................................26

  • Escultura cubista................................................................................27

  • Escultura orgánica..............................................................................27

  • Abstracción no figurativa.................................................................27

  • Arte cinético........................................................................................28

  • Escultura futurista.............................................................................28

  • Escultura en hierro.............................................................................28

  • Bibliografía..................................................................................................29

  • Arte del siglo XX: las vanguardias históricas:

    Durante la época de las grandes vanguardias históricas se produce en el arte una auténtica revolución de las artes plásticas.

    Frecuentemente pintura y escultura van de la mano, son los mismos artistas los que destacan en ambos campos, puesto que más que una revolución de la destreza o la técnica se trata de una nueva visión del arte, un nuevo concepto de lo que es la obra de arte, que implica una nueva estética.

    En el siglo XX se producirá la mayor revolución estética de la historia del arte, que abandonará la imitación de la naturaleza para centrarse en el lenguaje de las formas y los colores, sin intermediarios.

    En el siglo XX tendrán lugar las rupturas con el lenguaje artístico que han venido siendo aceptadas desde el arte clásico. Se subvierten las relaciones entre forma y contenido. Es la hegemonía del inconsciente, de la reconstrucción mental de la obra. Al espectador de le exige una nueva actitud ante la obra de arte. Los estilos dejan de ser internacionales para ser característicos de un grupo de artistas. Aunque frecuentemente citare a los artistas en un solo estilo, lo normal es que participasen en más de uno, pero les citare sólo en aquellos movimientos por los que son más conocidos.

    La escultura participa de los mismos supuestos estéticos que la pintura, puesto que los movimientos voy a nombrar son más una actitud ante el arte que una estética. Los artistas se prodigan entre escultura y pintura. Incluso, con el tiempo, se identificaran cada vez más hasta llegar a confundirse. No obstante, en cada movimiento hay escultores. Sólo el dadaísmo y el arte cinético son movimientos principalmente escultóricos.

    El hito que inicia la revolución del arte es la exposición universal de 1900 en París. Esta es la exposición del triunfo de la ciencia y la tecnología, de la asunción de la tecnología como un valor. La gente va a ver las máquinas que están expuestas como si fuesen estatuas. El concepto de belleza puede cambiar.

    Dos nuevas técnicas están vinculadas al arte (aunque no voy a hablar de ellas): la fotografía y el cine; y dos son los motores del nuevo concepto del arte: lo lúdico y la agresividad autodestructiva. Otro ideal de belleza comienza a imponerse, el hallazgo de lo sensitivo y lo conceptual. Surge una nueva forma de pensar el arte.

    Curiosamente, el centro del arte se traslada de París a Londres y Nueva York.

    A partir de ahora, tras los descubrimientos del impresionismo y los nabís, nada será igual en el arte.

    Arquitectura:

    Introducción

    La arquitectura del siglo XX está dominada por el funcionalismo. No se trata de un movimiento artístico, sino de un principio estético racionalista que se manifiesta en obras adscritas a diferentes tendencias

    El racionalismo y el movimiento moderno:

    El racionalismo es la arquitectura del nuestro tiempo. La vivienda que utilizamos en las ciudades, los conceptos urbanísticos, y el mundo artificial que nos rodea cotidianamente es de concepción racionalista.

    El racionalismo se caracteriza por la desornamentación decorativa, la sinceridad de los materiales, y los volúmenes de geometría perfecta (cubos y prismas cuadrangulares). El racionalismo rompe con el pasado en sus símbolos y su lenguaje. La forma es consecuencia de la función. El racionalismo triunfa porque ayuda a las nuevas tecnologías y se sirve de ellas, de la industria, y además ayuda a optimizar el precio del suelo en los países capitalistas. El racionalismo no pretende limitarse a construir edificios, sino que da una nueva concepción de la ciudad como centro urbano, mercado y lugar de habitación. Propone la división de la ciudad en espacios funcionales organizados racionalmente no dejando a las fuerzas del capitalismo la organización de la ciudad. Esta concepción de la urbe, tiene gran peso en las ciudades actuales, aunque no se han podido librar del peso de la historia, ni del imperio del mercado del suelo.

    Sus características generales son las siguientes:

    • Las formas siguen a la función, de ahí su fin practicista

    • La forma esta subordinada a las necesidades tecnológicas

    • Predominan las formas octogonales. Apenas las hay curvas porque aumentan el costo del programa constructivo

    • Se utiliza la asimetría como expresión de una libertad compositiva

    • Nació en convivencia con la pintura y la escultura cubista y neoplasticista. Del neoplasticismo toma la combinación de espacios cuadrados y rectangulares, y del cubismo el concepto espacio-tiempo como justificación de la asociación de la visión frontal con la de perfil, y conocimiento del interior de los objetos, perforándolos

    • Se abandona la dictadura de la fachada principal, importando todos los planos del edificio

    • Gran uso de cristaleras, que permiten un mejor conocimiento del interior, y son aliados de la higiene y del confort

    • El edifico más característico es el rascacielos (más adelanta hay más información de él)

    • En un principio está pensado para oficinas. Posteriormente se le dará también un uso residencial

    • Los materiales con los que está construido son el hierro para la cimentación, y el hormigón recubriendo el hierro para la estructura horizontal

    • El rascacielos debe ser elástico ya que recibe el impacto del viento

    • Hasta 1930 los rascacielos son edificios escalonados con vestimenta histórica, es decir, que utilizan elementos arquitectónicos, con fines decorativos, asirios, griegos, góticos y renacentistas. Es el caso del Empire State Building, cuya cúspide se levanta 400 metros sobre el suelo. Desde ese año disminuye, casi hasta desaparecer, la vestimenta historicista

    El racionalismo nace con la influencia decisiva de la Bauhaus (Algo más adelante hay más información sobre ella) y el arte abstracto de Kandinsky, Maléevich, Mondrian y Klee. Pretende liberar al arte de toda ideología, a través de la ciencia y las matemáticas, pero al mismo tiempo hacerlo accesible a todos en igualdad de condiciones, libre de las fuerzas de mercado, lo que le acerca al socialismo.

    El organicismo:

    Características generales;

    • Parte de las soluciones técnicas del funcionalismo

    • Es una arquitectura de ritmo constructivo acelerado y más económica

    • Los edificios están pensados para el disfrute de grandes hombres

    • Usa las vidrieras continuas

    • Se tiene en cuenta la acústica, la armonía de los colores y el medio geográfico circundante, colaborando en la tarea del arquitecto tanto el ingeniero como el electricista, el geógrafo y el sociólogo.

    • La forma del edificio determina su acústica. Si es redondo o cuadrado habrá buena propagación del sonido. Si por el contrario es rectangular esta será mala.

    • El espacio tiene una fundamentación fisiológica y psicológica, incorporando las comodidades como los electrodomésticos.

    Todas estas ideas sobre el arte moderno se recogen en el CIAM, Congreso Internacional de Arte Moderno, celebrado en Atenas en 1933.

    La figura más representativa del movimiento moderno es Le Corbusier. Para él cada casa es una máquina para vivir. La técnica se une a la tecnología en los edificios para hacer más cómoda la vida. El edificio debe identificarse con su entorno, y debe tener un espacio verde a su alrededor, para integrar la naturaleza con la vivienda. Esta identificación con su entorno natural le acerca a los utópicos del neoclasicismo, y al organiscismo de Wright (explicado más adelante).

    Extensión del movimiento y arquitectos más destacados:

    Auguste Perret (1874-1954) es el primero en utilizar el hormigón armado de manera integral en un edificio de viviendas, aunque no inventa su técnica ya que venia siendo utilizada en obras de ingeniería. Lo que sí hace es utilizarlo como elemento arquitectónico dejándolo a la vista. Número 25 de la calle Franklin en París, teatro de los Campos Elíseos, reconstrucción de Le Havre, Notre-Dame de Le Raincy.

    En Alemania aparece un movimiento arquitectónico expresionista, cuyos edificios asemejan cuerpos vivos. Entre estos arquitectos destacan Hans Poelzing (1869-1936) depósito de agua de Posen, Fritz Hoeger y Erich Mendelssohn, almacenes Peterdoff en Stuttgart.

    Walter Gropius (1883-1969) es uno de los primeros y más importantes arquitectos del movimiento moderno. Fue el fundador de la Bauhaus y uno de sus miembros más destacados, así como su animador e ideólogo. Comienza interesándose por las viviendas normalizadas y las casas baratas para los obreros. En 1911 construye la fábrica Fagus, que es toda una revolución en la concepción de los grandes espacios. Utiliza grandes superficies acristaladas y suprime los soporte de ángulo, utilizando, y reinventando, el muro cortina, un muro que cubre la fachada sobresaliendo algo de los soportes de los edificios. En 1914 construye la fábrica modelo de la exposición Werkbund, en la que utiliza una serie de cajas en jaula, dispuestas en alto y que sirven de oficinas acristaladas. En 1926 construye la sede de la Bauhaus en Dessau, muy influido por el cubismo pictórico. En 1938 se instala en Estados Unidos huyendo de los nazis. Construye Harvard, donde da clases, un conjunto de dormitorios para estudiantes. En 1963 construye el edificio de como la casa Citroën que construye en 1921. Obras suyas son villa Saboye en Poissy, villa Stein en Graches, Notre-Dame de Haut en Ronchamp, Tribunal Supremo de Chandigaeh.

    Alvar Aalto (1898-1976) es un finlandés que, junto a Wright, es el representante más destacado de la arquitectura orgánica. Construye en la naturaleza y en armonía con ella. Su obra más significativa es el sanatorio de Paimio, en el que los bloques están separados funcionalmente y unidos por pasadizos elevados o subterráneos en diferentes pabellones. Oras obras suyas son el Ayuntamiento de Saynatsaelo, Caja de ahorros de Helsinki, Opera de Essen, Museo de Arte de Bagdad.

    Otros arquitectos importantes son Tony Garnier ciudad industrial de Lyon, Adolf Loos (1870-1933) villa Steiner, almacenes Michaelerplatz, Hendrik Petrus Berlage, bolsa de Amsterdam Jacobus Johannes Pieter Oud, Marcel Breuer y Philiph Johnson.

    En España el racionalismo entra por medio del grupo GATEPAC (Grupo de Artistas y Técnicos Españoles para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea) que introducen los ideales del CIAM. Aquí encontramos a García Mercadal, rincón de Goya en Zaragoza, cine Fígaro en Madrid, Sánchez Arcas, cine Coliseo de Madrid, Carlos Arniches, Residencia de Señoritas de la calle Miguel Ángel, José Manuel Aizpurúa, Josep Lluis Sert, ciudad de reposo en Gavá y en Castelldefels, Germán Rodríguez Arias, edificio Astoria, Raimon Duran i Reynals y Josep Torres Calvé, Dispensario central Antituberculoso. Todos ellos trabajaron, fundamentalmente, durante la Segunda República. Durante el franquismo destacaron Miguel Fisac, Francisco Javier Sáenz de Oiza, Javier Carvajal, Oriol Bohigas, Ricardo Bofill, Fernando Higueras y José Rafael Moneo, alguno de los cuales trabajan aún. Algunos españoles, que trabajaron sobre todo en el extranjero son Eduardo Torroja (1899-1961), mercado de Algeciras, tribunas del hipódromo de la Zarzuela, puente de Martín Gil sobre el Esla, Club Tachina en Caracas, Josep Lluis Sert (1902-1983), embajada de Estados Unidos en Bagdad, Fundación Miró en Barcelona y Felix Candela.

    En el Tercer Mundo hay que señalar las construcciones de Ciudad de México, con Felix Candela, Palacio de los Deportes de Ciudad de México, como figura más importante. La creación de Brasilia, con arquitectos cono Oscar Niemeyer, Lucio Costa y Eduardo Alfonso Reidy. También veremos algunos de los edificios más altos del mundo, como las torres Petronas en Kuala Lumpur, Malasia (452,60 metros)

    También hay que reseñar la labor de la reconstrucción de Japón tras la Segunda Guerra Mundial, con arquitectos como Kenzo Tange, complejo olímpico de Tokio, Kiyonori Kikutake, Ciudad marina, Masato Otaka y Arata Isozaki.

    Los rascacielos:

    El rascacielos, los edificios en altura, son el símbolo más característico de la arquitectura del siglo XX. No solo tienen una función económica, al aprovechar al máximo el precio del suelo, sino que también tienen una función simbólica. Muestran el triunfo del capitalismo, y en él intervienen todos los agentes de la sociedad capitalista de masas: obreros, empresarios, arquitectos, industria, ciudad, etc. Esta función simbólica queda patente en la torre Eiffel, sin ninguna función clara, pero con 300 metros de altura.

    El rascacielos nace en Chicago, tras el incendio de la ciudad en 1871. Los edificios en altura se hicieron necesarios para superar la escasez de suelo; y los arquitectos estadounidenses propusieron soluciones novedosas, que una sociedad tan dinámica como esta no dudó en adoptar. Estos edificios nacen con una voluntad utilitarista, nada en un rascacielos es superfluo.

    La generación de arquitectos que construyen los primeros rascacielos está encabezada por William le Baron Jenney, que en 1885 construye el primer rascacielos, el Home Insurance. En su edificio emplea los nuevos materiales y los adelantos técnicos: estructuras metálicas ignífugas y el ascensor. La estructura metálica libera al muro de su función de carga por lo que se pueden abrir huecos e iluminar el interior del edificio con luz natural.

    Otros arquitectos de esta escuela de Chicago fueron Louis Sullivan, Daniel Brunham, William Holabird y Martin Roche. Su estética era producto de las necesidades de las ciudades estadounidenses y no una imitación de la arquitectura europea. Sin embargo pronto aparece un estilo ecléctico. En 1922 Raymond Hood y John Howells construyeron el Chicago Daily Tribune (torres Tribune), con 141 metros de altura, y que recuerda a una catedral gótica.

    Si en Chicago nacieron los rascacielos, y tuvo su momento de esplendor entre 1880 y 1895, fue en Nueva York donde tuvieron su mayor desarrollo. El primer rascacielos de Nueva York fue el edificio Flatiron, construido por Daniel Brunham en 1902 con 87 metros de altura, y recuerda la proa de un barco. Se desata una carrera vertiginosa por ganar altura. En 1909 la torre del Metropolitan Life Insurance alcanzó los 213 metros. Imita el campanario de la plaza de San Marcos en Venecia. En 1913 el edificio Woolworth alcanza los 241 metros, con un aspecto gótico. En los años veinte y treinta triunfan los rascacielos con las formas que recuerdan al clasicismo, edificio Chrysler (1930) de William van Alen con 319 metros de altura. En 1931 se inaugura el Empire State, de Lamband Harmon Shreve, con 381 metros de altura. La crisis de 1929 impulsó, curiosamente, la construcción de rascacielos. Estos son edificios muy caros, pero también permite aprovechar al máximo el precio del suelo, y además su construcción era todo un símbolo que ocultaba las miserias de la situación económica.

    No obstante, no fue hasta después de la Segunda Guerra Mundial cuando la estética del rascacielos se difundió por todo el mundo. En los primeros años del siglo XX se vuelven a las formas clásicas, aunque los edificios ganan en altura. En 1940 Raymond Hood y John Howells construyen el Rockefeller center, con 259 metros de altura.

    Los arquitectos europeos huidos de la barbarie nazi durante la Segunda Guerra Mundial encontraron en Estados Unidos un estilo que no solo adoptaran, sin que lo impulsaran, ya que coincidía con los principios del racionalismo y el estilo internacional que propugnaba la Bauhaus.

    Fueron arquitectos como Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe y Adolf Loos. Los rascacielos se liberan de su eclecticismo, de su imitación de las formas clásicas. El cristal gana protagonismo. En 1952 Gordon Bunshaft construye en cristal el Lever House, con unos <<modestos>> 92 metros de altura. En 1958 Mies van der Rohe construye el edificio Seagram, con unos 160 metros de altura. En 1963 Walter Gropius construye el edificio del Pan-Am con 246 metros de altura. El perfil de Nueva York se caracteriza por la abundancia de edificios racionalistas que superan los 100 metros de altura y concentrados en la isla de Manhattan: Hotel Plaza de las Naciones Unidas de 154 metros (1976) de Kevin Roche y John Donkeloo, Citicorp center de 279 metros (1977) de Hugh Stubbins, sede central de la AT&T de 197 metros (1984) de Philiph Johnson, edificio Lipstick de 133 metros (1986) de Philiph Johnson y Juan Burgee. Pero ningún edificio tuvo la audacia del World Trade Center, las torres gemelas, que se elevaron a los 417 metros de altura. Fueron construidas por Minoru Yamasaki y Emery Roth y terminadas en 1972 y 1973. En 1974 perdieron su récord de edificio más alto del mundo, superadas por las torres Petronas de Kuala Lumpur, Malasia (452 metros) de Cesar Pelli. Las torres gemelas fueron destruidas en un atentado terrorista el 11 de septiembre de 2001, cuando terroristas islámicos estrellaron sendos aviones comerciales contra las torres. Sus estructuras, aunque resistieron el impacto, no aguantaron el incendio provocado.

    En la medida en que crecen los edificios van cambiando su concepto y función, ya no son sólo edificios de una ciudad sino pequeñas ciudades en sí mismas, las torres gemelas de Nueva York tenían su propio código postal, existen calles, plazas, centros comerciales y de ocio. Las bases de los rascacielos son auténticas plazas públicas de grandes dimensiones. En ellas se distribuyen los flujos de personas que acceden al edificio, escaleras y ascensores. No sólo se construyen viviendas, oficinas y centros públicos, sino también se piensa en cómo se ha de mover la gente dentro del edificio.

    Desde 1974 el techo de los 500 metros parece insuperable, pero existe un proyecto de los arquitectos, para construir un edificio de 1200 metros de altura, la torre biónica, de Eloy Celaya y Javier Pioz.

    La Bauhaus:

    La Bauhaus fue la escuela alemana de arquitectura y diseño que ejerció enorme influencia en la arquitectura contemporánea, las artes gráficas e industriales y el diseño de escenografías y vestuarios teatrales. Fue fundada en Weimar en 1919 por el arquitecto Walter Gropius que pretendía combinar la Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y oficios. La Bauhaus, basada en los principios del escritor y artesano del siglo XIX William Morrisy en el movimiento Art&Crafts, sostenía que el arte debía responder a las necesidades de la sociedad y que no debía hacerse distinción entre las bellas artes y la artesanía utilitaria. También defendía principios más vanguardistas como que la arquitectura y el arte debían responder a las necesidades e influencias del mundo industrial moderno y que un buen diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Por lo tanto, además de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, tipografía y diseño industrial y comercial.

    El estilo de la Bauhaus se caracterizó por la ausencia de ornamentación en los diseños, incluso en las fachadas, así como por la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de elaboración.

    En 1925 se dedicó a la construcción de una serie de sobrios edificios rectangulares de hormigón y de cristal en Dessau, especialmente diseñados para ello por Gropius. El estilo de este, movimiento se tronó aún más funcional e hizo mayor hincapié en la expresión de la belleza y conveniencia de los materiales básicos sin ningún tipo de adorno. Otros arquitectos y artistas sobresalientes que componían el cuerpo de profesores de la Bauhaus fueron el pintor suizo Paul Klee, el pintor ruso Wassily Kandinsky, el pintor y diseñador húngaro László Moholy-Nagy (que fundó el Instituto de Diseño De Chicago siguiendo los mismos principios de la Bauhaus), el pintor estadounidense Cyonel Feininger y el pintor alemán Oskar Schlemmer. En 1930 la dirección fue asumida por el arquitecto Ludwing Mies van de Rohe, que trasladó la Bauhaus a Berlín en 1932. Cuando los nazis en 1933 cerraron la escuela, sus ideas y sus obras eran ya conocidas en todo el mundo. Muchos de sus miembros emigraron a Estados Unidos, donde las enseñanzas de la Bauhaus llegaron a dominar el arte y la arquitectura durante décadas, contribuyendo enormemente al desarrollo del estilo arquitectónico conocido como International Style.

    La arquitectura racionalista es imitada y repetida en todo el mundo, por todas partes y por todos los arquitectos, gracias a las publicaciones que permiten construir a los arquitectos de segunda clase como si fuesen de primera. Los arquitectos trabajan mucho en el Tercer Mundo, ya que aquí hay menos limitaciones legales para construir, y dinero suficiente. Su difusión es tan grande y profunda que es la que hoy configura la ciudad contemporánea, la ciudad en la que vivimos diariamente. Lamentablemente, los ideales del CIAM se han quedado en una técnica constructiva que permite aprovechar al máximo el precio del suelo, lo que ha dado a nuestras ciudades un aspecto claustrofóbico.

    Pintura

    Los movimientos son:

  • Cubismo

  • Pinturas naíf y metafísica

  • Futurismo

  • Dadá

  • Surrealismo

  • Arte abstracto

  • Rayonismo

  • Suprematismo

  • Neoplasticismo

  • Expresionismo abstracto

  • Informalismo

  • El op-art

  • Fauvismo

  • Expresionismo

  • Pintura del Die Brüke (el puente)

  • Cubismo:

    Es el movimiento más significativo y trascendente de la historia de la pintura occidental desde el Renacimiento, por lo que tiene de ruptura con la estética clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de observar la naturaleza. Su visión del arte es tan radicalmente diferente que conmocionó todo el mundo del arte. A partir del cubismo, el concepto de arte y belleza cambia radicalmente, nada se podrá hacer igual, y las obras anteriores se mirarán de otra forma.

    Picasso está en el origen de la creación del cubismo y es su representante pictórico más destacado. Pero también es su inventor teórico junto con Georges Braque y Juan Gris. Sus planteamientos son totalmente inéditos en el arte. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador no se puede quedar contemplando sin más la obra, sino que debe reconstruirla en su mente para poder comprenderla. La pintura es algo mental, el espectador interpreta la realidad según las pautas que da la obra y se convierte en artista, en creador. La nueva estética se desliga completamente de la interpretación o la semejanza con la naturaleza, lo que significa que la obra de arte tiene valor es sí misma, como medio de expresión de ideas. Esta desvinculación de la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, y pintadas de forma geométrica. Esta descomposición no es casual, sino que está muy estudiada y calculada, para permitir la recomposición mental de la figura.

    El cubismo es un arte creado, es un nuevo lenguaje y una nueva estética, un replanteamiento integral de la pintura y las artes plásticas. Hasta el momento, ni los más radicales fovistas se habían atrevido a romper con el lenguaje convencional y sensitivo que representaba, en mayor o menor grado, la naturaleza, desde los tiempos griegos. Pero el cubismo rompe con todo eso; es un arte mental no sólo en las formas sino en la concepción de la obra. Para comprender un cuadro hay que pensarlo. Hará un replanteamiento de la obra de arte, de lo que son las formas, de la luz, la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Todo ello exige del espectador un esfuerzo mental para reconstruir la figura, que no se observa a simple vista. En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro. Sus obras no son producto de la casualidad sino de un proceso de creación meditado y consciente.

    El cubismo se pregunta, también, por los problemas del volumen y del espacio. Su ruptura con la tradición renacentista e impresionista es total, y busca un nuevo espacio pictórico para sus formas. Una de las características del cubismo es su representación en blanco y negro, consecuencia de su desvinculación con la naturaleza e influido por la fotografía, para facilitar la lectura del cuadro. El cubismo se preocupa por la representación del movimiento y por lo tanto del tiempo: la cuarta dimensión. El tiempo cobra un nuevo significado tras la teoría de la relatividad de Einstein. El cuadro cubista pretende representar, al mismo tiempo, todas las formas posibles de ver una figura, esto implica que el espectador está obligado a mover los ojos para recomponer la figura. El color ceniza, el blanco y el negro, ayudan a la reconstrucción del cuadro. La cuarta dimensión está en la mente humana, vemos el mundo con movimiento, con el paso del tiempo, y eso es lo que pretende captar el cuadro cubista.

    Etapas del cubismo:

    En el cubismo se distinguen tradicionalmente, tres etapas o estilos: cezaniano, analítico y sintético.

    • El cubismo cezaniano se caracteriza por sus formas identificables, que son reducidas a formas geométricas puras. Se trata más de un protocubismo que una nueva estética.

    • El cubismo analítico se caracteriza por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ella geométricas. Su objeto es conocerla, examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión. Es la auténtica estética cubista, la creadora del nuevo lenguaje.

    • El cubismo sintético se caracteriza por potenciar las partes más significativas de la figura, reduciéndola a sus formas geométricas más puras. No es un cubismo simplificador, pero sí de más fácil lectura. Esta altamente estructurado y se potencian las partes más significativas, o que se quieren resaltar.

    Tras la época clásica del cubismo aparecen tres escuelas: la Sección Áurea (o Sección de Oro), que pretenderá llevar las matemáticas a la pintura de manera consciente, tanto en los ritmos como en las proporciones de la descomposición cubista; el orfismo es l cubismo colorista, un tanto evocador de sueño extraños, está muy cerca de la abstracción pura; y por último está el purismo de la Bauhaus que reaccionó contra los excesos del cubismo y vuelven a las formas simples y analíticas. Del cubismo surge una nueva técnica pictórica: el colage, al pegar en los cuadros trozos de realidad que facilitan su lectura, también la inventa Picasso. Con el colage la palabra impresa entra a formar parte de la obra de arte. Pero el cubismo es, ante todo, la estética que da el paso definitivo hacia la abstracción pura.

    Los cubistas:

    Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) es la gran figura central del cubismo, y uno de los grandes genios del arte universal. Su obra artística es muy extensa pero su nombre estará siempre ligado al cubismo como su creador y su máximo representante. En 1907 pinta Las señoritas de Aviñón, cuadro que marca el comienzo del cubismo. Otros cuadros cubistas son Mujer sentada en un sillón, Mujer del abanico, La fábrica de Horta del Ebro, Cabeza de mujer, La muchacha de la mandolina, El aficionado, Retrato de Wilhelm Uhde, Retrato de D.H. Kahnweiler, Hombre con sombrero, Cabeza de muchacha, Naturaleza muerta con una silla de rejilla, Guitarra, Naturaleza muerta, esta tres últimas con colage, Las meninas y El Guernica.

    Georges Braque (1882-1963) es el otro gran creador del cubismo, más intelectual que Picasso. Se mantiene siempre fiel a la estética cubista. Son características sus naturalezas muertas: Naturaleza muerta en mesa de árbol, Casas en el estanque, La Roche-Guyón, El portugués, Ceret: los tejados, El hombre del violín, Violín y jarra, La mesa del músico.

    Juan Gris (1887-1927) es el tercer gran cubista. Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Su cubismo es, fundamentalmente, sintético y coloreado. Comienza a poner a sus obras títulos intrascendentes: Composición, El fumador, Las tazas de té, La celosía, Vaso y paquete de tabaco, El lavabo.

    Como representantes de la Sección Áurea tenemos a Marcel Duchamp: Retrato de jugadores de ajedrez, Frenand Leger, que se caracteriza por dar volumen a los planos: Jóvenes en un interior, Desnudos en el bosque, Desnudos sobre fondo rojo, El hombre en la ciudad, Kasimir Malévich: El leñador, y Piet Mondrian: Manzano en flor.

    Entre los más destacados del orfismo están Robert Delaunay es su representante más destacado: La ciudad nº2, Ventanas sobre la ciudad nº4, Una ventana, Campo de Marte: la torre Eiffel roja, Francis Picabia: Procesión en Sevilla, y Frantisek Kupka: Nocturno.

    Dentro del purismo está Amédée Ozenfant que es el representante más destacado: Naturaleza muerta, Vida, y Le Corbusier: Guitarra vertical.

    Muchos de estos pintores evolucionarían hacia la abstracción pura y serán más conocidos por esa obra, lo que demuestra le vinculación del cubismo con la abstracción pura.

    Pinturas naíf y metafísica:

    Como reacción al dinamismo futurista, el expresionismo y a la destrucción de las formas surgen las pinturas naíf y metafísica, fundamentalmente estáticas y figurativas, que entroncan directamente con el simbolismo.

    La pintura naíf se presenta como fruto de la intuición personal, suelen ser pintores autodidactos que representan escenas pintorescas del campo o lugares salvajes; de ahí su cierta ingenuidad en la composición y el dibujo. En realidad, la pintura naíf no constituye un movimiento sino una serie de individualidades en diferentes países, aunque con características comunes.

    La pintura metafísica, por el contrario, es la representación estudiada del mundo onírico, lo que la hace precursora del surrealismo. Su carácter estático la enfrenta con el futurismo. Presenta perspectivas bien trazadas en las que se sitúan figuras despersonalizadas dentro de una realidad sin vida.

    Los pintores

    Dentro de la pintura naíf destacan Henri Rousseau: La encantadora de serpientes, El aduanero, El niño de las rocas, La guitarra dormida, Camile Bombois: El atleta foráneo, Fernando Botero: La familia Pinzón, André Duranton: Gato, y Felix Vallontton: El sueño, El rapto de Europa.

    Dentro de la pintura metafísica encontramos a Giorgio Chirico, que es su representante más destacado. Sus obras se caracterizan por la geometría arquitectónica, los volúmenes sencillos, una cierta ingenuidad y los climas oníricos que apelan a las grandes preguntas de la humanidad. Sus obras desprenden soledad, potenciada por las figuras de maniquíes y estatuas: Héctor y Andrómaca, Estatua silenciosa, Plaza de Italia, Interior metafísico con pequeña fábrica, La recompensa del adivino. También están Carlo Carrá: El gentil hombre borracho, Ídolo hermafrodita, El caballero de occidente, y Giorgio Morandi: Naturaleza muerta con caracolas, Naturaleza muerta, que son otros dos destacados representante de la pintura metafísica.

    El futurismo:

    El futurismo procede directamente del cubismo, incluso los primeros cuadros, son de pleno derecho, cubistas, pero evolucionan rápidamente hacia una estética diferenciada, debido a su obsesión por representar la velocidad. Es un movimiento, fundamentalmente, italiano.

    El futurismo es el primer movimiento artístico que se organiza como tal, que se reconoce y se define en 1910 a través del Manifiesto Futurista, que publica el poeta Fillippo Tomaso Marinerri. Se busca el escándalo, se admira la velocidad y la tecnología, las señas de identidad del mundo moderno y pretende romper con el pasado. Nada del pasado merece la pena ser conservado. Condenan a los museos, a los que consideran como cementerios. Pretenden, y valoran, la originalidad, por encima de todo.

    Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la representación del movimiento y la velocidad, para ello representan los objetos sucesivamente, pintándolos en varias posiciones, o emborronándolos, un código que se ha popularizado en los cómics y los dibujos animados. Tienden a utilizar colores puros. El futurismo llegará a la abstracción a través del rayonismo.

    Los futuristas:

    Umberto Boccioni (1882-1916) que es, además, el teórico del movimiento. Intenta representar los estados anímicos y el movimiento. Dinamismo de un ciclista, Dinamismo de una cabeza de hombre, Dinamismo de una cabeza de mujer, La ciudad que crece, Estados del alma: los que se van.

    Carlo Carrá (1881-1966) quedará fascinado por la tecnología y los espectáculos nocturnos. Penélope, Ídolo hermafrodita, Lo que me dijo el tranvía.

    Luigi Russolo (1885-1947) fue el que más se acercó a la abstracción. Perfume, La música, Recuerdos de una noche.

    Giacomo Balla (1871-1957) es el más fiel representante del futurismo. Investigó los problemas de la luz y el color. Los ritmos del arco, Dinamismo de un perro con correa, Niña corriendo en un balcón, Vuelo de golondrinas, Lámpara eléctrica.

    Otros futuristas son Gino Severini: Autorretrato, La bailarina obsesionante, Norte-Sur, Bailarina azul, Giuseppe Cominetti: Amantes en el agua, Kasimir Malévich: El afilador de cuchillos, y Enrico Prampolini: Composición.

    Dadá

    Este movimiento es más internacional. En realidad más que una estética es una actitud ante el arte. Nace en Zurich en 1916 y rápidamente se extiende por oda Europa y Estados Unidos. Tristán Tzara será quien redacte su manifiesto. Se caracteriza por su nihilismo filosófico, producido por le horror de la guerra y el desencanto de la humanidad. El nombre del grupo fue escogido al azar entre las palabras de un diccionario. El azar es uno de los motores de inspiración del arte dadá. La obra es escogida, encontrada, más que hecha, el ready-made. Esto es un insulto al arte que venía haciéndose hasta ahora, en el que el artista hacía el esfuerzo de construir la obra, es la negación del arte. Este concepto será trascendental en el arte contemporáneo.

    El dadaísmo es un movimiento intelectual contracultural, que protagoniza numerosas actividades escandalosas, las cuales dejarían en ridículo a los mismo surrealistas. Supone un nuevo concepto del arte, y de la obra de arte: escoger un objeto y ponerlo fuera de contexto de manera que pueda ser pensado como obra de arte. Con ellos el centro del arte comienza a desplazarse primero a Londres y luego a Nueva York.

    El dadaísmo es un movimiento más escultórico que pictórico, puesto que los ready-made son objetos de tres dimensiones encontrados, no se pueden encontrar cuadros hechos. Constituye una revolución en la escultura al elegir uno entre los elementos del mundo y colocarlo en situación de ser pensado como obra de arte. A partir de ahora la escultura comienza a colorearse y a contemplarse desde un solo punto, al mismo tiempo que la pintura adquiere relieve, gracias al colage, con lo que cada vez se confunden más escultura y pintura.

    Los dadaístas:

    Marcel Ducahm(1887-1968) es el gran inspirador de este movimiento, que se desarrolla extraordinariamente entre 1917 y 1920. Es un auténtico provocador capaz de mandar a una exposición un urinario, un secador de botellas o un cuadro de la Gioconda con perilla y bigote, como el LHOOQ. Crea el ready-made, la obra de arte echa ya, un nuevo lenguaje plástico que incorpora todo tipo de materiales. Los jugadores de ajedrez, Tu m', LHOOQ, La casada desnudada por sus célibes, Desnudo bajando una escalera nº1 y nº2. Entre la obra escultórica destaca: La fuente urinario, ¿Porqué no estornudar?, La casada desnudada por sus célibes, El secador de botellas, Rueda de bicicleta.

    Hans Arp (1887-1966) es más que nada escultor, pero aporta a la pintura el impulso no premeditado. No posee la agresividad de sus compañeros, pero sí más humor. Está muy cerca de la abstracción. El balcón, Bailarina, La paleta de huevo, Llamas cantantes. De su obra escultórica cabe destacar: Bosque, Flor-martillo, Torso, Crecimiento, Contra-centauro.

    Francis Picabia (1897-1953) fue el pintor más desconcertante de la época. Participó en numerosas corrientes. Los centímetros, Plumas, El ojo cacodilato, Máquinas, Girad veloces.

    Otros pintores dadaístas son Raoul Haussmann: Tatlin en su casa, ABCD, Baile dadá, Dix Otto: El tranvía, Calle de Praga, Los jugadores de Skat, Granjeros industriales, Max Ernst: Dos niños amenazados por un ruiseñor, y en escultura Edipo, Hans Ritcher: Ritmo 21, Paul Citröen: Metrópoli, Carlo Carrá: Manifestación intervencionista, y Kurt Schiwitters: Colage en azul.

    Todos ellos son artistas polifacéticos y tocan varias formas artísticas: pintura, escultura, poesía, y todo ello con intención de provocar. En realidad, el dadaísmo es más un movimiento escultórico que pictórico en el que se comienza a confundir escultura y pintura.

    El surrealismo

    Se ha descrito el surrealismo, o superrealismo, como la creación de la irracionalidad, los sueños y los instintos como motivo de inspiración para el artista.

    Podemos encontrar antecedentes inmediatos del surrealismo en los caprichos de Goya, en la interpretación de los sueños y el psicoanálisis de Sigmund Freud, y en el arte de los niños, los locos y los primitivos aborígenes. Pero también a lo largo del arte occidental, en las figuras fantásticas medievales, en el Bosco o en Valdés Leal y, por supuesto, en la pintura metafísica.

    Los surrealistas intentan sobrepasar lo real impulsando, con automatismo psíquico, lo imaginativo y lo irracional. Crean un mundo fantástico en el que las leyes de la ciencia y la representación de la realidad no tienen cabida. Se considera a André Breton como el creador del movimiento surrealista, principalmente por sus aportaciones teóricas. Es él quien en 1924 escribe el primer manifiesto surrealista y organiza a una serie de pintores y escritores como grupo.

    Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, del dictado del pensamiento subconsciente con exclusión de todo control ejercido por la razón, al margen de cualquier preocupación moral o estética.

    En 1930 André Breton escribe el segundo manifiesto surrealista, en el que se pretende mostrar que la fragilidad del pensamiento oculto y prohibido son dos fuentes de inspiración de los pintores. La inspiración se busca en la asociación de la psique, lo reprimido, el erotismo y la sexualidad, con lo que crean y descubren ámbitos y realidades oníricas. Estos no tiene porqué ser sueños reales, se puede soñar despierto: la larga elaboración que requiere una obra no permite el automatismo. Crean un nuevo mundo visible. Se procura que el subconsciente brote espontáneo y sea el dueño de la obra de arte.

    Lo erótico está permanentemente presente, hasta el escándalo. Este ha sido un tema poco tratado en la historia del arte. Curiosamente, este movimiento aparecen como la reacción culta contra la revolución dadá, contra el arrasamiento del arte, al recuperar el valor de la obra hecha.

    Al contrario que otros movimientos, el surrealismo no crea una estética uniforme y se debate entre la abstracción y el hiperrealismo formal. Aunque la mayoría están influidos por le hiperrealismo de Dalí.

    Los surrealistas:

    Salvador Dalí(1904-1989) es el más escandaloso, extravagante y exhibicionista de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles, fruto de su imaginación y de su prodigioso virtuosismo para dibujar. Evocación a la aparición de Lenin, Nacida del deseo líquido, Sueño, Impresión de África, Canibalismo otoñal, La persistencia de la memoria, Premonición de la guerra civil, La última cena.

    Joan Miró (1893-1983) es el máximo representante del surrealismo abstracto. Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Personajes de noche, El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados, Naturaleza muerta con zapato viejo, Mano agarrando a un pájaro, La estatua, Personaje lanzando una piedra, Mujeres y pájaro al claro de la luna, Noche y día (mural para la UNESCO).

    Max Ernst (1891-1976) logra visiones sorprendentes, propias de la ciencia-ficción. Utiliza la técnica del frotagge, que consiste en frotar un lápiz sobre un papel apoyado en una superficie irregular. Katharina ondulada, La primera palabra límpida, Napoleón en el desierto, Tentación de San Antonio.

    René Magritte(1898-1976) provoca el choque emotivo del color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles, y en contrasentido. El imperio de la luz, Manía de grandezas, El uso de la palabra, La buenaventura, Noche de Pisa, Tiempo pasado, El demonio encantado.

    André Masson (1896-1987) analiza la estructura del objeto para convertirlo en una elucubración intelectual. Dibujo automático, Desnudo, Ánfora.

    Yves Tanguy (1900-1955) presenta sus sueños desligados de toda referencia a la realidad. Emplea para ello una técnica académica. Unos transportes, Días de lentitud, La multiplicación de los arcos.

    Marc Chagall (1887-1985) presenta en sus cuadros hechos sacados de la realidad pero dentro de un ambiente ensoñador. Sus figuras vuelan sobre el paisaje. Utiliza colores y figuras muy sencillas. Doble retrato con vasos de vino, Guerra, El paseo, Sobre la ciudad.

    Otros surrealistas son Paul Delvaux: Venus dormida, Ivan Albright: El retrato de Dorian Gray, Vasco Taskovski: Los caballeros del Apocalipsis, Mílic Stánkovik: Octubre de 1944. Meret Oppenheim, Hans Arp, Leonor Carrington, Antonio Saura, José Caballero, Wifredo Lam y Graham Sutherland.

    El arte abstracto

    La abstracción pura, o no figurativa, es, probablemente, el culmen ideal del arte. En el fondo, toda representación artística es una abstracción de la realidad, y la abstracción pura prescinde de todo elemento que vincule la obra con el mundo natural, para quedarse exclusivamente con la idea: con el concepto y la belleza.

    La abstracción pura se enfrentó, y se enfrenta, a la incomprensión de la sociedad muchos mas que los más radicales provocadores, y es que no tenia referentes históricos, era algo totalmente nuevo y opuesto al concepto de arte surgido en el Renacimiento, e incluso en la Antigüedad clásica. Se trata de un movimiento que simplifica las formas hasta perderlas, y quedarse en el color y las formas más puras. Incluso se va a prescindir del título, para que no haya referencias con la realidad. La obra de arte debe ser bella por sí misma, como objeto. El concepto de belleza y de obra de arte ha cambiado definitivamente.

    El camino hacia la abstracción comienza en 1910 a raíz de la constitución de Kandinsky del grupo Der Blaue Reiter (el caballero azul) unos de los cuadros que Kandinsky expone en Munich.

    Vasily Kandinsky (1866-1944) es el gran teórico del arte abstracto. Escribe De lo espiritual en el arte, donde expone sus ideas. Es una auténtica reflexión sobre el arte, lo que es el arte y lo que es la obra de arte, y una declaración de principios. Su pintura está destinada a despertar la emoción en el espectador, en el que deben actuar solo los sentimientos, pone a sus cuadros títulos abstractos, intrascendentes, actitud que imitarán, frecuentemente, los demás pintores. Puntas de arco, En alto, Lírica, Impresión V, Improvisación, Juicio universal; amarillo, rojo, azul.

    Paul Klee (1879-1940) tiene un carácter más simbólico. Transforma las figuras hasta hacerlas irreconocibles. El niño en el paisaje, Composición, En el gris de la noche, Puerto y veleros.

    El rayonismo

    El rayonismo es, en realidad, el ultimo estadio del futurismo. Sin embargo, difícilmente se observa en él figura alguna. Publicará su manifiesto en Moscú 1913. Pretenden representar las radiaciones que se desprenden de los cuerpos; es la época en la que se descubrieron los rayos X y la radioactividad.

    Sus representantes son Mijaíl Larionov (1881-1964) Rayonismo rojo, Luz de la calle, y Natalia Goncharova, (1883-1962) La electricidad, Bosque verde. Su influencia se extenderá hasta la obra de Paul Jackson Pollock, Ojos en la cabeza y Georges Mathieu, Capetos por todas partes.

    El suprematismo

    Kasimir Malévich (1878-1935) es el gran pintor abstracto ruso. Su obra es muy fecunda, y participa de varios movimientos. Su obra abstracta crece tras la Revolución rusa. Es el inventor del suprematismo, que se caracteriza por las figuras simples y los colores planos. Cuadrado blanco sobre fondo blanco, y la serie pintura suprematista sin título. Su estilo servirá para hacer carteles propagandísticos.

    El neoplasticismo

    En Holanda trabaja Piet Mondrian (1872-1944) máximo representante del grupo De Stijl (El Estilo). Su estética se conoce con el nombre de neoplasticismo, constructivismo o arte concreto. Se emparenta con el suprematismo ruso. Sus obras se caracterizan por las formas ortogonales, las líneas gruesas y los colores planos. Composición nº1, nº2, nº3 y nº5, Composición con líneas, Composición en gris y amarillo, Composición oval. El creador del grupo fue Théo van Doesburg: Composición XII.

    El expresionismo abstracto

    La deformación de las figuras que inicia el expresionismo nos lleva a la desaparición total de la forma. El cuadro se convierte en una masa informe de color y líneas. Entre los pintores del expresionismo abstracto tenemos a Arshile Gorky: Cascada, Willem Kooning: Mujer y bicicleta, Paul Jackson Pollock: Ojos en la cabeza, Catedral, Georges Mahieu: Capetos por todas partes, Jean Dubuffet: La mesa, Compañera constante y Philip Guston: El retorno.

    El informalismo

    En el informalismo se pone de relieve la expresividad de los materiales, sin necesidad de figuración. Entre ellos destacan Ántoni Tápies: Pintura 1957, Pintura abstracta, Gran escuadra, Cornelis van Beverloo: Juego del sol en las olas, Jean Dubuffet: La mesa, Compañera constante, Jean Fautrier: La judía.

    El op-art

    Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No solo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York.

    En el op-art encontramos a Víctor Vasarely: Triond, Supernova, Yaaco Agam, con sus cuadros en relieve, Doble metamorfosis III, Briget Riley: Current, Jeffrey Steele: La volta, Richard Anuszkiewicz: Iridiscencia, Michael Kidner: Azul, verde, violeta y marrón.

    Otros artistas abstractos son Frantisek Kupka: Líneas animadas, William Scott: Negro, arena y ocre, Giuseppe Santomaso; La hora de las cigarras, Pierre Soulages; Pintura, Egill Jacobsen; Bosque cósmico, Gustave Singer; Alta Provenza II, Barnett Newman; Adán, Mark Rothko; Rojo sobre castaño, Adolph Gottlieb; Contrapeso, Terry Frost; Invierno, Patrick Heron; Pintura con franjas horizontales, Robert Delaunay; Disco simultáneo, Hans Arp; Según las leyes del azar, Frank Stella; Variación y Kennet Noland; Regalo.

    A pesar de la reticencia inicial, el arte abstracto triunfa definitivamente después de la Segunda Guerra Mundial y hoy forma parte de la iconografía habitual, aunque de manera disfrazada.

    El fovismo

    A comienzos del siglo el impresionismo se había convertido en la pintura oficial, había entrado en la Academia y sus cuadros estaban colgados en todos los museos. La ruptura que supuso con el arte anterior había sido asumida. En 1905 surge un nuevo movimiento rupturista. Los primeros fovistas exponen en la Sala de los Independientes. Pintores como Matisse, Marquet, Derain, Vlaminck o Manquin hacen del color su fuente de rebeldía. Utilizan un color vivo y arbitrario, a la manera de los nabís, pero más radicalmente. Apelan a la sensibilidad que el objeto produce: el color del alma. Es la osadía del color. Pero, además, utilizan la pincelada ancha y no representan la tercera dimensión. Todo ello en contra de la estética que venía imperando desde el Renacimiento.

    El fovismo nace en París en el Salón de Otoño de 1905, donde un grupo de pintores exponen sus cuadros rabiantes de color. En realidad, la palabra significa fieras y fue empleada despectivamente por el crítico Louis Vauxcelles. El fovismo es un precursor del expresionismo, del grupo Die Briucke y el grupo Der Blaue Reiter.

    Los fovistas

    Henri Matisse (1869-1959) es el primer fovista representativo. Pasó por el impresionismo. Pretende, en sus obras, simplificar la pintura. Sus temas preferidos son el amor y el lujo: odaliscas y desnudos femeninos. La blusa rumana, Odalisca con pandereta, Desnudo en el taller, Desnudo tendido, La japonesa al borde del agua, El baile nº1 y nº2, Mujer con turbante, Retrato de la raya verde.

    Maurice Vlaminck (1876-1958) es uno de los fovistas más característicos. Utiliza colores puros aplicados con gruesas pinceladas. El Jardinero, Orilla del Sena, retrato de Derain, El puente de Chatou.

    André Derain (1880-1954) se inició en el impresionismo, y en buen parte de sus cuadros presenta pinceladas gruesas y cortas. Las riberas del Sena, la serie de Barcos en Collioure, Big-Ben, Efectos del sol sobre el agua, El puente de Westminster. También realizaría esculturas.

    Cornelis van Dongen, Kees (1877-1968) es probablemente la figura síntesis del fovismo. Es el pintor que hace de puente entre el fovismo y el grupo Die Briucke, es pues, un precursor del expresionismo. Bailarina, Desnudo echado, El padre del artista, Mujer de las joyas.

    Otros fovistas son Albert Marquet: Desnudo, Matisse pintando en el taller de Manguin, Raoul Dufy: Viejas casa de Honfleur, Louis Valvat: La fiesta, Charles Camoin: La copa azul y Georges Rouault: Mujer pobre.

    El expresionismo

    El expresionismo es una constante en la historia del arte. Todas las épocas tienen una tendencia expresionista más o menos acusada. Sin embargo, el expresionismo se eleva como estética definitiva del arte del siglo XX. La angustia existencial es el principal motor de su estética. El expresionismo pretende conmover al espectador, para lo que utiliza la figura y el trazo violento.

    Sus raíces inmediatas se encuentran en las pinturas negras de Goya. A Goya se le puede considerar el primer expresionista contemporáneo. Sin embargo, es Van Gogh el referente inmediato, tanto por su técnica como por su profundidad psicológica. El expresionismo nace, como tal, en Alemania hacia 1912.

    Las individualidades

    Ensor y Munch son los expresionistas más destacados. Son la antítesis del modernismo imperante, y representantes del simbolismo. Son dos individualidades geniales que impulsan, y crean, el movimiento expresionista.

    Edvar Munch (1863-1944) refleja melancolía y simbolismo en sus cuadros, entristeciéndolos con colores apagados y sombríos, logrando un ambiente fúnebre. El grito, Baile de la vida, La muchacha moribunda, vampiro.

    James Ensor (1860-1949) presenta cuadros más alegres, pero deformes. Pinta mascaras que reflejan la ironía sobre la condición humana. El asombro de la cámara de Wouse, La máscara y la muerte.

    Emil Nolde(1867-1949) fue quien más lejos llevó el expresionismo, gracias a su inspiración subjetiva. Danza en torno al becerro de oro, El entierro, Máscaras.

    Georges Rouault (1871-1958) tiene una fuerte inspiración cristiana. Encierra los colores con gruesas líneas negras, a la manera cloisonista. Crucifixión, El divino rostro, El viejo rey.

    Amadeo Modigliani (1884-1920) presenta un cierto manierismo. Sus obras son de gran simplicidad, con las formas y las líneas estilizadas y los colores puros. Mujer con collar, Desnudo acostado.

    Óskar Kokoschka (1886-1980) es otra individualidad expresionista, más por los gestos y la postura de sus figuras en los cuadros, que por su técnica. Kokoschka tiene una primera etapa modernista ya que viene de la Secesión. La novia del viento, Puerto de Marsella, Amsterdam, Autorretrato.

    Otros expresionistas son Chaim Soutine, Marc Chagall, José Vela Zanetti, y los mejicanos José Gutiérrez Solana, David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera y José Clemente Orozco.

    Las escuelas

    Die Briucke (El Puente) es la escuela más destacada del expresionismo alemán. Nace de la Escuela Superior Técnica de Dresde, contagiados por el fovismo y el esteticismo, pero buscando los rasgos expresionistas, no los lúdicos. Todos ellos tienen una hipersensibilidad del artista contemporáneo ante la locura del mundo. Son artistas comprometidos con la situación social y política de su tiempo. Utilizan la litografía y l aguafuerte como los mejores medios de expresión. Les impacta mucho la Primera Guerra Mundial, de la que ejercen como cronistas. En Die Briucke trabajan artistas como Ernst Ludwing Kirchner: Mujer del busto desnudo con sombrero, Erich Heckel: Mujer dormida, Emil Nolde: Bailarinas de las velas, Max Pechstein: Tres desnudos en un paisaje, Karl Schmidt-Rottluff: Autorretrato del monóculo, y Otto Miuller: Desnudo bajo los árboles.

    Der Blaue Reiter (El caballero azul) que nace en 1910. Toma el nombre del cuadro homónimo de Kandinsky. Sin embargo, su importancia reside, más que como grupo, en que sus componentes evolucionan rápidamente hacia otras formas, expresionistas y abstractas. En realidad, la suya es la aventura de la abstracción pura. Pertenece a Der Blaue Reiter Vasily Kandinsky: El caballero azul, La vaca, Paul Klee: Frutas en fondo azul, En el estilo de Bach, Heinrich Campendonck: Escuchando, Alexei Jawlenski: Cabeza de mujer, August Macke: Paisaje con vaca y camello y Franz Marc: Los caballos azules, Los caballos amarillos.

    La escultura:

    Los movimientos escultóricos:

    • Escultura humanista

    • Escultura expresionista

    • Escultura cubista

    • Escultura orgánica

    • Abstracción no figurativa

    • Arte cinético

    • Escultura futurista

    • Escultura en hierro

    Escultura humanista:

    Sus principales representantes fueron Antonio Bourdelle, Charles Despiau, Aristides Maillol, Ivan Mestrovic, y Manuel Martínez Hugué.

    Antonio Bourdelle realiza una escultura con influencias de la escultura arcaica griega, como se manifiesta en su Hércules arquero. En la decoración del teatro de los Campos Elíseos tuvo presente la vieja norma clásica de adaptación al marco.

    Aristides Maillol, como admirador de Grecia, sus figuras son siempre de contornos cerrados, y por lo general, desnudos.

    La obra de Ivan Mestrovic es un canto a la independencia del pueblo croata en su lucha por liberarse del Imperio Austro-Húngaro, y está marcada por una línea clasicista estilizada y de arte cristiano.

    Escultura expresionista

    Al igual que la pintura expresionista exaltan el contenido anímico de las figuras. Renuevan los materiales de la escultura al utilizar el hormigón, el hierro, los desperdicios metálicos, virutas especialmente.

    Posee una honda fuerza emocional y un profundo sentimiento social.

    Destacan Ernst Barlanch, que es el gran maestro de la escultura expresionista, Fuente mural, Mendiga rusa con escudilla, Hombre en el cepo, también sobresalen Wilhem Lehmbruck, Niño en el tejado, Mujer arrodillada, Georg Kolbe, Karl Albiker en Alemania, Germanie Richier en Francia, Pablo Serrano y Picasso en España.

    Escultura cubista

    El cubismo, nacido antes en la pintura, se aplica también a la escultura con la simultaneidad de perspectivas, más fácil de lograr escultóricamente. El cubismo escultórico se apoya en la afirmación de Cézanne de que toda la naturaleza puede descomponerse en cubos, cilindros y esferas. Desarma la realidad para después recomponerla conforme a nuevos ideales estéticos, en los que los volúmenes cóncavos y convexos alternan rítmicamente

    Picasso, con su Cabeza, de 1910, guía el cubismo escultórico por la geométrica descomposición de los volúmenes.

    Julio González (Barcelona, 1876-1942) es el más destacado escultor cubista. Aprendió a trabajar los metales en el taller de orfebrería de su padre. Se inspiró en el arte metalista celta, utilizó la chapa metálica como elemento auxiliar, las técnicas del repujado y del forjado de hierro, la chapa recortada y la soldadura autógena. Su más famosa obra es La Montserrat.

    Escultura orgánica

    Es una variante del cubismo, pero de distingue por el sentido de continuidad de las superficies curvas, de forma que los cuerpos constituyen un solo volumen.

    Escultores destacados fueron Henry Moore, Constantino Brancusi, Hans Arp y Eduardo Gregorio.

    Henry Moore aplica la talla directa sobre el bloque de piedra. Las formas planas, convexas y cóncavas alternan con los vacíos, marcando un ritmo. También el recuerdo de los caprichos naturales está presente en su escultura, pues sus figuras evocan ciclópeos bloques desgastados por la erosión del agua, y los orificios recuerdan las cavernas.

    Abstracción no figurativa

    El arte abstracto se define como aquel en que un conjunto de líneas, colores y formas, sin ninguna relación con formas identificables, puede expresar adecuadamente emociones íntimas, sugestiones, etc. El objeto que se esculpe queda liberado de toda referencia al mundo circundante, es solo un resultado de la fantasía del artista. Los materiales que se utilizan ayudan a la descomposición del mundo visible: alambres, plásticos.

    Antonio Pevsner destaca por sus columnas dinámicas. Frente a la columna tradicional, estática, Pevsner inventa unos planos volantes que se agitan como las aspas de un molino de viento. Tal es el caso de la Columna de la Paz, la Columna desarrollable de la Victoria.

    Arte cinético

    El arte cinético es la escultura del movimiento. Hacia 1922 surge una nueva forma de entender la escultura que pretende abandonar el estatismo de la escultura tradicional. Aparecen, así, los móviles, que se harían tan populares tras la Segunda Guerra Mundial. Estas obras pueden moverse por la acción del espectador, el viento o un motor eléctrico. Para sus obras utilizan todo tipo de materiales, como chatarra, que una vez pintada tiende a perder la tercera dimensión para ser visto desde un solo punto. Se identifican con la pintura, se simplifican las formas y se tiende a la abstracción pura. Este movimiento esta muy vinculado a la Bauhaus. Una vez superado su impacto inicial, el arte cinético a entrado en los hogares de gracias a los móviles de vivos colores que se colgaron encima de las cunas de los bebes, y en los juguetes de movimiento continúo que se pusieron de moda n la década de los ochenta. En el arte cinético encontramos a escultores como Laszlo Moholy-Nagy; moduladores del espacio, Man Ray; Objeto de construcción, Alexander Rodchenko; Construcciones colgantes, Marta Boto; Rotaciones cinéticas, Anillos en movimiento, Nicolas Schoeffer, efectos de luces sobre prisma de hielo, Gregorio Vordenaga; Rotaciones cinéticas y Alexander Calder; Móvil estable.

    Escultura futurista:

    En las esculturas futuristas se intentará representar el movimiento. Para ello los planos se desarrollan en el espacio. Los pintores futuristas son también los escultores. Destacan Umberto Boccioni, quien más cultivó la escultura; Síntesis del dinamismo humano, Abstracción y Vladimir Tatlin; Monumento para la III Internacional.

    Escultura de hierro

    Se caracteriza por utilizar este material. Sus máximos representantes son Pablo Gargallo y Julio González.

    Bibliografía:

    http://pastranec.net/arte/sigloxx

    http://www.hspau.com

    http://galeon.com/historiasigloxix/SIGLOXX.html

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